Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Un tout petit mois de janvier sur le blog des Téléphages Anonymes, puisque simplement constitué de trois semaines visant à reprendre le rythme après la Christmas Yulefest 2019...
Un quasi-mois des plus moyens, avec peu de vrais bons films, et peu de plantages. Tout est plus ou moins autour de la moyenne, méritant vaguement un coup d'oeil, sans grande passion : approprié pour un mois de janvier mollasson, durant lequel on comate mollement pour se remettre des fêtes de fin d'année...
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# Film du mois :
Taika Waititi et son sens de l'humour très particulier à la tête de ce classement, ce mois-ci, avec un Jojo Rabbit certes imparfait, mais assez attachant et excentrique. Mention spéciale, à ma grande surprise, pour le film d'animation Albator (pourtant peu apprécié des fans), qui a su me séduire avec des idées et des images plutôt intéressantes.
# Flop du mois :
Il serait facile de pointer du doigt le premier Hitman... mais celui s'inscrit dans une longue tradition d'adaptations ratées de jeux vidéo, donc il ne fallait pas s'attendre à grand chose de plus. Gemini Man, par contre, aurait dû être d'un autre niveau ; Ang Lee, cependant, s'est tellement consacré à la technique que le reste - un scénario de DTV des années 90 - ne suscite jamais le moindre intérêt. Et puis il y a le dernier Star Wars, qui conclut sa trilogie comme elle avait commencé : dans le fanservice le plus total, enrobant une intrigue pleine de trous, et jamais pensée en amont. Un beau gâchis.
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# Petit écran :
Un petit mois en matière de télévision, avec la fin du sympathique Mandalorien de Disney, quelques Short Treks anecdotiques, un The Rook assez décevant, le début de l'ultime saison de Fuller House, et enfin, la troisième saison de Mme Maisel, une Mme Maisel s'engageant de plus en plus sur une pente glissante, dont je ne suis pas certain que ses créateurs soient vraiment conscients...
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# À venir :
En février, comme chaque année (et parce qu'il faut bien que je les case quelque part dans mon calendrier), on va commencer par la romance, avec la quinzaine Saint Valentin : au programme, deux comédies romantiques par jour jusqu'au 16 février ; ensuite, retour à la normale pour les deux dernières semaines du mois, avec un Will Smith animé, un Eddie Murphy qui fait son comeback, un John Cena pompier, un Michael Bay qui passe à Netflix, un Yéti animé, un voisinespagnol super-héroïque, des humains qui atteignent enfin la Good Place, et bien plus encore...
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Le Roi Lion (The Lion King - 2019) :
L'histoire de Simba (Donald Glover), héritier du royaume des lions, et qui, après avoir été chassé par son oncle, le machiavélique Scar (Chiwetel Ejiofor), à la mort de son père Mufasa (James Earl Jones), vient reprendre le trône qui lui revient de droit...
Remake tout-numérique du dessin-animé de 1997, chapeauté par John Favreau, ce Roi Lion a fait son buzz en réunissant une distribution vocale principalement afro-américaine, avec en tête d'affiche Donald Glover et Beyoncé.
De quoi assurer un box-office quasi-record... et ce malgré des critiques très mitigées. Il faut dire que l'intérêt du film est discutable, en soi : le Roi Lion reste l'un des classiques incontournables de Disney, et le refaire à l'identique (mais en CGI photoréalistes) n'est pas un choix très pertinent.
Un défi technique ? Absolument. Et d'ailleurs, ce défi technique est en très grande partie réussi, avec des animaux souvent plus vrais que nature, et un rendu visuel globalement impressionnant (mais parfois imparfait, notamment sur certains plans de Simba enfant et adolescent).
Une réussite créative ? Pas vraiment. Et c'est là que le bât blesse : créativement parlant, ce remake est inerte. Les ajouts apportés au récit tombent à plat, n'ont pas grand intérêt, et sabotent même un peu le rythme du métrage, ainsi que sa poésie. Le doublage est moyennement convaincant, pas aidé par un mixage sonore souvent frustrant ; et ce même mixage sonore plus "moderne", plus "dynamique", a tendance à affaiblir la bande originale pourtant remarquable.
C'est bien simple, pendant tout le film, j'ai tenté de mettre le doigt sur ce qui me dérangeait musicalement. La production trop propre, trop travaillée, trop "studio" ? Le mixage sonore surproduit ? L'interprétation surchantée ? Les nappes de samples synthétiques de Hans Zimmer, plus présentes qu'avant, et ses réorchestrations nettement plus pataudes ? L'utilisation de certaines chansons qui n'ont plus grand sens dans ce remake (Can You Feel The Love Tonight ? chantée en pleine journée... !?) ?
Toujours est-il que je n'ai pas du tout accroché au versant musical de ce remake... ce qui est problématique, compte tenu de la nature du film.
Contrairement à bon nombre de critiques, l'inexpressivité inhérente aux animaux sauvages photoréalistes ne m'a pas du tout dérangé : Timon et Pumbaa sont amusants, peut-être même plus attachants que dans l'original, et cela tient en grande partie à leurs doubleurs (Billy Eichner et Seth Rogen) qui ont su leur insuffler de la vie. On ne peut pas en dire autant de bon nombre des personnages de ce remake, mais le problème n'est pas tant le photo-réalisme animalier que le reste du métrage : le doublage en demi-teinte, la musique hors-sujet (la nouvelle chanson de Beyoncé fait affreusement tâche lorsqu'elle arrive), le rythme bancal, et des choix créatifs tout simplement peu convaincants.
3/6 pour Timon, Pumbaa et pour le travail des animateurs et des techniciens, mais je ne suis pas sûr que dans l'ensemble, le film mérite vraiment la moyenne.
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Queens (Hustlers - 2019) :
Lorsque la crise financière de 2008 fait vaciller Wall Street et les prive d'une partie de leurs revenus, un groupe de strip-teaseuses locales (Jennifer Lopez, Constance Wu, Keke Palmer, Lili Reinhart...) décide de mettre les bouchées doubles et de passer à la vitesse supérieure, en dépouillant de tout leur argent, à grand renfort de drogues et d'alcool, leurs quelques clients restants...
Une comédie dramatique de la réalisatrice du très moyen Ma Mère et Moi, ce Queens (Arnaque en Talons, au Canada, qui pour une fois a une traduction plus efficace du titre) est supposément adapté d'une histoire vraie... mais cela n'en fait pas pour autant quelque chose de très mémorable.
Un peu comme Ma Mère et Moi, en fait, on se trouve là devant quelque chose de tout à fait regardable, mais aussi de très mécanique et prévisible ; une sorte de Oceans 11 dans le milieu du strip-tease, avec des personnages assez classiques, une relation fusionnelle entre Lopez et Wu, une sorte de famille recomposée par ces strip-teaseuses, de la solidarité féminine, une crime story au parfum de girl-power/#MeToo valorisant ("empowering", comme disent nos amis américains)... bref, exactement tout ce à quoi l'on pouvait s'attendre sur la base du postulat de départ et de l'affiche.
Le côté girl power et la présence de femmes devant et derrière la caméra ont ainsi probablement beaucoup joué dans l'appréciation du film par les critiques anglo-saxons : une réception critique très enthousiaste et admirative, pour un film qui n'en méritait pas tant.
En effet, le scénario est vraiment classique, la structure en interview (Julia Stiles fait de la figuration) n'est pas très pertinente, et dans l'ensemble, le côté un peu clinquant du tout ne cache pas l'aspect répétitif de ce qui est narré.
Heureusement que le tout reste suffisamment court et dynamique pour ne jamais ennuyer, et que la distribution est particulièrement efficace (Jennifer Lopez, quinquagénaire à couper le souffle, est aussi productrice, et n'a pas perdu de ses talents d'actrice ; moins convaincu, cela dit, par les caméos de Lizzo et de Cardi B) : cela évite que l'on s'ennuie devant un film qui peine cependant à passionner.
3.25/6
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Escaping the NXIVM Cult - A Mother's Fight to Save Her Daughter (2019) :
L'histoire vraie de Catherine Oxenberg (Andrea Roth) qui, après avoir participé à NXIVM, un séminaire de développement personnel et professionnel, avec sa fille India (Jasper Polish), s'aperçoit progressivement qu'il s'agit là d'une secte créée par Keith Raniere (Peter Facinelli), et que sa fille est désormais l'esclave sexuelle de celui-ci et de sa compagne, l'actrice Allison Mack (Sara Fletcher)...
Un téléfilm Lifetime de la collection "Ripped from the Headlines" de la chaîne qui, comme son nom l'indique, adapte des faits divers médiatisés sous forme de métrages plus ou moins fidèles.
Ici, l'affaire NXIVM, que je suis en filigrane depuis plusieurs années, et qui est la seule raison pour laquelle j'ai jeté un coup d'oeil à ce téléfilm : une dramatisation assez typique de la chaîne, produite et introduite par la véritable Catherine Oxenberg, et relativement fidèle au déroulement réel de l'affaire.
Bon, ça reste un téléfilm Lifetime, avec ce que ça comporte d'écriture parfois un peu maladroite, d'interprétation parfois un peu inégale (Andrea Roth galère un peu avec son accent), et de raccourcis narratifs (la chronologie est compressée, certains dialogues sont forcés), mais dans l'ensemble, ça reste un bon résumé du tout, un résumé qui, de manière assez amusante (mais pas surprenante), semble étrangement prude sur tout le côté sexuel de l'organisation.
3/6
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Jojo Rabbit (2019) :
Âgé de dix ans, Jojo Betzler (Roman Griffin Davis) vit avec sa mère Rosie (Scarlett Johansson) en Allemagne, alors qu'approche la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Passionné par Hitler (Taika Waititi), qui est par ailleurs son ami imaginaire, Jojo décide de rejoindre les Jeunesses Hitlériennes, mais un accident le blesse sérieusement, et l'oblige à rester un temps alité. Il découvre alors que sa mère dissimule une jeune fille juive, Elsa (Thomasin McKenzie), dans les murs de sa maison : indigné mais curieux, Jojo décide d'apprendre à mieux connaître celle-ci, afin d'écrire un livre décrivant en détail les mœurs des Juifs, et, à terme, d'impressionner le Fuhrer...
Dernier film de Taika Waititi (Thor Ragnarok, Vampires en toute intimité, Hunt for the Wilderpeople), adapté d'un livre, ce Jojo Rabbit était fréquemment vendu comme une comédie décomplexée sur les nazis, une sorte de Springtime for Hitler de 90 minutes, avec un Waititi cabotin dans le rôle d'un Hitler imaginaire.
