Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...
Trois mille ans à t'attendre (Three Thousand Years of Longing - 2022) :
Alithea Binnie (Tilda Swinton), une universitaire anglaise spécialisée dans la narratologie, est une femme solitaire et sceptique, qui se consacre entièrement à son travail et à ses conférences. Jusqu'à ce qu'elle mette la main, dans un bazar turc, sur un bibelot renfermant un djinn (Idris Elba), las de cette prison de verre. Trop érudite pour se précipiter et faire ses trois vœux, Alithea entame alors une discussion avec le Djinn, qui lui raconte son histoire, et combien ses sentiments lui ont joué des tours au fil des millénaires...
Nouveau film de George Miller, le papa de Mad Max, qui s'intéresse ici, avec cette adaptation libre d'une nouvelle, à l'art de la narration, de la métaphore, du sens et de l'importance des histoires et des conteurs, aux pouvoirs des sentiments, à la solitude, et à de nombreuses autres thématiques intéressantes, au travers d'une variation sur le thème du génie de la lampe et des Mille et une nuits.
Une variation bourrée de visuels mémorables (la première heure du film est captivante) et d'éléments inventifs, portée par deux acteurs impeccables, et par des effets spéciaux stylisés qui fonctionnent très bien, évoquant çà et là le travail de Tarsem Singh (The Fall n'est pas loin !).
On pourra toujours reprocher à ce métrage ambitieux sa dernière ligne droite pas forcément très fluide, ainsi que certaines transitions un peu maladroites, mais ce métrage imparfait reste tout de même remarquable, et ne méritait pas l'échec commercial (qui était cependant prévisible : c'est un film très particulier) qu'il a connu à sa sortie en salles.
4.5/6
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...
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Rosaline (2022) :
Les évènements de Roméo (Kyle Allen) et Juliette (Isabella Merced), tels que perçus par Rosaline (Kaitlyn Dever), ex-petite amie rebelle de Roméo et cousine de Juliette...
Une comédie romantique assez attachante, adaptée d'un roman young adult retraçant Roméo et Juliette, mais du point de vue de Rosaline, l'ex de Roméo et la cousine de Juliette.
Un film léger et clairement moderne, avec une écriture délibérément anachronique, une interprétation naturelle, des personnages amusants (Roméo qui est un peu idiot, Steve le messager/livreur de drogue, Minnie Driver en infirmière blasée, le gay BFF), et une illustration musicale décalée, qui rendent le tout très agréable à suivre, même si ça s'essouffle un peu sur la durée.
Kaitlyn Dever est, comme d'habitude, très bien dans son rôle.
4/6
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Un mois de janvier plus tranquille sur le blog des Téléphages Anonymes, après un marathon de films de Noël somme toute assez épuisant : une petite poignée de films, et beaucoup de séries, pour un début d'année plus décontracté...
Cinq films, dont quatre nouveautés de 2022, et honnêtement pas grand chose à en dire, au point de faire l'impasse sur le Top/Flop habituel : le making-of de Jay and Silent Bob Reboot est assez générique et typique de Kevin Smith ; Troll, de Netflix, est un kaiju movie à la sauce norvégienne, là aussi particulièrement basique et dérivatif ; Il était une fois 2 est une suite inutile qui ne parvient jamais à arriver à la cheville de l'original ; Avalonia est visuellementréussi, mais scénaristiquement assez convenu ; et Secret Headquarters est un film de superhéros enfantin, façon Spy Kids, qui tourne rapidement à vide et est clairement un film pour plateforme de streaming.
Rien de vraiment folichon sur le plan cinématographique, donc.
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# Petit écran :
Un peu de tout durant la quinzaine séries qui a occupé le plus gros du mois de janvier.
De l'animation, avec Dragon Age Absolution, mini-série dynamique et pêchue à défaut d'être un summum d'originalité ; et la saison 3 d'Harley Quinn, beaucoup trop centrée sur la relation de Harley et de Poison Ivy, au détriment de tout de le reste.
De la comédie, avec la saison 2 d'Avenue 5, qui acquiert un peu de structure, mais reste bien moins drôle que les scénaristes ne pensent l'être ; la saison 3 de Mythic Quest, qui isole un peu trop ses personnages pour leur propre bien, mais reste sympathique ; et la saison 1 de Reboot, une sitcom médiocre sur le revival d'une sitcom familiale ringarde.
De la science-fiction, avec Doctor Who : Le Pouvoir du Docteur, le dernier épisode de Chris Chibnall et de Jodie Whitaker, toujours au même niveau qualitatif que les précédentes saisons du showrunner (très faible, donc) ; la première moitié de la saison 1 du reboot de Code Quantum, pas inintéressant ; et la première moitié de la saison 1 d'Andor, encensée par les critiques et le Web, mais qui m'a laissé dubitatif.
De la fantasy, enfin, avec The Witcher - L'héritage du sang, une saison bricolée à l'arrache en post-production, bancale, maladroite et jamais vraiment convaincante.
Retrouvez aussi les bilans de toutes les séries critiquées jusqu'à présent en ces pages depuis l'index Séries alphabétique qui leur est consacré.
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# À venir :
Février oblige, pendant une grosse quinzaine de jours (près de trois semaines, en fait), place à la romance et aux sentiments sirupeux, avec la Quinzaine Saint Valentin, suivie d'un retour à la normale avec quelques séries (Cuphead, Andor...) et des films en tous genres...
Dans l'intervalle, toutes les mises à jour du blog sont disponibles sur la page Updates, et la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog est accessible dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...
Une saison 1 amusante, mais très classique (à part un épisode bien précis et mémorable) ; deux épisodes spéciauxproduits pendant la pandémie et plutôt agréables ; une saison 2 qui ne m'a pas vraiment convaincu dans ses choix créatifs et artistiques (mais qui a semblé convaincre le reste des spectateurs) : je suis assez curieux de voir ce que cette saison 3 de Mythic Quest nous réserve, une saison 3 en 10 épisodes diffusés depuis novembre dernier sur Apple Tv....
Mythic Quest, saison 3 (2022) :
Alors que Poppy et Ian tentent de lancer leur nouvelle entreprise, David, lui, a pris les commandes de Mythic Quest, qui ronronne doucement mais sûrement. Mais une nouvelle initiative de diversité va tout chambouler...
Après la saison 2, sur laquelle j'étais clairement à contre-courant du reste des critiques, voilà que je me retrouve assez dans les avis mitigés de la presse sur cette saison 3 : ce n'est pas désagréable, un peu inégal, et la conclusion de la saison est nettement meilleure que ses débuts.
Le problème, c'est que les sous-intrigues saisonnières sont elles-mêmes assez inégales dans leur ensemble, pas toutes aussi amusantes ou intéressantes qu'elles le devraient.
On a ici Poppy et Ian qui galèrent à trouver un thème, une vision pour leur nouveau jeu, Hera, et qui s'appuient, en parallèle, sur Dana la testeuse, qui a rejoint leur équipe et prend ses aises ; une intrigue qui a ses hauts et ses bas, qui a droit à un épisode flashback sur l'enfance des deux personnages principaux (le fameux épisode spécial présent dans chaque saison, tout à fait réussi, mais peut-être moins percutant que les épisodes similaires précédents), qui aboutit à une déclaration, et à un retour au bercail.
Là, c'est David, qui galère à gérer Mythic Quest, à faire preuve de la moindre inventivité, et à produire le long-métrage Mythic Quest mettant en vedette Joe Manganiello - une sous-intrigue Hollywoodienne un peu trop sous-exploitée, je dois dire, et laissée en plan.
Ailleurs, c'est Brad, sorti de prison, et réembauché en tant qu'homme à tout faire, mais qui manigance dans l'ombre, influençant Carole, responsable de la diversité (une sous-intrigue qui semble vraiment amuser les scénaristes, mais qui m'a laissé un peu de marbre), et Rachel la testeuse, qui finit par abandonner tout scrupule. Ou encore Jo, toujours aussi sociopathe, mais qui tente de se faire des amies.
Tout ça fonctionne plus ou moins, selon les épisodes, avec un début de saison un peu laborieux (notamment la kelleyrisation de F. Murray Abraham dans le season premiere), un épisode de Noël amusant, un huitième épisode anecdotique au possible (avec une chasse à la souris quelconque), et un final plus punchy que le reste, en miroir de l'épisode d'ouverture de la saison.
