Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Dudes & Dragons (aka Dragon Warriors) :
Rejeté par la princesse Ennogard (Kaitlin Doubleday), le sorcier Tensley (James Marsters) décide de détruire le royaume, en ordonnant à son dragon de massacrer toute personne exprimant le moindre signe d'amour et d'affection. Ce qui n'arrange pas Camilan (Maclain Nelson), un guerrier arrogant bien décidé à épouser une elfe dont il est épris. Il décide alors d'aller affronter Tensley, et demande l'aide de son frère, Ramicus (Adam Johnson), un chasseur de primes qui n'a pas vraiment envie de risquer sa vie dans une telle quête...
Un film indépendant semi-parodique à microbudget, partiellement financé via plate-forme participative, et globalement tourné sur fond vert.
On peut louer les intentions de l'équipe, mais... malheureusement, le tout est un bon gros plantage. C'est fauché (mais ça, on pouvait s'y attendre), c'est interminable (pas loin de deux heures) et très mal rythmé, ce n'est pas drôle, c'est très moyennement interprété, et ça souffre constamment de la comparaison avec un Votre Majesté ou avec d'autres parodies de fantasy télévisuelle.
La séquence d'introduction avec Luke Perry en preux chevalier queutard est amusante, cela dit, bien qu'ultra-convenue.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Pirates des Caraïbes 4 - La Fontaine de Jouvence (Pirates of the Caribbean - On Stranger Tides) :
Lorsque Jack Sparrow (Johnny Depp) découvre qu'Angelica (Penelope Cruz), l'une de ses anciennes conquêtes, se fait passer pour lui, Sparrow tombe dans le piège de la jeune femme : elle l'oblige alors à rejoindre son équipage, sous la direction de son père, le terrible Barbe-Noire (Ian McShane), et de les aider à découvrir la mythique Fontaine de Jouvence. Mais Barbe-Noire n'est pas le seul à la chercher : Barbossa (Geoffrey Rush) est sur leur piste pour le compte de la couronne anglaise, et les espagnols sont aux aussi de la partie...
Alors que sort le cinquième épisode de la saga en salles, retour sur le quatrième épisode, un épisode qui, ce n'est pas peu dire, n'avait pas marqué les mémoires. Et pour cause : après un premier volet tout à fait regardable, et deux suites boursouflées et assez bordéliques (mais contenant néanmoins bon nombre de scènes spectaculaires et mémorables), ce quatrième volet perdait la majorité de sa distribution habituelle, ainsi que son réalisateur, et choisissait de s'inspirer très librement du roman Sur des Mers Plus Ignorées de Tim Powers.
Résultat, un succès mitigé au box-office (malgré plus d'un milliard de dollars de recettes, le film avait coûté tellement cher à produire qu'il n'a pas fait de gros bénéfices), pour un film moins confus et surchargé que les précédents, mais aussi nettement moins intéressant, moins inspiré et tout aussi bavard.
La première demi-heure fait à peu près illusion, malgré une bande-originale de Zimmer en pilotage automatique, qui se contente d'aligner les deux nouveaux thèmes du films (pas désagréables, d'ailleurs) avec tous les anciens thèmes des films précédents, sans logique ni cohérence (il en ira de même pendant les 2 heures 15 du métrage) ; dès que Barbe-Noire est présenté, cependant, et que la mission de tout ce petit monde est lancée, le film commence à perdre son énergie, petit à petit... et une fois l'attaque des sirènes passée, c'est l'encéphalogramme plat jusqu'à la fin.
Toute la deuxième heure du film est ainsi un gros ventre mou, qui laisse énormément de temps au spectateur pour s'apercevoir des approximations du script, de l'absence totale d'intérêt et de charisme de la relation du prêtre et de sa sirène, de l'inutilité absolue des pouvoirs vaudou sous-exploités de Barbe-Noire (vaguement hérités du roman), du manque de personnages secondaires attachants, de la relation générique et clichée de Sparrow et d'Angelica (ainsi que du manque d'alchimie de Depp et de Cruz), etc, etc, etc...
Bref, ça rame progressivement de plus en plus, jusqu'à ce grand final faiblard devant la Fontaine de Jouvence... une grotte brumeuse pouvant apparemment accueillir des dizaines et des dizaines de personnes, et au centre de laquelle trônent trois pauvres colonnes, un ruisseau, et le Gardien de l'Éternité de Star Trek.
Autant dire que la déception est effectivement au rendez-vous (d'autant plus au second visionnage) et que l'on finit assez frustré : la distribution était sympathique, le sujet avait du potentiel, le roman dont s'inspire le film est excellent, mais le tout est très fade, ne capitalise pas sur ses bons points, et Rob Marshall, à la réalisation, peine à dynamiser le tout, ou à présenter des idées totalement improbables, comme Gore Verbinski savait le faire de temps à autre.
2.5/6, parce que ça se laisse regarder, sans plus.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Fist Fight :
Le dernier jour avant les vacances d'été, alors que le chaos règne dans son lycée, Andy Campbell (Charlie Day) est sur le point d'être victime de coupes budgétaires, lorsqu'il décide de sacrifier un collègue, Ron Strickland (Ice Cube), pour garder sa place. Aussitôt, ce dernier, menaçant et violent, défie Campbell en duel, un duel prévu à la fin de la journée, et qui devient rapidement le centre de l'attention de tout l'établissement...
Une comédie américaine très inspirée de 3 heures, l'heure du crime (1987), et qui repose à 90% sur les improvisations d'une grosse partie de la distribution, ainsi que sur les personnalités bien rodées de Charlie Day et d'Ice Cube : ces deux derniers font leurs numéros habituels, et si l'on est client de ces derniers, il est probable que l'on trouve là de quoi s'amuser.
Malheureusement, si l'on reste indifférent à l'impassibilité de Cube, et au débit vocal épuisant de Day, alors il ne reste pas grand chose à se mettre sous la dent : le film est plat, à peu près aussi médiocre dans sa réalisation que dans son script, et il faut attendre la toute fin - le combat à proprement parler, un combat un peu sur-chorégraphié, mais à la réalisation un peu plus travaillée - pour que quelque chose de valable se produise.
Dans l'intervalle, cependant, on ne peut que constater la sous-exploitation de nombreux visages sympathiques (Christina Hendricks, JoAnna Garcia, Tracy Morgan, etc), qui ne font guère plus que de la figuration dans ce film écrit par des compères de Seth Rogen, et qui tape trop souvent en dessous de la ceinture pour mériter plus que
Moins de 24 heures après le WWE UK Championship Special, et 24 heures avant WWE Backlash (que je ne chroniquerai pas dans ces pages, il ne faut pas abuser), place à la NXT.
WWE NXT TakeOver Chicago - 20/05/2017 :
- EY vs Roderick Strong.
Strong toujours avec l'entrée la plus insipide du roster (ça colle à son physique et à sa personnalité), et avec le finisher le plus bancal imaginable, pour un match méthodique et solide, qui ne fait pas d'étincelles, mais ouvre tranquillement la carte.
- Tyler Bate vs Pete Dunne, UK Title.
Match of the night, jusqu'à présent, et probablement match of the year pour la WWE, sans problème. Tellement réussi que le public a même fini par cesser de chanter "Ten !" dès que les catcheurs sont comptés hors du ring (comme ils le font toujours pour la NXT) et leur a fait une standing ovation en cours de match.
- Asuka vs Ruby Riot vs Nikki Cross, Women's Title.
Je n'aime pas du tout Super-Asukana, Ruby me laisse assez indifférent, et j'ai toujours apprécié Cross... donc un match parfois frustrant, parfois approximatif au niveau du timing, mais dans l'ensemble assez homogène et tout à fait honorable. Sauf le finish, assez bof.
- Hideo Itami vs Bobby Roode, NXT Title.
Le placement de ce match sur la carte trahit assez tôt le résultat de l'affrontement, et celui-ci est ce à quoi on pouvait s'attendre entre les deux hommes : un Roode stratégique, un Itami en demi-teinte qui passe son temps à donner des coups de pied, et un public qui s'endort un peu devant le match, çà et là, parce que c'est trop méthodique pour lui.
- Authors of Pain vs DIY, NXT tag titles, ladder match.
Contrairement aux fanboys de la NXT, je ne suis pas forcément grand amateur de DIY, donc le post-match m'a laissé totalement marbre, mais l'affrontement, en soi, était sympatoche. Pas forcément ultime, un peu mollasson çà et là et à la fin un peu décevante, mais sympatoche.
Dans l'ensemble, un show assez homogène, mais à la carte totalement éclipsée par Bate/Dunn. C'est dommage, parce que le reste était plutôt compétent, mais tout de même un bon niveau en-dessous du match de championnat UK.. Au final, tout de même, un très bon Takeover.
Adaptation libre des comics Marvel centrés sur le personnage de Legion/David Haller, cette série en 8 épisodes est la première collaboration Marvel/FX, créée et showrunnée par Noah Hawley (Fargo), et produite par Bryan Singer.
Au programme, le destin improbable de David (Dan Stevens), schizophrène depuis son plus jeune âge, et qui découvre, après un séjour en hôpital psychiatrique, qu'il n'est peut-être pas fou : recueilli par Melanie Bird (Jean Smart), qui supervise un groupe de jeunes gens possédant des pouvoirs incroyables, David découvre qu'il est un mutant aux multiples dons psychiques particulièrement puissants et qu'il est la cible du gouvernement, ainsi que d'une présence maléfique qui hante ses souvenirs...