Dans les faits, Jojo Rabbit est loin d'être cette satire déconneuse façon Papy fait de la Résistance : si toute la mise en place du film (un gros quart du métrage) est en effet de cet acabit, rapidement, le métrage évolue dans une direction plus dramatique, sincère et touchante. L'humour typiquement Waititien cède alors la place à plus d'émotion, et à un ton plus sérieux : un mélange des genres et des variations de tons qui ne fonctionnent pas toujours de manière optimale, mais qui restent tout de même intéressants de bout en bout, notamment grâce à une distribution convaincante (Johansson, Waititi, Sam Rockwell, Alfie Allen, Stephen Merchant, sans oublier les deux enfants, Thomasin McKenzie et Roman Griffin Davis, impeccables) et à la bande originale ludique de Giacchino.
Après, comme pour Wilderpeople, j'ai eu l'impression qu'il manquait un petit quelque chose pour totalement me convaincre. Peut-être une trame narrative plus forte et moins prévisible, je ne sais pas. Mais dans l'ensemble, ça reste très sympathique à suivre.
4/6
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Gemini Man (2019) :
Assassin exceptionnel travaillant pour la DIA, Henry Brogan (Will Smith) décide de prendre sa retraite, ne se sentant plus au meilleur de ses capacités. Mais lorsque son ultime mission s'avère être un piège, il devient la cible de ses anciens employeurs et de Gemini, une entreprise de défense dirigée par Clay Verris (Clive Owen). Avec l'aide de Danny Zakarewski (Mary Elizabeth Winstead) et de Baron (Benedict Wong), un ami pilote, Henry prend alors la fuite, traqué par un assassin mystérieux et talentueux... qui s'avère être Junior, son propre clone.
Projet longuement resté dans les cartons et passé entre de nombreuses mains, tant derrière la caméra (Tony Scott, Joe Carnahan...) que devant (Harrison Ford, Mel Gibson, Nicolas Cage, Schwarzie, etc), Gemini Man a enfin vu le jour en 2019 sous la direction d'Ang Lee, un réalisateur bien souvent à la pointe de la technique et des expérimentations en tout genre (cf L'Odyssée de Pi ou même la réalisation de son Hulk).
Ici, c'est une nouvelle fois le cas, avec un Will Smith incarnant à la fois le personnage principal du film et son double rajeuni numériquement, le tout devant des caméras à 120 images par seconde, pour un rendu ultra-réel à la hauteur de son postulat de départ.
Du moins, en théorie. Parce qu'en pratique, il faut bien avouer que le côté démo technique magistrale de ce Gemini Man en prend un sacré coup dans l'aile dès lors qu'on le visionne dans des conditions "normales", voire à domicile.
Exit les prouesses techniques d'Ang Lee et de son équipe (la doublure rajeunie de Will Smith reste probante, bien qu'occasionnellement imparfaite, notamment dans ses mouvements et dans certains dialogues au rendu très "moustache de Superman"), et ne reste alors plus qu'un film d'action ultra-basique, façon JCVD, au postulat et au traitement dignes d'un film d'action des années 90 (en même temps, le projet a vu le jour en 1997, donc c'est cohérent ^^), illustré par une musique générique de Lorne Balfe (sbire attitré de Zimmer), et étrangement peu intéressant sur la durée, tant il est prévisible, quelconque et superficiel.
Ne reste qu'une distribution sympathique, quelques moments efficaces, et le mérite d'avoir tenté quelque chose d'innovant... mais de peu pertinent pour le commun des mortels.
2/6
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Débordant toujours de qualités formelles incontestables, la saison 2 de The Marvelous Mrs. Maisel s'était avérée une expérience un peu plus mitigée que prévu : progressivement, les traits les moins agréables de son personnage principal privilégié, capricieux et assez égocentré (et par extension, les défauts les plus récurrents de l'écriture de Amy Sherman-Palladino) refaisaient surface et dominaient sa caractérisation, rendant le visionnage parfois assez compliqué (en tout cas, au niveau de la sympathie que l'on pouvait avoir pour son héroïne).
La série, cependant, restait particulièrement enthousiasmante, malgré une gestion difficile de la temporalité saisonnière, et des dix épisodes de cette seconde cuvée. Là, pour la troisième saison, retour à huit épisodes, pour une année que l'on espère plus maîtrisée, et plus consciente des défauts de Midge (que ce soit en les assumant pleinement et en faisant de Midge une anti-héroïne ambitieuse et prête à marcher sur autrui pour connaître le succès, ou à l'opposé, en la confrontant aux conséquences de ses actions et de ses paroles).
La Fabuleuse Mme Maisel, saison 3 (2019) :
Midge Maisel (Rachel Brosnahan) est en tournée avec Shy Baldwin (Leroy McClain), loin de sa famille et de ses enfants ; Joel (Michael Zegen), lui, décide d'acheter un club, mais se retrouve dans une situation problématique lorsqu'il découvre, au sous-sol, un casino clandestin ; les parents de Midge, pendant ce temps, tentent de gérer leur vie maintenant que Abe (Tony Shalhoub) n'est plus professeur à l'université, et que leurs revenus sont diminués d'autant...
Et cette nouvelle saison s'inscrit, pour le meilleur et pour le pire, dans la directe continuité de la saison 2. Comme motivés par les multiples nominations et récompenses obtenues par la série pour l'ensemble de son casting (et notamment par Shalhoub et Jane Lynch), les Palladino redoublent d'efforts pour tenter d’accommoder une distribution croissante, aux seconds rôles toujours plus nombreux, en leur donnant toujours plus à faire à l'écran.
Les sous-intrigues se multiplient donc, et la série en vient à traiter sur un pied d'égalité la carrière de Midge et le devenir de tous ses proches et amis (voire à passer plus de temps sur ceux-ci que sur Midge). Cette année, on assiste ainsi, entre autres, à de multiples intrigues parallèles, qui prennent parfois un peu trop de place, et posent quelques problèmes de ton.
Joel qui cherche un établissement miteux, le rénove, et ouvre son night-club tout en retrouvant l'amour dans les bras d'une mystérieuse asiatique au caractère bien trempé (Stephanie Hsu), passe encore ; les problèmes de couple d'Imogen et d'Archie (Bailey De Young et Joel Johnstone), c'est déjà nettement moins pertinent (même si ça fait toujours plaisir de retrouver De Young).
Les parents de Midge qui se cherchent, en théorie, pourquoi pas. Dans les faits, cependant, le trait est tellement forcé que les mésaventures des parents de Midge deviennent une part envahissante de cette saison, avec un Abe qui vire révolutionnaire/communiste, avant de se reprendre, et de se recycler en critique de théâtre ; une Rose toujours plus difficile, voire même antipathique, qui en veut à mort à sa fille pour son choix de carrière (elle considère que sa fille est une prostituée), qui renonce à son héritage sur un coup de tête, et passe son temps à se plaindre de son sort.
Les Weissman, donc, prennent une place importante, cette année, s'installant provisoirement chez les parents de Joel (pour des scènes très sitcom, qui rappellent que Amy Sherman-Palladino a fait ses armes sur des sitcoms familiales), où ils se montrent arrogants et malpolis, puis s'incrustant en tournée avec Midge, avant de trouver un semblant d'équilibre vers la fin de la saison, quand Midge rachète le vieil appartement familial pour y installer toute la famille.
Et puis il y a Susie, une Susie qui développe une addiction au jeu, et passe la moitié de la saison à tenter de gérer la carrière de Sophie Lennon (Jane Lynch). Lennon, qui décide de monter sur les planches pour devenir une comédienne "sérieuse" face à Cary Elwes, et qui s'effondre lors de la première - une sous-intrigue qui prend à nouveau beaucoup de place, pour un résultat prévisible et peu probant à mes yeux, si ce n'est de développer la carrière et le personnage de Susie.
C'est un peu ce qui ressort de la saison dans son ensemble, à vrai dire : tout le monde évolue et passe à autre chose, avec plus ou moins de succès et d'efforts... tout le monde, sauf Mme Maisel.
Midge reste en effet égale à elle-même : toujours amusante, toujours pétillante, mais toujours aussi particulièrement égocentrée, ambitieuse et inconstante. Une Maisel spontanée qui débranche son cerveau et son bon sens dès qu'elle monte sur scène, une Maisel immature qui se décourage facilement au moindre imprévu, une Maisel privilégiée qui n'a aucun sens des réalités, n'a pas grande empathie pour autrui, et n'a pas grand chose à faire de ses enfants, confiés à Joel pendant le plus clair de la saison. Une Maisel narcissique qui, finalement, n'est pas si différente que ça de Sophie Lennon, qui pourrait aussi bien être un aperçu de ce qui l'attend si elle laisse libre court à ses défauts.
Niveau cœur, cette année, Maisel se rapproche vaguement de Lenny Bruce, sans oser franchir le pas... mais cela ne l'empêche pas de se remarier avec Joel à Vegas (malheureusement, les Palladino aiment vraiment ce couple, ça se sent, et ils jouent à fond la carte du shipping). Ce cher Benjamin (Zachary Levi), abandonné la saison dernière ? Il réapparaît brièvement dans deux ou trois scènes, en fin de saison, pour dire ses quatre vérités à Midge.
Et là, pendant quelques instants, on se prend à espérer qu'enfin, Midge va devoir faire face aux conséquences de ses actes. Oui, elle est égoïste, elle ne pense qu'à sa carrière et à sa passion, elle exige un certain standard de vie, un certain luxe, et elle n'a pas la moindre idée de ce qui se déroule dans la vie des autres : l'addiction au jeu de Susie, les sentiments de Benjamin, la vie de Joel, leurs enfants, la situation de ses parents, les problèmes de couple de sa meilleure amie, ou encore l'homosexualité de Shy Baldwin, tout lui passe au-dessus de la tête, tant elle est obsédée par sa carrière et sa comédie.
Ce qui mène, bien naturellement, à la fin de la saison, une fin de saison qui redonne espoir : un peu comme lors du face à face avec Benjamin, Midge doit gérer les conséquences de ses actes, et quels actes ! Lors de son spectacle à l'Apollo, salle mythique de New York, Midge décide de débrancher son cerveau, et de faire tout un monologue sur Shy Baldwin, un sketch entier chargé de sous-entendus et de références à l'homosexualité cachée du chanteur.