Alors certes, le message de la saison, sur le changement et l'évolution, est clair et perceptible (même si finalement, cette saison ne semble être qu'une saison de transition ramenant pas mal de personnages à un status quo), et dans l'ensemble, ça reste une série attachante et agréable, principalement grâce à sa distribution.
Mais cette saison 3 manque peut-être un peu de structure et de liant, préférant isoler ses personnages en petits groupes (ici Ian et Poppy, là la team MQ, ici une testeuse avec Brad, là une autre avec Ian/Poppy) pour tenter de développer de nouvelles relations et de nouvelles interactions, plutôt que de réellement exploiter les relations en place.
C'est un choix, certes, qui fonctionne plus ou moins selon les cas, mais reste l'impression d'une série qui, à l'instar de ses personnages, se cherche un peu, et, à trop se chercher, oublie d'être particulièrement drôle lorsqu'elle le devrait.
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Je ne vais pas mentir : je ne garde quasiment aucun souvenir (si ce n'est ce que j'en ai écrit dans ces pages) de la première saison d'Avenue 5, comédie de science-fiction créée par Armando Iannucci (Veep) diffusée en janvier 2020 (il y a près de 3 ans !) sur HBO Max.
Satire sociale pas très probante, rythme mollasson, idées sous-exploitées, ce n'était clairement pas une première année très convaincante, et l'on pouvait s'attendre à une annulation assez rapide... mais non, voilà que débarque une saison 2 de huit épisodes, diffusée en fin d'année 2022 sur HBO Max, dans l'indifférence la plus totale.
Avenue 5, saison 2 (2022) :
Désormais à huit années de voyage de la Terre, et avec des provisions qui s'épuisent, les passagers de l'Avenue 5 tentent bon gré mal gré de s'organiser, alors même que sur Terre, une pénurie de lithium (et un prestige drama racontant les mésaventures de l'Avenue 5) mettent le feu aux poudres...
Et honnêtement, cette nouvelle saison d'Avenue 5 m'a encore laissé mitigé. Les ficelles narratives sont toujours les mêmes : de l'hystérie collective, des personnages tous incompétents et plus bêtes que leurs pieds, des réactions égoïstes et mesquines, de l'absurdité, etc.
Mais la mayonnaise ne prend véritablement qu'à partir de la seconde moitié de saison, une fois que le programme se trouve une direction narrative à proprement parler (un missile envoyé par la Terre pour éliminer l'Avenue 5 et tous les problèmes qu'il cause).
Auparavant, le show erre sans réelle structure ou direction, ressemblant un peu à un patchwork d'idées vaguement amusantes jetées en vrac à l'écran et sous-développées, qui ne convainquent jamais vraiment. Et puis une fois l'idée du missile mise en place, et avec elle une sorte de compte à rebours artificiel, la série se structure un peu, pour s'engager dans quelque chose qui n'est pas sans rappeler les enjeux de la saison 1 (traduction : on répète un peu la même formule).
Les personnages restent à baffer (surtout Karen), les nouveaux ajouts de la saison ne fonctionnent pas vraiment (la romance du Capitaine est sous-développée, le prestige drama terrien est inintéressant, le personnage de Lucy Punch ne sert à rien et n'est même pas très drôle, le cannibale est oublié en cours de route), il faut oublier toute logique ou toute plausibilité scientifique en ce qui concerne les spécificités et les enjeux du voyage de l'Avenue 5, mais au moins, ça se regarde un peu mieux à partir de l'épisode 4 du programme, voire même de l'épisode 3 avec sa visite sur la station "scientifique".
Il y a du mieux, mais encore une fois, le tout est bien moins drôle que les scénaristes ne semblent le penser, et il arrive un moment où le chaos organisé et hystérique autour de personnages incompétents, ça lasse.
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La franchise The Witcher de Netflix est actuellement dans une situation problématique : les deux saisons de la série-mère n'ont pas convaincu, Henry Cavill a annoncé son départ au terme de la saison 3, et les coulisses de la franchise semblent parasitées par des conflits d'égo, révélés par un ancien scénariste (celui du spin-off animé et du meilleur épisode de la saison 2) regrettant le fait qu'une bonne partie de l'équipe créative de la série n'avait aucune connaissance des ouvrages originaux ou des jeux, s'en moquait ouvertement, et était uniquement là pour remplir son CV... ce qui n'est pas forcément surprenant lorsque l'on sait comment fonctionne Netflix.
Et puis il y a ce spin-off, une préquelle en quatre épisodes (initialement six épisodes, avec une actrice principale différente) à la genèse compliquée, confiée à un scénariste d'Iron Fist et de The Witcher, et qui a été très mal reçue par la presse et le public à sa sortie, en décembre dernier. Reste à voir si cette mauvaise réputation se confirme au terme du visionnage de ces (quatre heures de métrage... ???)
The Witcher - L'héritage du sang (The Witcher : Blood Origin - 2022) :
Pour contrer la menace croissance du mage Balor (Lenny Henry), qui tente de maîtriser la magie du chaos pour ouvrir des portails et conquérir d'autres mondes, un groupe d'elfes s'unit bon gré mal gré et tente de sauver son monde : Fjal (Laurence O'Fuarain), un guerrier tombé en disgrâce ; Éile (Sophia Brown), ancienne assassin devenue barde itinérante ; Scian (Michelle Yeoh), sa maîtresse d'armes ; Syndril (Zach Wyatt), le mage ayant découvert les portails magiques vers d'autres mondes ; Zacaré (Lizzie Annis), son âme-sœur à la jambe handicapée ; Callan (Huw Novelli), un mercenaire ; et Meldof (Francesca Mills), une naine éprise de vengeance contre les elfes...
Et effectivement, au visionnage de cette seule et unique saison, on comprend vite 1) que la production a été problématique, et 2) pourquoi le tout a été assez mal reçu.
Dès les premiers instants, avec cette introduction bancale qui voit une métamorphe (Minnie Driver) raconter à un Jasquier un peu bouffi les événements de cette mini-série (une narration qui se poursuit en voix off pendant toute la saison, et ce de manière très maladroite), on devine qu'il s'agit là d'une énorme rustine de post-production, servant à cacher des coupes franches dans ce récit très "les Sept mercenaires".
Et tout au long de la saison, il en va de même : les personnages (à la diversité très Netflix, y compris une sourde-muette utilisant la langue des signes américaine) sont sous-développés, ils se rencontrent de manière totalement artificielle, "par pure coïncidence", leurs relations évoluent par à coup, jamais organiques, le worldbuilding est encore plus catapulté et sommaire que dans la série-mère, bref, l'écriture est sérieusement insuffisante, bourrée de clichés, et pas aidée par le remontage sommaire en post-production.
En prime, le tout réécrit un peu les origines des Witchers (à l'origine, un moyen désespéré pour les humains d'avoir une chance de se battre contre des créatures magiques dans un nouveau monde inconnu et hostile, ici, un bref rituel elfe conçu pour permettre aux sept mercenaires de tuer un unique monstre amené par un sorcier ambitieux), invente un toutéliage bancal avec Ciri, force une histoire d'amour très plate, et enrobe le tout de chansons folk assez médiocres (ainsi que d'une bande originale de Bear McCreary qui lorgne très fortement sur son Black Sails).
Et puis il y a de toute façon un problème de base, récurrent à cette incarnation du Witcher : la société elfe n'a aucune personnalité. Les elfes sont tout simplement (visuellement et dans leur écriture) des humains avec des oreilles pointues, insipides et génériques, et leur société ressemble à du sous-Game of Thrones, une impression encore renforcée par les jeux de pouvoir sur lesquels les scénaristes se concentrent ici, avec cette jeune Impératrice trop ambitieuse. C'est générique et quelconque, et ça, c'est un souci qui remonte aux deux premières saisons de la série-mère.
Au final, cette mini-série tombe effectivement à plat : effets spéciaux plus fauchés, écriture bancale, personnages peu mémorables (exception faite de la naine, très sympathique et attachante, et dont l'interprète méritait mieux), et rustines permanentes pour dissimuler la production chaotique (post-synchro évidente sur des plans larges, coupes maladroites, montage bancal), on se retrouve avec une mini-série à oublier rapidement, et qui n'apporte clairement rien de positif à l'univers du Witcher de Netflix.
