Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Raiders ! - The Story of the Greatest Fan Film Ever Made :

En 1989, Eric Zala, Chris Strompolos et Jayson Lamb, trois jeunes garçons originaires du Mississippi, décident de tourner un remake exact des Aventuriers de l'Arche Perdue, de mémoire, et en utilisant les moyens du bord. Pendant sept ans, ils recrutent ainsi tous leurs proches pour, chaque été, avancer un peu plus dans leur projet, jusqu'à le terminer... à l'exception d'une scène trop coûteuse et dangereuse à tourner. Aujourd'hui, après que leur métrage soit devenu populaire dans les milieux cinéphiles, et bien qu'ils ne soient plus forcément en de très bons termes, les trois amis se retrouvent, et tentent d'achever pour de bon leur métrage...

Un excellent documentaire à la structure audacieuse, qui mélange interviews face caméra de tous les protagonistes de cette aventure improbable, qui retracent la création de ce fan-film au travers d'images d'archive et de making of ; interviews de noms plus connus, comme John Rhys Davies, Eli Roth, Harry Knowles d'AICN, etc ; documentaire suivant le tournage actuel de la nouvelle (et ultime) séquence du film ; interviews des trois protagonistes qui expliquent ce qu'ils sont devenus (avec notamment des points de vue un peu contradictoires, selon les intervenants et leurs expériences respectives) ; et narration expliquant l'épiphénomène entourant désormais ce fan-film, aboutissant à une rencontre avec Steven Spielberg en personne.

Et alors que tout aurait pu s'avérer particulièrement difficile à monter, c'est assez fluide, jamais frustrant ni ennuyeux, touchant, et parfois même ultra-tendu (je pense notamment à l'explosion finale de l'avion, au timing totalement raté, qui manque de tuer le technicien en pyrotechnie, le tout filmé à deux mètres à peine de l'explosion...).

90 minutes passionnantes, qui composent une sorte de déclaration d'amour à tous les fans et à tous les cinéphiles d'une certaine époque...

5/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Des Porto Ricains à Paris (Puerto Ricans in Paris) :

Après avoir démantelé un petit réseau de contrefaçons à New York, les agents Luis (Luis Guzmán) et son partenaire/beau-frère Eddie (Edgar Garcia) sont contactés par Colette (Alice Taglioni), une conceptrice française de sacs à mains, qui leur confie une mission de première importance : interroger, à Paris, quatre suspects dans le vol du prototype du prochain modèle de sac Colette, avant que le voleur ne mette ses menaces à exécution, et n'inonde le marché de contrefaçons...

Une comédie américaine qui, dans l'absolu, n'est pas très loin de Rush Hour 3, avec son duo de flics balourds en mission à Paris.

Mais bon, ici, ce serait plutôt un Rush Hour sans action, sans humour autre que les habituels clichés en tous genres (mention spéciale à l'assistant efféminé qui parle avec la voix de Zaza Napoli), et avec un étalonnage numérique immonde, qui baigne toutes les images, de Paris à New-York, dans une teinte jaune urine du plus "bel" effet.

Bref... aucune originalité, une bande originale qui enchaîne les chansons insipides en français et un score qui repompe honteusement Gainsbourg, des acteurs en pilotage automatique, une Rosario Dawson qui cachetonne dans deux scènes (dans le rôle de la petite amie de Luis Guzmán, décrit ici comme un séducteur... !!!!), une Alice Taglioni qui surjoue joyeusement, et une Miriam Shor sous-utilisée, et pourtant plutôt drôle en supérieure hiérarchique des deux flics... zou, un généreux :

1.5/6

Un public très motivé, et relativement dense, pour une soirée à thématique Pokemon Go, pourquoi pas... Le Party Tsar fait les présentations, accueille Bryce l'arbitre et Joey Styles, qui fait son truc habituel. Bon, la prise de son est assez médiocre, comme souvent, mais en guise d'introduction, ça fonctionne plutôt bien.