Sauf que Midge, qui est dans sa bulle privilégiée, n'a pas la moindre idée de ce qu'elle vient de faire (Susie, elle, le comprend en une phrase seulement). Et elle tombe donc de très haut lorsqu'elle se fait renvoyer de la tournée par Shy.
En tant que spectateur, j'ai donc de l'espoir pour La Fabuleuse Mme Maisel. L'espoir que les Palladino ont conscience des défauts occasionnels de leur écriture (ce n'était pas forcément le cas sur les Gilmore Girls) et vont enfin "faire payer" à Midge ses erreurs, et les traits négatifs qui sont les siens, et qui sont de plus en plus prononcés depuis le début de la série. Une saison 4 avec une Midge devant faire le point, se reconstruire en partant de rien, blacklistée des clubs de New York par Lennon et de sa tournée par Shy, et enfin réaliser qu'elle est bourrée de défauts, cela pourrait être intéressant.
Par contre, une saison 4 avec, comme cette année, toujours plus de place laissée aux personnages secondaires de plus en plus caricaturaux, aux longues séquences musicales chorégraphiées qui servent de meublage, et à des solutions miraculeuses qui résolvent tous les problèmes des protagonistes à la dernière minute (l'article d'Abe, l'assurance/héritage de Susie pour éponger ses dettes, la vocation d'entremetteuse de Rose...), déjà nettement moins.
Heureusement, malgré les problèmes que j'ai avec la caractérisation du show et avec le remplissage gratuit dont il fait parfois l'objet, ce dernier reste toujours exemplaire au niveau de sa production : c'est visuellement splendide, très bien interprété (plusieurs scènes sont vraiment superbes et touchantes - la discussion douce-amère de Jason Alexander et Tony Shalhoub, le coming out de Shy Baldwin, Susie qui perd tout son argent), les caméos sont toujours intéressants (Sterling K. Brown, Liza Weil, Wanda Sykes) et l'on ne s'ennuie jamais, quand bien même on aurait parfois envie de dire aux Palladino de freiner un peu l'excentricité de leur plume, qui donne occasionnellement lieu à des scènes trop fantaisistes et à des dialogues trop artificiels.
La saison 3 de Mme Maisel souffle donc le chaud et le froid, peinant à gérer son rythme (à l'instar de la saison 2), se perdant souvent dans des digressions rapidement oubliées, mais parvenant aussi à jouer habilement de la fibre nostalgique pour une époque improbable, mise à l'écran de manière encore plus fantaisiste (la fidélité historique n'est pas la priorité de la série, soyons francs). Si l'on se laisse porter par l'aspect visuel de la production, par la reconstitution, l'énergie du show, et par toutes ces paillettes, alors il y a moyen de passer un très bon moment, porté par une écriture et une interprétation qui restent de qualité.
Il faut simplement avoir conscience que la protagoniste principale de la série est presque devenue une anti-héroïne bourrée de défauts, élitiste et privilégiée (comme ses parents, soit dit en passant... et comme une certaine Rory Gilmore), et que, malgré un parcours qui la confronte à des personnes souffrant de vrais problèmes et de vrais préjudices (raciaux, sexuels, etc), elle ne semble jamais retenir la leçon. Pour elle, tout est bon pour faire rire, même blesser autrui (que ce soit fait avec ou sans méchanceté)...
Difficile de continuer à soutenir aveuglément le personnage, dans une telle situation, malgré des scénaristes qui semblaient vouloir la présenter comme un exemple d'émancipation, et un modèle à suivre. Désormais, avec cette fin de saison, la série semble être à un tournant : reste à voir si elle va réussir à le négocier sans trop de dégâts, ou si elle fera marche arrière, comme si de rien n'était.
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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici et ici.
Après une saison 4 plus sage et calme, dans le sillon de l'éviction #MeToo du showrunner de la série depuis sa création, il y a vingt ans, Fuller House revient sur Netflix pour une ultime année. Une dernière saison qui, malheureusement, revient à 2 x 9 épisodes, au risque de traîner en longueur, et de souffrir de gros passages à vide, faute de contenu...
La Fête à la Maison, 20 ans après - saison 5, première partie (Fuller House, season 5.1 - 2019) :
Kimmy Gibler (Andrea Barber) a enfin accouché du bébé de Stephanie (Jodie Sweetin) et de Jimmy (Adam Hagenbuch), qui arrive à la maison. Mais c'est la relation de DJ (Candace Cameron Bure) et de Steve (Scott Weinger) qui concentre l'intérêt de tout le monde...
Une première demi-saison qui se cherche, un peu à l'image de ses personnages. Si elle s'ouvre sur l'arrivée dans le foyer de la fille de Stephanie et de Jimmy, le bébé disparaît très rapidement de la série, pour être même souvent oublié par les scénaristes, comme par exemple lorsque tous les adultes doivent partir précipitamment de la maison pour une raison X ou Y, ou que tout le monde, enfants y compris, se retrouve à la sandwicherie. Qui s'occupe du bébé dans ces moments-là, mystère...
À l'identique, cette saison, Steph est supposée apprendre à être maman et ne plus avoir de temps pour elle (une excuse pour l'habiller en vieux jogging moche, tandis que CCB, elle, bizarrement, passe son temps à porter des tenues de plus en plus moulantes et courtes, bizarre) - très logiquement (!), Steph décide de se lancer dans une carrière musicale, et de faire la première partie de Lisa Loeb en tournée, avec des chansons qu'elle a écrites pour le bébé : on ne va même pas tenter d'évaluer la vraisemblance de tout ça, on est dans du grand n'importe quoi, et encore une fois se pose la question : oui, d'accord, mais qui s'occupe du bébé ? ^^
Pas Jimmy, en tout cas, puisqu'il décide de racheter sur un coup de tête, avec Fernando et Steve, une vieille sandwicherie de quartier, qui devient ainsi un nouveau point de chute pour toute la bande (y compris les enfants, qui y travaillent sans être payés ^^) ; et... euh, c'est à peu près tout ce qui se passe pour l'instant dans la série.
Dans ces neuf épisodes, s'il y a bien un semblant de progression en direction d'un triple mariage combiné (le dernier épisode de cette demi-saison est l'occasion d'une flash mob aboutissant sur la demande en mariage de Steve à CCB - un moment assez sympathique, et joliment chorégraphié), il règne surtout un sentiment de navigation à vue, sans réelle vision d'ensemble.
Tous les enfants sont ainsi plus ou moins au point mort : Jackson, toujours idiot, se réconcilie vaguement avec Rocki ; Max, de plus en plus maniéré, ne bouge pas d'un pouce ; Ramona flirte avec un jeune livreur... et c'est tout.
DJ et Steve sont heureux en couple (et font de la cuisine française) ; Fernando et Kimmy se rapprochent de nouveau après la grossesse de cette dernière ; les anciens font une très brève apparition (Saget, principalement, mais aussi Coulier et Stamos à l'occasion du dernier épisode de la demi-saison - Lori Loughlin, sans surprise, n'est pas de la fête) ; le détestable Kirk Cameron fait un caméo ; et dans l'ensemble, il n'y a pas grand chose de mémorable à se mettre sous la dent.
Alors certes, comme d'habitude, la distribution se fait plaisir avec une parodie de Footloose dansée par tout le monde, et avec cette flash mob finale, et dans l'ensemble, cette demi-saison semble un peu plus décomplexée que la saison précédente, mais la perspective d'une fin de série sur un triple mariage (et sur des problèmes de sandwicherie) n'est pas des plus intéressantes, surtout compte tenu du manque d'idées actuel, et des nombreux membres du casting qui risquent bien d'être absents (Loughlin, Olsen, et probablement d'autres)...
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Hitman - Agent 47 (2015) :
Lorsque Katia (Hannah Ware), une femme aux capacités surhumaines, refait surface, une course contre la montre s'engage entre le Syndicat - une organisation criminelle dirigée par LeClerq (Thomas Kretschmann) et son bras droit indestructible, John Smith (Zachary Quinto) - et l'Agent 47 (Rupert Friend), tueur à gages génétiquement modifié, qui tous deux tentent de la retrouver. Car Katia est la fille d'un savant porté manquant (Ciaran Hinds), détenteur des nombreux secrets ayant donné naissance au programme des Agents...
Un peu moins de 8 ans après le premier Hitman, raté et étrangement mou malgré son montage (trop) nerveux, on reboote la franchise avec un nouvel acteur principal, et une direction plus ouvertement fantastique : ici, on a droit à des surhommes à la peau doublée de kevlar, à des clones, à de la modification génétique, à des capacités à la limite de la précognition, etc, pour un résultat assez bancal, mais plus abouti que le film mettant en scène Timothy Olyphant.
Ce n'est pas forcément grâce à Rupert Friend qui, malgré ses efforts, n'est pas encore un excellent Agent 47 : il n'a pas la tête de l'emploi, pas la carrure, son crâne n'est pas rasé d'assez près, et il passe un peu trop son temps à tenter de jouer les Terminators indestructibles, une expression constipée sur le visage.
Pourtant, çà et là, on sent que Friend n'est pas passé loin. Mais il n'est vraiment pas aidé par la direction globale du film, et par ses tentatives constantes de faire de 47 un agent badass, capable d'acrobaties et d'actions improbables.
C'est assez étrange, à vrai dire : le film parvient fréquemment à restituer des moments incontournables du jeu, que ce soit lors des infiltrations, des changements de costume, des meurtres assez ludiques, ou encore au travers du personnage de Katia, que 47 coache, façon tutoriel vidéoludique, et qui observe son environnement comme le ferait un joueur de Hitman...
... et malgré tout, fréquemment, le film a ces moments de trop, à la musique trop grandiloquente, aux ralentis forcés, aux poses honteuses, et aux effets (qu'ils soient de réalisation ou numériques) discutables : des mauvaises idées qui font alors vaciller le château de cartes déjà pas très solide du film, et qui arrachent un soupir au spectateur.
Ajoutez à cela une Hannah Ware pas très mémorable (elle est un peu fade), des acteurs sous-exploités (Jürgen Prochnow !), et des effets inégaux, et l'on pourrait se dire que ce Hitman : Agent 47 n'est pas meilleur que son prédécesseur.
Sauf qu'il est mieux rythmé, plus dynamique, et dans l'ensemble, plus fun. Ce qui, comme je le disais, le place un bon cran au dessus de la version Olyphant.
2.5/6
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Nelly et Simon - Mission Yéti (Mission Kathmandu : The Adventures of Nelly & Simon - 2017) :
Lorsque Nelly Maloye, une apprentie-détective enthousiaste, croise le chemin de Simon Picard, un assistant anthropologue persuadé de l'existence du Yéti, le duo se retrouve bien vite au Népal, guidé par Tenzig Gombu, à la recherche de l'Abominable Homme des Neiges...