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Sitcom Hulu en 8 épisodes d'une petite demi-heure, Reboot surfe sur la vague des... reboots, en imaginant les coulisses d'une vieille sitcom remise au goût du jour par une plateforme de streaming, pour un public plus moderne. Toute ressemblance avec un La Fête à la maison, 20 ans après, par exemple, ne serait pas vraiment fortuite, et c'est en partant de ce postulat que l'un des créateurs de Modern Family nous propose ce programme à la distribution sympathique... mais qui s'avère finalement assez anecdotique.
Reboot, saison 1 (2022) :
Hannah (Rachel Bloom), une scénariste engagée et lesbienne de films indépendants, propose à Hulu de rebooter la sitcom Step Right Up dans une version plus moderne et adulte, mais avec la distribution originale : Reed (Keegan-Michael Key), acteur de formation classique dont la carrière post-sitcom est au point mort ; Clay (Johnny Knoxville), comédien de stand-up alcoolique au casier judiciaire désormais chargé ; Zack (Calum Worthy), ancien enfant star désormais trop vieux pour ses rôles d'adolescent ; et Bree Marie Jensen (Judy Greer), ex de Reed, qui a quitté le monde de la comédie après le programme pour épouser un noble européen, et est désormais divorcée et sans argent. Mais pour y parvenir, Hannah va devoir composer avec Gordon (Paul Reiser), le showrunner original de la sitcom... et accessoirement son père.
Forcément, de par sa nature même, un tel programme ne pouvait être que largement méta et nombriliste : la série se moque des sitcoms ringardes, se moque des acteurs capricieux, se moque des vieux scénaristes juifs aux blagues éventées, se moque des plateformes de streaming et de leurs décisions arbitraires, se moque des jeunes scénaristes remplissant tous les cases démographiques de la diversité contemporaine, bref, se moque du monde de la télévision, tout en en faisant partie, et en peinant malheureusement à faire preuve d'originalité.
Reboot, en effet, est particulièrement générique. Sur un postulat assez dérivatif (Studio 60 s'est déjà cassé les dents sur un exercice similaire, par exemple), la série ne parvient pas à convaincre ou à susciter l'hilarité. Retirez la distribution efficace et dynamique (même si honnêtement, on grince un peu des dents, dans le premier épisode, devant le topless totalement gratuit et inutile de Judy Greer, qui mérite mieux, avec cette scène, que d'être le quota nudité de toute cette saison), et rapidement, il apparaît que la satire est faiblarde (toutes les vannes sur la diversité, sur le test de Bechdel, etc, c'est du vu et revu), que l'humour l'est tout autant, et que si ces huit épisodes se regardent facilement, il ne subsiste au final de tout cela que les moments plus sincères et "dramatiques", durant lesquels les personnages sortent de leur caricature, à des fins de shipping ou d'évolution de leurs relations.
Cela ne surprend guère de la part d'un producteur de Modern Family, et en soi, le fait que ces moments fonctionnent est une bonne chose (la fin de saison, par contre, mise tout sur l'émotion, et ça marche assez moyennement, puisque ça retombe dans des clichés éculés de sitcom), mais tout de même.
On aurait pu s'attendre à mieux, y compris au niveau de la sitcom dans la sitcom, tant Step Right Up, que ce soit dans sa version originale ou dans son remake, ressemble au plus basique de ce que la télévision américaine peut produire dans le genre, quand bien même les personnages passeraient leur temps à répéter à quel point le reboot chapeauté par Hannah est adulte, mature et intelligent.
Un bon gros mwébof, en somme.
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Au premier abord, difficile de voire l'intérêt d'Andor, série en 12 épisodes de 40-60 minutes consacrée à Cassian Andor (le Han Solo du pauvre de Rogue One), diffusée sur Disney + depuis septembre dernier : après tout, si Rogue One avait reçu un accueil public et critique honorable (principalement sur la force de ses visuels, et sur une certaine scène mémorable à la toute fin), sa genèse compliquée et les innombrables remontages étaient évidents au visionnage du métrage, avec ses personnages sous-développés et transparents, et son script inutilement brouillon.
Mais non, la magie du révisionnisme Web est passée par là, et à en croire Internet, Rogue One serait un classique mécompris, et le meilleur Star Wars depuis l'Empire Contre-attaque(j'ai déjà dit tout le mal que je pensais de cette formule facile et dépourvue de sens). Et bien naturellement, Andor est, au terme de sa première saison, désormais considérée comme la meilleure série Star Wars de tous les temps, voire même la meilleure œuvre Star Wars de tous les temps, car sombre, adulte et profonde.
*soupir*
Andor, saison 1 - première partie (1x01-06 - 2022) :
Le parcours de Cassian Andor (Diego Luna), un voleur qui, progressivement, en vient à rejoindre la résistance contre l'Empire galactique, et à se trouver par là-même une conscience...
Si je soupire à ce point, c'est parce que je ne peux m'empêcher de penser que tous ceux qui se sont à ce point convertis à l'autel d'Andor pour son traitement plus réaliste, sombre et désabusé, qui ferait de la série la meilleure œuvre SW de tous les temps, oublient souvent aussi que la franchise Star Wars est, à la base, un space opera délibérément fantastique, simple et pulp, accessible à tous les publics. Ce qui n'est clairement pas le cas d'Andor.
Oui, il y a de la place pour toutes les interprétations de l'univers SW, y compris les plus délibérément sombres et cyniques, mais se plaindre (comme on le voit souvent) que la franchise repose trop sur les Jedis ou les Skywalker, qu'elle est trop enfantine, et acclamer plus que de mesure les œuvres qui en cassent les codes (voir aussi The Last Jedi), reviendrait à se plaindre que la franchise Star Trek se concentre trop sur la Fédération et sur Starfleet : c'est passer totalement à côté du sujet de base.
Et si je soupire, aussi, c'est qu'au terme des six premiers épisodes d'Andor, je m'ennuie toujours ferme. De manière assez prévisible, Andor se prend très au sérieux sous la plume de Tony Gilroy, déjà responsable des réécritures de Rogue One, et nous présente une dystopie administrative où, loin de la Force, des Jedis et des Siths, l'Empire écrase le citoyen lambda sous son autorité, et le pousse à magouiller pour tenter de survivre.
Ce qui en passionnera certains, je n'en doute pas. Mais pour le moment, entre le manque cruel de présence de Cassian Andor (pas aidé par des flashbacks inutiles en mode tribu sauvage dans la jungle, à deux doigts du cliché honteux - clichés que l'on retrouve dans les costumes peu inspirés de la tribu des Dhanis), le rythme nonchalant, l'identité musicale inexistante, et les personnages secondaires assez quelconques (je vois tout le monde s'ébaubir devant "un développement lent et puissant de personnages attachants", permettez-moi de rire un peu, pour l'instant, tant tout est très balisé - y compris dans ses quotas), le programme me laisse totalement de marbre.
Tout au plus, je reconnais que ça commence un peu à décoller, avec un épisode 6 qui reste en demi-teinte : après de longs épisodes de mise en place, la série déclenche enfin son casse improbable (encore un, décidément) pour aller dérober la paie remisée dans une base impériale.
Il était temps, honnêtement : les trois premiers épisodes visaient à détailler, sans réelles conséquences pour le moment, le monde et l'entourage de Cassian (souvent dans ses moindres détails, une tendance que l'on retrouve dans toute la série, qui aime s'attarder sur le quotidien générique et pas très captivant de ses personnages secondaires : la vie de famille difficile de Mon Mothma, la mère juive de Syril Karn, les tracasseries administratives de l'Empire...) ; les trois suivants, eux, menaient à ce casse. Un casse manquant étrangement de rythme et d'énergie (un problème récurrent des rares scènes d'action de la série, et dont je ne sais s'il provient de l'écriture, de la mise en scène académique ou de la réalisation un peu raide), mais s'énervant un peu sur la fin, ce qui est toujours une bonne chose.
Après... encore une fois, pour l'instant, à mi-saison, si la réalisation sobre, les décors évitant au maximum le numérique et le fond vert, et la distribution toujours juste d'Andor sont louables, la série ne suscite qu'une bonne grosse indifférence chez moi et chez les personnes avec qui j'ai regardé le programme.