Chikara - King of Trios 2016 - Night 1 - 02/09/2016 :

- Huitièmes de finale -

- Team Major League Moustache (Dasher Hatfield + Tyler Bate + Trent Seven) vs Team Batiri (Obariyon + Kodama + Kobald). Première partie de match très solide, avec la Team Moustache qui domine, puis passage beaucoup plus brouillon une fois que le Batiri prend le contrôle, et fin de match assez moyenne.

- Team United Nations (Juan Francisco de Corono + Prakash Sabar + Boar of Moldova) vs Team Police Squad (Supercop Dick Justice + Officer Warren Barksdale + Bill Carr). Un match comique sans réel moment très mémorable, et plus intéressé par l'humour que par l'action.

- Hornswoggle/The Big Deal n'est pas là ce soir, donc tirage au sort d'un remplaçant, avec des noms improbables, comme toujours, malheureusement à moitié incompréhensibles à cause de la prise de son médiocre.

- Team Submission Squad (Gary the Barn Owl, Davy Vega & Pierre Abernathy) vs Team Colony (Soldier Ant, Fire Ant & Silver Ant). Joli séquence de soumissions par Davy Vega sur un Silver Ant blessé, mais sinon, la Colony fait le gros du boulot, comme d'habitude.

- Team Shimmer (Candice LeRae, Solo Darling & Crazy Marie Dobson) vs Team Original Divas Revolution (Lisa Marie, Mickie James & Jazz). Joey Styles qui se permet des vannes à l'encontre de la TNA et de la WWE, c'est toujours amusant. Un affrontement bordélique, mais pas désagréable, et qui permet de voir des visages inhabituels face à des vétérans de la discipline. Cela dit, j'aurais préféré une victoire de la Team Shimmer, plus jeune et dynamique.

- Team Just a Lot of Ant (Missile Assault Man, Bullet Ant & Worker Ant) & Team heXed Man (Icarus, Jigsaw & Hallowicked). Un match à la limite du squash à rallonges avec une opposition de styles intéressante, puisque la Team Hexed est über-heel et über-brutale, préférant démolir ses adversaires plutôt que de tenter de les épinger. Cela dit, c'était suffisamment bien mené pour ne pas être soporifique, comme les squashes à rallonges peuvent parfois l'être.

- Team JPW (Command Bolshoi & Hanako Nakamori & Manami Katsu) vs Team Serpentine (Ophidian, Amasis & Argus). Trois joshis contre un trio ayant fait ses preuves, pour un match globalement équilibré, malgré quelques moments brouillons de la part des joshis.

- Team NRG (Heidi Lovelace & N_R_G) vs Team Sendai Girls (Cassandra Miyagi & Dash Chisako & Meiko Satomura). Pas fan de Lovelace ou de N_R_G, j'étais plutôt  intéressé par l'équipe japonaise, assez atypique et improbable. Quelques approximations de cette équipe, un peu de no-selling, mais un affrontement intéressant, néanmoins.

- Team Warriors Three (ThunderFrog & Princess KimberLee & Oleg the Usurper) vs. Team #CWC (Cedric Alexander & Johnny Gargano & Drew Gulak). Un match bien nerveux et long, avec une team CWC qui s'amuse avec son nom (CWC pour le Cruiserweight Championship de la WWE, auquel les trois membres de l'équipe ont pris part), et place des finishers de la WWE, et une Princess Kimberlee qui tient tête aux hommes qui l'entourent.

Dans l'ensemble, une première soirée un peu brouillonne, mais loin d'être désagréable, et un peu meilleure que certaines "Night 1" ne l'ont été de par le passé. Quelques résultats surprenants (l'élimination de la Team Shimmer et de la Team Serpentine au profit des guests), mais rien de vraiment dramatique, pour le moment. Joey Styles, aux commentaires, a mis un peu de temps à s'habituer à l'univers étrange de la compagnie, mais il finit par s'y immerger, et par faire son travail de manière tout à fait compétente.

Hmmm... qui aurait cru, lorsque j'ai posté sur ce même blog, début septembre, mes premières impressions sur cette nouvelle sitcom NBC, que, sans le savoir, j'allais viser aussi juste...

