Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française...
Eyjafjallojökull (2013) :
Lorsque l'éruption d'un volcan islandais bouleverse les plans d'Alain (Dany Boon) et de Valérie (Valérie Bonneton) - un couple de divorcés ne se supportant pas, et traversant l'Europe pour rejoindre la Grèce, où se déroule le mariage de leur fille - , le duo n'a d'autre choix que de faire route ensemble, pour le meilleur et surtout pour le pire...
Une comédie romantique reposant intégralement sur les épaules du duo Boon/Bonneton, qui fonctionne heureusement très bien, malgré une écriture globale pas à la hauteur : la caractérisation d'Alain et Valérie est très inégale (le personnage féminin écope de tous les défauts - menteuse, fourbe, mère absente, sarcastique, agressive - et des coups les plus bas, la rendant nettement plus antipathique que Boon), les personnages secondaires sont inexistants, et, outre quelques gags téléphonés, les disputes constantes des deux personnages rendent la première moitié du film assez fatigante.
D'autant qu'occasionnellement, se présentent des ruptures de ton, durant lesquelles les deux personnages tentent littéralement de se tuer dans des scènes à l'ultra-violence et au slapstick outranciers, qui tranchent énormément avec le "réalisme" du reste du métrage.
Cela dit, le film reste rythmé, et les acteurs sympathiques, donc...
Un 3/6 indulgent
Raid Dingue (2016) :
Fille du ministre de l'Intérieur (Michel Blanc), Johanna (Alice Pol) ne rêve que d'une chose : intégrer le RAID et devenir officier d'élite. Mais la jeune femme est maladroite et incapable. Jusqu'au jour où son père joue de ses contacts pour qu'elle rejoigne l'école de formation du RAID, où elle est placée sous la supervision d'Eugène Froissard (Dany Boon), un officier taciturne, machiste et misogyne particulièrement malchanceux et déprimé...
Une comédie écrite et réalisée par Dany Boon, qui se met donc en scène dans un rôle d'apparence relativement peu sympathique... mais ce n'est rien en comparaison de l'héroïne du film.
Alors que Johanna aurait dû être maladroite mais attachante, sympathique tout en étant malchanceuse, Alice Pol la surjoue complètement, et en fait une sorte de Mr. Bean au féminin, un véritable cartoon sur pattes, une idiote indisciplinée, bornée et insupportable qui fait des grimaces, sème la pagaille autour d'elle, provoque catastrophes sur catastrophes, etc, sans jamais paraître s'en apercevoir, ou s'en émouvoir, tant elle semble dans sa bulle.
Ça rend le personnage instantanément agaçant, et forcément, ça plombe une grosse partie de l'intérêt potentiel du film. Déjà qu'à la base, le surjeu est l'un des problèmes récurrents de ce film (Yvan Attal est lui aussi totalement calamiteux en grand méchant cabotin et travesti)...
Une héroïne antipathique, des problèmes évidents de rythme et de ton, des gags très faibles, une dernière partie mêlant romance forcée et action superflue, un Florent Peyre sous-exploité : ce n'est vraiment pas bon.
1.5/6
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Comme un Chef (2012) :
Depuis son divorce, Alexandre Vauclair (Jean Reno), grand chef parisien, a perdu toute inspiration. Et alors qu'il est sur le point de perdre son restaurant, il rencontre Jacky Bonnot (Michael Youn), un jeune amateur de grande cuisine au chômage, dont le talent hors-du-commun pourrait bien permettre à Vauclair de se refaire...
Une comédie typiquement française qui, si elle se regarde tranquillement (elle est d'ailleurs assez courte, 80-85 minutes tout compris), est aussi particulièrement basique et générique.
Youn est en mode mineur, Jean Reno et Julien Boisselier récitent parfois leur texte (la fameuse diction "à la française"), Issa Doumbia fait de la figuration, le script est nonchalant et cousu de fil blanc, et la scène des déguisements japonais est assez piteuse, mais bon, dans l'ensemble, c'est gentillet et inoffensif.
Un minuscule 3/6
(et encore, c'est en étant généreux, car je ne suis pas sûr que ça les vaille)
Les Têtes de l'Emploi (2016) :
Stéphane (Franck Dubosc), Cathy (Elsa Zylberstein) et Thierry (François-Xavier Demaison) sont trois employés de l'ANPE de Sablé. Jusqu'au jour où on leur annonce qu'ils vont être licenciés, car leur agence s'avère trop performante dans leur secteur : ils décident alors de trouver un moyen de mettre plus de personnes au chômage, afin de sauver leur agence et leur emploi...
En 2012, Jérémy Ferrari conçoit, avec deux co-scénaristes, une comédie noire et mordante sur le monde de l'emploi, qu'il compte réaliser et interpréter, le film devant à priori servir de véhicule à la bande des comédiens de l'émission On n'demande qu'à en rire. Mais entre 2012 et 2016, le script est acheté par une société de production, et connaît des révisions toujours plus importantes à mesure que des noms prestigieux s'ajoutent à la distribution, et demandent un droit de regard sur le scénario.
Débarrassé de son humour mordant et de sa méchanceté (ainsi que de Ferrari, même pas crédité au générique, et ayant depuis attaqué la production en justice pour avoir tourné le film sans son accord), le film s'avère désormais une comédie dramatique franchouillarde assez classique, pour ne pas dire banale, qui tente de jouer la carte de l'émotion et du drame social, pour finir par ne blesser personne, en offrant à tout le monde une fin à peu près heureuse.
En prime, on a une photographie terne et vaporeuse assez laide, un rythme inexistant, et une interprétation très inégale (certains surjouent, comme Demaison, d'autres sous-jouent, comme Dubosc).
Autant dire que je n'ai pas du tout accroché, surtout compte tenu de ce que le film aurait pu être...
1.75/6
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Vive la France (2013) :
Muzafar (José Garcia) et Feruz (Michaël Youn), deux gentils bergers du Taboulistan, un petit pays d’Asie centrale méconnu, sont recrutés par leur gouvernement pour faire connaître leur nation, en commettant un attentat à Paris, contre la Tour Eiffel. Mais une fois arrivés en France, les deux étrangers rencontrent la sympathique Marianne (Isabelle Funaro), journaliste, qui les prend sous son aile, et leur fait découvrir son beau pays...
Seconde réalisation de Michaël Youn (d'ailleurs à la co-écriture du film, là-aussi), cette comédie à mi-chemin entre Borat et We Are Four Lions s'avère une proposition de cinéma bancale, et assez difficile à cerner.
Le problème, en fait, c'est que le film ressemble plus à une carte postale, celle des vacances de Youn et de sa compagne (qui y met du sien, mais n'est pas particulièrement attachante ou intéressante, à l'écran) à travers la France : les paysages et les régions de France se succèdent, leurs habitants (toujours plus clichés et génériques) aussi, et le tout se déroule des plus mollement, sans grande inspiration, jusqu'à l'arrivée des deux immigrants à Paris.
Le peu de fond (sur l'immigration, la manière dont la France traite les étrangers, le terrorisme, le fanatisme, ou encore la mise en avant de ce que la France représente et a de bon) est totalement noyé dans l'accumulation de moments "tourisme", et dans un sens de l'humour bien trop sage et plat (les accents, les personnages de Youn et Garcia, leur pays d'origine, tout ça, ça ne fonctionne pas vraiment, ça ressemble à un sketch semi-improvisé et pas totalement abouti).
Le plus frustrant, dans tout ça, c'est vraiment le fait que Youn et Garcia n'ont finalement, au long du métrage, qu'une alchimie toute relative, qui fait que ce duo pourtant théoriquement explosif finit par décevoir (hormis quelques scènes plus sincères vers la fin).
Énorme bof, donc, et une déception certaine après Fatal.
2/6
Tout Schuss (2015) :
Écrivain égocentrique, immature et déjanté, Max Salinger (José Garcia) est contraint de s'improviser "parent accompagnateur" en classe de neige afin de récupérer son dernier manuscrit, que sa fille adolescente lui a dérobé, avant de partir au ski, pour se venger de son manque d'attention. Rapidement, entouré d'ados tous plus surexcités les uns que les autres, cette classe de neiges se complique pour l'auteur arrogant...
Comédie française à tendance colonie de vacances, plombée par un José Garcia en roue libre et en mode Jack Sparrow + Philippe Manoeuvre + Tony Stark + bobo parisien défoncé. En soi, pourquoi pas, ce personnage pourrait fonctionner dans un sketch, ou dans une comédie plus barrée, qui se serait mise au diapason de son interprétation.
Le problème, c'est que le reste du métrage tient plus de la comédie adolescente potache très classique et banale, avec un humour parfois graveleux, scatologique et bas-de-plafond, et des références étrangement vieillottes, qui trahissent l'âge des scénaristes. Cela crée donc un gouffre improbable entre Garcia et le reste de la distribution, et le film ne s'en remet jamais vraiment.
Un métrage raté, donc, qui ressemble fortement (en plus forcé) à ces comédies gentillettes mais totalement anecdotiques dans lesquelles Vince Vaughn ou Owen Wilson jouent occasionnellement, et qui tente, sans grande conviction, d'injecter un peu d'émotion dans tout ça, à grand renfort de piano mélancolique.
1.75/6
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Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française...
Fatal (2010) :
Fatal Bazooka (Michaël Youn) est un rappeur au sommet de sa gloire et de sa fortune... jusqu'au jour où Chris Prolls (Stéphane Rousseau), valeur montante de l'électro-pop, s'impose sur la scène musicale, et lui vole la vedette. Soudain ruiné et déchu de son trône, Fatal va devoir se ressourcer pour pouvoir retrouver l'inspiration, et remonter au plus haut.
Que dire de plus au sujet de Fatal, premier film écrit et réalisé par Michaël Youn, sur la base de son personnage de Fatal Bazooka, rappeur déjanté et trash conçu pour le Morning Live ?
Que c'est du grand n'importe quoi parodiant allègrement le monde du rap, de la musique, et s'inspirant ouvertement de multiples films américains, au premier lieu desquels Zoolander ?
Que c'est drôle, absurde, déjanté, très bien produit, à la réalisation dynamique, et aux personnages improbables (Jérome Le Banner en garde du corps/masseur refoulé, Stéphane Rousseau excellent en Chris Prolls vandammien ; bémol sur Isabelle Funaro en Athena Novotel trop transparente) ?
Le film est drôle, les morceaux mémorables, le parcours de Fatal convenu mais amusant (le retour aux sources en Savoie ^^), et si le rythme n'est pas parfait, l'humour parfois un peu lourd (mais bon, c'est inhérent au sujet et aux personnes impliquées), et si l'on sent un peu trop parfois le tournage au Québec (les accents de certains personnages secondaires), ça reste une réussite sympathique fourmillant de détails en tout genre.
4.25/6
Coursier (2010) :
Alors que Sam (Michaël Youn), coursier, doit assister à un mariage avec sa petite amie Nadia (Géraldine Nakache), le voilà embarqué dans une course de dernière minute, qui va se transformer en course-poursuite parisienne impliquant Sam, ses amis, et une organisation criminelle aux trafics en tout genre...