Legion saison 1 - première partie
1x01 - Chapitre 1 :
Interrogé par le gouvernement, David explique comment, lors de son séjour dans un asile en compagnie de Lenny (Aubrey Plaza), il s'est épris de l'intouchable Syd (Rachel Keller) : une situation qui a rapidement dégénéré, et a débouché sur la mort de Lenny. Heureusement pour David, Melanie Bird et ses troupes veillent sur lui...
Un pilote ébouriffant écrit et réalisé par Noah Hawley, et qui s'avère une note d'intention parfaite pour le reste de la série : c'est dense, c'est complexe, c'est maîtrisé de bout en bout, ça demande une attention constante du spectateur, et surtout, c'est très ambitieux, à la limite de l'expérimental.
On sent bien que Hawley a réellement pensé et construit ce pilote en amont, pour restituer au maximum sur le spectateur la réalité vacillante de David, au travers d'un jeu de formats visuels, d'effets spéciaux, et de l'interprétation très convaincante de Dan Stevens. Un excellent début, parfois déstabilisant, et qui laisse augurer du meilleur pour la suite.
1x02 - Chapitre 2 :
Désormais entre les mains de Bird et de ses associés, David entame une thérapie grâce aux pouvoirs de Ptonomy (Jeremie Harris), capable d'explorer les souvenirs d'autrui. Mais ce qu'ils trouvent dans les souvenirs de David est des plus confus et sinistres, et il apparaît vite que les pouvoirs du nouvel arrivant dépassent tout entendement...
Le show continue d'être un immense puzzle que l'on continue d'assembler, pièce par pièce, notamment grâce aux explorations des souvenirs du héros. De quoi imposer une ambiance très étrange et pesante, constamment empreinte d'une menace indéfinissable et parfois improbable.
Noah Hawley reste à l'écriture, mais la réalisation de Michael Uppendahl se fait un peu plus posée, et un peu moins expérimentale : rien de bien dramatique, cependant, ni rédhibitoire.
Un bémol pour moi, pourtant : le personnage de Syd. Non seulement ses limites et son handicap sont vraiment trop proches de ceux de Rogue/Malicia pour me convaincre (bien que je me doute qu'à un moment ou à un autre, ils entreront en ligne de compte pour vaincre le Big Bad aux yeux jaunes), je ne suis pas vraiment convaincu par l'actrice, assez terne, et aux choix de jeu parfois assez moyens.
1x03 - Chapitre 3 :
Décidé à mieux contrôler ses pouvoirs avant d'aller secourir sa soeur captive du gouvernement, David se plonge toujours plus profondément dans ses souvenirs, jusqu'à ce que Bird, Syd et Ptonomy découvrent qu'une présence maléfique aux yeux jaunes rode dans l'esprit du jeune homme...
Hawley n'est plus à l'écriture ni à la réalisation, et le tout semble s'assagir un peu, formellement, tout en restant assez inventif et original (mais un peu moins maîtrisé).
La lente montée en puissance de l'être aux yeux jaune est très bien amenée, tout comme l'exploration des souvenirs de David, qui prennent régulièrement un tour assez sinistre (tout ce qui a trait au livre d'enfant).
Je regrette néanmoins qu'Aubrey Plaza reste, pour l'instant, dans son registre habituel de la fille sarcastique, rebelle et ironique, et j'espère que cela va bientôt changer, pour quelque chose de plus intéressant.
1x04 - Chapitre 4 :
Tandis que David est pris au piège sur le plan astral, où il rencontre Oliver Bird (Jemaine Clement), Syd, Ptonomy & Kerry partent mener l'enquête, pour tenter de démêler le vrai du faux de ce qu'ils ont observé dans les souvenirs de David.
Premier épisode qui me laisse un peu mitigé, la faute à un certain déséquilibre entre l'intérieur de l'esprit de David (très réussi visuellement, avec le scaphandrier, et Jemaine Clement totalement excentrique et déjanté), et l'enquête extérieure des compères de David, aux prises avec The Eye.
En théorie, les deux versants de l'épisode auraient pu donner quelque chose d'intéressant, mais en pratique, le temps de présence à l'écran de l'enquête écrase littéralement le reste de l'épisode.
Et là, double problème : non seulement on a l'impression d'une sous-intrigue sans beaucoup de contenu (et donc avec pas mal de meublage graphique et visuel, comme la mise en parallèle un peu pataude combat en pleine nature/pas de danse de Clement, alors que dans les épisodes chapeautés par Hawley, le script et les images n'étaient que rarement gratuits), mais en plus, on se retrouve avec un épisode grandement centré sur Jeremie Harris, Rachel Keller et Amber Midthunder.
Et autant je n'ai rien à redire à la prestation de Harris, classe et mystérieux, autant pour les deux autres, aïe. Midthunder est probablement la moins bien lotie des personnages de la série : les scénaristes ont tenté de jouer le mystère sur sa nature de "siamoise psychique" (malheureusement, on pouvait se douter de quelque chose de ce genre dès l'épisode précédent, si ce n'est avant), et par conséquent, elle est toujours restée en retrait... et finalement ce n'était pas plus mal, parce que l'actrice n'a pas vraiment les épaules pour son rôle. Elle semble un peu perdue et limitée, ses scènes d'action sont assez mal filmées, et par conséquent, on se moque bien de son sort.
Quant à Rachel Keller/Syd... *soupir*. Dès l'épisode 02, je sentais que quelque chose ne passait parfois pas avec son interprétation, et là, ça se confirme, entre sa voix off plate et générique, ses expressions pas toujours en accord avec ce qu'elle dit ou doit exprimer, bref, je ne suis définitivement pas fan.
En résumé, un épisode vraiment en demi-teinte, sauvé par tout ce qui se déroule sur le plan astral.
Bilan de mi-saison
Malgré ces réserves vis à vis d'une partie de la distribution féminine de la série, et d'un début de meublage visuel dès que Hawley n'est pas au scénario ou à la réalisation, je reste très optimiste pour la seconde moitié de la saison. De par son approche rétro-futuriste-70s, et son audace visuelle et narrative, Legion est déjà à mille kilomètres au-dessus des autres productions télévisées Marvel, qu'elles soient sur Netflix ou ailleurs.
Voire même - sacrilège, je sais - cette série semble nettement plus ambitieuse, créative et intéressante que le travail cinématographique de Bryan Singer sur la franchise mutante.
Certes, ce n'est pas forcément un exploit (la production télévisuelle Marvel est assez médiocre, et les derniers X-men de Singer sont trop souvent boursouflés et creux), mais c'est néanmoins à souligner.
Malheureusement, le revers de la médaille, c'est aussi que l'approche très particulière de Legion fait que cette série ne plaira clairement pas à tout le monde, c'est une évidence. En ce qui me concerne, pour l'instant, j'accroche, et je continue avec grand plaisir.
La WWE est bien décidée à dominer l'industrie du catch, partout autour de la planète, et cela passe par tous les styles régionaux : suite au succès de l'United Kingdom Championship Tournament de janvier dernier (cf ici et là), la compagnie se prépare à lancer une émission dédiée à la scène UK (un peu comme ce qu'ils ont fait pour 205 Live/les cruiserweights), et fait donc monter la pression avec cet épisode spécial de 90 minutes, en direct de Norwich, en Angleterre, commenté par Jim Ross et Nigel McGuinness.
WWE United Kingdom Championship Special :
- Wolfgang vs Joseph Conners.
Un affrontement méthodique, pépère, pas particulièrement mémorable, mais pas forcément mauvais pour autant, notamment parce que le selling de Wolfgang était consistant. Wolfgang et Conners ont cependant des apparences trop génériques pour vraiment marquer les esprits.
- Rich Swann & Dan Moloney vs TJP & Brian Kendrick.
Je ne suis pas certain de ce que ce match fait là, on n'est pas dans un 205 Live Special, mais bon... pas de surprise, un tag match solide, avec TJP & Kendrick qui jouent les super-heels, Moloney le favori du public, et Swann qui est de plus en plus un R-Truth 2.0. Solide, donc, mais pas exceptionnel ni mémorable, à nouveau.
- Trent Seven vs Pete Dunn, #1 Contender for the UK Title.
Dunn fait vraiment un méchant formidable, sadique et brutal, qui torture le bras blessé et les articulations de Seven avec un rictus sadique sur le visage. Un très bon match, plein de suspense, malgré les (ou grâce aux) limites imposées par le booking et la blessure de Seven.
- Tyler Bate vs Mark Andrews, UK Title match.
Un très bon match, tour à tour technique, dynamique, acrobatique, etc. Ça prouve encore une fois que s'il reste en bonne santé et évite les blessures, Tyler Bate devrait aller très loin dans ce business, possiblement même jusqu'à un ou plusieurs titres de la WWE. Et ça prouve aussi que la TNA a vraiment gâché le potentiel de Mandrews.
Deux premiers matches anecdotiques, qui servaient de tour de chauffe pour le public anglais (très bruyant, mais aussi très dissipé), et deux matches finaux mettant la barre très haut, 24 heures avant NXT Takeover - Chicago. Les Anglais sont motivés, et si la WWE voulait bien les intégrer au roster principal, nul doute que Tyler Bate et Pete Dunn auraient une carrière en or, jusqu'aux sommets de leur profession.
Sygbab regarde (beaucoup) la tv, Sygbab écrit (parfois) des bilans : retrouvez-les sur le blog des Téléphages Anonymes !
L'Homme de Nulle Part (The Nowhere Man) :
The truth is out there.
Trust no one.