Un film d'animation québécois à orientation film d'aventures enneigé, et au style visuel et à l'animation plutôt intéressants... mais qui ne convainc jamais sur la durée. Le problème, en réalité, c'est que le film n'est tout simplement pas particulièrement intéressant : ce n'est pas particulièrement drôle, pas particulièrement rythmé, pas particulièrement original, pas particulièrement inspiré, pas particulièrement dynamique, pas particulièrement développé, et (dans sa version originale, du moins), le doublage n'est pas particulièrement mémorable.
Bref, en résumé, ça occupera probablement les plus jeunes pendant 90 minutes, mais l'intérêt du tout s'arrête plus ou moins là, malgré (encore une fois), une esthétique qui n'est pas désagréable.
2.75/6
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Hitman (2007) :
Créé et éduqué par une Organisation mystérieuse, l'Agent 47 (Timothy Olyphant) est un tueur à gages hors pair et implacable, traqué de meurtre en meurtre par Whittier (Dougray Scott), un officier d'Interpol. Jusqu'au jour où un contrat de taille portant sur le président russe se retourne contre l'Agent 47 : manipulé et victime d'un piège, l'Agent 47 est contraint de fuir, emmenant avec lui Nika (Olga Kurylenko), la maîtresse du président. Désormais, il n'a pas d'autre choix que de tenter de survivre, et de se venger de ceux qui l'ont trahi...
Une production Europa Corp assez typique des productions Besson de l'époque : pays de l'Est, héros taciturne qui doit protéger une prostituée, racolage et nudité vraiment gratuite, casting approximatif, script qui l'est encore plus, clins d’œil forcés (la scène du jeu vidéo) et réalisateur français (Xavier Gens) qui rend ici une copie assez léchée, mais qui prend l'eau de partout.
En fait, tout est à l'image de son interprète principal, Timothy Olyphant. Un Olyphant au naturel goguenard, nonchalant et un peu je-m'en-foutiste, qui est donc totalement hors-sujet dans le personnage d'Agent 47 : il n'a pas la voix, il n'a pas le visage, il n'a pas l'intensité, et pour ne rien arranger, il n'a pas non plus l'air d'avoir grand chose à faire de ce rôle (c'est un peu son problème récurrent, d'ailleurs : l'acteur ne considère aucun de ses rôles comme autre chose qu'un cachet de plus à toucher, et ça se sent fréquemment).
Ajoutez à cela de l'action mollassonne et mal montée, une post-synchronisation parfois médiocre (la scène dans la voiture, sous la pluie), un script fade, et zou, une adaptation sans intérêt, une de plus.
1.5/6
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Do I Sound Gay ? (2015) :
Documentaire indépendant centré sur David Thorpe, un jeune quadragénaire homosexuel new-yorkais qui, après une rupture, commence à faire le point sur sa vie, en se posant une question qui lui semble essentielle : d'où lui vient la voix efféminée, aux accents particulièrement prononcés, qu'il semble partager avec bon nombre de gays anglo-saxons (voire internationaux) ?
Thorpe va alors interroger spécialistes, amis et célébrités (George Takei, David Sedaris, Tim Gunn, Margaret Cho, Don Lemon) pour tenter de déterminer les origines biologiques, psychologiques, sociales, etc, de ce phénomène, ainsi que sa signification et son importance historique.
Et sur le papier, ce n'est pas une mauvaise idée. Le problème, en réalité, c'est que ce documentaire appartient à cette catégorie de documentaires transformatifs, qui suivent le parcours de leur protagoniste alors qu'il effectue une transition dans son existence, que ce soit en tentant de manger du fast food pendant un an, ou, ici, en tentant de perdre ses affectations vocales au profit d'une voix virile.
Résultat, si le film passe en effet par les étapes explicatives, les avis d'experts, etc, ceux-ci se contentent d'émettre de vagues suppositions éclairées, qui se résument, in fine, à dire à Thorpe qu'il devrait s'accepter tel qu'il est, et ne pas avoir honte de parler de manière aussi stéréotypée, qui lui permettent d'appartenir à une communauté formidable.
Soit. C'est effectivement un message aussi valable qu'un autre, mais pour qui voulait en savoir un peu plus sur le sujet, d'un point de vue scientifique et linguistique, il faudra attendre quelque chose de plus approfondi.
3.5/6
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Jay and Silent Bob Reboot (2019) :
Lorsqu'ils apprennent que Saban Films a prévu de relancer une nouvelle fois les aventures de Bluntman et Chronic au cinéma, et détiennent les droits de leurs noms, Jay et Silent Bob (Jason Mewes, Kevin Smith) décident d'empêcher ce projet de voir le jour. Pour cela, ils prennent la route pour rejoindre au plus vite la Chronicon, grande convention où le projet va être dévoilé par son réalisateur, Kevin Smith. Mais en chemin, le duo va devoir composer avec Milly (Harley Quinn Smith), la fille cachée de Jay, et ses amies (Treshelle Edmond, Aparna Brielle, Alice Wen)...
Je l'ai déjà mentionné sur ce blog, mais depuis qu'il a découvert la marijuana, Kevin Smith part gentiment en vrille, du moins créativement (sa production cinématographique est de plus en plus faible et sous-développée). Depuis son dernier film, Yoga Hosers, Smith a cependant eu une crise cardiaque massive, qui l'a amené à repenser un peu son existence, sa santé (il a perdu beaucoup de poids) et son travail (il se concentre désormais sur la réalisation télévisée, moins stressante et épuisante).
Avec ce Jay and Silent Bob Reboot, cependant, Smith semblait vouloir boucler la boucle de ses deux personnages fétiches, pour produire un baroud d'honneur, une sorte de film-somme revenant sur toute sa carrière, et sur les personnages de ses divers longs-métrages, de Mallrats à Dogma, en passant par Chasing Amy, Clerks, et autres films plus ou moins réussis...
Un film-somme clairement pensé par et pour les fans, et qui s'inscrit dans la continuité directe de Jay et Silent Bob Contre-attaquent : même format road-movie, même concept global, même défilé de visages familiers, et même fanservice particulièrement prononcé ; malheureusement, ce Reboot n'a pas le rythme ni la folie décomplexée de son modèle.
Étrangement nonchalant et parfois laborieux (avec de longs passages à vide sans réel intérêt - toute la visite chez le KKK), J&SBR semble tenter de concilier le format de Jay et Silent Bob Contre-Attaquent avec les digressions habituelles de Smith sur l'industrie hollywoodienne et la tendance aux reboots/remakes (régulièrement, des scènes maladroites voient les personnages expliquer et analyser les dessous de l'industrie, à un point tel qu'on a l'impression d'assister à l'un des stand-ups de Smith), et avec tout un propos sur la parentalité.
Car derrière son humour de stoner, ses caméos plus ou moins inspirés (plutôt moins que plus, d'ailleurs), ses personnages qui viennent, le temps d'une scène, expliquer ce qu'ils sont devenus depuis la fin de leur film (Damon reprend son personnage d'ange de Dogma et s'improvise narrateur le temps d'une scène, le cast de Clerks revient en noir et blanc pour un plan ou deux, Joey Laurel Adams et Ben Affleck réapparaissent pour apporter une conclusion aux personnages de Chasing Amy...), ce métrage reste un moyen, pour Smith, de mettre en parallèle le concept de reboot cinématographique à celui de reboot biologique : le fait d'avoir des enfants, de les voir ressembler à leurs parents, tout étant suffisamment différents pour exister indépendamment de ceux-ci (autrement dit, la thèse du film est qu'un bon parent donne lieu à un enfant qui est son reboot - des éléments similaires, mais un résultat différent et potentiellement meilleur, et qui apporte un autre éclairage à l’œuvre d'origine - alors qu'un mauvais parent donne lieu à un remake - le même, qui répète les mêmes erreurs et n'améliore en rien l'original).
Toute une thématique qui s'exprime au travers du personnage de Jay et de sa fille, une sous-intrigue qui, de manière étonnante, fonctionne très bien, car touchante et bien interprétée par Mewes et par la fille de Smith (et qui évoque un peu le travail de Smith sur Jersey Girl).
Après, tous ces éléments se marient de manière tout de même très bancale, et à moins d'être un über-fan de Smith, et de connaître tous ses films, le fanservice ne suffit pas vraiment pour en faire un tout cohérent et intéressant.
C'est décousu, c'est bordélique, ça tombe souvent à plat (ce qui n'est pas forcément surprenant, puisque le script de J&SBR est un patchwork composé de morceaux de scripts de Mallrats 2 et de Clerks 3, entre autres), c'est beaucoup moins drôle, malin et pertinent que ça semble penser l'être, mais ça se regarde tout de même, principalement parce que ça reste sincère, et que Smith maîtrise toujours très bien l'auto-critique et l'auto-dérision.
3/6 (parce que j'ai toujours de la sympathie pour la filmographie du réalisateur, et pour ses personnages, mais honnêtement, ça ne les vaut pas franchement)
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Que se passe-t-il lorsque la chaîne Starz décide d'adapter le roman australien The Rook - Au Service Surnaturel de Sa Majesté, un livre mêlant urban fantasy et espionnage avec un sens très prononcé de l'excentricité et un caractère (ainsi qu'un humour) très anglo-saxon... mais charge Stephenie Meyer (Twilight) de l'adaptation ?
Une Stephenie Meyer qui quitte la série durant le tournage des deux premiers épisodes, pour des raisons de "divergences artistiques" avec ses collègues, à savoir un producteur anglais issu de la série d'espionnage Spooks, et des scénaristes et producteurs de séries américaines médiocres (Flashforward, The Event, Prison Break, Touch)... ?
On se retrouve avec un mini-série de 8 épisodes totalement terne et insipide, qui passe à côté de tout ce qui faisait l'intérêt du livre et de son univers.
The Rook - Au Service Surnaturel de Sa Majesté, saison 1 (2019) :
Lorsqu'elle reprend conscience au milieu d'un pont londonien, entourée de cadavres, Myfanwy Thomas (Emma Greenwell) n'a aucun souvenir de comment elle est arrivée là. Pire, elle est totalement amnésique, et ne peut que s'enfuir... jusqu'à ce qu'elle trouve un message qu'elle s'était laissé avant de perdre la mémoire : elle appartient au Checquy, un service secret britannique dirigé par Linda Farrier (Joely Richardson), qui se charge des phénomènes paranormaux, et des individus dotés de pouvoirs surhumains. Mais quelqu'un a trahi Myfanwy, et la jeune femme, qui tente de reconstruire son identité et ses souvenirs, ne sait plus en qui avoir confiance...