Bref résumé du postulat de The Good Place :

Eleanor (Kristen Bell), une fêtarde invétérée et égocentrique bourrée de défauts, a un accident mortel, et se réveille dans la Good Place, une communauté idyllique conçue par Michael (Ted Danson), un architecte céleste, et où chaque habitant (chacun plus méritant que son voisin) vit en compagnie de son âme soeur. Eleanor y rencontre ainsi son âme soeur théorique, Chidi (William Jackson Harper), professeur de morale et d'éthique, et ses voisins, le couple composé de Jianyu (Manny Jacinto), moine bouddhiste ayant fait voeu de silence, et de Tahani (Jameela Jamil), philanthrope généreuse et ultra-cultivée. Mais rapidement, il apparaît que la présence d'Eleanor (mais aussi celle de Jianyu) est due à une erreur administrative, qu'elle déséquilibre tout le système, et que la Bad Place (dirigée par Trevor - Adam Scott) voudrait bien récupérer son dû.

Sur cette base, le co-créateur de Brooklyn 99 et de Parks & Recreation a construit, au fil de la saison, une sitcom décalée, et surtout assez ambitieuse. Un "high concept", comme on dit outre-atlantique, qui pendant 13 épisodes se permet d'aborder les notions de morale, de destinée, de bien, de mal et tutti quanti, d'une manière plutôt surprenante et originale.

Et dans mes premières impressions, j'avais souligné le caractère assez aseptisé et quasi-malsain de ce Paradis formaté, où les actes comptaient systématiquement plus que les paroles et que les intentions (Tahani, ainsi, était totalement vaniteuse, prétentieuse, et jalouse de sa soeur, mais avait droit au Paradis car elle avait consacré une partie de sa fortune à de bonnes oeuvres) : un monde qui me dérangeait, un côté manichéen qui sonnait faux, et qui me laissait particulièrement dubitatif.

Tout au long de la saison, le show a joué avec cet aspect, le nuançant quelque peu, mais il restait tout de même présent en arrière-plan, de manière presque subliminale... et puis finalement, dans l'ultime épisode, tout s'est éclairé, suite à un rebondissement de dernière minute qui explique rétroactivement beaucoup de choses :

SPOILERS

En lieu et place d'un architecte céleste, Ted Danson est en réalité un architecte démoniaque, et la Good Place est en fait une Bad Place expérimentale entièrement conçue pour les quatre protagonistes principaux : tout ce qu'ils ont vécu jusque là n'était qu'un mensonge, visant à les laisser s'auto-torturer par le biais de leurs consciences coupables.

Et pour être franc, j'admire le fait que la production soit allée au bout de son idée, quitte à rendre la saison 1 quasi-totalement caduque : tous les points qui me posaient problème trouvent plus ou moins une raison d'être, et l'expression formidable qui se lit sur le visage de Danson lorsqu'il admet son subterfuge vaut tout l'or du monde.

Une chose est sûre, les créateurs de The Good Place ont osé quelque chose d'original, d'intelligent et d'improbable (comme ceux de Better Off Ted, en leur temps), et ils n'ont pas failli en chemin.

Le résultat, assez atypique pour une série de network, a connu des louanges critiques tout à fait méritées, malgré un accueil publique plus réservé (il faut croire que c'est le lot de toutes les sitcoms de NBC, désormais).

On sait désormais qu'il y aura une saison 2 (la dernière scène de la saison 1 servait de reboot et d'ouverture pour une nouvelle saison potentielle, et les audiences globales de NBC étaient suffisamment bonnes pour que le show soit renouvelé malgré tout) mais quelque part, je me dis que finalement, si la série avait dû s'arrêter là, ça n'aurait pas été trop dommageable, car l'arc de cette saison se suffisait presque à lui-même.

Sygbab regarde (beaucoup) la tv, Sygbab écrit (parfois) des bilans : retrouvez-les sur le blog des Téléphages Anonymes !