La première demi-heure de ce Coursier m'a fait très peur : ça ressemblait à une production Europa Corp basique, façon comédie policière d'action à la Taxi et en pilotage automatique, ça ronronnait, bref, ce n'était pas particulièrement intéressant, et j'avais l'impression que le couple Youn/Nakache était assez sous-exploité, et trop premier degré.
Et puis progressivement, à partir de la demi-heure, le métrage se décoince un peu, et laisse s'exprimer le potentiel comique de ses interprètes. Le rythme reste inégal, mais ça fonctionne tout de suite mieux, le film peinant à convaincre dans ses moments les plus sérieux.
Ça aurait donc pu être pire, et ça finit même par emporter l'adhésion grâce au capital sympathie de ses interprètes.
3.5/6
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C'est l'été, la Coupe du Monde bat son plein, et exceptionnellement, le blog des Téléphages Anonymes fait son bilan de juillet avec un peu d'avance, avant d'entamer un mois très spécial...
Pas grand chose à signaler, pour cette première quinzaine : un documentaire très dans l'air du temps, mais inégal (Girl 27), de l'action décérébrée (les G.I. Joe et The Debt Collector), de la comédie peu inspirée (Life of the Party et Super Troopers 2), un Pixar sous-estimé (Rebelle), et un documentaire biographique touchant (Owen - Hart of Gold).
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- Film de la quinzaine :
Mention spéciale au documentaire de la WWE sur Owen Hart, touchant, mais qui aurait mérité d'être plus long...
- Flop de la quinzaine :
Pas de vrai flop, même si The Debt Collector s'avère instantanément oubliable...
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# Petit écran :
Un seul week-end au programme, pour un bilan séries rapide à effectuer : une saison 2 de Hollywood Darlings anecdotique, mais amusante, une première moitié de saison militante et inégale pour Kimmy Schmidt, et la saison 1 d'Altered Carbon, à la fois racoleuse, bancale, et au potentiel inexploité, faute de scénaristes à la hauteur. Rien de bien marquant, en somme.
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# À venir :
Comme je l'avais annoncé lors du bilan de fin juin, ce mois de juillet est un mois un peu spécial sur le blog des Téléphages Anonymes, car dès demain, 14 juillet, nous allons nous intéresser à un genre qui n'est habituellement pas du tout représenté sur ce blog, celui de la comédiefrançaise.
En l'honneur de la Fête Nationale, de la Finale de la Coupe du Monde, ou que sais-je encore, les Téléphages Anonymes débranchent donc leur cerveau jusqu'au 19 août, pour un marathon de films comiques français (deux par jour, quatre le week-end, tout de même saupoudrés de quelques critiques de séries étrangères, histoire de respirer un peu) qui risque bien de laisser des séquelles...
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Rebelle (Brave) :
Merida (Kelly Macdonald), fille du roi écossais Fergus (Billy Connolly) et de la Reine Elinor (Emma Thompson), se moque bien de la vie de château, et des impératifs que lui impose son rôle de princesse. Elle n'a qu'une envie : partir à l'aventure, et développer ses talents d'archère... mais lorsque les traditions la rattrapent, et que plusieurs seigneurs locaux - Lord MacGuffin (Kevin McKidd), Lord Macintosh (Craig Ferguson) et Lord Dingwall (Robbie Coltrane) - se battent pour que l'un de leurs descendants épousent Merida, la jeune femme s'enfuit, et décide de demander l'aide d'une sorcière excentrique (Julie Walters) pour régler ses problèmes...
Un film d'animation réputé pour faire partie de ces Pixar mineurs et négligeables, plombé par une production chaotique, et supposément affublé d'un scénario insipide et générique lui valant souvent des critiques assassines... et pourtant, avec du recul et dans les faits, ce métrage n'est pas pire qu'un Raiponce, dont il se rapproche d'ailleurs assez notablement sur certains points.
Seulement voilà : Rebelle (titre français au demeurant hors-sujet puisque le film montre bien que la rébellion de l'héroïne ne mène à rien, alors que son courage, lui, y parvient) est un film essentiellement féminin dans ses thématiques. Ça parle du désir d'émancipation et d'aventure, du refus de se confirmer aux normes sociétales, des rapports mère-fille, et de plein d'autres choses pas forcément inédites chez Disney, mais qui ne parlent clairement pas de la même manière à un public masculin et à un public féminin. D'autant qu'ici, pas de Prince charmant, puisque tous les personnages masculins sont présentés comme des bouffons incapables, ou, au mieux, bas-de-plafond.
Faut-il y voir là une des raisons du rejet du film par certains ? Probablement, mais pas seulement. Car effectivement, l'écriture du métrage, sa symbolique un peu lourde et évidente, son "échelle" limitée (pas de grande épopée, mais une petite aventure locale), ainsi que son humour à géométrie variable (la sorcière, son corbeau, les trois frères), trahissent une écriture un peu compliquée, et manquant légèrement de cohésion.
Heureusement, visuellement, Rebelle est superbe pour son époque, l'animation est impeccable (l'animation de la mère/ours est vraiment réussie et drôle), la musique très appropriée, et le doublage anglo-saxon est idéal (j'avoue, j'ai toujours eu un gros faible pour l'accent de Kelly Macdonald, donc là, je suis aux anges). De plus, pour peu qu'on accroche un minimum au récit malgré sa forme assez classique, le tout passe comme une lettre à la poste, et s'avère même très divertissant.
Ce n'est clairement pas un classique instantané de Pixar, mais on est loin du ratage. Très loin, même.
4/6
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The Debt Collector :
Instructeur en arts martiaux, French (Scott Adkins) est contraint de travailler pour le redouté Tommy (Vladimir Kulich), un criminel local pour le compte duquel il doit jouer les chasseurs de créances. Pour ce faire, French est confié aux bons soins de Sue (Louis Mandylor), un ancien boxeur désabusé et nonchalant, qui le prend sous son aile et l'emmène de débiteur en débiteur, dans des opérations toujours plus violentes...
Film d'action du même réalisateur que Profession Tueur, déjà avec Scott Adkins, dont on retrouve la même décontraction, notamment dans l'interprétation d'Adkins, qui n'hésite plus à jouer la carte de la comédie, et du héros qui se fait progressivement démolir au cours du film.
On se retrouve ainsi devant un buddy movie pas désagréable à suivre, malgré des problèmes de rythme, d'interprétation et de prise de son, qui sont tous en dents de scie ; sans oublier une grosse métaphore bancale consistant en des images noir et blanc de vaches menées à l'abattoir, supposées symboliser le parcours du héros, et qui sont ponctuellement insérées, çà et là, tout au long du film : ça n'apporte pas grand chose, et ça se conjugue à une fin de métrage un peu bâclée (après plus de 80 minutes, soudain, French décide de laisser un débiteur partir : moins de 10 minutes plus tard, le film est terminé dans un bain de sang), qui fait que l'on ressort de tout ça assez frustré, malgré une illustration musicale pas inintéressante, et quelques caméos sympatoches (Kulich, Tony Todd, Michael Paré - mauvais comme un cochon)...
2.25/6
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Life of the Party :
Alors que sa fille Maddie (Molly Gordon) rejoint sa sororité universitaire pour sa dernière année de fac, Deanna (Melissa McCarthy) découvre que son mari la trompe et exige le divorce, la laissant sans le sou. Contrainte de reprendre ses études pour obtenir un diplôme, Deanna s'inscrit donc à la fac de sa fille et, rapidement, elle devient la mère poule de sa sororité, et de toutes les jeunes femmes excentriques qui la composent (Gillian Jacobs, Jessie Ennies, Adria Arjona...).
Tammy et The Boss, les deux collaborations précédentes de Melissa McCarthy et de Ben Falcone, son mari réalisateur et co-scénariste, étaient tout sauf convaincantes : numéro habituel de "grosse vulgaire et provoc qui cache un fond sensible" de McCarthy, rythme particulièrement inégal, seconds rôles sous-exploités... la formule était récurrente, et de moins en moins convaincante de film en film.
Ici, changement de programme : McCarthy ne joue plus ce personnage habituel brut de décoffrage, mais celui d'une mère de famille affectueuse, au débit de parole épuisant, mais étrangement douée en tout. Sa fille l'aime, et se remet rapidement de l'embarras causé par la présence de cette quadragénaire envahissante ; toutes les filles de la sororité l'accueillent à bras ouverts ; elle est excellente en classe, elle danse parfaitement et met à l'amende ses rivales lors de la soirée 80s, elle s'entend parfaitement avec tout le monde, est la chouchoute de son professeur, et une fois son relooking moderne fait par sa fille en trente secondes chrono, elle séduit en un claquement de doigt un jeune étudiant charmant, qui devient son amant, et à qui elle fait découvrir les plaisirs d'ébats sexuels (forcément) hors-du-commun.
Difficile de s'intéresser à ce personnage qui ne rencontre pas grand obstacle durant le film, et surmonte sans problème le peu de problèmes qui se pose au fil de ce récit assez mou et générique.
Malgré de multiples visages familiers à l'écran (Maya Rudolph, en surjeu total ; Christina Aguilera, qui vient faire sa promotion ; Debby Ryan, qui porte bien le spandex 80s ; Chris Parnell, Nat Faxon et Stephen Root, qui passent dire bonjour ; Julie Bowen, dans le rôle de la maîtresse du mari ; Heidi Gardner du SNL en goth), le tout se déroule à un rythme mollasson et nonchalant, sans jamais s'avérer particulièrement drôle ou original, et la plupart des personnages secondaires ne sont là que pour une poignée de vannes, et pour servir de toile de fond à McCarthy, et à sa relation avec sa fille.
Beaucoup trop de moments improvisés (ou qui auraient mérité d'être raccourcis au montage), un bon quart d'heure superflu, des bons sentiments jamais contre-balancés par des idées, de la folie ou des moments plus mordants, bref, ça tourne à vide, sans toutefois atteindre un niveau insupportable ou agaçant : c'est simplement totalement insipide et inoffensif, malgré toute l'énergie que Melissa McCarthy y met.
2.75/6
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Owen - Hart of Gold :
Documentaire WWE d'une petite heure à peine retraçant la carrière d'Owen Hart, de ses débuts au Canada, dans les années 80, à sa mort tragique, dans le ring, en 1999, et alternant interviews de tout le roster (actuel et d'époque) avec de nombreuses vidéos d'archive de matches, de promos et autres moments de la carrière du catcheur.
Un peu trop court pour être totalement convaincant et exhaustif, mais vu que la veuve d'Owen Hart refuse toujours d'apporter sa coopération et de donner son autorisation à de tels documentaires, c'était probablement là ce que la WWE pouvait produire de mieux, compte tenu des circonstances.