Exit, en effet, l'humour et le mélange improbable des genres du roman original (qui avait, notamment un canard télépathe prédisant l'avenir ^^), entre les mutants à la Marvel, l'UNIT de Doctor Who, les Men In Black, l'urban fantasy décalée ; exit l'héroïne attachante, à la répartie très british, et qui trouvait dans cette amnésie un moyen de se réinventer, de s'épanouir et de trouver la sérénité ; exit l'univers farfelu, avec des vampires, des terroristes belges, des œufs de dragon, des pouvoirs improbables, etc ; exit le rythme du récit original, imparfait mais sympathique...
À la place, on a droit à une sorte de croisement bâtard entre Jason Bourne/La Mémoire dans la Peau, et les X-men, enrobé dans un procédural assez générique et glacial : tout le surnaturel et le paranormal se résument ici à des pouvoirs de mutants, rarement exploités à l'écran, encadrés par des agences gouvernementales manipulatrices et des syndicats du crime qui se font des guéguerres assez creuses.
Visuellement, The Rook est bien filmé, mais froid, stérile et terne (à l'image de son illustration musicale, avec électro et pop vaporeuse çà et là) ; on est en plein dans du show d'espionnage glacial et ultra-lissé, dépourvu de charme ou d'humour, avec une héroïne fragile, névrosée et complexée, qui passe son temps au bord des larmes à retracer ses pas sans vraiment avancer (l'actrice évoque un peu Clea DuVall, sans le sourire ni le capital sympathie), et à interagir avec des personnages secondaires peu mémorables ;
On a ainsi une assistante en fauteuil roulant, une patronne mystérieuse (forcément louche), un patron honnête (mais à la sous-intrigue romantique inutile), une sœur rebelle clichée au possible (avec piercings et dreadlocks), un agent américain inutile (Olivia Munn, dont le personnage cliché d'Américaine sarcastique, badass et arrogante, développée pour la série, n'est clairement là que pour faire un appel du pied au public US, au point qu'elle passe le plus clair de la saison à évoluer dans son coin, et qu'on pourrait très bien remonter tous les épisodes en coupant ses scènes, sans rien y perdre), et Gestalt.
Gestalt, un personnage justement assez intéressant sur le papier : quatre corps (trois hommes, une femme, à la chevelure blond platine), mais un seul esprit, qui agissent, pensent et parlent de concert. Dans la série, ce quatuor reste peu ou prou identique, mais est globalement totalement sous-exploité, ses capacités étant retranscrites de manière assez peu inventive à l'écran, et les quatre personnages se trouvant affublés d'une histoire d'amour jamais crédible avec Myfanwy.
Jamais crédible, mais bien pratique pour faire du Sense 8 du pauvre, et montrer un baiser lesbien entre Myfanwy et l'incarnation féminine de Gestalt (une Catherine Steadman affreusement sous-exploitée, et affublée, comme ses trois compères, d'une capillarité peu convaincante), ou encore une scène de sexe aux effets de montage simplistes (un fondu au noir = changement d'acteur dans le rôle de Gestalt).
De manière générale, la série ne garde du roman qu'une trame très vague, et les personnages principaux : tout le reste change, des mafieux russes en lieu et place des belges adeptes de la Chair cronenbergienne, au caractère de Myfanwy, fébrile et apeurée du début à la fin (une inversion bizarre, qui donne l'impression, à l'écran, qu'elle était plus libérée avant son amnésie, ce qui sabote la conclusion girl power de la série), en passant par l'identité des traîtres et du big bad.
Et, même pris indépendamment du livre, ces changements ne sont jamais vraiment intéressants : l'exposition est laborieuse, formatée, et l'ambiance tellement aseptisée qu'on peine à se captiver pour le récit, pour le parcours de cette héroïne guère attachante, ou pour l'atmosphère pseudo-paranoïaque qui règne sur le show.
Au final, on se retrouve en effet devant un produit qui aurait très bien pu passer sur la Fox ou sur NBC, un show inoffensif, générique, quelconque, et surtout, sans le moindre élément mémorable.
(La disparition du canard prédisant l'avenir est ainsi assez symptomatique de l'approche de la série : ici, il est remplacé par une autiste douée de pouvoirs prophétiques, notamment boursiers, qui apparaît brièvement dans un épisode flashback, et est aussitôt mise au placard par le personnel du Checquy. Il ne faudrait pas que la série soit trop excentrique et surnaturelle, non plus !)
Bref. Nul doute que si le projet avait été produit et écrit par des Britanniques, le résultat aurait été bien différent, et beaucoup plus original ; et l'on peut même se demander ce qu'aurait donné la série si Meyer était restée aux commandes.
En l'état, une chose est sûre : si ce n'est pas mauvais, en soi (ça reste bien produit), The Rook est simplement totalement médiocre, et particulièrement oubliable.
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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici.
Avec son approche décomplexée et très cartoony de l'univers Trek, le cinquième épisode de ces Short Treks, courts-métrages d'une dizaine de minutes prenant place (théoriquement) dans la continuité de Star Trek Discovery, avait divisé les fans ; place au dernier épisode de cette mini-saison, un épisode supposé servir de passerelle menant à la série consacrée à Picard...
Short Treks 2x06 - Children of Mars :
Kima (Ilamaria Ebrahim) et Lil (Sadie Munro), deux fillettes dont les parents travaillent sur Mars, ne se supportent pas, et en viennent même aux mains à l'école. Mais contre toute attente, une attaque dévastatrice sur la Planète Rouge va les rapprocher...
Et c'est à peu près tout ce qu'il y a à en dire. L'épisode, de huit minutes à peine, ne raconte rien de plus : en grande partie muet, et illustré (de manière un peu pompeuse) par une reprise lugubre de Heroes de Bowie, ce court est très contemplatif, et se termine par des bulletins d'information annonçant l'attaque, qui amène les deux fillettes à se tenir par la main.
Un côté "serrons-nous les coudes dans l'adversité" un peu naïf, qui m'a gentiment agacé, car il m'a directement renvoyé à Star Trek Enterprise, pour son portrait d'une Amérique Fédération traumatisé par une attaque terroriste pratiquée par les Talibans Sulibans.
Et ce n'est pas la brève apparition de Picard sur un écran qui y change grand chose : la promesse d'un Star Trek - Picard dépressif et sinistre, où la Fédération serait meurtrie et blessée, ne m'inspire guère, tout simplement.
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Retrouvez aussi toutes les critiques de Star Trek Discovery et de la saga Trek publiées sur ce blog en cliquant ici...
Après trois premiers épisodes plutôt agréables à suivre, chroniqués en ces pages en novembre dernier, et les trois épisodes suivants, place à la suite et fin de cette première saison du Mandalorien, toujours chapeautée par Jon Favreau et Dave Filoni.
Star Wars : The Mandalorian - Chapitre 7 et 8 (2019) :
- Chapitre 7 - The Reckoning : lorsque Greef Karga (Carl Weathers) lui propose de passer l'éponge sur ses antécédents, et de le mener directement au client voulant l'Enfant, le Mandalorien décide d'assurer ses arrières en réunissant Kuiil l'Ugnaught (Nick Nolte) et Cara Dune (Gina Carano) pour l'accompagner...
Un épisode de préparation pour le grand final, et qui monte joliment en tension sur la fin, même si l'on peut déjà deviner ce qui va s'y dérouler (l'androïde, tout ça...).
C'est donc très sympathique à suivre, même s'il faut bien avouer que le rythme des épisodes continue d'être particulièrement bancal : on sent bien que Favreau n'a pas grande expérience dans l'écriture des séries tv, et niveau mise en images, Deborah Chow continue de peiner à dynamiser le tout, voire à rendre l'action compréhensible (il m'a fallu repasser la scène finale pour comprendre l'origine de la fusillade).
Bon, ce n'est pas dramatique, mais la série a intérêt à mettre la barre un peu plus haut pour le final (réalisé par Taika Waititi), pour ne pas rater sa conclusion.
- Chapitre 8 - Redemption :Secourus in extremis par IG-11, reprogrammé pour protéger l'enfant à tout prix, Mando, Cara et Greef tentent d'échapper aux troupes du Moff Gideon (Giancarlo Esposito), qui les ont encerclés...
Une fin de saison spectaculaire signée de la caméra de Taika Waititi (et si l'on en doutait encore, la première scène, avec les deux scout troopers incapables - Adam Pally et Jason Sudeikis - est un moment d'humour typiquement Waititien), et qui s'avère tout à fait satisfaisante, à défaut d'être particulièrement surprenante ou originale.
Waititi, d'ailleurs, se réserve un joli moment dramatique, avec le sacrifice d'IG-11, dont il fait la voix, et les pistes ouvertes pour une saison 2 peuvent être très intéressantes (chercher un Jedi pour lui remettre l'enfant... oui, mais quel Jedi ?).
Seule réserve : tout le décorum mandalorien, mais j'y reviens tout de suite dans le bilan saisonnier...
-- BILAN SAISONNIER --
Le Mandalorien, donc. Une première saison inégale, mais cohérente, attachante et agréable à suivre, bien plus en tout cas que les productions cinématographiques récentes de la franchise : en jouant habilement de la nostalgie inhérente à la Trilogie originale, tout en n'y étant pas assujettie par ses choix scénaristiques et ses personnages, le Mandolarien parvient à se créer une niche à part, plutôt convaincante, et clairement aidée par la présence de l'adorable Bébé Yoda.
Ce n'est pas pour autant que la série est un chef d’œuvre parfait. Je l'ai mentionné çà et là, mais on sent que personne à la production ne maîtrise totalement le format télévisuel de 35-40 minutes. Pas forcément surprenant quand on sait qui fait quoi, et ce n'est pas non plus trop problématique au final, mais les problèmes de rythme sont là, tout comme certaines faiblesses de réalisation de l'action.
Plus embêtant, pour moi, tout ce qui touche au mythe mandalorien - les fans hardcore de la franchise, dont fait partie Dave Filoni, sont passionnés par Boba Fett, par les Mandaloriens, et on sent clairement une tentative d'en faire quelque chose de fascinant, peut-être l'équivalent du développement que le peuple Klingon a connu dans la franchise Star Trek. Malheureusement, toute cette mystique, tout ce côté rituel étrange ne fonctionne pas du tout sur moi, et me paraît systématiquement forcé et creux, comme le produit des obsessions d'un scénariste qui aurait le contrôle sur sa production, et qui serait bien décidé à imposer celles-ci à son univers de fiction (un peu ce qu'aurait probablement donné une postlogie écrite par Lucas, et centrée sur les midichloriens).