Gilmore Girls, saison 7 :

Amy Sherman-Palladino ayant quitté la série, c'est un nouveau producteur exécutif qui se retrouve aux manettes. Cela implique forcément des changements, dont une vision différente de la série et des scénaristes qui n'avaient pas signé d'épisode sur la saison précédente. Ce n'est évidemment pas l'idéal pour une saison finale qui est censée conclure les grands fils rouges, avec un héritage plutôt bâtard suite à une saison 6 pour le moins inégale.

Pour prolonger les tumultes de la vie amoureuse de Lorelai, sa relation avec Chris est remise au goût du jour, ce qui la rend détestable envers Luke puisqu'elle lui reproche de l'avoir poussé dans les bras de son amour de jeunesse en ne répondant pas aussitôt à son ultimatum. Voici un manque de classe évident qui ne fait que confirmer qu'elle n'est pas très mature dans le domaine de l'amour. Dire que sa fille lui demande des conseils, alors qu'elle n'est même pas capable de décider ce qui est bien pour elle... En matière de modèle, elle ne fait pas vraiment l'affaire.

Il est également étonnant de la voir déclarer sa flamme à Chris alors quelle disait elle-même dans la saison précédente qu'elle n'avait jamais aimé personne si ce n'est Luke. Une déclaration qui ne semble donc pas vraiment sincère, comme pour essayer de se convaincre que leur couple peut fonctionner alors qu'il est forcément voué à l'échec, malgré une très grande complicité. Ce dont ils se rendront compte tous les deux, malheureusement après s'être mariés.

Les mariages sont d'ailleurs dans l'air du temps, puisqu'après celui de Lane, Logan demande à Rory si elle veut l'épouser lors d'une soirée en son honneur chez ses grands-parents. Le moment ne pouvait pas être plus mal choisi, surtout après les difficultés qu'ils ont connues à cause de l'erreur financière qu'il a commise. Alors qu'il semblait évoluer dans le bon sens en étant plus responsable et digne de confiance, il redevient un jeune branleur j'm'en-foutiste assez insupportable, et il est difficile de comprendre comment Rory peut encaisser ses états d'âme récurrents.

Ceci dit, elle finit par comprendre le fonctionnement de son petit-ami, qui cherche à chaque fois à se rattraper en réalisant de grands gestes romantiques, au lieu d'être constant dans ses attentions. Au final, leur rupture est un sentiment de gâchis, car il y avait bien autre chose à faire lorsque Logan quitte l'entreprise de son père et se retrouve sans ressource.

En revanche, les difficultés que rencontre Rory pour trouver un travail dans la presse sont plus intéressantes. Pas uniquement parce qu'elle est confrontée au rejet du New York Times alors qu'elle rêvait de faire partie de la rédaction, mais aussi parce que le contrepoint apporté par l'admission de Paris dans toutes les écoles où elle a postulé est amusant. Cela sonne comme une revanche de ce fameux jour noir où elle avait été recalée par Harvard, à l'inverse de Rory. Cela marque aussi la fin d'une époque, et même si elle est diffuse, il se dégage parfois une certaine nostalgie autour de la future séparation entre Lorelai et sa fille.

Pour autant, le poste qu'elle obtient au dernier moment et qui l'oblige à partir en voyage de façon prématurée est une grosse ficelle pour amener le final le plus rapidement possible. Heureusement, ce dernier épisode est plutôt réussi. L'ambiance unique de Stars Hollow est bien là, et la fête organisée par Luke en hommage à Rory est touchante car elle regroupe multitude de têtes connues et attachantes. C'est aussi l'occasion de réconcilier Lorelai avec Luke, mais également avec ses parents et surtout son père, qui reconnaît enfin qu'elle est une personne formidable (quand il n'est pas question d'amour).

La conclusion est satisfaisante à ce niveau, d'autant qu'elle est la conséquence logique de relations moins tendues entre Lorelai et sa mère, la première apportant son aide pendant la convalescence de Richard, victime d'une crise cardiaque en plein cours magistral. Son possible décès met Emily dans tous ses états et c'est bien la première fois qu'elle montre autant de failles à sa fille, alors qu'elle a toujours mis un point d'honneur à contrôler ses émotions.