Si ces deux slogans sont fortement attachés à l'en-tête des épisodes de X-Files, ils auraient tout aussi bien pu être pleinement intégrés à un show qui surfe d'ailleurs sur la vague du succès rencontré par le monument télévisuel pré-cité. En effet, le concept du grand complot et la paranoïa qui y est liée sont des fondements majeurs de cette série créée en 1995 (soit un an après celle de Chris Carter). La grande différence provient du fait qu'au lieu de la délayer avec des loners baignant dans le fantastique, chaque épisode participe ici à la construction de l'intrigue générale, toujours plus complexe.
Dans un exercice aussi casse-gueule que de développer le thème de la conspiration, il faut féliciter les scénaristes pour avoir su conserver l'intérêt de chaque instant en évitant l'écueil de la prévisibilité, grâce à une perpétuelle remise en question de faits qui nous semblent acquis. L'évolution psychologique du personnage principal est à ce titre utilisée de manière remarquable pour brouiller les pistes et perturber le téléspectateur, qui s'identifie forcément à Tom Veil. Dès le pilote, le voir ainsi dépouillé des éléments qui représentent l'essence même de son existence à cause d'une simple photographie, et ce par une organisation à priori malsaine, ne peut que faire adhérer à sa quête de la vérité et à la lutte qu'il engage pour retrouver sa vie telle qu'elle était.
S'instaure alors un climat oppressant baigné d'une paranoïa aiguë, dans lequel Tom ne peut plus faire confiance à personne (ou alors, à ses risques et périls), d'autant que chaque moment de sa vie ou chaque personne qu'il a pu rencontrer par le passé semblent n'avoir jamais existé. Les événements pourraient commencer à devenir prévisibles à force de répétition d'un même schéma, mais la bascule s'opère lorsque est évoquée la possibilité que Tom aurait pu inventer les souvenirs auxquels il se raccroche tant.
Le doute ne s'installe pas que dans l'esprit du protagoniste mais également dans celui du public. Si ce n'était pas suffisant, l'idée d'une technologie pouvant aider à contrôler l'esprit des gens est introduite. Cela bouleverse à nouveau la tendance : et si celui que l'on voit évoluer depuis le début n'était en fait qu'un pantin dont les souvenirs ont été fabriqués de toutes pièces ? Le final semble aller en ce sens, mais peut-être n'était-ce qu'une nouvelle voie sans issue...
Ce jeu permanent influe bien évidemment sur la vision générale du personnage, qui passe du statut de héros prêt à tout pour défendre la vérité à celui de martyr victime d'une machination dont les ramifications dépassent l'entendement, et contre laquelle il ne peut rien faire. Son cheminement est une longue route vers l'enfer : après avoir été privé de sa famille, de ses amis, il est amené à douter de sa propre santé mentale, de ses souvenirs. Petit à petit, il est vidé de toute substance, mais il réussit à tenir encore et encore en se rattachant à l'importance des négatifs qu'il possède, sans pour autant en comprendre l'importance la plupart du temps.
C'est finalement sa quête qui lui donne la force d'avancer, un objectif en lequel il est bien obligé de croire. L'introduction de chaque épisode est représentative de cet état d'esprit : "I keep this journal to prove these events are real. I know they are. They... have to be."
Sa volonté de poursuivre ce but y est clairement affichée, mais ses doutes également, et cela démontre l'habileté des scénaristes : il est assez osé de nous dévoiler la trame principale de cette manière. La voix-off permet également, après le générique, de faire le point sur les états-d'âme d'un personnage qui se désociabilise de plus en plus, et pour nous informer sur ce qu'il compte faire afin de poser le contexte.
Ce procédé est essentiel dans la mesure où la série repose sur un seul et unique protagoniste dont la crédibilité est assurée par un Bruce Greenwood à la performance remarquable de bout en bout : il fait pleinement ressentir la perte de repères de son personnage ainsi que sa longue descente aux enfers. Mais il n'est pas le seul à exceller car de nombreux autres personnages - forcément éphémères - sont portés par des acteurs généralement impeccables.
Ces rencontres se font au gré des pérégrinations de Tom, ce dernier étant constamment en fuite. De fait, outre un manque de repères évident puisqu'il évolue toujours dans un environnement différent, cela l'oblige à naviguer entre les petits boulots afin de subvenir à ses besoins. Les scénaristes en tirent parti au mieux en n'hésitant pas à proposer des épisodes un peu différents, notamment en effectuant quelques incursions dans le monde du fantastique ou de la science-fiction.
Entre la rencontre avec un gamin doté de pouvoirs divinatoires, celle avec un adolescent génie de l'informatique et adepte de la réalité virtuelle, ou encore une histoire d'OVNI un peu alambiquée, les idées ne manquent pas. La présence de tels éléments peut étonner dans un premier temps, mais au vu des révélations finales il s'avère que c'est une manière supplémentaire de nous prévenir que la série n'est pas ce qu'elle semble être.
Malgré un acteur charismatique, une histoire solide et une ambiance étouffante, la série n'a malheureusement jamais trouvé son public et s'est trouvée stoppée dans son élan. Elle avait pourtant réussi à se démarquer admirablement de X-Files, prouvant une fois de plus que le traitement, ici sérieux et rigoureux, est plus important que le thème.
Encore l'une de ces trop nombreuses séries sacrifiées sur l'autel de l'audience, alors qu'elle avait un potentiel incroyable. Il n'en reste pas moins qu'elle marque les esprits, même si cette fin de saison prometteuse provoque une immense frustration de ne jamais pouvoir regarder une suite qui n'existe pas.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
What Goes Up :
Bouleversé par le suicide de sa compagne - principal sujet de ses articles mensongers -, Campbell (Steve Coogan), un reporter new-yorkais, est envoyé à Concord, dans le New Hampshire, pour y faire un reportage sur le culte voué par la bourgade à l'un des leurs, astronaute dans la navette Challenger, sur le point de décoller en ce mois de janvier 1986. Mais sur place, Campbell apprend la mort de l'un de ses vieux amis, instituteur adoré par ses élèves, et en particulier par un groupe hétéroclite d'élèves dysfonctionnels, parmi lesquels une jeune séductrice (Hilary Duff), un voyeur (Josh Peck), une adolescente violée et enceinte (Olivia Thirlby) et de nombreuses autres personnalités plus étranges les unes que les autres. Captivé par ce groupe, Campbell va finir par prendre la place de son ami dans le coeur des jeunes gens de Concord...
Premier long-métrage de son réalisateur/scénariste, What Goes Up bénéficie vraiment d'une distribution impeccable et très attachante : que ce soit Coogan, Duff, Thirlby, Molly Shannon ou les autres seconds rôles, ils sont tous sympathiques et professionnels, ce qui fait plaisir à voir.
Dommage alors que tout le reste du métrage soit une telle déception : le script est décousu et confus, choisissant d'asséner son propos sur l'héroïsme ("tout le monde peut faire preuve d'héroïsme, mais tout le monde ne peut pas être un héros, et la chute - tant réelle que métaphorique - est souvent bien rude") de manière pataude et maladroite, plutôt que de le montrer dans les faits (rien que le choix de ne jamais justifier cette ferveur débridée que le groupe de jeunes ressentait envers le professeur mort a tendance à rendre tout le métrage creux et artificiel) ; les personnages sont improbables et caricaturaux, avec des destins sordides, et un traitement totalement inégal (sorti du trio de tête, les autres personnages ne sont que des esquisses) ; le rythme est globalement bancal ; l'atmosphère des années 80 ne semble jamais totalement fidèle ou crédible ; et la réalisation appliquée donne l'impression d'un film de fin d'études, qui se voudrait original, pertinent, décalé et drôle, mais resterait toujours inabouti sur tous ces plans.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Sandy Wexler :
Dans les années 90, Sandy Wexler (Adam Sandler) était un manager de Los Angeles, pas très doué ou efficace, mais possédant un coeur gros comme ça, une tendance à baratiner, et un éventail de clients des plus improbables et ringards. Jusqu'au jour où il a croisé le chemin de Courtney Clarke (Jennifer Hudson), une chanteuse au talent incroyable, dont il s'est épris, et qu'il a voulu mener sur les chemins de la gloire...
Adam Sandler, le réalisateur de Little Nicky, et Netflix s'associent pour produire le remake officieux de Broadway Danny Rose (1984), de Woody Allen, et ça donne un film bien intentionné, inspiré du manager de Sandler, et qui insiste sur l'importance de la fidélité, de l'honnêteté et de la loyauté dans le monde du show-business - ce qui explique probablement pourquoi, après tout ce temps, Sandler fait toujours des films avec toute sa bande de potes, qui sont ici vraiment tous présents (de la famille Sandler à Luis Guzman en passant par Terry Crews, Rob Schneider, Jane Seymour, Kevin James, Milo Ventimiglia, etc, etc, etc, et plus de caméos de célébrités que l'on ne peut en compter).
Au final, probablement l'un des films de Sandler les moins graveleux et débiles depuis bien des années, mais toujours d'énormes problèmes de rythme et d'écriture qui font que ça n'est jamais assez efficace ou convaincant.
Si la seconde moitié du film avait été plus courte/mieux rythmée, je lui aurais mis la moyenne, voire peut-être légèrement au-dessus.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Broadway Idiot :
Un documentaire centré sur l'album American Idiot de Green Day, et sur sa transformation en comédie musicale, faite avec l'accord et l'assistance de Billie Joe Armstrong, le meneur de la formation.
Un métrage à réserver aux fans du groupe et aux passionnés de Broadway, tant il alterne entre admiration pour Billie Joe et son talent, chansons détaillées avec paroles affichées à l'écran, et images de coulisses et de préparation de la comédie musicale.