Et honnêtement, c'est loin d'être honteux : on a un aperçu assez détaillé de la carrière d'Owen, de sa personnalité, de ses motivations, et si on aurait pu se passer des interruptions "Owen Tales" qui ponctuent chaque fin de chapitre (ce sont tout simplement des anecdotes illustrant le sens de l'humour d'Owen, mais elles ont un peu tendance à casser le rythme et le format du documentaire), ça reste un portrait assez réussi d'un lutteur ultra-talentueux et polyvalent, trop souvent resté dans l'ombre de son frère aîné, et dont la disparition, survolée à la fin du métrage, parvient à émouvoir le spectateur, presque autant qu'elle émeut encore clairement les athlètes ayant connu Owen.
Imparfait, mais dans l'ensemble assez intéressant.
4/6
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Super Troopers (2001) :
À Spurbury, dans le Vermont, une guerre implacable fait rage entre la brigade de la police municipale (Daniel von Bargen, Marisa Coughlan, James Grace, Michael Weaver, Dan Fey), sérieuse et professionnelle, et la bande de bras cassés de la police de la route (Brian Cox, Jay Chandrasekhar, Paul Soter, Steve Lemme, Erik Stolhanske, Kevin Heffernan). Mais lorsque l'escouade de la police routière se trouve sur la sellette, cette troupe de fêtards incapables n'a d'autre choix que de mettre fin à un trafic de drogues bien réel si elle veut éviter d'être mise au chômage...
Généralement, j'ai de la sympathie pour la bande des Broken Lizard, mais je suis le premier à admettre que leur production cinématographique est des plus inégales (mon chouchou restant Club Dread, que j'apprécie un peu plus à chaque vision). À l'occasion de la sortie (et de la critique) du second opus des Super Troopers, j'en profite donc pour revenir sur le premier épisode, sorti il y a déjà 17 ans, et qui était alors le second long-métrage de la troupe, après un Puddle Cruiser confidentiel et tourné sur le campus de leur université.
Et je dois bien dire que Super Troopers, à contrario de Club Dread, a tendance à passer un peu moins bien à chaque fois que je le revois. Ça reste sympathique à regarder, Marisa Coughlan est toujours attachante, mais il reste des problèmes assez notables de rythme (ça commence mollement, ça prend de la vitesse, ça commence à bien fonctionner, et puis ça s’essouffle dans la dernière demi-heure, malgré le passage film de casse à compte à rebours qui aurait dû dynamiser le tout et lancer un dernier tiers plus nerveux), et un humour assez inégal à de nombreux niveaux.
Rien de calamiteux, mais rien de très mémorable non plus, malgré le statut de film culte de ce Super Troopers.
3/6
Super Troopers 2 (2018) :
Revenus à la vie civile après un incident ayant mené à la mort de Fred Savage, les ex-officiers de la patrouille routière de Spurbury sont contactés par leur ancien supérieur (Brian Cox) et par le Gouverneur du Vermont (Lynda Carter), qui leur confie une nouvelle mission : reprendre du service en tant que police de la route à la frontière avec le Canada, frontière qui est sur le point d'être étendue vers le nord pour y intégrer une petite ville locale. Mais entre leurs rivalités internes, les différences entre Canadiens et Américains, et l'hostilité de la police montée canadienne (Tyler Labine, Will Sasso, Hayes MacArthur), cette bande d'incapables a bien du mal à remplir sa mission... jusqu'à ce qu'ils tombent sur un trafic d'armes et de drogues des plus sérieux.
17 ans après, on prend les mêmes, et on recommence, avec un film partiellement financé de manière participative, et donc fait pour les fans, avec l'argent des fans. Le fanservice est donc à l'ordre du jour, puisque l'on retrouve ici tous les participants du film original, que ce soit au niveau des rôles principaux, ou des caméos (Jim Gaffigan, Lynda Carter), pour un résultat malheureusement décevant, car particulièrement redondant.
En effet, ce Super Troopers 2 répète (volontairement) bon nombre des gags et de la structure du premier film, en saupoudrant le tout de nombreuses vannes sur le Canada et de préjugés raciaux qui rappellent malheureusement beaucoup trop toutes les vannes canadiennes de South Park.
Cela dit, les Canadiens (le trio de mounties, les autochtones, mais aussi Emmanuelle Chriqui, et Rob Lowe en maire canadien) en ont autant à l'intention des Américains, donc ça équilibre un peu, à défaut d'être très original.
Et si le reste du film est un peu mieux structuré que l'original, il se déroule mollement, avec quelques moments amusants (l'arrestation d'un véhicule en faux français), quelques clins d'oeil aux autres films Broken Lizard (la musique de Club Dread), quelques idées de trop (les 10 minutes d'introduction onirique qui sont clairement superflues, et ne sont là que pour caser une apparition de Damon Wayans Jr. et de Seann William Scott), des gags qui tombent à plat, et des sous-intrigues qui ne fonctionnent pas trop (Chandrasekhar qui prend des contraceptifs/hormones féminines, ça évoque Kevin Nash dans Mi-temps au Mitard).
Ça tente bien un gros final plein d'action, mais bon, au final, en dépit du fait que le film s'inscrive totalement dans la continuité du précédent, il s'avère presque moins mémorable que l'épisode original...
2.75/6
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Deuxième (et dernière ?) saison de huit épisodes pour cette sitcom mockumentaire mettant en scène Christine Lakin (Notre Belle Famille), Jodie Sweetin (La Fête à la Maison) et Beverley Mitchell (7 à la Maison), amies dans la vie, et anciennes stars du petit écran américain.
Hollywood Darlings - saison 2 :
Nouvelle fournée d'épisodes pour cette série, donc, qui met ici totalement de côté son aspect "documentaire parodique" (finies, les interviews face caméra) pour aller ouvertement en direction d'une sitcom de plus en plus décomplexée, qui permet aux trois actrices de se lâcher, et à Lakin d'être notamment accompagnée par son époux (Brandon Breault), dans son propre rôle.
Au programme, cette année, toujours des caméos de multiples visages familiers des années 80-90 - Marla Sokoloff (La Fête à la Maison), Will Friedle (Incorrigible Cory), Soleil Moon Frye (Punky Brewster), Matthew Lawrence (Incorrigible Cory), Liam Kyle Sullivan (Touche pas à mes filles), David Lascher (Petite Fleur), Jordan Christopher Michael (La Fête à a Maison), Tatyana Ali (Le Prince de Bel-Air) - et des intrigues toujours plus improbables.
En vrac, on a ainsi un épisode flashback, relatant la rencontre des trois amies à l'occasion du passage à l'an 2000 (avec chorégraphie en prime) ; Lakin qui se fait passer pour morte afin de profiter du buzz internet autour de son nom ; les trois filles qui découvrent que la nounou de Beverley est une ex-porn star, et qui tentent de lui donner des cours de comédie ; Lakin et Mitchell qui se croient victimes d'une malédiction lancée par de jeunes sorcières ; ou encore une parodie de Big Little Lies, sur une fête d'anniversaire qui tourne mal...
À nouveau, comme pour la saison 1, rien de vraiment exceptionnel, mais le tout est mené avec tellement de bonne humeur et d'énergie - et le trio semble tellement bien s'entendre - que la série se regarde d'une traite, et que l'on passe un bon moment.
Un moment anecdotique, certes, mais un bon moment tout de même.
La première moitié de saison d'Altered Carbon a été très loin de me convaincre : clichés énormes, nudité gratuite, action très moyenne, écriture faible, distribution très inégale... bref, la série a encore beaucoup d'efforts à faire si elle veut me convaincre avant la fin de sa première saison.
Altered Carbon, saison 1 (2018) - suite et fin :
- 1x06 : Alors qu'Ortega se remet à peine de l'assaut du Ghostwalker, Kovacs explique aux Bancroft les exactions de leur fils, mais Carnage rôde, bien décidé à amener Ortega et Kovacs à se battre pour lui...
Un épisode plus court (moins de 45 minutes), mais pas bien meilleur, à vrai dire.
D'un côté, le traitement psychique de la fille de Vernon Elliot par Poe ne sert pour l'instant pas à grand chose, mais parvient à rendre Vernon assez antipathique. De l'autre, la résolution de la sous-intrigue du fils Bancroft, et ses conséquences.
Là, premier problème : le fiston Bancroft est assez mauvais, et prend des postures un peu théâtrales ; ajoutez à cela une écriture toujours aussi pataude (entre les micro-flashbacks sur l'enfance de Kovacs pour ponctuer les conflits familiaux des Bancroft, et la tentative de créer un semblant de tension lors de la colère de Bancroft, pour faire croire au spectateur qu'il va frapper son fils avec un tisonnier, alors que sa cible réelle est évidente, c'est un festival), et on se retrouve avec un morceau d'épisode assez anecdotique.
Reste alors le gros morceau Carnage. Matt Frewer en fait trois tonnes, mais ce n'est pas bien grave ; Byron Mann ne fait que de la figuration, passe encore (le vrai problème, c'est qu'il est nettement plus charismatique que l'acteur qui interprète le Ghostwalker, et que les deux rôles auraient dû être inversés) ; le combat mal filmé dans l'arène contre des monstres risibles, semblant sortis de Buffy, et qui arrive pile après qu'Ortega ait été upgradée à la Misty Knight (quelle coïncidence bien pratique !), ça commence à coincer.
Et là où ça s'effondre, en fait, c'est lorsque Dichen Lachman débarque en ninja badass, que la réalisation semble soudain se rappeler comment cadrer une scène d'action... mais que le tout est illustré par une reprise particulièrement mauvaise d'un morceau de White Zombie, qui fait vraiment tache... bien tenté, mais raté.
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- 1x07 : Alors que Kovacs se remet auprès de sa soeur Reileen (Dichen Lachman), il se remémore son passé dans la résistance et dans le Protectorat...
Un épisode de 66 minutes bourré de flashbacks, ça laissait augurer du pire.
Et effectivement, il y a pas mal de redondances avec des flashbacks déjà vus, de moments qui font lever les yeux au ciel (la romance Tak/Quell, les platitudes que celle-ci assène à ses "disciples", son côté Morpheus du pauvre, la "jalousie" de Reileen), et de facilités scénaristiques qui ont tendance à télégraphier la suite de l'intrigue (tout ce qui a trait à la sœur de Takeshi, notamment : à force de lui faire dire encore et encore que le lien familial entre elle et Tak est plus important que tout, forcément, on devine une trahison inévitable à un moment ou à un autre).
Cela dit, le budget est là, et sorti de la ville ultra-moderne, le show semble trouver un second souffle, avoir plus de place pour respirer, et pour mettre en valeur des décors naturels intéressants. Finalement, ces 66 minutes passent mieux que je ne le redoutais, et les scènes d'action empêchent que l'on ressente un peu trop la durée de l'épisode.
Dommage que la réalisation soit assez inégale, avec des effets et gimmicks visuels parfois inutiles, qui viennent parasiter ce qu'il y a à l'écran. Mais dans l'ensemble, c'est probablement l'un des épisodes les plus homogènes et satisfaisants.
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- 1x08 : Tandis que, de son côté, Ortega tente de découvrir qui est la femme qui a sauvé Kovacs, ce dernier réunit tous les suspects du meurtre de Bancroft, et identifie son avocate (Tamara Taylor) comme la coupable du crime...