Même si les téléspectateurs avaient déjà eu l'occasion de voir qu'elle n'a pas un si mauvais fond, il était temps de la rendre plus humaine. À ce tire, le petit chant qu'elle entonne avec son mari pour féliciter Rory lui donne un côté détendu plutôt bienvenu. En ce qui concerne Richard, il n'y a pas de surprise : son humour subtil et parfois pince-sans-rire s'était déjà manifesté à plusieurs occasions.

L'accent ayant été mis sur les principaux protagonistes comme depuis quelques saisons, les personnages secondaires sont moins présents. Michel est comme toujours quasi inexistant et sert uniquement de comic relief tout comme Kirk, et c'est très désagréable. D'autres sont soumis à une variation sur le même thème : entre Sookie encore enceinte, Lane qui le devient, et Liz qui accouche, la parenté est abordée sous tous les angles.

Zack et Lane sont en panique car la grossesse intervient après une seule relation sexuelle et Sookie est mécontente car elle avait demandé à Jackson de procéder à une vasectomie, ce qu'il n'a pas fait. Quant à Liz et TJ, ils sont complètement à l'ouest comme d'habitude. Ce qui ne les rend pas moins irritants...

La paternité de Luke continue elle aussi à être développée, mais les apparitions d'April sont de plus en plus sporadiques (déménagement de cette dernière oblige). Luke se bat pour elle et obtient la garde alternée, grâce à une lettre de Lorelai à l'origine de nombreuses disputes entre elle et Chris.

Si Luke s'en tire bien dans son rôle de père et apprend des choses sur lui-même à travers cette nouvelle expérience, il reste quand même un goût amer autour de cette histoire. April arrive dans sa vie au pire moment pour briser son couple, et est sur le point d'en disparaître à un moment bien commode pour essayer de le reconstruire. Au final, la présence d'April n'aura été que purement fonctionnelle, et c'est bien dommage.

La fin justifie les moyens, dit-on. Ce qui peut s'avérer vrai aussi pour le final de la série, qui clôt les intrigues principales dans un happy ending joyeux et coloré, alors que le chemin emprunté pour y arriver était plutôt tortueux. Faut-il accepter de fermer les yeux sur deux dernières saisons dans l'ensemble bien moins rigoureuses en partant du principe que la fin est réussie ? Pas sûr.

Ce qui est certain, c'est que malgré les défauts disséminés ça et là, l'impression générale est bien évidemment positive. C'est une très bonne série qui fait rire, pleurer, et qui s'apprécie encore plus en ayant une culture cinématographique et télévisuelle étendue. Car en plus de posséder une galerie de personnages attachants comme rarement, les références pleuvent au rythme effréné des dialogues des Gilmore Girls. À savourer.

(voir aussi le bilan de Lurdo de la saison 7 de la série, publié sur ce blog en 2012)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Temps :

Jefferson (Grant Rosenmeyer) est un slacker immature qui passe de job temporaire en job temporaire en compagnie de son meilleur ami et colocataire Curtis (Reid Ewig), avec pour seul but dans la vie de réunir suffisamment de fonds pour partir au ski. Un jour, il tombe cependant sur Stephanie (Lindsey Shaw), jeune femme ambitieuse contrainte d'accepter un job temporaire pour boucler ses fins de mois : aussitôt, c'est le coup de foudre, mais bien vite, il apparaît que le point de vue radicalement différent des deux vingtenaires sur la vie, l'amour et le succès va s'avérer un obstacle considérable pour leur avenir commun...

Une comédie romantique indépendante et décalée qui est assez agréable à regarder pour son franc-parler et son ton décomplexé, mais souffre un peu d'une structure en quasi-sketches, où chaque scène est rythmée d'une manière très particulière, et se termine par une punchline.

À l'identique, au final, le tout est assez classique et balisé, avec comme message "dans la vie, il faut mûrir, grandir, et s'engager si l'on veut être heureux" : rien de bien neuf sous le soleil, y compris dans le traitement, d'autant que Grant Rosenmeyer n'est pas vraiment assez sympathique ou attachant pour que son personnage immature, égocentrique et glandeur fonctionne réellement en tant que héros romantique.