Loin de l'enthousiasme débridé du Web (cela dit, maintenant, on est habitué aux réactions de l'Internet, où tout est soit une sombre bouse, soit un chef d'œuvre intemporel, et où toute nuance est interdite), je ne peux qu'espérer que les six derniers épisodes de la série dépotent sérieusement, pour justifier la réputation démesurée du show.
(à suivre...)
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Après une saison 13 sérialisée médiocre au possible, et des épisodes spéciaux inégaux en 2022, place à l'ultime épisode spécial de l'ère Chibnall/Whitaker, un Power of the Doctor diffusé en octobre dernier, un peu avant Halloween, et qui n'a pas forcément su convaincre les critiques de par son côté un peu bordélique...
Doctor Who - The Power of the Doctor (2022) :
Après s'être séparé de Dan, déposé sur Terre, le Docteur et Yaz découvrent une sinistre machination ourdie par les Daleks, les Cybermen et le Maître avec pour objectif l'annihilation de l'humanité...
Difficile de mieux résumer cet épisode spécial effectivement bordélique, qui part dans toutes les directions, multiplie les éléments disparates, les clins d'œil, le fanservice, etc, de manière totalement décousue et désordonnée... du Chris Chibnall typique dès qu'il tente de faire dans l'épique et dans le spectaculaire, en somme.
Et le résultat, c'est un métrage de 90 minutes qui ne séduit ni n'intéresse jamais vraiment, et qui échoue totalement à impliquer émotionnellement dans ce qui est pourtant le baroud d'honneur de son actrice principale. Non seulement parce qu'il déroule des clichés et des rebondissements patauds (le Maître qui se laisse capturer et emprisonner... pour d'obscures raisons ; tout ce qui a trait à Raspoutine), mais aussi parce que Whitaker passe son temps à passer d'une sous-intrigue à une autre, d'un lieu à un autre, finissant par être expulsée de son corps lorsque le Maître le lui dérobe (allergiques au cabotinage de Sacha Dewan s'abstenir !).
De quoi permettre à Chibnall de placer des apparitions anecdotiques de quelques Docteurs précédents et d'autres compagnons, comme autant de clins d'œil et de fanservice qui ne parleront vraiment qu'aux membres les plus âgés de la fanbase... avant de tout boucler de manière précipitée dans les dix dernières minutes de l'épisode spécial, dans un chaos précipité qui lasse plus qu'il ne captive.
Les questions laissées en suspens des multiples saisons précédentes, et tout le reste ? Mieux vaut oublier, Chibnall est passé à autre chose. Toujours frustrante, son écriture brouillonne multiplie les éléments sans lien pour tenter d'en créer un, et au final, on a presque plus l'impression d'un showrunner qui a condensé ici toutes les idées en vrac qu'il avait pour une ou deux nouvelles saisons, et qui a tenté d'en faire 90 minutes semi-cohérentes.
Et pourtant, il y a bien quelques moments qui fonctionnent, de ci de là, et notamment la toute fin, et les adieux du Doc à Yaz : preuve s'il en est que Whitaker et ses compagnons méritaient mieux que ce que Chris Chibnall a su leur proposer.
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Troisième saison des aventures de Harley Quinn, une série qui, progressivement, a délaissé la provocation immature de ses premiers épisodes pour faire une place de plus en plus importante à la relation de Harley et de Poison Ivy, jusqu'à en faire un élément central de son propos, comme pour contrer les accusations de queerbaiting adressées à la première saison.
Un choix qui brosse joyeusement le web dans le sens du poil, mais qui risque aussi de phagocyter une série honnêtement moins drôle et aboutie que les critiques américains (et la série elle-même) ne semblent le penser...
Harley Quinn, saison 3 (2022) :
Alors que Harley et Ivy coulent ensemble des jours heureux, la scientifique peine à assumer ses ambitions écoterroristes ; en parallèle, la relation chaotique de Bruce Wayne et de Selina Kyle amène le riche héritier à se tourner vers le souvenir de ses parents, alors même qu'un long-métrage centré sur leur meurtre est sur le point de sortir en salles...
Pour être très honnête, je mentirais en disant que cette saison 3 m'a particulièrement convaincu.
De plus en plus, en effet, la relation Harley/Ivy est au centre de tout, au point que Poison Ivy devient presque la protagoniste principale de la saison, avec une Harley au second plan de la plupart des intrigues et des épisodes. Cette année, tout tourne autour d'Ivy, de son manque d'assurance, de son anxiété sociale, de ses projets et de ses désirs de terraformer Gotham, avec Harley dans un rôle de personnage-soutien, celui de la petite-amie bruyante et exubérante, qui passe son temps à l'encourager et à essayer de la faire sortir de sa coquille.
Le tout amenant, au fil de la saison, à la transformation de Frank en être tout puissant capable de ramener les plantes mortes à la vie, et à son enlèvement par un Bruce Wayne dépressif afin de tenter la résurrection de ses parents, ce qui déclenche une invasion de zombies végétaux dans Gotham (invasion devant être contrée par la Batfamily et Harley, qui se détourne progressivement du côté obscur).
Cet arc, en filigrane, sur un Bruce Wayne caricatural (comme tous les personnages de la série, cela dit), obsédé par ses parents jusqu'à provoquer une apocalypse, ne fonctionne que partiellement (la caractérisation outrée de tout le monde n'aide pas forcément), même s'il ouvre la porte à un épisode intriguant, qui remet Harley sur le devant de la scène, à l'occasion d'une plongée dans la psyché de Wayne, en mode Batman : The Animated Series. Et la conclusion du tout, avec Bruce envoyé en prison pour évasion fiscale, est à la fois étrangement premier degré et improbable, ce qui laisse dubitatif.
À l'identique, les autres personnages secondaires ne sont pas vraiment bien desservis par la saison : l'épisode spécial consacré au Joker qui se présente à la Mairie de Gotham, en mode sitcom 80s, laisse de marbre, malgré sa grosse dose de fanservice ; les mésaventures de King Shark dans son royaume sont une digression sans réel intérêt ; Clayface qui tourne dans le biopic de Thomas Wayne, c'est uniquement là pour faire du méta avec James Gunn et Billy Bob Thornton ; et James Gordon qui tente lui aussi d'être maire impose de trouver intéressante cette version du personnage, incapable, balbutiante et fébrile.
Bref, dans l'ensemble, quelque chose ne fonctionne pas réellement, cette année, et l'on se retrouve avec une saison tiraillée entre son désir de montrer Harley et Ivy en couple (avec tout un tas de rebondissements inhérents à de la sitcom de couple), celui d'illustrer en filigrane un virage de Harley vers l'héroïsme, et celui d'utiliser les personnages secondaires (et leurs doubleurs) pour partir dans les délires habituels des scénaristes.
Ponctuellement, ça fonctionne (l'épisode sur la psyché de Batman, la visite amusante en Louisiane avec Constantine et Swamp Thing, l'orgie de la Cour des Hiboux, certaines scènes ou idées çà et là) mais ça reste assez frustrant sur la longueur, à cause de ces choix d'écriture, et d'une animation un peu plus sommaire par moments.
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À la fois reboot (inutile) et suite de la série originale de 1989-1993 de Donald Bellisario, ce Quantum Leap version 2022 est donc une réquelle dont la diffusion de ses premiers huit épisodes a débuté en septembre dernier, sur NBC.
Au programme, une revisite de l'univers de la série originale, et des protagonistes plus divers, sous la supervision de Martin Gero, showrunner et producteur de The LA Complex, Stargate Atlantis, Bored to Death ou encore Dark Matter...
Code Quantum, saison 1 - première partie (2022) :
Trente ans après la disparition du Dr Sam Beckett dans le cadre du projet Code Quantum, le Dr Ben Song (Raymond Lee), à la tête de la nouvelle version de ce projet, choisit de faire un saut temporel imprévu sans expliquer ses motivations à ses collègues - Magic (Ernie Hudson), directeur du projet, Ian (Mason Alexander Park), le technicien en chef, Jenn (Nanrisa Lee), la responsable de la sécurité, et Addison (Caitlin Bassett), fiancée de Ben et observatrice qui l'accompagne dans tous ses sauts. Désormais perdu dans les couloirs du temps, amnésique, et sautant de corps en corps avec pour seul aide la présence holographique d'Addison, Ben tente de retrouver le chemin de son époque, tout en aidant les personnes dans lesquelles il s'incarne à chaque saut...