Un épisode assez quelconque, ayant son lot de grosses ficelles (Kovacs qui tente de repousser Ortega en lui mentant et en la rendant triste, c'est un grand moment de facepalm), de remplissage (je ne suis toujours pas certain de l'intérêt intrinsèque du personnage de Vernon et de sa famille, qui semblent plus fonctionnels qu'autre chose, et ne semblent là que pour déboucher sur une implantation de Lizzie dans une nouvelle sleeve, pour en faire une guerrière badass au moment où Kovacs en aura le plus besoin) et de moments ratés (la grande découverte de Kovacs qui comprend enfin la vérité sur la Tête dans les Nuages, à grands renforts de caméra tourbillonnante et de flashbacks auditifs, ça tombe affreusement à plat) mais qui, dans l'ensemble, permet d'avancer un peu (le côté Agatha Christie de la réunion est amusant), et s'avère surtout un prélude au "naked fight" opposant Ortega aux clones de Reileen.
Une scène courageuse de la part de Dichen Lachman, mais qui souffre d'une réalisation comme souvent très inégale, et d'une caractérisation d'Ortega assez agaçante - elle a de la chance d'avoir récupéré un bras bionique très récemment (quelle coïncidence - bis !) parce que sans lui, elle aurait déjà été tuée à plusieurs reprises, tant elle semble idiote et tête brulée.
- 1x09 : Après le massacre de toute la famille Ortega par le Ghostwalker aux ordres de Rei (qui retient Ortega prisonnière), Kovacs et ses alliés mettent au point un plan improbable pour infiltrer la Tête dans les Nuages.
Les choses se concrétisent un peu, mais malheureusement, cela se fait toujours à grands renforts de facilités et de ficelles narratives énormes qui gênent plus qu'autre chose : en vrac, on peut citer la narration déstructurée, uniquement là pour permettre quelques ellipses ; la scène de bain et de nudité ultra-racoleuse ; le sac qui se déchire à l'arrivée de Kovacs sur la Tête, et qui se vide intégralement de son contenu (armes, etc), mais par chance, l'objet indispensable à la mission est toujours là ; le double sleeving de Kovacs, bricolé en trois minutes dans une chambre d'hôtel, et qui tue tout suspens quant à la survie de ce dernier sur la Tête ; le compte à rebours inutile, uniquement là pour imposer un rythme forcé à la mission...
Bref, inutile de chercher de la subtilité et de la finesse dans l'écriture, ou, à nouveau, dans l'illustration musicale (avec une reprise pataude et hors-sujet de Johnny Cash durant la découvertes des cadavres de la famille Ortega, et ce qui suit).
Cela dit, ça continue d'avancer un peu, ce qui donne l'impression de quelque chose de plus réussi et efficace que certains des épisodes préalables, c'est toujours ça de pris.
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- 1x10 : Pris au piège de sa sœur, Kovacs l'affronte une dernière fois, alors que son enquête touche à sa fin.
Première réaction : Ortega ne sert vraiment à rien de plus qu'à être un love interest/une princesse à secourir, et visiblement, la seule raison pour laquelle le Ghostwalker a été physiquement aussi peu mis en valeur ou rendu impressionnant/menaçant, durant cette saison, c'était pour rendre crédible le moment où Ortega (qui ne dépasse probablement pas le mètre 55) le démolit.
Mouais. Comme beaucoup de choses dans cette série, on a l'impression que les showrunners ( ou l'auteur du roman ?) avaient une idée précise, un objectif, un moment, une scène "cool" en tête (Ortega qui élimine à mains nues l'assassin de sa famille ; les trois Elliot qui détruisent ensemble la Tête dans les Nuages ; Lizzie en Trinity du pauvre vêtue de latex qui tue des méchants ; Ortega qui contre les coups de katana avec son bras...), et qu'ils se sont alors pliés en quatre pour y arriver, quitte à passer par un maximum de facilités et de rebondissements rétroactifs indignes d'un programme de "prestige tv".
"Peu importe que le déroulement de l'intrigue soit capillotracté, bâclé, délayé ou improbable, tant qu'on arrive où l'on veut arriver", en somme. Ce qui est un problème assez récurrent chez certains scénaristes manquant d'imagination et/ou de talent.
Le parcours de Lizzie est ainsi assez symptomatique : après une saison entière durant laquelle son père, sa mère, et sa thérapie n'ont été qu'un enchaînement constant de développement inabouti et de moments forcés par les scénaristes, sans surprise, elle se réincarne en une sorte de Trinity du pauvre, vêtue de latex, et elle démolit du méchant sur fond de pop rock insipide, avant d'avoir droit à un happy end narré en voix off... mouais. Tout ça pour ça.
L'enquête globale de Kovacs succombe aussi à ce problème : non seulement l'affaire est-elle assez quelconque, au final, mais en plus, le récit semble se contorsionner pour déboucher sur une classique confrontation du détective avec tous les suspects (scène à laquelle on a déjà eu droit il y a quelques épisodes). Pas forcément indispensable, franchement.
D'ailleurs, tout ce qui se produit après la destruction (spectaculaire) de la Tête dans les Nuages tombe gentiment à plat : abus de Quell et de platitudes débitées en voix off, manque de rythme, manque d'enjeux pour Kovacs, reprise finale de Johnny Cash qui achève d'agacer...
Bref, on préfèrera oublier les grosses ficelles et les dialogues maladroits, pour rester sur la bonne impression d'un duel au katana façon Highlander, plutôt efficace malgré des bruitages un peu trop présents (et malgré le cliché de ces asiatiques qui se battent tous au katana, forcément, puisqu'on est décidément en plein dans les stéréotypes...).
-- Bilan global --
Tout ça pour ça.
C'est vraiment tout ce qui me vient à l'esprit à la fin de cette saison. 10 ans de gestation cinématographique, une hype démesurée, un budget conséquent, et voilà : on aurait pu s'attendre à quelque chose de plus travaillé, de plus original, de plus développé thématiquement, de plus pertinent... mais non.
On se retrouve avec une série de cyberpunk ultra-basique, qui enchaîne tous les clichés possibles et imaginables du genre (comme autant de madeleines de Proust pour les fans de ce style littéraire) de la manière la plus plate et générique possible, et enveloppe le tout dans un rendu visuel clinquant et efficace, en espérant qu'une bonne dose d'effets numériques, d'atmosphère dérivative, et de nudité, parvienne à faire passer le tout comme une lettre à la cyber-poste.
Mouais.
Alors encore une fois, j'ignore totalement si les nombreux défauts que je trouve à l'écriture de la série sont hérités - ou non - du livre original. Cela ne m'étonnerait pas forcément, mais dans le doute, je ne peux que me baser sur ce que j'ai eu sous les yeux : un enchaînement de personnages clichés et de péripéties cousues de fil blanc, qui survole ses thématiques pour leur préférer de l'action moyennement filmée, une mise en image poseuse et de la nudité gratuite.
J'ai lu que la showrunneuse affirmait que la nudité de sa série n'était pas gratuite, qu'elle participait au rapport détaché et désacralisé des personnages vis à vis de leur chair, et qu'elle avait pris grand soin de mettre en scène une nudité égalitaire : permettez-moi de rire, puisque la nudité d'Altered Carbon est à 80% féminine, et qu'elle reste globalement racoleuse.
D'un autre côté, la distribution n'aide pas vraiment la série : une grosse partie du casting manque cruellement de charisme, et ne parvient pas à transcender les archétypes que sont leurs personnages, ou les dialogues bancals qui leur sont confiés (même Dichen Lachman, pour qui j'ai énormément de sympathie, galère un peu de temps à autre). D'autres (Martha Higareda, en fait) jouent comme dans un soap mexicain, tout en postures exagérées, et en expressions forcées.
Bref, on peut résumer les problèmes d'écriture de la série à une absence totale de subtilité... qui n'est pas forcément surprenant lorsque l'on regarde le cv des scénaristes de cette série : outre la showrunneuse, on trouve là énormément de scénaristes peu expérimentés, ou issus de programmes rarement remarqués pour la qualité et l'originalité de leur écriture dramatique.
Vraiment dommage qu'une telle débauche de moyens visuels et financiers ait été consacrée à un programme à l'écriture aussi médiocre.
(retrouvez aussi sur ce blog la critique des épisodes 1x01-05)
Dernière et ultime saison pour cette sitcom supervisée par Tina Fey, une saison découpée en deux parties, dont la première moitié (six épisodes) a été diffusée à la fin du mois de mai dernier.
Les bilans de Lurdo : Unbreakable Kimmy Schmidt - Saison 4.1 :
4x01 :Kimmy, en charge des ressources humaines de la startup où elle travaille, est accusée de harcèlement sexuel par un employé qu'elle devait renvoyer ; Jacqueline et Titus inventent un show tv fictif pour gonfler le CV de l'acteur ; Lillian tente de répandre les cendres d'Artie.
Un reprise pas désagréable, qui commence par un pseudo-générique de sitcom façon années 80-90, continue avec des sous-intrigues à l’intérêt inégal, place un caméo de Greg Kinnear, et se rattrape bien sur la fin, avec des résolutions systématiquement improbables de ses sous-intrigues.
4x02 :Lillian et Jacqueline essaient de résoudre les problèmes d'appartement de cette dernière, tandis que Titus tente d'écrire le pilote de sa "série", et que Kimmy découvre le binge-watching, ainsi que le concept de white privilege...
Quelques moments vraiment absurdes et amusants, et dans l'ensemble, le début d'une tendance plus militante et activiste pour Kimmy, tendance qui, sans être forcément inédite ou originale, ne fait que se renforcer dans le reste de la demi-saison.
4x03 :Kimmy et Titus regardent un documentaire "Netflix" réalisé par un DJ, qui tente de prouver l'innocence du Révérend...
Un pastiche intégral des documentaires criminels Netflix, vraiment très réussi sur la forme ; j'émettrai cependant beaucoup plus de réserves sur le fond, puisque les scénaristes ont ici la main très lourde sur la rhétorique anti-Trump, sur les caricatures d'incels, sur les clichés de la masculinité toxique, et sur les activistes des droits des hommes (ici représentés par Bobby Moynihan).
En soi, c'est pertinent, c'est opportun, c'est toujours bienvenu, et tout et tout... mais honnêtement, ça me fatigue d'entendre toujours la même chose, et surtout, ça manque d'originalité et de nouvel angle d'attaque. Peut-être que si Fey avait elle-même écrit le script, ça serait mieux passé... ou pas.
4x04 :Kimmy et Lillian partent pour une convention commerciale technologique, où Kimmy fait une rencontre ; Jacqueline, elle, décroche un rôle pour Titus dans une pièce d'utilité publique à destination des écoles.
Ah, bah en parlant de clichés, le monde des nerds et des technologies vu par Fey et compagnie, ça ne vole pas bien haut. Idem pour le harcèlement scolaire.