Habituellement, je suis plutôt client de ce type de documentaire, et la musique de Green Day ne me rebute pas, mais ce film ne m'a pas particulièrement passionné, la faute à des ventres mous assez notables et évidents (qui ne gêneront cependant pas forcément les catégories de public sus-mentionnées).
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Fast & Furious 8 (The Fate of The Furious) :
En kidnappant Elena (Elsa Pataky), l'ex de Dom (Vin Diesel), et leur bébé, la dangereuse hackeuse Cipher (Charlize Theron) oblige Toretto à travailler pour elle, et à se retourner contre son équipe. Pour vaincre Dom et Cipher, Hobbs (Dwayne Johnson), Letty (Michelle Rodriguez) et les autres doivent alors compter sur les services de Mr. Nobody (Kurt Russell) ainsi que sur l'aide réticente de Deckard (Jason Statham), leur ennemi juré....
À un moment donné (après Tokyo Drift), la franchise Fast & Furious a basculé de saga un peu idiote pour amateur de tuning vers film d'action décomplexé et spectaculaire lorgnant sur un James Bond en équipe, n'ayant pour seul objectif que de satisfaire le spectateur avec un déluge d'effets spéciaux, et de satisfaire l'ego de Vin Diesel, en le mettant en vedette, en patriarche d'une famille étendue improbable, héros du peuple, ami des enfants, défenseur de la veuve et de l'orphelin, action hero invincible, sage philosophe et tombeur irrésistible.
Et puis, progressivement, de film en film, Fast & Furious s'est laissée prendre à son propre piège, celui du bigger, louder, et les films de la série sont devenus des boursouflures numériques de plus en plus longues, dans lesquelles les personnages sont tous des super-héros indestructibles, le message sur la famille est ultra-sérieux et pontifiant, et les enjeux à peine plus probants qu'un épisode de GI Joe. Ce qui n'en fait pas pour autant de mauvais blockbusters, pour peu qu'on sache à quoi s'attendre... mais voilà, la formule a ses limites, et je crois bien que Fate of the Furious (alias Fast & Furious 8, alias F8) les a atteintes pour moi.
Pourtant, en semblant faire basculer Baboulinet du côté obscur de la Force, et en l'opposant à son équipe, le film semblait bien parti... et effectivement, dès que Baboulinet n'est pas à l'écran, le film fonctionne plutôt bien : la dynamique de groupe fonctionne, The Rock dévore l'écran de son charisme (y compris en coach de football), Statham et lui forment un duo impeccable, Statham (à nouveau) est excellent durant la scène du bébé (très expressif, d'ailleurs, le petit), les divers caméos sont sympathiques (bien que totalement gratuits) et même Charlize Theron semble s'amuser.
Malheureusement, dès que Diesel réapparaît, avec sa mine sérieuse et concernée et ses enjeux dramatiques, le film ronronne. Et pourtant, Vin fait tout son possible : il exprime plus d'émotions que d'habitude, semble en meilleure forme physique qu'avant... mais non, dans sa propre franchise, il se fait totalement bouffer, à l'écran, par la décontraction et le naturel de Statham et de Dwayne Johnson.
D'autant qu'il n'est pas aidé par le scénario (toutéliage abusif, etc) et par les scènes d'action, il faut bien l'avouer. C'est bien là mon problème principal avec le film, en réalité : comme mentionné plus haut, plus la franchise vieillit, plus elle a recours à des cascades toujours plus improbables, et toujours plus numériques... et là, F8 a donc franchi un palier qui me fait totalement décrocher.
Entre sa poursuite initiale, avec Baboulinet qui remporte une course urbaine en marche arrière avec une épave en flammes boostée au NOS avant de s'en tirer d'une simple roulade ; l'évasion de prison de Rock & Statham à grands renforts de sauts câblés ; la scène d'action new-yorkaise tout simplement immonde, à base de dizaines de voitures numériques qu'on dirait sorties d'une démo technique d'il y a 15 ans, et qui vire au grand n'importe quoi impossible ; et bien sûr le grand final en Russie, qui enchaîne tellement de moments de pure science-fiction improbable que les facepalms s'enchaînent, la franchise Fast & Furious est vraiment arrivée à un niveau d'action tellement WTF que ses effets numériques (et pratiques) très approximatifs ne suivent plus, et moi non plus.
Quand on passe plus de temps à ce dire "mais... ce n'est pas comme ça que les lois de la physique fonctionnent !!!?" et à regretter qu'on ne soit pas devant un xXx 3 qu'à s'amuser devant un film, c'est qu'il y a un problème. Et je veux bien débrancher mon cerveau avant de regarder un F&F, mais même ça, ça a ses limites.
Bref, on ne s'ennuie pas forcément devant ce F8, mais c'est pour moi la goutte d'eau qui fait déborder le vase du grand n'importe quoi qu'est devenue la franchise, et il est probable que je ne remette pas le couvert pour la (les ?) suite(s), tant plus rien n'est crédible, ou même plausible à l'écran.
3/6(sur l'échelle de Fast & Furious) - 0.5 pour les effets souvent dégueulasses et qui transforment le film en poursuite de Hot Wheels numériques = 2.5/6
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Auto Focus :
Star de la télévision des années 60 dans la série Papa Schultz, Bob Crane (Greg Kinnear) fait la connaissance de John Carpenter (Willem Dafoe), un installateur vidéo à la pointe de la technologie. Partageant avec lui un même amour de la photographie, et devenant rapidement son ami, il découvre vite tout un univers de luxure et de sexualité débridée, alors que Carpenter l'emmène dans les endroits les plus dépravés de la Californie. Et progressivement, Bob Crane est pris dans une spirale infernale qu'il ne peut contrôler, et dont l'issue lui sera fatale.
Un biopic signé Paul Schrader et acclamé par la critique, mais qui, paradoxalement, m'a paru bien flasque et inerte.
Avec cette distribution talentueuse et ce sujet intéressant (le documentaire Murder in Scottsdale, disponible sur YouTube, est à ce titre à recommander en complément de ce métrage), on aurait pu s'attendre à quelque chose de plus marquant, troublant, ou captivant.
Mais en l'état, le film est assez plat, son protagoniste principal n'est qu'une esquisse de personnage, il est mal défini et manque de profondeur, et de manière générale, le film n'est qu'un traité simpliste sur comment la célébrité et le sexe corrompent un bon chrétien bien sous tous rapports...
... un portrait caricatural largement contesté par la famille de Crane pour ses très nombreuses approximations et libertés prises avec les évènements réels, et pas aidé par une réalisation peu inspirée (surtout vers la fin), par des perruques et des visuels parfois fauchés, par une narration en voix off paresseuse, et par un film qui a facilement quinze minutes de trop.
C'est un peu creux, c'est assez inoffensif, ça manque de mordant, bref : bof.
Je continue mon passage en revue de la saison 6 de Star Trek Voyager, entamée il y a près de deux mois, une saison qui reste globalement assez toujours assez inégale, naviguant entre épisodes très moyens et d'autres plus sympathiques...
Star Trek Voyager, saison 6
6x19 - Child's Play :
Lorsque les parents de l'un des jeunes Borgs recueillis par le Voyager reprennent contact, ni Seven ni l'adolescent ne semblent prêts à se séparer l'un de l'autre...
Un épisode plutôt bien interprété, tant par le jeune acteur que par Jeri Ryan (ce qui n'est pas surprenant), plutôt bien écrit, et qui continue de développer une continuité d'une semaine à l'autre, avec ces quatre jeunes Borgs qui évoluent et se développent.
C'est particulièrement agréable, après 6 saisons d'épisodes indépendants et de reboots systématiques, et bien que cela entraîne quelques soucis, çà et là (on peut se demander où est passé le bébé borg animatronique ?), ça fait un bien fou.
Malheureusement, cela amène aussi un rebondissement de fin d'épisode un peu forcé et précipité, bien que finalement assez logique (après tout, le choix de Marc Sheppard dans le rôle de l'un des deux parents ne pouvait pas être anodin), et qui semble pourtant uniquement là pour justifier à posteriori l'état du cube borg dans Collective, ainsi que pour permettre un peu d'action gratuite et superflue dans les cinq dernières minutes.
Mais dans l'ensemble, c'était plutôt agréable à suivre, et le développement de la relation de Seven avec ses enfants adoptifs est très plaisante.
6x20 - Good Shepherd :
Après leur évaluation décevante, Janeway décide de partir en mission en compagnie de trois sous-officiers : un quasi-autiste arrogant, un hypocondriaque, et une jeune bajoranne dépassée par les demandes de son poste... mais bien évidemment, la mission se complique.
L'équivalent de Lower Decks pour Voyager, avec des guests inégaux : autant Zoe McLellan est particulièrement attachante en bajoranne maladroite, autant les autres sont plus polarisants et clichés, entre le Sheldon Cooper-bis et le malade imaginaire.
En fait, l'épisode a beau être sympathique et très regardable, il arrive un peu tard dans la vie de la série, et aurait été nettement plus intéressant dans ses premières saisons (en plus de permettre d'établir des personnages secondaires sur la durée), un peu comme le 1x16 à l'époque.
De plus, au niveau des défauts, on a vraiment l'impression que le script a été amputé de toute sa conclusion, et qu'il se finit un peu de manière bâclée et frustrante. M'enfin bon... dans l'ensemble, c'était assez honorable.
6x21 - Live Fast And Prosper :
Alors que le Voyager connaît une vague de pannes techniques et a besoin de réparations, l'équipage découvre que des extraterrestres se font passer pour Janeway & co, et profitent de cette usurpation d'identité pour arnaquer de nombreuses peuplades aux quatre coins du quadrant...