Reste que pour un coup d'essai au format série Disney +, ce Mandalorien est efficace. J'attends donc avec impatience la suite, la série Kenobi, et bien entendu, tout le contenu Marvel.
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Driven (2018) :
L'histoire à peu près réelle de Jim Hoffman (Jason Sudeikis), pilote/trafiquant devenu informateur du FBI et qui, à la fin des années 70, croise le chemin du célèbre ingénieur automobile John DeLorean (Lee Pace), à la recherche de fonds pour financer sa nouvelle entreprise. Rapidement, les deux hommes s'associent, mais le passé de Hoffman le rattrape bien vite, et l'argent de la drogue met en péril les projets de DeLorean...
Un semi-biopic étrangement écrit et réalisé par des Irlandais, et qui, s'il est plutôt sympathique à regarder (la distribution est excellente - Sudeikis, Pace, Judy Greer, Corey Stoll), souffre aussi d'un ton général assez hétérogène (on passe de la comédie à la reconstitution historique, puis au drame, puis au thriller, avant de revenir à la comédie, etc), et d'un rythme plutôt inégal (coup de mou notable passée la barre de la première heure).
En fait, on sent très clairement que ce qui intéresse l'équipe derrière le film, c'est Hoffman et ses magouilles, plus que DeLorean, décrit ici comme distant, arrogant, et imbu de sa personne. Avec sa structure en flashbacks, et son narrateur non fiable, le film met clairement Hoffman au premier plan de son récit, et c'est un choix qui plaira ou pas.
En ce qui me concerne, je n'ai pas détesté, mais il manque tout de même quelque chose pour que ce métrage soit vraiment réussi. Peut-être un peu plus de rythme, de folie, de style ou, à l'inverse, de rigueur dans la narration, je ne sais pas.
3.25/6 (amusant, mais anecdotique)
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Hot Air (2019) :
Commentateur radio conservateur, Lionel Macomb (Steve Coogan) est depuis 20 ans le roi incontesté de son segment, alimentant les républicains américains en propagande, en pseudo-indignation et en mauvaise foi gueularde. Mais alors que cet homme détestable est en perte de vitesse dans les audiences, voilà que sa nièce afro-américaine, Tess (Taylor Russell), s'invite dans sa vie, laissée à la rue par sa mère droguée. Progressivement, la jeune fille, aux antipodes politiques et sociales de son oncle, va alors commencer à lui faire voir la vie sous un autre angle...
Une comédie dramatique assez peu intéressante, qui profite du climat politiquement délétère outre-Atlantique pour tenter une histoire de famille basique au possible, tentant bizarrement de prouver que "les éditorialistes républicains à grande gueule, comme Rush Limbaugh, ont eux aussi un cœur et des sentiments, et leurs adversaires politiques peuvent se montrer aussi cruels et manipulateurs qu'eux".
Un postulat qui laisse dubitatif, d'autant qu'il est traité de manière ultra-balisée et prévisible par Frank Coraci, un habitué des comédies d'Adam Sandler : aucune surprise dans le script, l'humour est peu prononcé, les histoires de famille sont basiques, et si c'est bien interprété (Taylor Russell, de Lost In Space, est excellente ; Coogan est efficace, malgré son accent inégal), le tout s'avère assez creux, et ne donnera du grain à moudre qu'aux personnes se sentant concernées par un bord politique ou par l'autre.
2.5/6
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Dans un futur lointain, la race humaine a colonisé toute la galaxie, et épuisé ses ressources naturelles. La Terre est désormais la ressource la plus précieuse de l'univers, contrôlée d'une main de fer par la Coalition Gaia, corrompue et malfaisante. Face à elle, Albator, corsaire de l'espace et héros de légende, à la tête de l'équipage de l'Arcadia, un navire indestructible : seul contre tous, et hanté par les méfaits de son passé, Albator est prêt à tout pour mettre un terme au règne de Gaia... même au pire, comme le découvre Logan, une jeune recrue à bord de l'Arcadia - mais en réalité un espion aux ordres de Gaia, placé là par son frère Ezra, général de la flotte de la Coalition.
Un long-métrage d'animation par ordinateur adapté du manga/de l'anime Albator/Captain Harlock, et qui souffre d'une assez mauvaise réputation, ce qui est assez compréhensible : comme de nombreuses œuvres japonaises de genre aux ambitions prononcées (les Final Fantasy me viennent à l'esprit), l'écriture est capillotractée, donneuse de leçons, et pleine d'une pseudo-philosophie et d'une pseudo-science débitée à grands renforts de dialogues imbitables.
Seulement voilà : malgré cela, j'ai bien aimé. J'ai bien aimé le côté jusqu’au-boutiste d'Albator, qui m'a rappelé le Neuvième Docteur Who par son côté vétéran ayant commis des actes traumatisants pendant une guerre épique, et traînant sa culpabilité à travers les siècles. J'ai bien aimé son lien fusionnel avec son navire et son équipage, comme une sorte de Hollandais Volant futuriste, aux visuels somptueux (l'Arcadia, toujours enveloppé dans un nuage de matière noire fantomatique). J'ai bien aimé tous les affrontements spatiaux, toutes les batailles, globalement bien mises en images et lisibles, j'ai bien aimé certains concepts, et j'ai surtout bien aimé la direction artistique et le rendu technique, très réussis à mon goût (malgré une petite raideur dans l'animation).
Après... ça reste laborieux sur le fond, impossible de dire le contraire. Mais sur la forme, ça a fonctionné sur moi, et il y a même un petit quelque supplément d'âme, çà et là, qui m'a bien plu.
3.75/6
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Maléfique - Le Pouvoir du Mal (Maleficent : Mistress of Evil - 2019) :
Lorsque Aurore (Elle Fanning) annonce à sa marraine Maléfique (Angelina Jolie) qu'elle veut épouser le prince Philippe (Harris Dickinson), et qu'elle voudrait que Maléfique rencontre les parents de ce dernier, la fée noire rechigne. Et lorsque l'invitation se transforme en piège tendu par la sinistre Reine Ingrith (Michelle Pfeiffer), Maléfique est contrainte de s'enfuir, alors même que le Royaume d'Ulstead décide de donner l'assaut au monde des fées. Pendant ce temps, Maléfique retrouve des membres de son peuple (Chiwetel Ejiofor, Ed Skrein, etc), vivant isolés de tout et de la folie des Hommes...
Suite du Maléfique de 2014, l'un des premiers films chroniqués sur ce blog, ce métrage arrive un peu comme un cheveu sur la soupe, sans réelle demande du public, ni besoin du récit (qui était plus ou moins bouclé).
C'est d'autant plus flagrant que ce Maléfique 2 efface plus ou moins la conclusion du premier film, en faisant comme si cette fin avait été passée sous silence : Maléfique est de nouveau considérée comme une menace, le peuple des humains redoute de nouveau celui des fées, et vice-versa... et le prince a changé de visage (Brenton Thwaites n'était pas disponible, visiblement, et a été remplacé par un Harris Dickinson encore plus transparent et insipide). Ajoutez à cela une Michelle Pfeiffer en mode méchante belle-mère comploteuse, et une Angelina Jolie plus hautaine et moins concernée que dans le premier film, et voilà, une suite pas très convaincante, assez prévisible et téléphonée de bout en bout, chapeautée par le réalisateur de Pirates des Caraïbes 5.
Plus long (le film frôle les deux heures), plus convenu, plus orienté fantasy épique et guerrière que le précédent, ce Maléfique 2 déroule sa narration basique pendant deux heures, lorgnant un peu sur la franchise Dragons pour donner à Maléfique une sous-intrigue durant laquelle elle retrouve son peuple, caché à l'écart du monde... et pourtant, j'ai probablement légèrement préféré ce deuxième volet au premier.
Probablement grâce à sa direction artistique et à ses effets spéciaux nettement plus homogènes, à sa musique plus nerveuse de Geoff Zanelli, à Warwick Davis dans un petit rôle, et, de manière générale, à cette dernière grosse demi-heure pleine d'action - de l'action aux enjeux et au déroulement assez prévisibles, certes, ainsi qu'aux divers sacrifices un peu creux, mais de l'action néanmoins, plutôt bien menée et spectaculaire.
Après, ça reste un long-métrage de fantasy assez peu mémorable, qui ne justifie jamais vraiment son existence ; mais c'est globalement compétent pour ce que c'est, à défaut d'être totalement convaincant.
3.25/6 (dont 0.25 pour le quasi-Owlbear !)
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Star Wars Épisode IX - L'Ascension de Skywalker (Star Wars : Episode IX - The Rise of Skywalker - 2019) :
Contre toute attente, l'Empereur Palpatine (Ian McDiarmid) est de retour : pour l'empêcher de reprendre le pouvoir, la Résistance fait tout son possible pour trouver des informations sur la cachette de l'Empereur et sur l'endroit où il abrite une flotte de vaisseaux à la puissance de frappe stupéfiante. Kylo Ren (Adam Driver), lui, voit d'un œil négatif le retour de Palpatine, mais il se plie à ses ordres, séduit par la promesse d'un nouvel Empire dont il serait le seul leader... quitte à trahir ultérieurement son nouveau maître.
Aïe aïe aïe. Que dire sur cette fin de trilogie, sur cette fin de saga ?
Il y a deux manières d'aborder cette Ascension de Skywalker : sous l'angle du film indépendant, et sous celui du troisième volet de la postlogie, par ailleurs neuvième volet de la saga Skywalker.
Et pour être franc, il y aurait beaucoup à dire dans les deux cas. Comment aucune de ces deux approches n'est satisfaisante. Comment ce métrage se contente, pour la plupart, de revenir sur l'épisode précédent, pour réaligner la saga dans une direction débordant de fanservice un peu creux. Comment le script de cet épisode 9 est plein de trous, de raccourcis et d'explications manquantes. Comment la moitié des personnages de cette nouvelle trilogie, ainsi que leurs relations établies, sont passées à la trappe de ce film (Rose, notamment, mais aussi la relation Finn/Rey). Comment certaines des idées de ce métrage sont un recyclage à peine camouflé des idées de l'Univers Étendu, légèrement modifiées (toujours pour le pire) afin de coller à ce nouvel univers. Etc, etc, etc...