Ça reste amusant, cela dit, même si la prise de conscience de Titus sera probablement oubliée dès le prochain épisode, si la leçon de vie de Lillian sur scène vaut principalement pour tous les quiproquos qui la précèdent, et si le côté "Kimmy rencontre un homme, mais forcément, c'est une ordure" commence à faire beaucoup dans le genre...
4x05 : Titus tente de monter une représentation scolaire de la Belle et la Bête, pour laquelle Jacqueline et Lillian vendent des places à un public de hipsters (Zosia Mamet...) ; Kimmy, elle, se confronte à Fran (Moynihan), avant de prendre conscience du sexisme des contes de fées.
À nouveau, avec le personnage de Fran, on retombe dans le discours anti-mra/pro-#metoo qui me lasse franchement (en dépit de sa pertinence) et qui ne me fait pas vraiment rire.
Là, en prime, on a droit à une Kimmy en mode militante qui s'indigne de la Belle et la Bête et des princes de contes de fées, comme une utilisatrice de tumblr qui découvrirait le féminisme 2.0 et se lancerait dans une tirade particulièrement éventée.
Heureusement, tout autour, les vannes continuent à fuser et à faire mouche, mais ce fond revendicatif me fatigue un peu.
4x06 :Lillian est embarquée dans une histoire d'héritage la confrontant aux enfants d'Artie (Busy Philipps, Josh Cooke), pendant que Kimmy retrouve son sac à dos et décide de changer le monde en s'adressant aux petits garçons au travers d'un livre de fantasy ; Jacqueline, elle, doit faire face à la grossesse inattendue de Xan, abandonnée par son petit-ami...
Tina Fey revient à l'écriture (enfin, à la co-écriture), et... je dois dire que je n'ai pas particulièrement accroché à cet épisode. Principalement parce que les deux sous-intrigues principales, celle de Jacqueline et de Lillian, ne m'ont pas intéressé le moins du monde (je l'ai déjà dit, mais Lillian, Xan et Jacqueline sont loin d'être mes personnages préférés) et, dans le cas de Xan, c'est encore l'occasion d'en rajouter une couche sur le #metoo, avec un commentaire sur les femmes qui ne sont jamais crues par la société quand elles sont victimes d'une ordure, etc.
Ajoutez à cela une Busy Philipps qui semble là pour rester (mouais, sans plus), et un moment très sombre (trop sombre ?) durant lequel Kimmy est sur le point d'enterrer son âme d'enfant, et on se retrouve avec un mid-season finale en demi-teinte.
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Une demi-saison engagée, quasiment militante dans ses thématiques, et qui surfe sur le mouvement #metoo, pour confronter Kimmy aux horreurs de la société moderne et du genre masculin, afin de la forcer à grandir et à murir.
Ce qui, comme je l'ai mentionné plus haut, a un peu tendance à me fatiguer, principalement parce que ce n'est pas fait avec une grande finesse ou une grande subtilité.
De même, cette prise de conscience et ces thématiques imposent un ton un peu plus sombre et désenchanté aux mésaventures de Kimmy. Ce n'est pas forcement une mauvaise chose si Fey & co doivent boucler la boucle à la fin de la saison, mais ça signifie aussi que le tout n'est plus aussi rafraichissant et optimiste qu'avant - et que Kimmy semble parfois reléguée au second plan de ces épisodes.
Cela dit, le tout fourmille toujours de gags et de blagues percutantes et inattendues, c'est toujours assez agréable à suivre, et la distribution est toujours impeccable. Néanmoins, un peu comme 30 Rock en son temps, il est peut-être temps que la série touche à sa fin, avant que le niveau global ne continue à baisser lentement, mais surement.
Adaptation Netflix d'un roman de science-fiction cyberpunk à succès, Altered Carbon est le bébé de Laeta Kalodigris, showrunneuse de Les Anges de la Nuit (aïe), scénariste de Pathfinder (aïe, bis), co-productrice exécutive du reboot de Bionic Woman (ouhlà), et scénariste de Shutter Island et de Terminator Genisys (*soupir*).
Un CV et une décennie de development hell cinématographique qui, ajoutés aux défauts habituels des séries Netflix, laissent d'office craindre le pire, malgré le budget conséquent de la série, et la promotion en grande pompe du programme par la chaîne...
Tentons néanmoins de mettre tous ces à-prioris de côté, et abordons ces 10 épisodes d'une heure d'une manière la plus objective possible : après tout, on n'est pas à l'abri d'une bonne surprise, dans ce genre trop peu exploité sur le petit et le grand écran.
Altered Carbon, saison 1 (2018) - première partie :
- 1x01 : Dans un futur lointain, Takeshi Kovacs, un criminel doté de capacités hors-du-commun, se réveille dans un nouveau corps (Joel Kinnaman) 250 ans après avoir été arrêté, et découvre que Mr Bancroft (James Purefoy), richissime, voudrait qu'il enquête sur son meurtre...
Un premier épisode qui mise totalement sur ses visuels et ses effets spéciaux pour éclipser le fait que l'univers est assez dérivatif et générique, dans le genre cyberpunk, et que le script est assez lourd en exposition.
Et ça fonctionne plus ou moins, puisque l'heure de métrage passe assez vite, malgré des clichés inévitables, et une distribution assez quelconque - Kinnaman n'a pas un charisme exceptionnel, la fliquette ne me semble pas toujours très juste, et tant Dichen Lachman que Tahmoh Penikett ne font que de brèves apparitions...
Bref, le postulat n'est pas inintéressant, mais il faudra voir comment ça évolue.
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- 1x02 : Kovacs mène l'enquête sur le meurtre de Bancroft, tandis qu'Ortega (Martha Higareda), elle, le suit à la trace...
Une enquête basique, digne des Experts, de la nudité gratuite et vraiment racoleuse, digne d'HBO (assez hypocrite, qui plus est, entre les femmes qui sont toutes en full frontal, Purefoy qui se déshabille joyeusement sans hésiter, et Kinnaman qui joue au grand jeu du "quel objet va cacher mon sexe dans quel plan ?"), de l'action mollassonne et mal filmée, des grosses ficelles évidentes, une illustration musicale pataude (le saxophone pendant la scène de sexe), bref... un épisode assez quelconque et trop long pour ce qu'il raconte.
La fliquette est notamment vraiment un personnage blindé de clichés (la religion, sa mère, etc), et qui suscite instantanément l'ennui.
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- 1x03 : Bancroft organise une soirée exclusive dans son manoir, où sont réunis tous les suspects de son meurtre : l'occasion rêvée pour Kovacs de mener l'enquête, avec l'aide de Vernon (Ato Essandoh)...
Ouhlà... je ne sais pas quelle part de cette épisode était dans le roman original, et quelle part est du fait des scénaristes, mais j'ai passé la moitié de l'épisode à pousser de grands soupirs atterrés devant tant de clichés et de grosses ficelles caricaturales.
À commencer par le flashback d'ouverture animé (à la fois inutile et affreusement convenu au niveau de la caractérisation des deux enfants), jusqu'au combat en apesanteur (au câblage médiocre et voyant, et à la chorégraphie faiblarde), en passant par l'écriture de toute la haute société bourgeoise de ce monde (de la grosse caractérisation grossière et pataude), le background de la fliquette (avec le collègue "qui a promis à son père de veiller sur elle" = qui ne passera probablement pas la saison... *soupir*), le flashback de Kovacs & Quell, etc, etc, etc
Alors certes, l'argent investi dans la série se voit plus ou moins à l'écran (encore que : le combat en apesanteur, à nouveau, faisait ultra-fauché, et certaines des armes ressemblent trop à des jouets en plastique recouverts de peinture métallique, sans poids ni usure, pour être convaincantes...), les interactions entre Poe et Kovacs sont amusantes, et l'apparition finale de Michael Eklund fait toujours plaisir, mais j'ai vraiment eu beaucoup de mal avec cet épisode.
- 1x04 :Capturé par Dimi 2 (Mickael Eklund), Kovacs est torturé psychiquement par ce dernier dans un laboratoire indépendant, pendant que Ortega, elle, fête le Dias de la Muerte avec sa famille...
Un épisode un peu plus court que les précédents, et ce n'est pas un mal, car 45 minutes de pseudo-torture porn psychique à l'issue télégraphiée, entrecoupées de flashbacks insipides et pontifiants au possible entre Kovacs et Quell (je ne sais pas si c'est l'actrice, son look ridicule façon Zion du pauvre, ses dialogues, la pseudo-romance à la symbolique pataude, ou son manque cruel de charisme, mais le personnage ne fonctionne pas du tout à mes yeux), c'est beaucoup trop, et j'ai fréquemment eu envie de faire autre chose à côté.
Il restait bien quelques moments amusants au niveau du Jour des Morts, de Poe et de la famille de la fliquette (même si c'était là du remplissage flagrant, et du world-building maladroit), ainsi qu'un caméo d'Adam Busch en technicien de la police, mais ça ne faisait clairement pas le poids face à tout le reste, et notamment face à la manière risible dont le réveil de Kovacs et l'évasion bourrine ont été mis en image sur fond de pop-rock tonitruante, face à l'interprétation très inégale de Martha Higadera (jamais très crédible en fliquette badass), et face à la révélation finale, à nouveau lourde et clichée.
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- 1x05 : L'enquête de Kovacs continue, mais elle se complique maintenant qu'il sait qu'il habite l'enveloppe corporelle d'Elias Ryker, l'ancien partenaire et amant d'Ortega...
Un épisode qui ronronne beaucoup, puisqu'il est principalement centré sur l'enquête de Kovacs - en partie résolue, de manière grandement prévisible - et sur le rapprochement de Kovacs/Ortega, avec trois tonnes de flashbacks sur la demoiselle et sur sa vie avec Ryker.
C'est assez lourd en exposition, histoire de relancer l'intrigue pour la seconde moitié de saison, on évite heureusement les flashbacks de Kovacs sur Quell & compagnie, et on a droit à de la nudité gratuite et à une scène d'action assez médiocre dans l'ascenseur (avec sacrifice inévitable d'un personnage secondaire inutile, et cliché honteux de l'arme à court de balles)... pas particulièrement passionnant, mais bon, ça aurait pu être pire.
(le caméo improbable de Matt Frewer en Carnage était amusant, cela dit)
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Pour l'instant, une première moitié de saison moins racoleuse que ce que je redoutais (on est au niveau d'une série HBO basique de la "grande" époque, ni plus, ni moins), mais vraiment gentiment creuse, et bourrée de clichés en tous genres.
On pourrait dire que c'est fait exprès, et que ça joue justement des clichés inhérents au genre, mais la limite entre pastiche et exploitation basique et sans talent est très fine, et ce show semble se trouver régulièrement du mauvais côté de la barrière.