Un épisode réalisé par LeVar Burton, plutôt sympathique dans l'ensemble, pas très sérieux, et qui manque simplement un peu de rythme pour être vraiment excellent.
Sygbab regarde (beaucoup) la tv, et quand il n'aime pas ce qu'il a vu, il est plutôt virulent... Surtout quand il entame une conversation avec un téléspectateur qui ne comprend rien !
Invasion Planète Terre (Earth : Final Conflict) - Saison 5, a.k.a. Buffy the Space Vampire Slayer :
"- ...
- Euh, bonsoir. Vous n'avez pas l'air dans votre assiette dites donc, que se passe-t-il ?
- Oh, je sors d'une très mauvaise expérience télévisuelle, je suis en état de choc. Mais en même temps c'est un soulagement, j'ai l'impression de m'être débarrassé d'une sacrée corvée.
- La saison 5 d'une série posthume en l'honneur de Gene Roddenberry, qui en avait développé l'idée alors qu'il s'occupait de Star Trek. EarthFinal Conflict, pour être plus précis.
- Ah oui je vois ! Mais encore une fois je ne vous comprends pas. Qu'est-ce que vous lui reprochez à cette saison ? Elle est très bien, c'est une sacrée conclusion à une grande série qui a su passionner tout au long de son existence.
- Oui, bien sûr... C'est vrai que voir un plan final sur une Renee Palmer qui part à la découverte de l'univers avec Liam, un Taelon et un Atavus, c'est tout à fait ce que j'attendais. La couleuvre est un peu grosse à avaler quand les scénaristes essaient de nous faire croire que le conflit final dont il est question depuis le début concerne la destinée d'une blondasse arrivée en cours de série, et qui se prend pour Buffy. Mais c'est bien, tous les personnages auront eu une destinée dans cette série : Boone, Liam, Juliet Street... Et à chaque fois, c'est complètement foireux. La destinée des scénaristes de la série serait-elle d'être des losers pour l'éternité ?
- Je vous trouve un peu dur avec Renee, c'est un personnage martyr qui lutte contre les aliens sans que personne ne lui apporte son soutien excepté son cercle d'amis très fermé, et qui endure beaucoup de pertes puisqu'elle voit disparaître tous les êtres qu'elle aime. Et je ne vois pas le rapport avec Buffy.
- Pourtant il est clair : une destinée, et une lutte contre des vampires. Sauf que ceux-ci sont des aliens. Mais elle n'est même pas crédible dans son rôle de combattante : elle commet sans cesse des erreurs, et elle passe son temps à compromettre son quartier général secret en y invitant tout le monde. En ce qui concerne le côté martyr du personnage, ça fonctionnerait si seulement on en avait quelque chose à foutre. Quand, la plupart du temps, un protagoniste est antipathique et qu'aucun background n'a jamais été développé, ça relève de l'exploit de s'y attacher. Il est donc difficile d'éprouver une quelconque émotion lorsqu'elle fait face au décès de l'un de ses proches. À part dans le cas de Boone, mais là c'est juste parce que c'est choquant, honteux, scandaleux, inadmissible de l'avoir fait revenir pour jouer dans deux épisodes, et d'avoir le culot de le tuer hors champ. Lamentable.
- Je peux concevoir que sa mort soit dérangeante, mais c'est logique non ? Après tout, il dit lui-même que ce n'est plus son combat puisqu'il a passé trois ans dans les limbes. Il n'est donc pas incohérent que son manque d'entraînement lui fasse perdre ses réflexes et le mène droit à sa mort, à cause d'un manque d'attention aux dangers qui l'entourent.
- Merci mais les conjectures je m'en cogne aussi, ce qui m'intéresse c'est le factuel. Et il est complètement évident qu'il n'y a plus personne aux commandes du navire et que l'ensemble est à la dérive totale. D'ailleurs, Boone n'est pas le seul à revenir pour repartir aussi sec, sans gloire : le cas Zo'or est tout aussi parlant. Mais là c'est pire, car l'actrice revient pour jouer une femelle Atavus habillée d'une tenue de cuir, histoire de mettre en valeur des atouts que sa combinaison Taelon ne laissait pas entrevoir. Bien entendu, le personnage est tué vulgairement. J'ai déjà dit lamentable ? Alors innovons : affligeant.
- Je ne suis pas d'accord, la ligne directrice est claire, avec les Atavus et notamment Howlan qui veut dominer la Terre.
- Mais c'est de la merde ! Franchement, qui peut croire que la fusion entre les Taelons et les Juridiens a pu donner une espèce antérieure à leur évolution parallèle, et qui en plus se considère comme supérieure ??? C'est d'une bêtise et d'une crétinerie incommensurables.
- Moi, j'y crois.
- Oui, ça ne m'étonne pas. Même quand on n'a aucun talent, on peut toujours compter sur quelques abrutis lents du cerveau qui vont gober tout ce qu'on leur propose.
- Vous êtes à nouveau insultant !
- Ça m'a plutôt l'air d'une vérité. Il faut être sacrément crédule pour croire que les Atavus sont sur Terre depuis des millions d'années, et qu'ils l'avaient auparavant colonisée. Les Taelons seraient venus sans savoir qu'il était possible de les ramener à la vie, et Ma'el ne se serait même pas aperçu de leur présence ? Mais oui, bien sûr... Heureusement, le lien possible entre leur ADN et fait que l'humanité soit le chaînon manquant entre les Taelons et les Juridiens n'est pas établi. Ouf, parce que pour le coup, ça aurait été calamiteux. C'est déjà bien assez gratiné comme ça...
- C'est pas une question de crédulité, après tout le background des Atavus est développé. On voit leur planète, le passé du leader Howlan et de Juda, leur fils... Ça aide, quand même.
- Stop ! Vous êtes sûr que vous avez une cervelle ??? Ou tout du moins que vous savez vous en servir ? Il faudrait donc, en plus de toutes les aberrations déjà citées, accepter que par le plus grand des miracles les Atavus nés de la fusion entre Taelons et Juridiens sont exactement les mêmes individus que ceux qui étaient en stase ? Avec leurs propres souvenirs, mais aucun qui soit rattaché aux deux différentes entités qui les composent ? Au secours quoi, vivent les incohérences.
- Moi je crois plutôt que vous cherchez le mal partout, il n'y pas de trahison à l'esprit de la série.
- Bah non, c'est sûr. Rien que dans le générique, la voix off de Renee Palmer dit : "They came with the promise of peace. They lied. Their true mission was to dominate us." Mais c'est totalement faux ! La véritable mission des Taelons était d'attendre l'évolution des humains à un stade supérieur pour éventuellement fusionner avec eux et sauver leur espèce, et c'est seulement sous la houlette d'un Zo'or illuminé par ses visions de grandeur - dont les méthodes divisaient d'ailleurs le Synod - que cette tendance est apparue. Ce n'est pas une trahison ? Mon cul oui.
- Vous n'êtes pas obligé d'être grossier. Et puis avec toutes ces manipulations génétiques et ces multiples plans, je pense que la domination de l'espèce humaine était à l'ordre du jour. À ce sujet, les humains sont encore plus mal embarqués avec les Atavus, qui sont impitoyables et dangereux.
- Oui, surtout Howlan qui ne fait rien de la saison à part être obsédé par Renee, faire des grimaces pour montrer qu'il n'est pas content avec son rugissement à la con, et crever comme une merde de manière totalement décevante. Non mais vraiment, représenter ces aliens comme des vampires se nourrissant de l'énergie vitale des humains est un choix plus que douteux. C'est également assez drôle de voir qu'en début de saison ils sont invincibles, à tel point que Renee a l'idée débile de laisser un tueur en série s'échapper de prison pour les éliminer. Et puis, comme par magie, ils deviennent de plus en plus vulnérables, jusqu'à ce qu'ils soient désintégrés au simple contact d'un laser alors qu'ils en absorbaient l'énergie auparavant... Non non, on ne se fout pas de nous.
- Vous réfléchissez trop je pense, il faut savoir se laisser porter de temps en temps.
- Si je vous dit de sauter, vous le faites ?
- Non.
- C'est bien dommage.
- Oui enfin bon, il y avait quand même de bonnes choses, et des épisodes vraiment excellents, dont le centième.
- Merci de ne pas évoquer ce souvenir douloureux. Je suis friand de ces épisodes symboliques, qui sont toujours l'occasion de faire quelque chose de spécial. Là, on a droit à un épisode vraiment lourd sur la rébellion de la jeunesse, les parias et les asociaux, en tirant un trait grossier sur l'attirance qu'ils peuvent éprouver envers leur côté noir en ces temps de trouble ; en l'occurrence ici en voulant être un Atavus. C'est totalement impersonnel et non-événementiel, tout comme le final de la série dans lequel il ne se passe rien, si ce n'est la mort de Sandoval qui a au moins le mérite de passer de vie à trépas en ne regrettant rien. Pas d'auto-apitoiement ou d'excuses, il assume. Youpi, les scénaristes ont au moins ça de bon. Ça rattrape son traitement chaotique depuis des années, lui qui trahissait tout le monde et n'importe qui à tout bout de champ et en dépit du bon sens.
- Vous n'avez vraiment pas aimé en fait, mais c'est dommage de faire la fine bouche.
- Désolé mais ça n'a jamais été alléchant. C'est nul. À chier. Point final.
- Encore une fois notre désaccord est marqué. Je pense que je vais vous laisser.
- Excellente idée. Au fait, on a oublié de se tutoyer.
- C'est vrai. À bientôt, j'espère.
- Pas moi non. T'es trop débile."