Il y aurait beaucoup à dire, mais je n'ai pas envie de développer. Je n'ai pas envie de développer, car je me retrouve un peu aujourd'hui dans la même position qu'après la prélogie : j'éprouve une certaine lassitude envers la franchise Star Wars, envers la manière dont elle est actuellement gérée, et envers la polarisation de ses fans les plus intenses, qui modèlent le discours et l'opinion générale de la franchise (et sont en partie responsables de son état actuel).
Lors de ma critique de l'épisode 7, j'avais conclu par "avec un univers aussi vaste que celui de Star Wars, il est vraiment regrettable que Abrams et ses scénaristes aient fait le choix d'en réduire toujours plus l'ampleur, en la limitant aux Skywalker et à leurs conflits familiaux (...) 3.25/6, en attendant un second visionnage (...) une fois l'épisode 8 sorti et assimilé (histoire de voir si toute cette mise en place était bien utile)".
Au terme de l'épisode 8, j'avais fini en disant que "par sa volonté de se détacher du travail de JJ sur le précédent volet, l'Épisode VIII finit par affaiblir rétroactivement ce dernier, qui redescend provisoirement à 3/6, en attendant de voir comment l'Épisode IX sauvera - ou non - les meubles. Car de toute façon, comme JJ & Johnson ne se sont nullement concertés lors de la conception de cette nouvelle trilogie (ce qui explique bien des choses), il est probable que le prochain épisode reparte à nouveau de zéro, et remette en question les nouveaux acquis de ces Derniers Jedis. (...) Un 3/6 provisoire, car si la franchise continue en ce sens, les notes de cette nouvelle trilogie risquent bien de baisser à nouveau une fois l'Épisode IX sorti..."
Et donc, je suis un peu triste d'avoir eu raison : l'Ascension de Skywalker repart sur des idées et dans des directions différentes, le film rejoue des partitions déjà bien usées, et tout ce que ce récit bancal suscite chez moi, c'est un bon gros "tout ça pour ça ?". La trilogie, dans son ensemble, en ressort encore plus affaiblie, et hérite donc d'un beau 2.5/6 global (la même note que ce troisième film) : c'est spectaculaire, c'est globalement bien interprété, mais ça a tellement peu de direction globale et de personnalité que le tout tombe totalement à plat, comme une tour construite sur les sables mouvants de ce neuvième épisode : au dessus d'un grand vide dans lequel tout le monde finit par disparaître.
Peut être que dans quelques mois, je reverrais ce neuvième épisode avec plus d'indulgence. Pour l'instant, cependant, je vais me limiter au Mandalorien, malgré ses imperfections.
2.5/6
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Après trois premiers épisodes plutôt agréables à suivre, chroniqués en ces pages en novembre dernier, place à la suite de cette première saison du Mandalorien, toujours chapeautée par Jon Favreau et Dave Filoni.
Star Wars : The Mandalorian - Chapitre 4 à 6 (2019) :
- Chapitre 4 - The Sanctuary : Le Mandalorien et son protégé arrivent sur une planète reculée pour s'y cacher, et ils y retrouvent une ancienne militaire en fuite (Gina Carano). Rapidement, cependant, un village local en proie à des pillards armés d'un AT-ST viennent demander l'aide des deux mercenaires...
Un épisode réalisé par Bryce Dallas Howard, et qui, une fois de plus, s'inscrit directement dans une tradition de serial western (ou samourai), façon Les7 Mercenaires.
Ici, les Mercenaires ne sont que deux, mais tout le reste colle de très près aux passages incontournables habituels du genre, de l'entraînement des villageois en passant par la jolie veuve pas insensible au mystère du Mandalorien casqué : autant de poncifs qui frôlent le cliché éventé, qui fleurent bon les années 90 télévisuelles (les aventures de Lorenzo Lamas ou de Kevin Sorbo ne sont pas loin, dans le format), mais qui parviennent à conserver un intérêt grâce à l'univers et à de multiples petites touches sympathiques : le bébé toujours adorable et expressif, Gina Carano efficace, ou encore cet AT-ST filmé comme un dinosaure de Jurassic World.
Bref, c'est très perfectible sur de nombreux plans (la personnalité et les capacités/l'efficacité du Mandalorien restent assez vagues et brouillonnes, changeant d'épisode en épisode), mais ça se regarde tranquillement, notamment parce que c'est plutôt bien rythmé.
- Chapitre 5 - The Gunslinger : Le Mandalorien arrive sur Tatooine, pour y réparer son vaisseau endommagé dans une escarmouche. Là, il se joint à Toro Calican (Jake Cannavale), un jeune chasseur de primes, pour traquer Fennec Shand (Ming-Na Wen), une mercenaire à la tête mise à prix...
Un épisode écrit et réalisé par Dave Filoni, qui décide ici se se faire plaisir, et de jouer à fond la carte du fanservice en plaçant tous les lieux incontournables de Tatooine, tous les personnages emblématiques, et autres clins d’œil bien voyants... quitte à donner l'impression d'un épisode un peu indigeste et gratuit.
Une impression pas aidée par la présence d'Amy Sedaris dans un petit rôle, une Amy Sedaris dont l'interprétation et l'apparence plus outrancière renvoie presque plus à la Bea Arthur du Holiday Special de Star Wars qu'au ton sérieux de la série.
Et une nouvelle fois, on se dit que les showrunners et scénaristes semblent peiner à trouver un ton homogène pour leur programme, entre humour, références, Bébé Yoda, action, et western spatial.
Ce n'est pas rédhibitoire, la série reste tout à fait regardable (on regrettera tout de même le gros manque de présence et de personnalité de Toro Calican - quelqu'un comme Dave Franco aurait été bien plus intéressant dans le rôle), mais cela l'empêche de vraiment décoller, pour l'instant, au-delà du programme sympatoche mais anecdotique.
- Chapitre 6 - The Prisoner : Toujours à la recherche d'une mission, le Mandalorien rejoint un groupe de mercenaires (Bill Burr, Natalia Tena, Clancy Brown, Richard Ayoade) pour libérer un criminel d'un navire-prison de la République...
Un épisode un peu plus long (une quarantaine de minutes) et divisé en deux grosses parties : une partie "film de casse" façon Rogue One, pas désagréable, et une partie huis-clos/survival, dans laquelle le Mandalorien traque un à un les membres du commando dans les couloirs verrouillés de la prison.
Dans l'ensemble un épisode sympathique, principalement grâce à sa distribution invitée qui fait toujours plaisir (grosses réserves cependant sur l'interprétation de Natalia Tena, que j'ai trouvée forcée au possible), et sur les quelques caméos référentiels (Matt Lanter, Dave Filoni).
Après, reste toujours le souci d'une série qui tente à la fois de présenter son protagoniste comme un dur à cuire de western, meilleur que tout le monde au combat, et qui, en parallèle, le place toujours en position d'infériorité dans bon nombre d'affrontements, au cours desquels il s'en prend plein la tête, et ne triomphe souvent qu'in extremis, grâce à un gros coup de chance. C'est un peu tenter d'avoir le beurre (le côté "protagoniste badass") et l'argent du beurre (les scènes d'action semi-slapstick à la Harrison Ford), sans que cela ne fonctionne totalement.
Rien de bien grave, cela dit, tant que Bébé Yoda continue de jouer à cache-cache avec des androïdes...
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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici.
Après trois premiers épisodes amusants, mais ne donnant qu'une envie (regarder une série consacrée à l'Enterprise de Pike plutôt qu'au Discovery), retour de ces Short Treks, courts-métrages d'une dizaine de minutes prenant place (théoriquement) dans la continuité de Star Trek Discovery, et s'attardant, à chaque fois, sur des aspects plus anecdotiques de l'univers Trek...
Short Treks 2x04 - The Girl who made the Stars : afin de calmer sa fille Michael Burnham, apeurée par le noir, son père lui raconte une légende africaine concernant une fillette ayant apporté la lumière aux peuples primitifs effrayés par l'obscurité...
Pas désagréable, en soi, mais ça lorgne fortement sur du Disney qui se prendrait mollement les pieds dans le tapis du message de curiosité et d'exploration qu'il veut exprimer. Je ne sais pas trop quoi en penser, c'est compétent, mais il y a quelque chose qui me dérange dans le côté "grâce à son courage et à sa curiosité, elle a apporté la lumière et les étoiles à son peuple (après qu'un extraterrestre de passage les lui ai donnés, influençant de fait l'évolution de l'espèce terrestre)".
Je sais qu'on est dans le conte pour enfants, dans la métaphore, et tout et tout, mais quelque part, ça explique beaucoup de choses sur le caractère rebelle et approximatif de Michael Burnham...
2x05 - Ephraim and Dot :les mésaventures d'une mère tardigrade qui décide de pondre ses œufs à bord de l'Enterprise de Kirk, au grand dam d'un robot de sécurité qui ne l'entend pas de cette oreille...
Un adorable épisode animé réalisé et mis en musique par Michael Giacchino, qui pour l'occasion nous produit un court-métrage hommage à Tex Avery, à Pixar et à toute l'histoire de Star Trek TOS, d'une bien belle manière ludique et dynamique.
C'est drôle, c'est mignon, c'est coloré, et forcément, ça a déplu à cette frange de la fanbase Trek qui prend sa franchise trop au sérieux, s'indigne du moindre manquement à la continuité, et t'explique que Star Trek, ça n'a jamais été tous publics, et que ça devrait être réservé à une élite intellectuelle, plutôt que d'être décliné sous forme de sous-Pixar destiné aux gamins... *soupir*
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Retrouvez aussi toutes les critiques de Star Trek Discovery et de la saga Trek publiées sur ce blog en cliquant ici...
Les fêtes de Noël semblent désormais commencer de plus en plus tôt, et pourtant, lorsque le mois de janvier arrive, difficile de ne pas regretter cette période magique emplie de féérie, de bons sentiments... et de grèves !? Quoi qu'il en soit, l'heure est au bilan sur le blog des Téléphages Anonymes...
Cliquez sur les boutons ci-dessous pour faire apparaître la liste des films passés en revue cette année :
L'année dernière, à l'occasion du bilan de la Yulefest 2018, je faisais un constat simple : le nombre de téléfilms de Noël se multiplie exponentiellement d'année en année, leur qualité s’homogénéise et baisse progressivement, et les chaînes, confrontées à la pression des réseaux sociaux, s'efforcent de diversifier la distribution de leurs métrages, sans grand succès.