Une réquelle assez honorable, je dois dire, même si le tout souffle un peu le chaud et le froid. Déjà, parce que le programme s'est (bizarrement) débarrassé de tout ce qui faisait le charme de la série originale : la musique/le thème principal, l'énergie, l'aspect excentrique de la technologie, les bruitages lors du saut, les règles des sauts originaux (finis, les sauts limités à la vie du protagoniste)... et le charisme de tout ce petit monde (même si ça s'améliore avec le temps, Raymond Lee et Caitlin Bassett mettent du temps à s'imposer).
On sent aussi que la série a fait des concessions aux normes modernes de la télévision, tant à l'écran (la distribution a vu son curseur diversité poussé au maximum) que derrière (l'écriture privilégie une sérialisation plus prononcée, développant toute l'équipe du Projet et ses efforts pour résoudre le problème qui leur est posé), ce qui est une arme à double tranchant : d'un côté, cela permet d'étoffer un peu certaines zones d'ombre et le contexte du Projet Quantum Leap, tout en soulignant les liens avec la série d'origine, mais de l'autre, on s'aperçoit vite que ce développement éclipse un peu trop souvent les aventures de Ben Song, qui manquent fréquemment de substance et d'intérêt.
Car il faut bien l'avouer, la série ne brille pas par son écriture : fréquemment, l'exposition est maladroite, les dialogues simplistes, la caractérisation peu mémorable (la hackeuse repentie et ses daddy issues, *soupirs*) ; les sauts ont une forte tendance à s'appuyer sur la béquille de la nostalgie pour les années 70-80, sans que la direction artistique ne suive vraiment ; les aventures de Ben semblent régulièrement sous-développées...
Rien de rédhibitoire, et il serait faux de dire que la série originale brillait par la profondeur de tous ses scripts. Néanmoins, on ne retient pas grand chose des histoires de cette première demi-saison, si ce n'est l'épisode d'Halloween (un exorcisme qui vire au whodunit) plutôt amusant, qui rappelle l'épisode équivalent de la série originale...
Ajoutez à cela des effets visuels fréquemment très limités (voire même ratés), et voilà, un Quantum Leap 2022 qui ne fait pas de vagues, qui n'est pas exceptionnel, mais qui, étrangement, fonctionne à peu près, ou du moins, semble destiné à fonctionner une fois sa période de rodage terminée.
La série a du potentiel, la distribution n'est pas désagréable, et Gero semble avoir une vision globale pour certaines des grandes lignes du programme (même si j'ai mes doutes sur l'intérêt ou la pertinence de certains de ses choix), donc on verra bien comment tout cela aura évolué au terme de la diffusion de la deuxième moitié de saison (10 épisodes), qui a repris en janvier.
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Une unique saison de six épisodes de 20 minutes, conçus en coproduction avec BioWare : voilà le contenu de cette première fournée de Dragon Age : Absolution, production Netflix prenant place dans l'univers des jeux vidéo Dragon Age, et tentant de faire le pont entre le précédent jeu DA, et le prochain.
Dragon Age - Absolution, saison 1 (2022) :
Un groupe d'aventuriers - Miriam (Kimberly Brooks), une voleuse elfe au passé d'esclave ; Hira (Sumalee Montano), son ex-compagne mage de l'Inquisition ; Roland (Phil LaMarr), un mercenaire humain ; Qwydion (Ashly Burch), une mage Qunari ; Lacklon (Keston John), un nain grincheux ; et Fairbanks (Matthew Mercer) - tente de dérober le Circulum Infinitus, un objet mystique, des mains de Rezaren (Josh Keaton), l'un des sorciers qui étudient l'artefact...
Au programme, beaucoup d'action, mais aussi un développement des personnages et de leurs relations assez honorable pour 6 petits épisodes à ce point compressés : pour être totalement franc, étant absolument novice de l'univers Dragon Age, j'ai eu un peu de mal avec les premiers moments de la série, qui n'est pas franchement très facile d'accès pour les spectateurs non-familiers du lore de la franchse.
Qui plus est, j'ai rapidement levé les yeux au ciel en découvrant le protagoniste central de toute l'histoire, une elfette LGBTQ rebelle et caractérielle au sombre passé d'esclave, qui lui donne un caractère tourmenté, mais ne l'empêche pas d'être une tornade indestructible sur le champ de bataille.
Pas franchement le summum de l'originalité, mais quelque part, c'est un peu comme avec les personnages de Vox Machina : on est dans les clichés du medfan peu inspiré, dans de la création de rôliste peu originale, et il faut faire avec.
Tout comme il faut faire avec une diversité assez maladroite et avec un style graphique typiques de Netflix...
Heureusement, après quelques épisodes de mise en place, Dragon Age Absolution décolle plutôt bien, et s'avère finalement agréable à suivre, quand bien même le tout ne serait qu'une succession de scènes d'action. C'est visuellement réussi, dynamique, et assez pêchu, ce qui permet de bien faire passer la pilule quand arrive cette fin ouverte en forme de "à suivre dans le prochain jeu Dragon Age !".
Pas forcément une mini-série exceptionnelle, mais elle remplit son office.
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Secret Headquarters (2022) :
Depuis qu'il a reçu une technologie incroyable des mains d'une entité extraterrestre écrasée sur Terre, Jack Kincaid (Owen Wilson) est The Guard, un superhéros volant à l'armure indestructible. Mais ses missions l'amènent à délaisser son fils Charlie (Walker Scobell), qui ignore tout des pouvoirs de son père... et lorsque Charlie et ses amis Berger, Lizzie et Maya (Keith L. Williams, Abby James Witherspoon, Momona Tamada) découvrent le quartier général secret de Jack, alors que celui-ci est en mission, ils n'en croient pas leurs yeux. Ils vont alors devoir se battre contre les mercenaires d'Argon (Michael Peña), un fabricant d'armes aux ambitions destructrices...
Jerry Bruckheimer + Lorne Balfe (le sbire habituel de Hans Zimmer) + le duo de réalisateurs de plusieurs Paranormal Activity et de Project Power + Owen Wilson + un pastiche des films de superhéros au croisement d'Iron Man, de Spy Kids et de Green Lantern + un jeune protagoniste ayant fait ses preuves dans Adam à travers le temps avec Ryan Reynolds... on aurait pu s'attendre à quelque chose d'un minimum abouti et divertissant.
Mais non, malheureusement, entre un script peu inspiré clairement écrit par des "vieux" (les dialogues des enfants, les choix musicaux, les expressions employées), des effets numériques limités, un montage assez décousu qui donne un rythme bancal au film (ici, on a l'impression que toutes les transitions organiques ont été raccourcies au montage, ailleurs, les raccords sont ratés, ou encore le film a des coups de mou), et une interprétation assez criarde (la nièce de Reese Witherspoon, notamment), le tout tourne très rapidement à vide, jamais particulièrement intéressant, maîtrisé ou original, et avec un vilain placement produit Volkswagen particulièrement maladroit.
Assez raté, tout ça, honnêtement.
2.25/6
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Avalonia, l'étrange voyage (Strange World - 2022) :
Pays lointain entouré de montagnes infranchissables, Avalonia a longtemps été le lieu des aventures de la famille Clade, menée par Jaeger (Dennis Quaid), un aventurier obsédé par l'idée de franchir les montagnes et disparu en expédition. Son fils Searcher (Jake Gyllenhaal), d'un tempérament plus posé, a depuis découvert le Pando, une plante luminescente qui, rapidement, est devenue une source d'énergie inépuisable pour tout le pays. Jusqu'à ce qu'une maladie étrange frappe le Pando : Searcher, son fils Ethan (Jaboukie Young-White), sa femme Meridian (Gabrielle Union) et un groupe d'explorateurs partent alors à l'aventure dans les entrailles d'Avalonia, pour tenter de découvrir l'origine de ce mal...
Dernier film d'animation des Studios Disney, écrit par la scénariste de Raya et dirigé par le réalisateur de Big Hero 6, Avalonia a fait un bide monumental, à la fois pour des raisons politiques (Disney a mis fortement l'accent sur la diversité de ses personnages, et Ethan, l'un des co-protagonistes, est ouvertement gay... ce qui est assez mal passé dans certains pays), mais aussi parce que le film a eu droit à un marketing ultra-limité et à une sortie en catimini, notamment en France, pour d'obscures raisons commerciales relatives à Disney +.