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
D'amour et d'orchidée (Late Bloomer) :
Ancienne nerd autrefois martyrisée par la peste du lycée, Jenny (Italia Ricci) est désormais une botaniste émérite. Elle revient néanmoins dans sa ville natale pour y aider sa mère (Beth Broderick) à vendre la demeure où elle l'a élevée, et fait là la connaissance de Frankie (Madison Pettis), une jeune lycéenne dans la même situation qu'elle ; elle retrouve aussi Shane (Nathan Parsons), l'ancienne coqueluche du lycée qui avait brisé son coeur, et qui tente alors de faire amende honorable...
Une rom-com PixL qui a pour principal intérêt la mise en parallèle de multiples sous-intrigues régulièrement développées, et touchant toutes les générations : la mère, la fille, les adolescents.
La distribution, d'ailleurs, est assez sympathique et attachante (notamment Ricci, vue dans Supergirl et dans Designated Survivor ; Parsons, lui, est nettement plus transparent, et la frangine Thorne est trop vieille pour être crédible en lycéenne), ce qui permet au spectateur de ne pas trop s'ennuyer pendant que le script déroule ses rebondissements prévisibles.
Un script qui, d'ailleurs, ne fait jamais vraiment dans la subtilité, en exposant clairement toute sa thématique, et en téléphonant tout son déroulement, dès ses cinq premières minutes.
Néanmoins, Ricci se donne à fond, et encore une fois, c'est une rom-com plus fraîche et divertissante que bon nombre de productions Hallmark récentes.
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Les Gardiens de la Galaxie - vol. 2 (Guardians of the Galaxy vol. 2) :
Au terme d'une mission chez les Souverains, une race extraterrestre menée par Ayesha (Elizabeth Debicki), les Gardiens de la Galaxie (Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper) mettent la main sur Nebula (Karen Gillan) et repartent avec une source d'énergie rarissime dérobée par Rocket. Bien vite, les voilà traqués par les troupes souveraines, et par les Ravageurs de Yondu (Michael Rooker), mais ils croisent alors le chemin de Mantis (Pom Klementieff) et de son maître Ego (Kurt Russell), qui affirme être le père biologique de Peter...
Malgré sa réputation désormais démesurée sur le web et dans les médias, le premier Gardiens était une comédie de science-fiction très sympathique, mais pas dénué de défauts, au nombre desquels un rythme discutable, une gestion parfois maladroite de l'émotion, et une romance assez moyenne avec une Saldana pas forcément suffisamment charismatique (quand je pense qu'Olivia Wilde a failli être Gamora...). Mais l'énergie, l'impertinence, le décalage, la distribution hétéroclite, et la musique suffisaient alors à emporter l'adhésion.
Ici, avec Gardiens vol.2, on est à tous les niveaux dans le bigger louder de rigueur pour les suites de blockbusters. Comprendre : on prend les mêmes, et on recommence, en doublant systématiquement la dose. Plus de paysages chatoyants, plus de trognes improbables, plus de musique nostalgique, plus de Bébé Groot qui danse, plus de romance, plus d'humour, plus de clins d'oeil et de références obscures, plus d'émotion, plus d'effets spéciaux, etc, etc, etc, pour le meilleur et pour le pire.
Car c'est bien là à la fois la plus grande force et la plus grande faiblesse de ce Gardiens 2 : si on s'amuse toujours beaucoup, et que les qualités du film sont nombreuses (le générique d'ouverture du film, centré sur les pas de danse de Bébé Groot, est en soi déjà des plus spectaculaires et mémorables), les défauts du film original sont toujours présents, et souvent même renforcés par cette optique bigger louder.
Commençons par le plus anecdotique : la romance Peter/Gamora ; ils se tournent toujours autour, Saldana reste égale à elle-même (mouais), et il faut attendre la fin du film pour espérer une évolution. Soit...
Le rythme du film, lui, est plus problématique, avec plus de 2h10 au compteur : comme dans le premier métrage, il y a quelques coups de mou, et James Gunn peine un peu à bien équilibrer l'action et l'émotion. On verse donc occasionnellement dans des scènes de dialogues un peu forcés, surlignés par une mise en image appuyée (le ralenti sur Peter et Ego qui jouent à la balle, par exemple), qui affaiblissent certaines scènes se voulant émouvantes, plus qu'ils ne les renforcent.
À l'identique, le constant recours à la vanne pour désamorcer le moindre moment sérieux peut parfois agacer (et desservir certains personnages qui ne servent alors plus que de faire-valoir comiques - Drax), tout comme l'omniprésence des chansons vintage, qui passent ici d'illustration musicale logique et pertinente à gimmick commercial forcé et systématique, ce qui étouffe totalement le moindre début de score orchestral (quasiment limité au thème principal).
En résumé, j'ai trouvé ce Gardiens 2 très sympathique... mais frôlant trop souvent l'overdose. Il ne faut pas abuser des bonnes choses (Bébé Groot, par exemple), et maintenant que James Gunn a carte blanche pour ce pan de l'univers Marvel, il se lâche, alors qu'il bénéficierait peut-être d'un peu plus de mesure.
En fait, j'ai bien aimé, mais j'aurais aimé plus l'apprécier encore.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Nounou malgré elle (The Reluctant Nanny) :
Programmatrice de jeu vidéo à la recherche d'un emploi, Libby (Jessy Schram) croise, par le fruit du hasard, le chemin de Dan (Aaron Hill), un officier de police célibataire, qui s'occupe actuellement de deux enfants orphelins, et qui aurait bien besoin d'une nounou pour les surveiller pendant son absence. Sans argent ni toit au-dessus de sa tête, Libby finit par accepter et, progressivement, se rapproche des enfants et de Dan...
Comédie romantico-familiale (plus familiale que romantique, en fait) de la chaîne PixL, nettement plus classique et dans le moule des productions Hallmark (voire même ABC Family) que certaines de ses productions récentes, mais bénéficiant d'une distribution et de personnages attachants (rien que la profession de l'héroïne évite le cliché sur pattes), qui contribuent beaucoup au charme tranquille du métrage.
3.5/6 (par contre, l'affiche, ce n'est vraiment pas possible)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Colossal :
Fêtarde alcoolique et au chômage, Gloria (Anne Hathaway) est mise à la porte par son compagnon (Dan Stevens), et contrainte de retourner dans sa ville natale. Là, elle croise le chemin d'Oscar (Jason Sudeikis), un ami d'enfance qui la prend sous son aile, et lui offre un emploi de serveuse dans son bar. Mais rapidement, Gloria réalise qu'à chaque fois qu'elle se tient, à une heure bien précise, dans un parc pour enfants de la ville, un monstre gigantesque apparaît à Séoul, en Corée, et ravage la cité, copiant le moindre de ses mouvements...
Un film surprenant (du réalisateur de Timecrimes) qui n'est absolument pas un film de kaijus, comme certains pourraient le croire, et qui risque donc de fortement décevoir ceux qui s'attendent à ça.
En fait (spoilers), Colossal est un drame relationnel sur la responsabilité, sur les relations abusives, sur le mensonge, l'addiction, et la violence... un drame relationnel dont l'élément fantastique sert de catalyseur, et qui met en scène des personnages unanimement bourrés de défauts, qui en d'autres mains que Hathaway et Sudeikis auraient pu être particulièrement détestables : Hathaway est alcoolique, refuse la moindre responsabilité, et fuit à la moindre difficulté ; Sudeikis est manipulateur et violent ; ses compères sont drogués et/ou des pleutres ; le petit ami est jaloux, etc...
Bref, que des personnages théoriquement antipathiques, rendus plus ou moins sympathiques par l'interprétation (excellente) de ses acteurs principaux, et embarqués dans un récit improbable et métaphorique, pas forcément dénué de trous/facilités (notamment sur la fin) ou de défauts formels (la bande originale de Bear McCreary m'a parue vraiment envahissante), mais qui mélange les genres de manière intéressante et originale, qui fait assez plaisir à voir.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Voisins du Troisième Type (The Watch) :
Suite à la mort de l'un de ses collègues, Evan (Ben Stiller), le manager d'un Costco, décide de mener l'enquête, et de former un comité de surveillance dans la petite ville de Glenview, Ohio. Avec Bob (Vince Vaughn), Franklin (Jonah Hill) et Jamarcus (Richard Ayoade), Evan découvre alors que des extraterrestres sont infiltrés parmi eux, et que le comité est l'ultime ligne de défense dont dispose la planète Terre...
Une comédie au potentiel certain ("Ghostbusters, mais avec des aliens"), qui ne décolle cependant jamais, et s'avère tout simplement peu inspirée, de bout en bout.
En même temps, quand une comédie de ce type met plus de 50 minutes avant de montrer la moindre créature extraterrestre, c'est qu'il y a forcément un problème de rythme et de script.
Et tout est à l'identique, jamais particulièrement drôle, jamais particulièrement dynamique, jamais particulièrement subtil, jusqu'à se finir en déluge de coups de feu et en explosions... Et puis bon, le placement produit Costco, bof.
Je continue mon passage en revue de la saison 6 de Star Trek Voyager, entamée il y a plus d'un mois et demi, une saison qui reste toujours assez inégale, naviguant entre épisodes très moyens et d'autres plus sympathiques...
Star Trek Voyager, saison 6
6x16 - Collective :
En mission, Tom, Harry, Chakotay et Neelix tombent nez à nez avec un cube borg en piteux état, contrôlé par seulement 5 drones, et ils sont capturés. Au Voyager de les tirer de là, et de composer avec ce collectif inhabituel composé d'adolescents à demi-assimilés.