(et puis comme je le répète depuis le début de la saison, j'ai énormément de mal avec les personnages féminins de la série, que ce soit Quell, ou Ortega, dont l'actrice n'est vraiment pas naturelle dans ses attitudes et ses postures, que ce soit lorsqu'elle joue les fliquettes endurcies, ou dans ses moments plus sexy)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Girl 27 :
En 1937, à l'occasion d'une convention organisée par la MGM pour remercier ses représentants de commerce, Patricia Douglas, l'une des 120 danseuses/figurantes mineures employées par le studio, est violée par un employé. Rapidement, elle porte plainte, et l'affaire fait les gros titres des journaux américains, mais tant la justice que l'industrie cinématographique font alors tout pour la discréditer, et pour étouffer le scandale... avec succès.
Un documentaire que j'avais déjà vu en partie il y a sept ou huit ans, et qui a retrouvé une certaine popularité dans le cadre du mouvement #MeToo, tant ce récit assez glauque illustre bien un système souffrant de problèmes endémiques qui existent depuis la création du Vieil Hollywood.
Et ce métrage est effectivement plutôt intéressant dans sa première partie, tant qu'il narre les événements et reconstitue le puzzle de ce qui est arrivé à Patricia Douglas en 1937, à grands renforts d'images et d'archives d'époque, et de témoignages en tous genres (même si l'on peut se demander s'il n'y avait pas plus pertinent comme expert que la spécialiste juridique de Fox News).
Le problème, à vrai dire, c'est que rapidement, on en vient à percevoir un certain côté manipulateur dans ce Girl 27, à mesure que le réalisateur, David Stenn, un scénariste et journaliste spécialisé dans le Vieil Hollywood et dans la vie de ces stars d'antan, se met en scène, ou qu'il utilise de multiples images et extraits d'actualité et de vieux films, sortis de leur contexte, pour illustrer ses propos, ses conclusions ou certains témoignages.
À l'identique, on devine une dramatisation un peu superflue et forcée, comme lorsque Stenn attend dans une chambre d'hôtel un coup de téléphone, avec musique tendue en prime, ou quand il rajoute systématiquement des bruitages de téléphone brutalement raccroché lorsque Douglas décide d'interrompre à plusieurs reprises son témoignage (un témoignage clairement pas effectué par téléphone, mais bien enregistré de visu).
Cette forme et cette omniprésence de Stenn (non seulement sert-il de voix off, mais on le voit donc aussi dans sa chambre d'hôtel, marcher dans la rue, se rendre sur les lieux des événements, danser sur la tombe du violeur (!)...), finissent par prendre le pas sur le fond, notamment quand, dans sa seconde partie, le documentaire historique qui tentait de développer le contexte historique de cette histoire cède la place à une interview de Patricia Douglas, et à l'histoire de Patricia et de Stenn, et de leur relation chaotique.
Une Douglas qui ne s'est jamais vraiment remise de ce qu'elle a traversé, et qui a désormais son petit caractère (un caractère qui la coupe de tous et de toute sa famille), mais qui répète beaucoup de choses déjà abordées dans la première partie du documentaire. Pire, la réalisation se limite alors à une caméra fixe, et à des plans de coupe de mauvais goût, qui illustrent le témoignage ému et brutal de Douglas par des extraits de films montrant des violences faites à des personnages féminins. L'effet est contre-productif, et affaiblit le témoignage plus qu'il ne le renforce.
En somme, un documentaire au sujet très intéressant, mais à la réalisation et à l'écriture vraiment pas à la hauteur de ce dernier.
Malheureusement, Stenn semble être aussi intéressé par l'histoire de Douglas qu'il ne l'est par l'idée de raconter comment lui seul a su dénicher cette histoire (à plusieurs reprises, il laisse des commentaires très flatteurs pour sa personne, le genre de moments qu'un autre documentariste digne de ce nom aurait coupé au montage), et en fin de compte, cela dessert le témoignage de Douglas, tout en donnant parfois l'impression que le journaliste exploite celle-ci pour faire sa publicité.
3.25/6
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Cover Versions :
Starfoxy, un groupe sur le point de connaître le succès, arrive à Palm Springs pour prendre part à un festival des plus importants. Mais après avoir croisé le chemin de trois groupies (Debby Ryan, Ashley Argota, Jenn An) et organisé une fête chez eux, Jackie (Katie Cassidy), Kirk (Austin Swift), Travis (Jerry Trainor) et Byron (Drake Bell) se retrouvent confrontés aux cadavres des trois jeunes femmes : la première, noyée dans leur piscine, et les deux autres décédées dans un accident de voiture, en lisière de la ville. Interrogés séparément par la police, les quatre membres du groupe donnent alors des versions bien différentes de cette soirée funeste...
Un thriller drogues, sexy & rock'n'roll pour un groupe d'acteurs en grande partie issus des écoles Disney (Debby Ryan) et Nickelodeon (Drake Bell, Ashley Argota, Jerry Trainor, Jenn An), accompagnés du frère de Taylor Swift, et de Katie Cassidy.
Pas forcément désagréable de voir ces visages familiers se dévergonder un peu (ça reste néanmoins assez sage) dans un récit aux multiples points de vue façon Rashômon, avec changements d'acteurs, de dialogues, de costumes, d'angles de caméra, etc, en fonction de la version des événements racontée.
C'est donc assez ludique, même si au final, le récit manque finalement un peu trop de mordant, de sexy, d'humour et d'originalité pour être autre chose que vaguement sympathique.
Pas désagréable, mais anecdotique, capillotracté et un peu prévisible.
3.5/6
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The Perfect Score :
À l'approche de leurs examens, des lycéens que tout sépare (Scarlett Johansson, Darius Miles, Chris Evans, Bryan Greenberg, Leonardo Nam & Erika Christensen) finissent par mettre leurs talents en commun pour échafauder un plan ambitieux : dérober les résultats des tests en s'introduisant dans les locaux de l'entreprise qui les abrite...
Un film de casse lycéen produit par MTV et plutôt agréable à suivre, principalement grâce à sa distribution sympathique, bien qu'inégale : autant le Captain America (qui semble apparemment être passé chez le dentiste peu de temps avant le tournage) et Black Widow (avec vue plongeante sur sa petite culotte en guise de présentation, la grande classe ^^) assurent dans leurs rôles respectifs, et Leonardo Nam s'amuse en stoner, autant Greenberg est quasiment transparent, et ni Darius Miles (un basketteur professionnel s'essayant là au métier d'acteur... sans que cela soit très probant) ni Erika "Scientologie" Christensen ne sont particulièrement justes (ou du moins, ils ont tous deux des moments où ils sonnent assez faux).
Après, ça ne vole pas très haut, c'est musicalement daté, la réalisation est quelconque, et le rythme global est un peu en dents de scie, mais dans l'ensemble, ça se regarde tranquillement, ni plus ni moins.
3.5/6
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
G.I. Joe : Conspiration - Version Longue (G.I. Joe : Retaliation - Extended Action Cut) :
Lorsque Zartan (Arnold Vosloo), sous les traits du Président des USA (Jonathan Pryce), démilitarise la planète et élimine les Joes, trois survivants (Dwayne Johnson, Adrianne Palicki, DJ Cotrona) tentent de renverser la situation, avec l'aide de Snake Eyes (Ray Park), de Jinx (Élodie Yung), et du Général Colton (Bruce Willis), à la retraite. Mais les choses se compliquent lorsque Storm Shadow (Byung-hun Lee) refait surface, et quand, aidé par Firefly (Ray Stevenson), il libère le Cobra Commander de sa prison...
Version longue de deux heures pour cette suite tardive du premier GI Joe, dont quasiment toute la distribution est évacuée hors-champ, y compris Channing Tatum (qui a cependant la chance d'avoir une mort à l'écran, après quelques scènes avec The Rock, dans lesquelles Tatum montre qu'il a développé un peu de charisme et d'expressivité en quelques années). Reste cependant Arnold Vosloo, dans quelques scènes, et les deux ninjas, qui reviennent, et se taillent une belle part du métrage.
Le bon point de cette suite (notamment dans sa version longue), c'est son action : les erreurs de direction artistique du premier film ont été corrigées (Snake Eyes, les uniformes, les véhicules, le Cobra Commander), et le film est généreux en séquences d'action, principalement dans sa première heure, relativement bien rythmée.
On fermera les yeux sur DJ Cotrona (insipide et qui ne sert à rien) et sur RZA, hors sujet, et on s'amusera tout de suite beaucoup plus à suivre les aventures de The Rock, qui semble vraiment à son aise dans cet univers de gros bras et de destruction massive.
La première heure, donc, parvient à maintenir l'intérêt du spectateur, rebondissant d'une scène d'action à une autre, avec une progression assez harmonieuse de l'intrigue entre deux. Bien entendu, cela reste du GI Joe, et il ne faut pas s'attendre à quelque chose de très subtil ou recherché, mais ça fonctionne globalement, malgré quelques micro-coups de mou, notamment quand Bruce Willis fait son apparition.
Un Bruce Willis qui est clairement là en lieu et place du Sergent Slaughter (il a même son mini-tank dans le garage), et qui fait le strict minimum, comme à son habitude. Et l'arrivée de Bruce Willis donne, en quelque sorte, le signal du début des vrais problèmes structurels du film : une fois passée la barre de la première heure, en effet, Retaliation commence à trainer de plus en plus la patte, et se termine à bout de souffle, pas aidé par un plan machiavélique de Cobra assez creux et quelconque, et par un score de Henry Jackman des plus médiocres.
Dommage, donc, que le tout finisse par sérieusement piquer du nez, et par gaspiller tous les points positifs du film.
4/6 pour la fidélité, 2/6 pour la deuxième heure = 3/6 au total.
En étant généreux.
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G.I. Joe - Le Réveil du Cobra (G.I. Joe : The Rise of Cobra) :
Lorsque leur convoi est attaqué par la Baronne (Sienna Miller) et les troupes de Cobra, alors qu'ils transportaient des missiles révolutionnaires créés par James McCullen (Christopher Eccleston), Duke (Channing Tatum) et Ripcord (Marlon Wayans) sont sauvés par les Joes, une unité d'élite dirigée par Hawk (Dennis Quaid). En compagnie des Joes (Ray Parks, Rachel Nichols, Saïd Taghmaoui, Adewale Akinnuoye-Agbaje), les deux soldats vont devoir faire leurs preuves, et empêcher le Cobra Commander (Joseph Gordon-Levitt) de faire régner la terreur sur Terre...
D'une manière assez appropriée, compte tenu de son sujet, GI Joe est un film qui ressemble à l'imaginaire d'un jeune garçon, à qui on donnerait une caisse emplie de GI Joes : c'est généreux, bordélique, décousu, simpliste, pas très inspiré, et bourré de scènes d'action à rallonge, durant lesquelles l'enfant en question prendrait ses jouets et les jetterait les uns sur les autres dans des combats à mort.
Sauf que bon, l'enfant en question, il s'appelle Stephen Sommers, et qu'il dispose d'un budget de blockbuster considérable.