C'est dommage, car Strange World déborde d'inventivité visuelle et graphique, rendant un hommage sympathique aux récits d'aventures pulp à l'ancienne et à la science-fiction des 60s : c'est dynamique, amusant, le bestiaire est ludique, et le tout se regarde facilement... même si, pour être totalement franc, ça s'arrête là.
Les problèmes générationnels et autres daddy issues des personnages principaux sont assez convenus, l'écriture est un peu mollassonne (le film devrait avoir beaucoup plus d'énergie et de momentum, en lieu et place de ces occasionnels creux et autres tunnels de dialogue), les thématiques et métaphores (notamment écologiques) sont assez classiques, et le rebondissement de la dernière ligne droite du film aura été deviné bien à l'avance par les spectateurs attentifs, ou qui ont déjà vu Le Voyage Fantastique ou l'Aventure Intérieure.
Et la bande originale de Henry Jackman, particulièrement symphonique et orchestrale, tente d'évoquer, elle aussi, par des envolées épiques et spectaculaires, le travail des compositeurs des années 80, mais ne parvient pas réellement à marquer les esprits (du moins, dans le film, il en va peut-être autrement lors d'une écoute indépendante).
Bref : en tant que film d'aventures, Avalonia est tout à fait honorable, un long-métrage distrayant et bigarré aux visuels et aux idées graphiques qui font presque oublier son script balisé et son exécution assez générique (problèmes déjà présents dans Raya).
Presque.
3.75/6
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Il était une fois 2 (Disenchanted - 2022) :
Mariés depuis des années et parents d'un jeune bébé, Giselle (Amy Adams) et Robert (Patrick Dempsey) décident de quitter New York pour aller s'installer en banlieue, à Monroeville, où règne Mavina Monroe (Maya Rudolph), membre de la famille fondatrice de la ville. Mais rapidement, les tensions entre Giselle et sa belle-fille rebelle, Morgan (Gabriella Baldacchino) amènent la princesse à faire un souhait dangereux : celui de transformer sa vie en conte de fées. Mais le vœu tourne mal, et c'est toute la bourgade qui est transformée en Monrolasia, alors même que Giselle se transforme progressivement en belle-mère acariâtre, maléfique et désireuse de détrôner la reine Mavina...
Forcément, quand on prend le premier Enchanted (pour lequel j'ai énormément de sympathie), mélange de comédie romantique new-yorkaise moderne, de comédie musicale, de récit façon fish out of water, de pastiche de conte de fées et d'hommage au cinéma Disney, le tout chapeauté par Kevin Lima, un ancien animateur Disney ayant porté le projet à bout de bras et retravaillé le script d'origine pendant plusieurs années, et conçu lui-même la partie animation 2d du film... et que l'on attend 15 ans pour mettre en chantier une suite, sans Kevin Lima, en confiant l'animation 2D à un obscur studio canadien, et en évacuant les 2/3 de la formule du premier film (adieu New York, adieu la romance, adieu le fish out of water, remplacés par du mélodrame familial écrit par une ancienne scénariste de la série Il était une fois), ça coince.
Pourtant, sur le fond, il y a des idées intéressantes : le fait de faire de Giselle une belle-mère de conte de fées, sa rivalité avec une autre reine maléfique (Maya Rudolph, qui ne cabotine pas trop), l'inversion du récit, qui transforme une banlieue américaine en bourgade féérique... mais l'exécution pèche à tous les niveaux.
L'animation 2d est fauchée et approximative (un comble !), les effets numériques très inégaux (quelques incrustations ne semblent pas finalisées), l'humour est laborieux (le gimmick de Pip, l'écureuil transformé en chat, les deux sbires de Malvina), le film prend un temps fou à se mettre en route (plus de 35 minutes avant le vœu funeste), la photographie est tout simplement laide (avec un filtre de diffusion constant), les costumes sont assez cheaps, les chansons sont toutes génériques et oubliables (sauf une chanson précise, celle du premier "duel" Giselle/Mavina, un morceau amusant et dynamique, à la mise en scène ludique), et la réalisation, pourtant signée d'Adam Shankman (réalisateur de comédies musicales), est étrangement plate et mollassonne.
Quand à la distribution, tout le monde a pris un coup de vieux, forcément (certains plus que d'autres), mais les acteurs font clairement tout leur possible pour donner vie à leur personnage, Amy Adams en tête. Ce n'est cependant pas assez pour contrer tous les défauts du métrage, et notamment son scénario paradoxalement à la fois brouillon, trop dense, et creux (toute la dernière ligne droite, par exemple, est assez générique et insipide, et tombe totalement à plat). En même temps, le film frôle les deux heures, donc ce n'est guère surprenant.
Une vraie déception qui reste regardable, mais qui ressemble en fait plus à une suite DTV du film original qu'à une véritable suite cinéma digne de ce nom.
2.5/6
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Troll (2022) :
Lorsqu'un chantier dans une montagne norvégienne libère une créature de légende qui commence alors à arpenter le pays, semant la destruction sur son passage, seule Nora Tidemann (Ine Marie Wilmann), une paléontologue, sait à quoi ils sont confrontés : la Norvège doit faire face à un Troll de légende, comme l'avait prédit son père Tobias (Gard B. Eidsvold), pourtant toujours considéré comme un excentrique...
Ah, pourtant, je voulais l'apprécier, celui-là... J'ai toujours eu beaucoup de sympathie pour les mythes et le bestiaire norvégiens, et j'étais curieux de voir ce que Roar Uthaug (Tomb Raider) allait pouvoir nous concocter sur le thème du Troll. Mieux encore, l'accueil critique enthousiaste laissait présager de quelque chose d'amusant et d'original.
Et puis finalement, déception. Troll se contente d'être "Godzilla, mais à la sauce norvégienne", un film catastrophe ultra-basique et dérivatif qui accumule les poncifs du genre, et les dissimule à peine derrière des éléments mythologiques norvégiens... malheureusement, peu ou prou déjà utilisés dans le Troll Hunter d'André Øvredal, mais ici de manière moins ludique.
Bref, un blockbuster Netflix assez quelconque, qui n'a réellement pour lui que des effets spéciaux plutôt réussis, et qui frustre par son cruel manque d'originalité, d'imagination, de fantaisie et d'intérêt.
2.75/6 (peut-être un peu plus si on n'a jamais vu un Godzilla ou Troll Hunter)
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Magnum Dopus - The Making of Jay and Silent Bob Reboot (2020) :
Comme son nom l'indique, un making of d'une heure 40 environ, et qui retrace la genèse et la réalisation, en mode journal de tournage chronologique commenté par Kevin Smith lui-même, de Jay et Silent Bob Reboot, premier long-métrage de Smith à avoir été tourné après sa crise cardiaque quasi-fatale.
Le film étant une sorte de film-somme, l'occasion pour Smith de faire le bilan de sa carrière, et de ramener toutes ses créations sur le devant de la scène, ce documentaire en suit les traces directes : assez répétitif (on voit Smith remercier tout le monde, applaudir ses équipes, les figurants, etc, à chaque étape du tournage, comme pour persuader le spectateur que Smith est réellement humble, respectueux et sympathique - chose dont on n'a jamais vraiment douté, quoi que l'on pense du travail de Smith), il revient en détail au gré du tournage sur chaque caméo, sur chaque influence, sur chaque scène importante aux yeux de Kevin Smith, etc... et fréquemment, le tout se finit dans les louanges, l'émotion et la larmichette.
Pas forcément surprenant, puisqu'au delà de ses caméos et de toutes les ficelles habituelles du cinéma de KS, J&SBR possédait aussi un noyau émotionnel assez fort, produit de la prise de conscience de Smith vis à vis de sa mortalité et de l'importance de sa fille dans sa vie.
Après, on peut aussi se rappeler que depuis, il a réalisé Clerks 3, là aussi sorte de film-somme revenant encore en détail sur le traumatisme lié à sa crise cardiaque, et l'on peut se demander si en décidant, comme il l'explique à la fin de ce making-of, de cesser de faire des films "où il n'est pas lui-même", pour se concentrer sur ce qu'il fait le mieux - parler de lui et de son monde - KS ne va pas finir par se répéter encore et encore.