Et cette année, ces tendances se confirment, voire même s'amplifient. Niveau diversité, notamment, les deux chaînes principales (Lifetime et Hallmark) s'affrontent clairement, avec Hallmark qui multiplie les téléfilms "pour afroaméricains", et s'engage timidement et très maladroitement sur le front des célébrations juives (par contre, pas d'asiatiques, pas de latinos, pas d'indiens, etc). Chez Lifetime, c'est un peu pareil, même si la stratégie Lifetime (acheter des téléfilms à droite et à gauche et leur apposer la marque Lifetime) permet d'avoir une production à la fois plus hétérogène et plus variée.
Hallmark reste cependant la chaîne reine de la saison, dominant totalement le marché de fin octobre à fin décembre : une position qui fait des envieux, mais qui crée aussi bien des problèmes au network.
Cette année, entre les soucis relatifs aux problèmes judiciaires de Lori Loughlin, un outrage partiellement artificiel centré sur les quelques films de Hanoucca de la chaîne (présentés comme antisémites par des journalistes ne les ayant pas vus, sur la simple base de leur postulat de départ), les moqueries des différents programmes comiques américains au sujet du cahier des charges et des clichés de la chaîne, et un scandale centré sur une publicité diffusée puis retirée puis remise à l'antenne par la chaîne, au gré des pressions des groupes conservateurs religieux et des réseaux sociaux, Hallmark a passé une saison tumultueuse, pas aidée par une cuvée de programmes 2019 mécaniques et peu inspirés, aux audiences en baisse.
La concurrence n'a guère plus marqué les esprits, qualitativement parlant, et plus que jamais, tant sur ce blog qu'outre-atlantique, une certaine lassitude s'installe parmi les personnes chroniquant habituellement les films de ce type. Ce qui n'empêche pas les chiffres de continuer à enfler d'année en année : cette année, j'ai passé en revue 69 films (+ quelques séries et mini-séries), soit approximativement le même nombre de métrages que l'année dernière (il me serait physiquement difficile d'en chroniquer plus !), mais pour y parvenir, j'ai dû faire un tri drastique parmi les programmes diffusés cette année (une petite centaine de téléfilms, en tout).
Et les audiences du blog ont augmenté de 20 % par rapport à la Christmas Yulefest 2018 : comme quoi, en ces temps de grèves, de conflits sociaux et internationaux, et de divisions en tous genres, les films feel-good ont un public de plus en plus important, clairement en demande.
Comme l'année dernière, cependant, plus des 2/3 des films chroniqués ont obtenu une note de 3/6 à peine, ou inférieure : de quoi facilement faire trier le bon grain de l'ivraie, et établir des Top 3/Flop 3 assez clairs.
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# Top 3 :
Un Top 3 assez facile à établir, avec en première place du classement, à égalité (4.5/6) :
~ La légende de Klaus(Netflix), un film d'animation plutôt réussi, tant au niveau technique, visuel, ou narratif ; et Double Holiday (Hallmark), un téléfilm qui est la preuve qu'avec un peu d'énergie, des acteurs attachants et concernés, et une volonté d'esquiver un peu les clichés imposés par la chaîne (ou du moins, de les détourner), il est possible de produire des rom-coms festives amusantes et rythmées.
Idem pour :
~ Holiday Hearts (Hallmark Movies & Mysteries), un peu plus convenu (4/6), mais bénéficiant des mêmes qualités que Double Holiday, notamment celle de ne pas succomber à tous les passages obligés du cahier des charges Hallmark. À égalité avec Christmas Time : My Brother the Time Traveler, une comédie indépendante fantastique pas désagréable du tout, et bénéficiant d'extérieurs enneigés très sympathiques.
Et puis, à 3.75/6, arrivent toute une batterie de comédies romantiques possédant un petit plus - une alchimie particulière de leur couple principal, un rythme plus enlevé, un scénario moins convenu, un cadre différent, un peu d'humour, etc :
~ Santa Girl, Au secours je suis dans un film de Noël, Une romance de Noël en sucre d'orge, Two turtle doves, Christmas under the stars, Un Noël à Rome, Christmas Unleashed, Grounded for Christmas...
# Flop 3 :
Sur la première marche de ce podium (si tant est que l'on puisse parler de première marche), deux films ex-æquo, à 1/6 :
~ le piteux Sacré Noël 4 : Nativity Rocks, énième déclinaison d'une série de films comiques à l'intérêt décroissant, et en pilotage automatique depuis le volet précédent. C'est hystérique, épuisant, et d'une facture très approximative.
~ 12 Pups of Christmas (ION), ou comment l'association d'une actrice principale glaciale, d'une écriture bancale, d'une musique caricaturale et de personnages antipathiques donne lieu à un vrai gros flop inintéressant, pour ne pas dire énervant.
Seul sur la seconde marche du podium, avec 1.25/6 :
~ Un décor de rêve pour Noël (Lifetime), un téléfilm fauché et bourré de problèmes, notamment son interprète principal masculin, dont il se dégage ponctuellement l'aura d'un Dexter en puissance, avec des regards bien trop intenses, vides et appuyés qui donnent l'impression qu'il est en train de réfléchir au meilleur moyen de se débarrasser du futur cadavre de l'héroïne.
Enfin, sur la troisième marche du podium, à 1.5/6 :
~ Buttons : A Christmas Tale, un film indépendant qui lorgne sur les comédies musicales Disney de la grande époque, et semble bourré de bonnes intentions, mais n'a ni le budget ni le savoir-faire suffisants pour concrétiser ces dernières.
Mentions spéciales, enfin, pour Noël dans la prairie et Le meilleur pâtissier de Noël, deux téléfilms à 1.75/6 qui n'ont absolument rien de mémorable, et pour J'ai rencontré le Père Noël et Elfette sauve Noël, objectivement assez mauvais, mais pour lesquels des facteurs secondaires (la nostalgie, le WTF)) permettent au tout d'entrer dans une catégorie "autre".
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films de Noël passés en revue sur ce blog dans le cadre de la Christmas Yulefest en cliquant directement sur ce lien (classement alphabétique), ou celui-ci (classement saisonnier)...
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# À venir :
Dès demain, retour à la normale pour le blog des Téléphages Anonymes, qui délaisse enfin les films de Noël pour revenir aux séries et à notre rubrique quotidienne Un film, un jour... ou presque !
Au programme, une critique de film par jour, et le week-end, des séries, avec ce mois-ci, entre autres, le dernier Star Wars, Le Mandalorien, Star Trek - Short Treks,Maléfique, Albator, Jay & Silent Bob, The Rook, Simba, Will Smith, Mme Maisel et bien plus encore...
Noël est terminé, mais chez les Téléphages Anonymes, c'est toujours l'heure du marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefest, et ce jusqu'à mi-janvier...
Ghosting - The Spirit of Christmas (2019) :
Alors qu'elle revient tout juste d'un premier rendez-vous parfait avec Ben (Kendrick Sampson), Jess (Aisha Dee) est victime d'un accident de voiture mortel. Elle revient alors sous forme de fantôme, et hante le quotidien de sa meilleure amie de toujours, Kara (Kimiko Glenn), avec laquelle elle va alors tenter de comprendre la raison qui la maintient sur ce plan d'existence... une raison qui a probablement à voir avec le séduisant Ben.
Un téléfilm Freeform (ex-ABC Family) qui m'a posé bien des problèmes. Principalement parce qu'à la base, il est tout à fait compétent : bien interprété (malgré une Kimiko Glenn à la voix agaçante), assez dynamique, efficace, avec un budget suffisant, bref, en théorie, ce serait un film assez réussi. Et qui a vraiment pu, outre-Atlantique.
Sauf que... déjà, on se trouve ici devant un film typiquement californien - non seulement au niveau de l'environnement (plages, soleil, palmiers) que de l'image (finalement peu de décorations, des images ensoleillées, chaudes et lumineuses), mais aussi des personnages, de leurs attitudes, et de leurs professions : on est tout de même dans un métrage où, au bout de quelques minutes, on a déjà eu droit aux piscines, au soleil, aux bikinis, et aux personnages principaux vingtenaires ultra-wokes et bohèmes (l'héroïne est une apprentie-pâtissière fraîchement renvoyée pour ses velléités féministes, sa BFF est une préparatrice de thés lesbienne new age amatrice de pseudo-spiritualité et de yoga, Ben est un artiste exposé dans des galeries, etc)...
Non seulement pour l'ambiance de Noël, on repassera, mais il est de plus assez difficile de faire l'impasse sur une impression désagréable, celle d'un téléfilm écrit et conçu pour être l'anti-thèse des métrages Hallmark, une antithèse nettement plus libérale et woke, quitte à le surligner à chaque instant.
Et c'est cette impression qui m'a malheureusement accompagné pendant tout le film, une impression de calcul cynique d'un producteur qui s'est dit qu'il fallait absolument produire un métrage de Noël qui irait à contre-courant de la blancheur conservatrice de rigueur chez Hallmark, en y utilisant des personnages jeunes, libres et branchés, exclusivement issus de la diversité ethnique (les deux seuls personnages caucasiens du film - notamment Missy Pyle - sont des bouffons qui n'ont que quelques scènes à l'écran), avec une relation LGBTQ mise en avant (Kara s'éprend de la sœur de Ben, qui, par la plus grande des coïncidences, est elle aussi lesbienne et célibataire, comme le hasard fait bien les choses), le tout pour un récit que l'on devine clairement construit sur un jeu de mots pourri (le double sens de ghosting).
Et puis il y a cette fin rigolarde, qui (spoilers), au terme de tout un téléfilm assez sincère basé sur le deuil et l'acceptation du décès de l'autre, et centré sur une romance impossible, reprend un an plus tard sur l'héroïne qui retrouve, dans l'au-delà, ce cher Ben, mort d'une crise cardiaque foudroyante. Ou, comme le décrit Jess, il est mort "d'un cœur brisé" (jeu de mots pourri, le retour). On se retrouve donc avec un script qui fait le choix de tuer l'un de ses protagonistes pour offrir une fin heureuse et légère à sa romance, sans se préoccuper un instant de ce que ça implique pour les autres personnages (comme la sœur de Ben, qui est désormais orpheline de mère et n'a plus de frère), ou de la cohérence tonale du tout.
Bref, comme je le disais, mais ce métrage m'a posé bien des problèmes : à la fois intéressant, et agaçant dans sa forme, avec des personnages tour à tour touchants et antipathiques, il m'a frustré plus que convaincu... mais je serais bien en peine de lui mettre une note.
2.5/6 ?
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