Déjà, à l'époque de la sortie du film, j'avais pu constater à quel point le film était bancal, tant dans son interprétation (Tatum est inexpressif, Taghmaoui peine avec son anglais, le doublage de Levitt est hors-sujet, Quaid en fait trois tonnes, etc, etc, etc), que dans ses effets spéciaux (la quantité a clairement été privilégiée à la qualité, et ça se voit régulièrement, avec des doublures et autres véhicules numériques qui n'ont pas de masse, et des textures médiocres), dans sa musique (Silvestri est peu inspiré), dans ses costumes (alors que l'intérêt de la gamme GI Joe, c'est la variété des personnages et de leurs tenues, ici, tout le monde est en noir ; et Snake Eyes est un désastre de latex rigide), dans sa direction artistique (les avions et autres véhicules insipides), dans son script (Sommers et ses scénaristes ont clairement revus les deux trilogies Star Wars avant de concevoir ce GI Joe ; les dialogues sont laborieux et forcés), dans son casting (la romance Wayans/Nichols, pourquoi ?)... et dans son placement produit Cisco et Norton Antivirus, ridicule.
Bref, c'est un bordel pas possible, qui s'effondre sous le poids de ses propres ambitions et de sa liberté totale... et pourtant, je n'arrive pas à détester le métrage, tant il me rappelle ce que je faisais, enfant, avec mes figurines.
2/6, mais un 4/6 du cœur = 3/6 (ça ne les vaut clairement pas, mais j'ai envie d'être indulgent)
(cela dit, ça manquait clairement de Sergeant Slaughter, et de Timber, le loup de Snake Eyes)
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Quelques déceptions, ce mois-ci, au niveau des grosses sorties, entre un Blade Runner 2049 visuellement réussi, mais assez creux, un Rampage décérébré, un Deadpool 2 à la limite de l'overdose et un Jurassic World 2 brouillon et fainéant... cela dit, la grosse majorité des films passés en revue en juin se trouve au-dessus de la moyenne (parfois de peu, mais tout de même), ce qui fait du mois écoulé une bonne cuvée, surtout en regard de certains mois passés des plus désastreux.
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- Film du mois :
Rien d'exceptionnel, ce mois-ci, si ce n'est l'excellent documentaire retraçant la vie et la carrière du Macho Man Randy Savage. Au niveau fiction, plusieurs comédies se démarquent - The Tiger Hunter, Deadpool 2, Eddie The Eagle -, ainsi qu'un mockumentaire très sympathique malgré son budget limité - Lunopolis.
- Flop du mois :
Aucune surprise, ici, c'est Un Raccourci dans le Temps qui décroche la palme du ratage du mois, un blockbuster laid, mal connu et mal écrit, à l'interprétation bancale, et à la distribution très inégale. Un joli plantage pour Disney, qui espérait connaître avec ce film le même succès qu'avec Black Panther, mais auprès d'un public afro-américain plus féminin et plus jeune...
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# Petit écran :
Ce mois-ci, on a terminé le visionnage de Perdus dans l'Espace, une série à l'écriture très faible, mais à la distribution sympathique ; de l'anthologie Electric Dreams, à l'écriture très inégale, mais à la distribution sympathique ; de la saison 3 de La Fête à la Maison - 20 ans après, à l'écriture de plus en plus caricaturale, mais à la distribution sympathique ; et de la saison 4 de Black Mirror, à l'écriture plus imprévisible, et à la distribution sympathique.
Cherchez donc les points communs...
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# À venir :
Juillet sera un mois un peu spécial sur le blog des Téléphages Anonymes, car après une première quinzaine assez classique (durant laquelle on se battra au côté des GI Joes, on enquêtera dans les coulisses d'Hollywood, on retournera à la fac avec Melissa McCarthy, on continuera les mésaventures de Kimmy Schmidt, et on testera la qualité du Carbone Modifié), le 14 juillet sonnera le début d'un mois entièrement consacré à la comédie française, à raison de deux films par jour (et un peu plus le week-end). Un mois où le meilleur côtoiera forcément assez souvent le pire...
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Trois saisons de Black Mirror, et peu d'épisodes totalement convaincants pour moi. De bonnes idées, des approches intéressantes, mais au final, une écriture qui ne m'a jamais paru particulièrement subtile ou inspirée, à une exception ou deux près...
Après un pastiche de Star Trek plutôt amusant, et deux épisodes décevants, l'intégrale de Black Mirror touche à sa fin...
Black Mirror - Saison 4.2 :
4x04 - Hang The DJ :
Dans un monde où les relations amoureuses sont supervisées par une application de rencontre calculant les probabilités de succès d'un couple, et sa "durée de vie", Amy (Georgina Campbell) et Frank (Joe Cole) finissent par comprendre qu'ils sont faits l'un pour l'autre, et que s'ils veulent rester ensemble afin de trouver le bonheur, ils doivent se rebeller contre le système...
Un chouette épisode positif façon comédie romantique, qui utilise le prétexte d'une technologie façon Tinder/OK Cupid/sites de rencontre pour narrer le devenir d'un couple et ses probabilités de succès.
Alors certes, Brooker ne peut pas s'empêcher de laisser deviner à l'avance son retournement final de situation, que ce soit au travers de dialogues ou des ricochets, mais dans l'ensemble, ça fonctionne bien, et le caméo de Gwyneth Keyworth est amusant.
4x05 - Metalhead :
Dans un futur post-apocalyptique, Bella (Maxine Peak) tente d'échapper à un chien de garde robotique qui la poursuit inlassable après qu'elle ait tenté de piller un entrepôt abandonné...
40 minutes de course-poursuite efficace, filmées en noir et blanc (pourquoi ? Allez savoir ! On va dire que c'est pour une meilleure intégration des effets spéciaux...) par David Slade (30 Jours de Nuit, Hard Candy), et reposant intégralement sur les épaules de Maxine Peak, qui s'en sort très bien.
Après, ça reste 40 minutes de simili-slasher/survival très premier degré, avec un rebondissement final maladroit uniquement là pour rajouter une dose de pathos et de déprime au tout (c'est du Brooker, après tout), mais dans l'ensemble, ça fonctionne plutôt bien. Reste le noir et blanc, qui laisse dubitatif.
4x06 - Black Museum :
Dans un musée sinistre, au milieu de nulle part, Rolo Haynes (Douglas Hodge), le propriétaire, raconte à Nish (Letitia Wright), une visiteuse en panne dans le secteur, trois des nombreuses histoires macabres qui peuplent son exposition : un médecin sadique (Daniel Lapaine) qui utilise un implant révolutionnaire pour ressentir la douleur d'autrui, un homme (Aldis Hodge) qui accepte de transférer la conscience de sa femme comateuse (Alexandra Roach) dans son esprit mais trouve rapidement cette expérience insupportable, et le destin de Clayton Leigh (Babs Olusanmokun), un tueur qui accepte, contre finances, de céder son double numérique au musée, pour y être torturé à jamais...
Une sorte de mise en abyme méta de la série, avec un Douglas Hodge dans le rôle d'un simili-Charlie Brooker, qui fait subir à ses personnages les pires atrocités sous le prétexte de tester de nouveaux concepts technologiques.
Ça ressemble forcément beaucoup à White Christmas, avec un fil conducteur qui fait que le moindre élément présenté au cours de ces sous-intrigues ressurgit forcément à la toute fin, et si c'est bien interprété, c'est aussi assez inégal, et un peu trop long.
Le premier segment, sur le médecin sadique, est gentiment sanglant, mais il n'est là que pour le parallèle entre le médecin et Rolo ; c'est assez prévisible, et on aurait pu condenser le tout ; le second est plus amusant, avec une métaphore intéressante sur le souvenir de l'être défunt et sa présence dans la mémoire ; le troisième segment n'est qu'un prétexte, malheureusement, et pose plus de questions techniques qu'il n'en résout.
Globalement, ce n'est pas désagréable, et ça a même un petit côté final pour Black Mirror, comme si Brooker voulait passer à autre chose. Peu probable, cela dit.
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Bilan saisonnier :
Depuis son arrivée sur Netflix, la série a changé, et pas uniquement au niveau de la durée excessive de ses épisodes : les concepts technologiques se répètent un peu, les épisodes surprennent beaucoup moins, mais la production et Brooker compensent en partant dans des directions parfois moins pessimistes et déprimantes.
Ce qui donne des épisodes occasionnellement plus légers, plus humoristiques, plus positifs, et aux fins plus heureuses que d'habitude. Un choix probablement polarisant auprès des fans, mais comme ce sont justement ces épisodes qui m'ont le plus plu, alors même que du Black Mirror "typique", sombre et misanthrope, ça me laisse habituellement totalement de marbre, je ne vais pas m'en plaindre...
Toujours plus de coïncidences et de rebondissements forcés au possible, toujours plus de manipulations de Smith, toujours plus de moments relativement prévisibles... Perdus dans l'Espace, saison 1, touche à sa fin.
Perdus dans l'Espace (Lost In Space - 2018) - dernière partie (1x09-10) :
- 1x09 : Capturée par Smith, Maureen est ramenée à l'intérieur du vaisseau du robot, où elle comprend que la comète ayant frappé la Terre était d'origine extraterrestre, et que l'humanité l'a exploitée pour envoyer le Resolute dans l'espace ; en parallèle, les autres colons tentent de réunir du guano alien pour faire démarrer leurs navettes...
D'office, un problème : toute la sous-intrigue de remplissage sur le guano-supercarburant, sur la grotte, sur les ptéro-tremors volants, etc, c'était vraiment raté, de la fausse tension bien artificielle, uniquement là pour rajouter un rebondissement improbable à une série qui croule déjà sous ceux-ci, et pour, apparemment, donner quelque chose à faire aux enfants Robinson, qui n'ont pas l'air trop traumatisés par la mort de leur père et par la disparition de leur mère.
Du côté de Maureen et de Smith, là aussi, des problèmes : Maureen semble vouloir s'échapper à plusieurs reprises, mais la seule occasion qu'elle saisit pour le faire (alors que Smith est vulnérable et lui tourne le dos à de multiples reprises) prend place au au pire moment possible.
Bref, cette sous-intrigue-ci ne fonctionne vraiment que par ce que l'on apprend de la Comète de Noël : sans surprise, le robot a agi en légitime défense, pour récupérer ce qu'on lui avait volé, et lui et son vaisseau seront probablement la clef du sauvetage du Jupiter 2.
Le plus ironique, je crois, c'est ce moment où Will justifie à postériori le grand n'importe quoi de l'écriture, cette saison, en expliquant en substance qu'ils ont déjà vécu tant de choses impossibles et improbables qu'ils ne sont plus à ça près...
... ce qui n'empêche pas une fin d'épisode des plus bâclées, avec Judy qui injecte un anesthésique à Smith, libère sa mère et tente aussitôt de s'enfuir avec elle, pour être aussitôt arrêtée par le robot et par Smith, qui est visiblement immunisée aux anesthésiques (!?), et que personne n'a songé à ligoter... forcément.
- 1x10 : Smith, protégée par le robot, prend le contrôle du Jupiter 2, forçant les Robinson à le piloter pour elle. Mais John est toujours en vie, en orbite, et Maureen pose son sauvetage comme condition de leur coopération...