Ah, mais on me fait signe que c'est déjà l'une des principales critiques lui étant adressées depuis des années... Bref. Un documentaire pour les fans, comme une grande partie du cinéma de Smith depuis bien longtemps.
3/6
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Les Rois mages sont arrivés, et avec eux se termine la période des fêtes de fin d'année : toujours un moment doux-amer, celui des bilans et des mises au point ; il en va de même sur le blog des Téléphages Anonymes, avec le bilan de la Christmas Yulefest 2022, notre marathon annuel de films de Noël en tout genre...
Toujours plus de chaînes, toujours plus de plateformes de streaming, et toujours plus de diffusions, cette année : faire un tri préalable est désormais indispensable pour espérer s'en sortir parmi les 150+ films de Noël diffusés outre-Atlantique entre fin octobre et fin décembre.
D'où un nombre de films critiqués limités à 60 (59, techniquement), et une première constatation : lorsque Hallmark laisse ses acteurs s'amuser, passer derrière la caméra ou à l'écriture, apparaître dans les téléfilms des copains, tout de suite, le niveau remonte notablement.
Haul out the Holly, Three Wise Men and a Baby, Noel Next Door, Lights, Camera, Christmas !, Christmas at the Golden Dragon, Twas the Night before Christmas, autant de productions Hallmark se démarquant suffisamment du lot pour se placer sur le haut du panier de la saison 2022, avec notamment un ton plus décontracté, une distribution plus diverse et originale, et des sujets souvent moins balisés.
Ce qui ne veut pas dire pour autant qu'Hallmark n'a pas produit une demi-tonne de téléfilms insipides et génériques... mais pas tant que la concurrence, de Netflix à Lifetime en passant par CBS, UpTV et autres.
Ça et là, on trouve bien quelques récits sympathiques, que ce soit aux USA ou en Angleterre (ici, Must Love Christmas, là, A Christmas Number One), quelques plus grosses productions aux sorties cinématographiques (ou assimilées), comme Violent Night ou Spirited, de quoi donner, in fine, une saison plutôt agréable à suivre, avec des pics plus prononcés que lors des saisons précédentes, et des creux moins profonds.
Une saison épuisante à passer en revue, mais finalement assez intéressante...
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# Film(s) du mois :
Un top 5 qui se joue dans un mouchoir de poche, dominé par le très bon Ghosts of Christmas Always, une production Hallmarksurprenante et ambitieuse. On peut aussi citer All I didn't want for Christmas, une relecture rigolarde et impertinente du genre du "souhait magique exaucé à Noël" ; A Christmas Karen, une adaptation moderne et sarcastique du Conte de Noël de Dickens ; A Christmas Story Christmas, une suite tout à fait honorable du Christmas Story de Bob Clark ; ou encore Three Wise Men and a Baby, une revisite légère de Trois hommes et un couffin/bébé, à la sauce Hallmark...
Mention spéciale à A Christmas Number One, une comédie anglaise musicale ; Menorah in the Middle, une version Hanoucca de la comédie romantique festive traditionnelle ; le Journal de Noël, un téléfilm Netflix s'inscrivant dans une certaine tradition mélodramatique et émotionnelle ; ou encore l'épisode spécial de Noël des Gardiens de la Galaxie, plutôt attachant.
Et puis il y a tous ces films notés 3.75/6, qui méritent le coup d'œil, même s'ils ne sont pas parfaits ou exceptionnels.
# Flop(s) du mois :
Là, contrairement au top 5, pas d'hésitation : les pires films de la saison sont facilement identifiables, à commencer par A Christmas... Present, le film de Noël religieux et prosélyte de Candace Cameron Bure. Et histoire de continuer sur la lancée, Christmas on Candy Cane Lane, une autre production GAF produite par CCB, et mettant en scène sa meilleure copine et collègue Andrea Barber.
Deux métrages aux défauts différents (le premier est imbuvable et niais, le second est fauché et bancal), auxquels se joint Christmas Bedtime Stories, un téléfilm Hallmark Movies & Mysteries en mode larmoyant, façon "nos soldats sont formidables", et à la conclusion ne méritant qu'un facepalm.
À tout cela, on peut ajouter 12 Days of Christmas Eve, une énième relecture de ce type de récit, avec un Kelsey Grammer en surjeu ; et Noël en héritage, un téléfilm de la saison précédente, générique au possible, et alignant tous les clichés les plus éculés du genre.
# Petit écran :
Pas beaucoup de séries télévisées, cette année, contrairement à l'année précédente, et malheureusement, un Super Noël, la série qui a plus que déçu, à la fois approximatif, bordélique, dérivatif et bien trop proche, qualitativement parlant, du troisième volet des films Super Noël, pour être une suite satisfaisante.
Et puis n'oublions pas l'épisode spécial Noël de Murderville, amusant, mais finalement assez anecdotique.
Retrouvez aussi les bilans de toutes les séries critiquées jusqu'à présent en ces pages depuis l'index Séries alphabétique qui leur est consacré.
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# À venir :
Dès demain, retour à la normale sur le blog des Téléphages Anonymes pendant une petite semaine, avec des critiques cinématographiques quotidiennes, puis passage à un rythme plus décontracté jusqu'à fin janvier, avec une quinzaine série aux publications tous les deux jours, jusqu'au début de la quinzaine Saint Valentin, début février, où tout reviendra à la normale...
Dans l'intervalle, vous pouvez retrouver l'historique de toutes les éditions précédentes de la Christmas Yulefest, et des films, téléfilms et séries passés en revue à cette occasion, en accédant aux pages Index Christmas Yulefest alphabétique et saisonnier ; toutes les mises à jour du blog sont disponibles sur la page Updates, et la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog est accessible dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...
Épisode spécial Noël de cette série comique made in Netflix, qui plonge, dans chaque épisode, ses invités dans une enquête scénarisée qu'ils doivent résoudre, en improvisation totale, aux côtés d'un Will Arnett bien décidé à leur mettre des bâtons dans les roues.
Who Killed Santa ? A Murderville Murder Mystery (2022) :
Après une première saison de Murderville amusante mais très inégale (car reposant sur les talents d'improvisation des invités de chaque épisode et dépendant forcément des antécédents et de la spontanéité de chacun, voici donc une enquête à la durée XXL (50 minutes au lieu de la petite demi-heure habituelle), avec pour invités Maya Rudolph et Jason Bateman (et Pete Davidson, vers la fin), habitués de l'exercice de l'improvisation, et toujours très bons clients pour ce genre de programme.
Le résultat, c'est un épisode amusant, avec un Bateman pince-sans-rire qui se prête totalement au jeu et fait le con, tentant de faire rire un Arnett qu'il connaît très bien ; une Maya Rudolph qui en fait trois tonnes (sans surprise) et passe presque plus de temps à rigoler qu'à participer ; un Pete Davidson paumé mais qui joue le jeu ; et des invités qui décident de saboter totalement l'enquête à la toute fin en désignant des coupables WTF, ce qui provoque le fou-rire de tout le monde, y compris l'équipe technique hors-champ.
Un Christmas Special rigolo, en somme.
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La vérité sur les Rois Mages (Los Reyes Magos : La verdad - 2022) :
Un mockumentaire espagnol produit pour Amazon qui suit les trois Rois Mages (Mauro Muñiz de Urquiza, Javier Carramiñana Moya, Pedro Gutiérrez Burgos) fatigués, has beens et dépassés par la popularité de Santa Claus et des streamers en tous genre, qui engagent les services d'une nouvelle agente (Camila Viyuela) pour tenter de se remettre au goût du jour pour leur prochaine tournée. Avec au programme relooking, programme sportif, médias sociaux et tutti quanti.
Amusant, bien qu'un peu anecdotique sur la durée, et avec un rythme plutôt inégal. Ça se regarde, cela dit, et les trois Rois Mages ont des personnalités suffisamment affirmées (un est un peu vaniteux et accro aux réseaux sociaux, l'autre est un vieux grincheux, le troisième un Michael Scott en puissance dont la magie est en panne) pour être à la fois attachants, amusants et intrigants.
3.75/6
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Adolescent maladroit amoureux en secret de la belle Claire (Shelby Simmons), Hal (Ky Baldwin) décide de tenter le tout pour le tout à l'occasion d'une journée blanche durant laquelle les écoles de la ville, enneigée, sont toutes fermées. Sa petite sœur Natalie (Michaela Russell), elle, est bien décidée à prolonger ces vacances improvisées en empêchant le conducteur de la déneigeuse (Jerry Trainor) de passer...