Une variation semi-intéressante des épisodes borgs habituels, même si bizarrement, il est difficile de se sentir totalement concerné par l'épisode, tant ce n'est que ça : une énième variation (pas vraiment rythmée) des épisodes borgs de Voyager, qui continue d'affaiblir la menace représentée par cette race, et n'apporte pas grand chose, à part des personnages vaguement récurrents (qui sont cependant assez bien interprétés), un bébé borg animatronique (assez glauque), et un Harry Kim en danger (dont on se contrefout royalement, soyons francs).
6x17 - Spirit Folk :
Parce que le programme holographique est activé 24h/24, la communauté de Fair Haven commence à connaître des bugs visibles, et les personnages commencent à s'apercevoir de l'étrangeté et des pouvoirs improbables des membres de l'équipage du vaisseau...
Une suite indirecte de l'épisode 6x11, qui tient ici de la farce éhontée demandant de fermer les yeux sur plein de grosses ficelles et de raccourcis, et de laisser son cerveau au vestiaire.
Pour peu qu'on y parvienne, et qu'on ne soit pas trop allergique aux accents, à la musique, et à l'interprétation des Irlandais de service (sur lesquels le gros de l'épisode repose), alors le tout est assez regardable, et par moments, c'est même amusant.
Mais ça reste très très anecdotique. Et très décevant de la part de Bryan Fuller.
6x18 - Ashes to Ashes :
Quand Lyndsay Ballard, une enseigne de vaisseau tuée des années plus tôt, retrouve soudain le Voyager, elle explique qu'elle a été ramenée à la vie par une peuplade extraterrestre, qui l'a remodelée à son image. Mais la réintégration de la jeune femme à l'équipage n'est pas si facile, surtout pour son meilleur ami Harry Kim...
Un épisode qui aurait pu s'appeler "Rétrocontinuité", tant il use et abuse de ce concept pour rendre son postulat de départ plausible... tout en refusant formellement de prendre en compte la continuité réelle de la série, puisque si l'on commence à réfléchir un peu à ce qu'on nous dit à l'écran (la chronologie, les conditions de la mort de Ballard, sa présence à bord, ses rapports avec Kim), absolument rien n'est possible.
Si l'on ferme les yeux sur tous ces problèmes, cependant, l'épisode est très regardable, et plutôt bien interprété, malgré un maquillage extraterrestre assez peu inspiré, à mi chemin entre le Cardassien pour les hommes, et la Reine borg pour les femmes.
En fait, l'épisode est bien meilleur en théorie qu'en pratique, et l'exécution n'est pas à la hauteur de son postulat, à l'image de la sous-intrigue de Seven et des enfants borgs : ce n'est pas désagréable, et la continuité avec le 6x16 est bienvenue, mais c'est un peu maladroit et surligné, et la scène final, qui tente de relier au forceps les deux intrigues de l'épisode, arrive comme un cheveu sur la soupe...
Sygbab regarde (beaucoup) la tv, Sygbab écrit (parfois) des bilans : retrouvez-les sur le blog des Téléphages Anonymes !
SeaQuest DSV - Saison 3 (a.k.a SeaQuest 2032 - Saison 1) :
La note d'intention pour cette ultime saison est contenue dans le titre remanié : nous avons droit à un reboot de la série, qui part dans une toute autre direction. Pour cela, l'équipe scénaristique n'hésite pas à employer les grands moyens en éludant complètement le catastrophique cliffhanger du final de la saison 2. En effet, tout l'équipage se retrouve sur Terre dix ans plus tard, grâce à une explication assez risible et qui est bien commode pour justifier la disparition de deux membres.
Le contexte politique a bien changé : pendant que le SeaQuest était sur une autre planète, la géopolitique a subi de profondes modifications et a vu l'émergence de la confédération Macronésienne - dirigée par le président Bourne - et de l'Alliance, sa force militaire. Grâce à ses liens étroits avec ce nouveau leader, Deon a également pu étendre son empire économique par le biais de son entreprise Deon Industries. L'UEO s'en trouve donc fragilisée, et la paix n'est plus à l'ordre du jour tant une troisième guerre mondiale menace d'éclater à tout instant.
Le retour du sous-marin tombe donc à point nommé pour devenir un atout indispensable dans l'arsenal de guerre de l'UEO, sous la main de fer du Capitaine Hudson. Exit Bridger, qui a décidé d'aller à la recherche de son fils qui serait toujours en vie. Un prétexte fallacieux qui trahit le personnage, dont les fondements étaient liés à son deuil suite au décès de sa femme et la perte de son fils au combat. Passons...
Cette nouvelle orientation offre donc une saison centrée sur de la géopolitique guerrière, mais le postulat de départ est assez grossier. Lors de l'ouverture de la saison, le capitaine Hudson explique que la disparition du SeaQuest a entraîné un manque de contrôle du commerce de la part de l'UEO, ce qui a permis à Deon de s'imposer mondialement et de financer l'armée de Bourne, qui n'aurait sinon pas pu contrôler un territoire marin si important dans un laps de temps aussi court.
Or, le SeaQuest a toujours été un sous-marin utilisé pour la recherche scientifique, et dans un second temps comme une force pacificatrice. Il n'a jamais été question d'intervenir dans la régularisation du commerce. Ce n'est donc pas crédible un seul instant.
Ce parti-pris a des conséquences fâcheuses, car les missions confiées au SeaQuest sont constamment associées à des magouilles de Deon Industries ou à un possible conflit avec la confédération Macronésienne, ce qui donne un côté répétitif et sans surprise puisque les épisodes se suivent et se ressemblent. La caractérisation des antagonistes n'est pas non plus des plus subtiles : Deon est un requin, Bourne un dictateur fasciste, et tous deux sont prêts à n'importe quoi pour renforcer leur pouvoir.
Cependant, la soi-disante menace que devrait représenter ce dernier ne se fait jamais réellement sentir. Et c'est bien dommage, car en plus d'avoir posé des bases au mieux bancales, les scénaristes n'exploitent même ce qu'ils ont mis en place. Mieux traité, l'aspect politique aurait pu être intéressant, et l'aspect guerrier aurait donné lieu à des batailles sous-marines explosives.
C'est néanmoins l'occasion de voir évoluer un Capitaine Hudson taillé pour la situation et caractérisé de manière convaincante, incarné par un Michael Ironside impeccable. Les rapports avec ses officiers sont très formels, et il n'accepte pas les civils. C'est la raison pour laquelle Dagwood et Lucas s'enrôlent, et dans le cas de ce dernier, cela lui donne plus de responsabilités,qui l'amènent à faire des erreurs mais également à gagner en maturité puisqu'il en tire des leçons.
La discipline imposée par Hudson rejaillit sur tout l'équipage et, chose étonnante, Piccolo en devient presque attachant - son apprentissage de la lecture étant plutôt bien géré. Les scénaristes ont enfin compris que le mettre en avant de manière excessive le rendait irritant, et appliquent le même raisonnement à Dagwood qui est moins présent. Mais c'est gênant de constater que leur temps d'antenne doit être réduit pour les apprécier : c'est bien qu'il y a un problème d'écriture.
Autre symptôme de cette incapacité à traiter les thèmes de cette saison : le meilleur épisode, dans lequel Bridger s'oppose au SeaQuest - reprend des éléments qui fonctionnaient à merveille dans la première saison, et notamment la relation père/fils entre Bridger et Lucas dont les opinions sont divergentes. L'utilisation de Darwin fait également plaisir, car le pauvre dauphin en est réduit à un rôle faire-valoir alors qu'il était dans la premère saison un élément essentiel ainsi qu'une des originalités de la série.
Mais c'est bien le seul épisode où Bridger est bien écrit : on apprend qu'il a supervisé plus jeune des expérimentations menées sur les GELF, alors qu'il était profondément choqué dans la saison 1 lorsqu'il découvrait avec son équipage qu'un savant fou avait créé ses propres enfants, en les dotant de branchies. Encore une trahison impardonnable du personnage...
Si par moments on s'ennuie ferme, cette saison reste largement supérieure à la précédente. Ce qui n'est pas un exploit en soi, mais parfois il faut savoir niveler par le bas... Évitons les mauvais jeux de mots, mais c'est un sacré gâchis d'avoir torpillé cette série qui avait un véritable potentiel. Bien exploité, cela aurait donné lieu à quelque chose de plus mémorable. Mais avec des si...
Retrouvez aussi le bilan de la saison 3 de Seaquest DSV publié sur ce même blog par Lurdo !
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Ghost in the Shell :
Dans un futur proche, au Japon, le Major Mira Killian (Scarlett Johansson) est un être unique : un cerveau humain transplanté dans un corps cybernétique doué de capacités incroyables, que le Major exploite au sein de la Section 9, une unité anti-terroriste composé de Batou (Pilou Asbæk), de Togusa (Chin Han), et de leur supérieur, Aramaki (Takeshi Kitano). Mais lorsque Kuze (Michael Carmen Pitt), un terroriste capable de pirater les esprits d'autrui, apparaît en ville, le Major découvre bien vite qu'elle est probablement liée à lui, et qu'il détient le secret de ses origines...
Alors avant toute chose, un disclaimer : avant de voir cette adaptation américaine, je ne connaissais quasiment rien de la franchise Ghost in the Shell, je n'en avais jamais rien lu ou vu, et à vrai dire, je n'en ai jamais eu la moindre envie, car je suis, de nature, peu attiré par le cyberpunk, et par tout ce qui est animation japonaise.
Tout ça pour dire que j'ai abordé cette version 2017 sans aucun à priori, si ce n'est celui de bandes-annonces plutôt intéressantes, et du capital sympathie de Scarlett.