Toujours des rebondissements improbables, inutiles, ou prévisibles (West qui devient aveugle et qui retrouve la vue en pleurant, le volcan qui ne sert à rien, Smith enfermée avec les plans du vaisseau, Will qui sauve tout le monde parce qu'il a enfin du courage, l'arrivée de Victor qui s'est découvert un cœur altruiste), toujours des problèmes de structure et d'écriture (le sauvetage de Will par son père, et l'explication du revirement de Smith ne fonctionnent pas vraiment, tant les scénaristes ont laissé des questions en suspens pour favoriser l'effet de surprise), mais des effets spéciaux très réussis pour l'ensemble de cette conclusion en mode mineur, une conclusion qui envoie enfin nos protagonistes se perdre dans l'espace.
Il était temps.
Bilan global :
Une série qui est vraiment à l'image de ses scénaristes et de son showrunner : approximative.
Comme Prison Break, l'ancienne série sur laquelle officiait le showrunner, Lost in Space est un empilage instable de rebondissements toujours plus improbables, et de retournements de situation capillotractés, qui ne sont là que pour mettre des obstacles artificiels sur le chemin des héros, et qui ne fonctionnent que si l'on débranche son cerveau, sans essayer de réfléchir à ce que l'on vient de voir.
Comme la poignée de films (Dracula Untold, Le Dernier Chasseur de Sorcières, Gods of Egypt et Power Rangers) écrits par le duo de scénaristes principaux à l’œuvre ici, Lost in Space n'est pas un programme forcément désagréable à regarder, mais est malheureusement ultra-basique dans son écriture, bourré de situations et de clichés prévisibles, au déroulement télégraphié, et de personnages sous-développés (ou au développement vraiment classique).
Bref, le tout est approximatif, globalement assez mal écrit dès que l'on y réfléchit un instant, tout aussi mal rythmé, et il est très probable que si la série avait été diffusée sur une grande chaîne américaine, de manière hebdomadaire, elle aurait été annulée au terme de sa première saison, comme Terra Nova avant elle (Terra Nova, qui partage avec Lost In Space énormément de choses, malheureusement).
Mais - et c'est là que le facteur Netflix entre en jeu - regardée en mode binge watching, ce programme n'est pas forcément désagréable. On peut soit même gérer son rythme, ce qui atténue un peu les problèmes structurels de la série, et permet de s'attacher un minimum aux personnages.
C'est d'ailleurs là ce qui fait toute la différence avec une série comme Star Trek Discovery : les deux programmes partagent bien des défauts et des problèmes, et ne sont franchement pas meilleurs l'un que l'autre... mais la distribution principale de Lost In Space est nettement supérieure (ou du moins nettement plus attachante). Idem pour l'illustration musicale de Lennertz, parfois envahissante, mais plus généreuse que du côté de Discovery (ce qui est un comble).
Si je dois revenir pour une saison 2, ce sera pour ces deux facteurs, pour une production assez compétente, et pour la promesse d'un peu d'exploration spatiale (chose qui fait, là encore, cruellement défaut à Discovery) : cette première saison de Lost In Space est médiocre, et n'est rien de plus qu'un énorme épisode pilote en dix parties, mais les acteurs sont plutôt bons, et qui sait, peut-être qu'ils vont engager des scénaristes plus accomplis pour la suite ?
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Un Mariage Inoubliable (The Wedding Video) :
Témoin du mariage de son frère Tim (Robert Webb) et de Saskia (Lucy Punch), une amie de lycée, Raif (Rufus Hound) décide de leur offrir un présent inoubliable : une vidéo de toute la cérémonie et de ses préparatifs, filmée par ses soins... ce qui est plus facile à dire qu'à faire.
Une comédie de mariage britannique en found footage, façon vidéo amateure réalisée par le témoin, écrite par le scénariste de Kinky Boots et de Calendar Girls, et qui... n'est pas franchement terrible : c'est gentiment plat, mollasson, cousu de fil blanc, ça manque vraiment de punch, et les acteurs principaux (notamment Lucy Punch, mais aussi Michelle Gomez, dans un rôle secondaire) ont beau y mettre une certaine énergie, celle-ci ne se transmet pas au reste du film, limité par son format.
En résumé, à part quelques moments sincères et quelques gags, bof.
2.5/6
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La Mort de Superman (The Death of Superman) :
Lorsque Doomsday, une créature venue des étoiles et décidée à détruire tout ce qui se présente devant elle, arrive sur Terre et s'approche de Metropolis, Superman (Jerry O'Connell) n'a d'autre choix que de se dresser sur son chemin, pour tenter de l'arrêter...
Énième adaptation de l'affrontement entre Superman et Doomsday, déjà animé il y a une dizaine d'années dans un Superman/Doomsday peu satisfaisant, et bien entendu, vaguement porté au cinéma dans Batman vs. Superman, The Death of Superman se veut la première partie d'un diptyque qui trouvera sa conclusion dans Reign of the Supermen, qui devrait sortir l'année prochaine.
En l'état, on a donc droit à une adaptation plus fidèle de l'arc scénaristique original, à la sauce New 52, avec ce que ça implique de personnages aux designs très discutables, à l'animation et aux expressions inégales, et aux choix artistiques mal avisés (Doomsday, ici, à de faux airs de masque kabuki démoniaque, et ça ne fonctionne pas vraiment).
Le vrai problème de cette Mort de Superman, en fait, c'est que le script tente de forcer pas mal de choses, faute de les avoir établies dans les métrages précédents de cette continuité : la relation Clark/Lois, notamment, subit ici l'équivalent de plusieurs années de développement, de la première rencontre avec les parents de Clark à la révélation de son identité secrète à Lois, avant d'arriver à sa mort, en passant par la jalousie de Wonder Woman, etc.
Idem pour la relation existant entre Superman et le reste de Metropolis : le scénario se plie en quatre pour montrer que Superman est formidable, qu'il est aimé de tous, blablabla, et le tout finit par plus ressembler à du remplissage et du bourrage émotionnel très artificiel, plutôt qu'à quelque chose de naturel et d'organique.
Entre ça et la manière dont tous les futurs "Supermen" sont introduits dans le récit, et utilisés dans des scènes post-générique pour amener la suite, on ne peut pas dire que la subtilité et la finesse soient au rendez-vous de l'écriture de Peter Tomasi.
Et c'est dommage, parce qu'une fois que Doomsday entre vraiment en jeu, et commence à démolir tout ce qui se présente devant lui (y compris la Justice League), le tout s'avère plutôt efficace et nerveux (malgré une fin de combat assez peu convaincante - ou plutôt, devrais-je dire, un peu ratée visuellement). On regrettera aussi une illustration musicale relativement insipide et anecdotique, ce qui n'aide pas le film à vraiment fonctionner du point de vue émotion.
Reste enfin le doublage : les premières minutes de Jerry O'Connell en Superman vanneur sont un peu perturbantes (un souci d'écriture), mais rapidement, la relation Superman/Lois s'installe et fonctionne, grâce au couple O'Connell/Rebecca Romijn dans les deux rôles en question. Les autres personnages sont nettement moins mémorables, voire même, semblent parfois hors-sujet : Rainn Wilson ne m'a ainsi pas du tout convaincu en Luthor, et je me demande encore pourquoi l'ethnicité de Cat Grant a été modifiée sans que cela n'apporte quoi que ce soit au personnage.
Après, pour être franc, c'était loin d'être désagréable, dans l'ensemble, et le fait d'avoir divisé ce récit en deux films permet au tout de respirer un peu.
3.5/6 (je ne sais pas trop si les scénaristes ont prévu de relier Doomsday à Apokolips, comme ils semblent le sous-entendre ici, mais on verra bien l'année prochaine)
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Jurassic World 2 - Fallen Kingdom :
Trois ans après les évènements ayant mené à la fermeture du parc Jurassic World, l'île et les dinosaures qui y vivent sont désormais menacés par une éruption volcanique destructrice. Contactée par Benjamin Lockwood (James Cromwell), ancien collègue de John Hammond, Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) se voit offrir une chance de retourner sur l'île, pour en sauver plusieurs espèces, et les ramener dans un sanctuaire spécialement créé pour elles. Claire rassemble alors une équipe composée notamment d'Owen Grady (Chris Pratt), de Zia Rodriguez (Daniella Pineda) et de Franklin Webb (Justice Smith), et part pour Isla Nublar...
Malgré sa distribution sympathique, je n'avais pas été particulièrement convaincu par le premier Jurassic World, un pseudo-remake/reboot/suite trop souvent en pilotage automatique, aux personnages quelconques, et aux effets spéciaux inégaux. C'était tout à fait regardable, parfois spectaculaire, mais globalement, bien trop anecdotique.
C'est donc sans la moindre attente que j'ai abordé cette suite, malgré une bande annonce alléchante (la destruction de l'île par le volcan, tout ça) : le problème, en fait, c'est que cette bande annonce (et toute la partie sur l'île) ne représente que la première moitié du film.
Et le plus gros des problèmes du film (des faiblesses d'écriture qui sont nombreuses) se trouve dans la seconde moitié, avec des personnages qui prennent des décisions improbables, des rebondissements capillotractés et téléphonés, des méchants caricaturaux, et des dinosaures de moins en moins intéressants (et dont les effets spéciaux sont, ici aussi, très inégaux et cèdent au tout numérique).
En fait, tant que le tout se déroule sur Isla Nublar, ça fonctionne à peu près : rien de vraiment original ou mémorable, mais c'est suffisamment spectaculaire pour emporter l'adhésion, et pour qu'on passe un bon moment. Le souci, c'est qu'ensuite, le film bascule dans une longue partie de cache-cache dans un manoir, entre un indoraptor visuellement assez quelconque (et aux proportions changeantes en fonction des scènes), et quelques humains, dont une fillette aux origines intéressantes... mais finalement inutiles et sans conséquences.
Et le réalisateur, JA Bayona (L'Orphelinat) a beau se démener pour produire quelques jolies images et plans originaux (en s'essayant notamment à des visuels assez horrifiques), au final, on regarde le tout de manière très passive, et le script faiblard se contente d'enquiller moments de semi-tension, effets prévisibles, et recyclage d'idées issues des films précédents de la franchise.
Quant à la conclusion... mouais. Dans l'esprit, c'est exactement la même que celle de Jurassic Park III, et l'on ne peut s'empêcher de se demander si ces deux Jurassic World étaient bien nécessaires, pour en revenir à peu près au même point. Tout ça pour ça, en somme.
2.25/6 + 0.25 pour Daniela Pineda (déjà aperçue dans Jamais entre amis, The Fitzgerald Family Christmas, et à la tv, dans The Originals et The Detour), ici sous-exploitée + 0.25 pour Isabella Sermon, la fillette, globalement très juste + 0.25 pour le pachycéphalosaure, amusant - 0.25 pour la bande originale de Giacchino, étrangement passe-partout =
2.75/6
(une note inférieure à celle du précédent, mais comme je n'ai jamais eu envie de revoir ce dernier, j'aurais du mal à vraiment comparer les deux métrages, qui, finalement, se valent à peu près malgré des qualités et des défauts un peu différents)
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