Remake du Jour Blanc de 2000 (téléfilm assez inégal et oubliable) pour Nickelodeon et Paramount +, ce Snow Day 2022 a la mauvaise idée d'être une comédie musicale façon Disney Channel, ce qui, forcément, pose déjà un problème de taille lorsque ce côté musical s'avère insipide et générique au possible.
Autre souci : cette nouvelle version se concentre à 75 % sur le côté romantique de ses adolescents, ce qui déséquilibre fortement le tout, mène à des numéros musicaux tout droit sortis d'un High School Musical, et ne laisse qu'une place mineure aux autres personnages, les mésaventures de la petite sœur impertinente et de Jerry Trainor exceptées.
Et comme le tout propose une interprétation souvent très... Nickelodeon, ce Snow Day 2022 lasse assez rapidement. M'enfin ça plaira peut-être au public visé, et j'avoue que les extérieurs enneigés canadiens sont toujours très agréables à l'image.
2.25/6
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Patronne cynique et amère dont la grande entreprise de décorations de Noël est sur le point d'être revendue à un géant américain, Carole McKay (Suranne Jones) est prévenue par l'esprit de sa mère qu'elle va recevoir la visite de trois esprits (Jo Brand, Nish Kumar, Jonty Stephens, Ian Ashpitel) la nuit de Noël, afin de l'aider à retrouver l'esprit de Noël et de changer son comportement...
Un téléfilm spécial d'une soixantaine de minutes qui revisite le Christmas Carol de Dickens à la sauce moderne et british... et ça s'arrête plus ou moins là.
Ce n'est pas mauvais, en soi, mais le tout ne décolle malheureusement jamais vraiment et reste trop balisé, malgré quelques efforts pour rendre le film un peu décalé et british, comme par exemple ces deux fantômes des Noël passés, deux acteurs imitant apparemment des présentateurs anglais d'il y a plusieurs décennies.
Ça amusera probablement les Anglais, mais le métrage peine par ailleurs à maintenir un rythme et une énergie suffisantes pour tenir ses 66 minutes, et pour justifier son côté émotionnel : l'épiphanie de Carole arrive un peu trop tôt, l'humour est trop peu présent, les postiches sont discutables, et si c'est bien interprété, le spectateur reste bien trop passif devant le film, jamais particulièrement diverti, impliqué, ou surpris par ce que pourrait proposer le métrage.
2.5/6
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Alors qu'elle prépare un Christmas Special pour NBC, Dolly Parton peine à retrouver l'esprit des Noël d'antan. Heureusement, elle reçoit la visite de trois entités très spéciales (Billy Ray Cyrus, Willie Nelson, Zach Williams) dont les conseils et la sagesse lui permettent de célébrer les fêtes de fin d'année comme il se doit... en chansons.
Un Christmas Special très métadiscursif, se moquant gentiment du concept d'un Christmas Special tourné pour NBC tout en en tournant un pour NBC, et qui permet à Dolly de faire défiler des guests musicaux en articulant une très vague intrigue sur son désir de retrouver le goût de Noël et de la simplicité d'antan.
Autant être très clair, ce Magic Mountain Christmas est très médiocre, bourré de numéros approximatifs (la chanson avec un Jimmy Fallon totalement autotuné et doublé pour les passages dansés fait se demander ce qu'il fait là) et de chansons sirupeuses pas très mémorables (et souvent très portées sur Jésus et Dieu, etc, country oblige).
C'est du Dolly, ni plus ni moins, et donc ça a assez mal vieilli, c'est retapé de partout à l'arrache, et c'est assez kitsch (voir aussi C'est Noël chez nous, qui était plus ambitieux), mais ça a aussi le bon goût de ne jamais se prendre trop au sérieux, d'être ouvert d'esprit, tolérant et jamais moralisateur, alors même que le tout est fortement imprégné de religion.
3 - 0.25 pour la prise de son et/ou le mixage audio défaillant(s) dès qu'un personnage est hors-champ = 2.75/6
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Mon Miracle de Noël (Five More Minutes - Moments like these - 2022) :
Quatre ans après la mort de son mari, Kaitlyn (Ashley Williams) et son fils Adam (Brady Droulis) retournent passer les Fêtes dans leur belle-famille et profitent de l'occasion pour mettre en vente la maison familiale, conçue par feu son époux. Pour l'y aider, elle reçoit l'aide de Matthew (Lucas Bryant), un ami d'enfance de son époux décédé...
Parce qu'apparemment, c'est devenu la mode, chez Hallmark, de prendre une chanson country sirupeuse et d'en utiliser le titre pour la décliner en une série de téléfilms vaguement liés (voir par exemple les "Time for Me/You/Them/Us/Him to come home for Christmas", sortis chez nous sous les titres À la maison pour Noël, Le fabuleux bal des neiges, L'amour revient toujours à Noël...), voici le deuxième épisode de l'anthologie des Five More Minutes, après un premier volet, l'année dernière, mettant Nikki DeLoach en vedette.
Une Nikki DeLoach qui, d'ailleurs, a ici un petit caméo, dans un téléfilm centré sur une Ashley Williams en mode mélodrame... et c'est à peu près tout ce qu'il y a à dire de positif sur ce FMM 2 : Moments like this.
Je ne sais pas vraiment ce qui pose le plus problème, en fait : déjà, une incompatibilité d'énergie entre Ashley Williams (habituellement pétillante et solaire) et l'ensemble du récit et de la production, larmoyants et mollasson ; ensuite, une écriture ultra-bancale, avec toute une mise en place et des dialogues dont il semble manquer des morceaux, de la logique, du liant, pour que tout fonctionne et paraisse naturel, notamment au niveau des motivations des personnages ; la direction artistique assez fauchée, avec des morceaux de coton dans la rue ensoleillée pour faire "neige hivernale" ; et puis il y a un côté assez niais dans cette histoire, avec le mari décédé qui envoie des signes à son fils et à sa veuve, les enfants qui ne jouent pas très bien, et cette tendance à surligner maladroitement toutes les œuvres caritatives de la famille (je ne connais pas beaucoup d'enfants de 10 ans qui s'exclament spontanément, dans la rue, à quelques jours de Noël, "Maman, allons prendre part à une œuvre de charité, c'est notre nouvelle tradition de Noël !").
Bref, je n'ai pas du tout accroché, et ça a même fini par m'agacer. Et pourtant, je partais avec un à priori positif, vu que j'apprécie généralement Ashley Williams et ses films.
2.25/6
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Photojournaliste à San Francisco, Liv Chang (Shannon Chan-Kent) privilégie une vie discrète et anonyme, et, à l'approche des fêtes de fin d'année, redoute la grande fête de quartier que ses parents (Tia Carrere, Yee Jee Tso) organisent chaque année pour Noël. Mais Henry (Shannon Kook), son nouveau collègue, a décidé de couvrir cette fête pour son premier article, sans savoir que la famille de Liv est impliquée : celle-ci décide alors de lui cacher la vérité, ce qui est plus facile à dire qu'à faire...
Deuxième téléfilm "asiatique" produit par Hallmark pour ces fêtes de fin d'année, ce Big Fat Family Christmas (un titre médiocre au possible) a beaucoup en commun, thématiquement, avec le Christmas at the Golden Dragon de mi-novembre : même accent mis sur l'importance de l'intégration, de la communauté, sur le soutien des voisins entre eux, sur l'héritage, les traditions, etc, etc, etc
Un peu de diversité de culture qui fait toujours plaisir à voir, même si, je dois bien l'avouer, le métrage ne m'a pas vraiment passionné : le couple principal est assez terne, ça frôle parfois la visite touristique de San Francisco (ce qui n'est pas très festif, filmé sous un ciel bleu et ensoleillé), et une fois la supercherie éventée (au bout d'une petite demi-heure), le film se déroule gentiment en pilotage automatique, misant beaucoup sur le capital sympathie de certains de ses acteurs et sur son message positif, et la conclusion pleine de bons sentiments découle directement d'une grosse ficelle scénaristique qui fait lever les yeux au ciel plus qu'autre chose.
Pas mauvais, en soi, mais 3/6, pas plus.
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