Malheureusement, j'aurais dû me renseigner avant sur les personnes à l'oeuvre derrière la caméra : à la réalisation, Rupert Sanders (Blanche-Neige et le Chasseur, visuellement réussi et stylisé, mais particulièrement soporifique, mal rythmé, et avec une distribution mal dirigée) ; à la production, Avi Arad (un producteur sans la moindre vision, responsable d'énormément de bouses avant que Kevin Feige ne prenne le contrôle de Marvel) ; au scénario, Ehren Kruger (les Transformers, La Porte des Secrets) et deux scénaristes sans grande expérience ; aux effets numériques, MPC, oscarisés pour L'Odyssée de Pi et Le Livre de la Jungle - ils sont doués en animaux - mais ayant à leur actif d'innombrables blockbusters aux effets des plus inégaux).
Parce que forcément, tous ces noms, ça n'augurait pas forcément d'un chef d'oeuvre du Septième Art (sans même parler d'une adaptation digne de ce nom des oeuvres originales).
Sans surprise, donc, si le résultat final n'est pas forcément vilain, esthétiquement parlant, et a même par moment un certain style, dans l'ensemble, le film ne fonctionne pas vraiment.
Entre son script vraiment didactique et explicite (tout y est surligné), parfois plus proche d'un sous-Robocop féminin que d'autre chose ; sa musique synthétique parfois réminiscente d'un Tron : Legacy ; ses effets très inégaux (les doublures numériques sont assez ratées, surtout celle de ScarJo, dont la silhouette, les proportions et la carrure changent allègrement selon les plans et les tenues qu'elle porte) ; et son rythme global très étrange (on a parfois plus l'impression d'assister à une suite de vignettes et de belles images, comme autant de passages obligés, à peine liées par un scénario en pilotage automatique), il se dégage vraiment du tout une sensation de travail sans âme, assez faux et artificiel (et paradoxalement relativement étriqué, malgré le décor de mégalopole).
Sensation que l'on retrouve dans la direction artistique des personnages principaux, qui font souvent cosplay un peu fauché, et, ça me peine de le dire, dans l'interprétation de Scarlett, dont les choix de jeu et de langage corporel n'ont pas du tout fonctionné pour moi (pas aidés par ses proportions polymorphes, certes).
Bref, pas vraiment convaincu par ce Ghost in the Shell, qui a pour lui l'avantage d'être cependant relativement court (moins d'1h50, pour un blockbuster, c'est rare), et d'avoir un Batou plutôt sympathique.
(Kitano, par contre, semble n'en avoir absolument rien à faire de ce film ou de son rôle)
2.5/6 (j'imagine qu'un fan des GitS originaux sera probablement encore plus sévère)
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Parce que c'était toi (It Had To Be You) :
Contrainte d'intégrer l'agence publicitaire de son père (Corbin Bernsen) après que sa propre agence ait connu des difficultés financières, Darby (Torrey DeVitto) se trouve alors en compétition avec le Directeur Artistique de l'agence, Derrick (Michael Rady), dont la rivalité n'est pas que professionnelle...
Une rom-com de la chaîne PixL, qui prend place dans le milieu des publicitaires (absolument rien d'original ou de frais, donc), et qui est par conséquent assez basique et classique, mais dont l'intérêt réside, pour moi, dans le cahier des charges PixL TV qu'elle laisse deviner ; contrairement à Hallmark où tous les personnages principaux sont blancs, ont une meilleure copine ethnique (une, pas deux), et sont les seuls à avoir une intrigue et une évolution dans le récit, ici, comme dans Twist of Fate, on retrouve des choix créatifs qui ne peuvent pas être des coïncidences : une protagoniste principale métissée, une romance mixte, les meilleurs amis des deux héros qui sont tous deux de couleur, et finissent ensemble après une intrigue secondaire tout aussi développée que l'intrigue principale, et de manière générale, une tendance à donner plus d'épaisseur aux personnages que dans les rom-coms de la compétition.
J'ignore si cette tendance peut se généraliser à tous les téléfilms PixL, mais une chose est sûre, une alternative plus pluri-ethnique et ouverte d'esprit aux téléfilms Hallmark est toujours la bienvenue.
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Corman's World - Exploits of a Hollywood Rebel :
Chouette documentaire retraçant la carrière et l'influence considérable de Roger Corman, expert en séries B et en films d'exploitation au budget microscopique (mais pas que...).
Énormément d'images d'archive et d'extraits, et beaucoup d'interviews et de témoignages de noms très connus (Jack Nicholson, Ron Howard, Tarantino, Scorsese, DeNiro, etc), ainsi que des innombrables acteurs, producteurs, scénaristes, réalisateurs, etc, qui ont travaillé avec Corman au fil des ans.
Très intéressant à voir pour tout cinéphile... et d'utilité publique, pour rappeler que l'ont peut faire du cinéma intéressant et original, sans dépenser des millions de dollars.
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Kong - Skull Island :
En 1973, alors que les USA sont sur le point de quitter précipitamment le Pacifique, une équipe de scientifiques (John Goodman, Jing Tian, Corey Hawkins...), une photographe (Brie Larson), un aventurier (Tom Hiddleston), et tout un escadron de soldats (Samuel L. Jackson, Toby Kebbell, Jason Mitchell, Shea Wigram, Thomas Mann...) partent explorer la Skull Island, récemment découverte grâce à un satellite ; une île inexplorée, où ils découvrent un bestiaire improbable, un ex-pilote écrasé (John C. Reilly), une peuplade indigène, et Kong, un primate gigantesque, qui règne sur ce territoire et le protège contre les assauts d'une race de monstres souterrains...
Un film de monstres (au sens le plus strict du terme), supposé établir un univers partagé avec le Godzilla de Gareth Edwards, mais qui, heureusement, prend quasiment une direction totalement opposée à celui-ci : là où le Godzilla ne montrait quasiment jamais son monstre, préférant tout filmer du point de vue des humains (parmi les plus insipides et sous-développés au monde), et réservant Godzilla à son affrontement urbain final, ici, tout est dans des environnements naturels chatoyants et exotiques, et le bestiaire de Kong est exposé en long, en large et en travers passée la première demi-heure de film (avec plus ou moins de succès, d'ailleurs).
Cependant, il reste là un problème certain et évident de caractérisation des personnages humains : pour faire simple, dès lors que les monstres ne sont pas à l'écran, on se moque royalement de ces caricatures ambulantes, dont la vie ou la mort nous indiffère totalement.
Ce qui manque de s'avérer totalement rédhibitoire, d'autant que le métrage, dans son ensemble, semble ne jamais vraiment savoir sur quel pied danser ; souvent cliché, engoncé dans son pastiche des films de guerre des 70s façon Apocalypse Now, le film use et abuse souvent de gimmicks assez répétitifs : ralentis dans l'action façon Zack Snyder, standards musicaux de l'époque enchaînés façon juke-box, montage nerveux et angles de caméra à la limite du style Guy Ritchie/Matthew Vaughn, ton pas forcément très sérieux qui évoque le comic-book, etc... et puis à d'autres moments, le métrage tente des plans iconiques et dramatiques (souvent sur Kong, et d'ailleurs assez réussis), et essaie de susciter de l'émotion et de la tension (Samuel L. Jackson, ultra-premier degré).
On se retrouve donc avec un film très inégal : inintéressant tant qu'il tourne autour de ses personnages (25 minutes avant d'arriver sur l'île, sans que ces 25 minutes n'apportent quoi que ce soit qui n'ait pas été résumé en 30 secondes dans la bande-annonce, ou n'aurait pas pu être résumé par quelques dialogues), et ce malgré sa distribution sympathique mais sous-exploitée (mention spéciale à l'asiatique de service, qui a deux lignes de dialogue et n'est là que pour le marché chinois) ; mais assez divertissant lorsque les monstres sont à l'écran et se battent.
Malheureusement, même sur ce front, ça a tendance à être un peu deux poids, deux mesures : outre le fait que bon nombre de ces créatures n'ont qu'une minute de présence à peine à l'écran, niveau technique, elles n'ont pas toutes le même niveau de finition, et certaines scènes sentent beaucoup trop le numérique inabouti. C'est le problème de toutes les productions hollywoodiennes qui délèguent leurs effets à plusieurs maisons d'effets spéciaux : le résultat est toujours inégal, surtout quand l'une de ces maisons employées est ILM, la Rolls-Royce du secteur, face à laquelle la concurrence semble toujours un niveau en dessous.
On pourra aussi regretter que ce nouveau Kong, à contrario de celui de Jackson, soit à ce point humanoïde, avec des proportions qui varient un peu selon les plans et les besoins des scènes : il est globalement bien animé, et souvent très réussi, mais régulièrement, ses attitudes et ses mouvements rappellent que le duo Toby Kebbel/Terry Notary est loin de remplacer Andy Serkis, notamment au niveau de l'émotion et de l'interprétation physique, et que la bestiole à l'écran n'est qu'une création numérique un peu froide et distante (alors que chez Jackson, on pouvait presque croire, par moments à un véritable primate géant assez touchant).
Reste enfin la bande originale de Henry Jackman, insipide au possible (que ce soit dans Pixels, ici, ou dans Captain America, Jackman réutilise les mêmes sonorités et motifs dès qu'il s'agit d'évoquer l'armée et le patriotisme), et la scène post-générique, façon Marvel, avec l'annonce d'une confrontation de Kong avec Godzilla, Mothra, et toute leur clique... pourquoi pas, mais il faudra faire mieux qu'un film bancal, et réussir enfin à donner de l'intérêt à la composante humaine de cet univers.
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