3/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Trahie par le Passé (Buried Secrets) :

Renvoyée des forces de police pour une affaire de corruption dont elle est pourtant innocente, Sarah Winters (Sarah Carter) est devenu un auteur policier à succès. Mais lorsque la dernière enquête menée par Sarah avant son renvoi refait surface, et qu'un indice crucial est découvert - indice inconnu de tous, mais que Sarah avait pourtant pointé du doigt dans son dernier roman - tous les soupçons portent sur l'ex-policière, notamment lorsque la maire actuelle (Sarah-Jane Redmond), en pleine période de réélection, décide de faire d'elle le bouc-émissaire de tous les problèmes actuels des forces de l'ordre...

Un téléfilm policier de la chaîne Lifetime qui accumule les défauts : décisions improbables (faire de Sarah Carter, 35 ans mais qui en fait 10 de moins, la mère d'une adolescente de 13 ans qui en paraît 2 ou 3 de plus et qui ne lui ressemble pas du tout, ça passe moyen), mystères familiaux inutiles (à base d'adoption) qui embrouillent le récit, coïncidences un peu trop grosses pour être crédibles, protagonistes unanimement têtes à claques (tout le monde, mais vraiment tout le monde, Sarah y compris, réagit régulièrement de manière stupide et agaçante), interprétation très inégale, et script qui manquant de rigueur, en plus d'être à fond dans les clichés du genre Lifetime (à savoir : tous les personnages négatifs sont des hommes, qui tous font souffrir les femmes de ce récit, Sarah étant en tête de ligne)...

En résumé, c'est mauvais.

1.5/6

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Le Fondateur (The Founder) : 

Dans les années 1950, Ray Kroc (Michael Keaton), un représentant de commerce roublard et malchanceux, croise le chemin des frères McDonald (Nick Offerman et John Carroll Lynch), propriétaires d'un restaurant révolutionnaire, où les clients n'attendent plus qu'on les serve. Rapidement, Kroc décide de faire de cet établissement une franchise, mais devant les nombreuses réticences des deux frères, il choisit de les manipuler pour parvenir à ses fins, et établir ainsi l'une des chaînes de restauration les plus rentables de la planète...

Un peu déçu par ce biopic signé du réalisateur de Mary : La promesse de Walt Disney (et scénariste de Blanche Neige et le Chasseur), biopic qui, malgré un casting impeccable, ne décolle jamais vraiment, et semble un peu inabouti.

La première demi-heure souffre ainsi d'une structure un peu maladroite, qui, en s'attardant sur Kroc plutôt que sur les frères McDonald, oblige le script à se contorsionner en tous sens pour raconter les débuts de la compagnie, par le biais de flashbacks et de photos d'archive narrés en voix off par les deux McDonald.

Et alors qu'on aurait pu s'attendre à ce que les choses décollent un peu dès que Kroc commence à baratiner son monde pour tenter d'arriver à ses fins, le métrage ne passe jamais la seconde, restant assez froid et détaché, une impression renforcée par la bande originale "décalée" de Carter Burwell.

On reste donc assez passif et indifférent devant cette histoire relativement terne de magouilles et de contrats louches, pourtant portée à bout de bras par un Keaton impérial. Tellement impérial, d'ailleurs, qu'il en éclipse les autres acteurs (Offerman et Lynch passent leur temps à râler au téléphone ; BJ Novak, Laura Dern, Patrick Wilson et surtout Linda Cardellini sont affreusement sous-exploités) et qu'il semble être le seul point focal du film.

Lui, et bien entendu la marque McDonald's, qui a droit à un tel coup de brosse à reluire dans ce métrage, qu'on se demande parfois si le département marketing de la compagnie n'a pas directement écrit une partie du script...

3/6

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Mr. Wolff (The Accountant) :

Autiste particulièrement doué pour les mathématiques, Christian Wolff (Ben Affleck) a, dès son plus jeune âge, été entraîné par son père militaire à se défendre seul contre toute adversité. Désormais adulte, il travaille régulièrement comme comptable pour les organisations criminelles les plus dangereuses. Et tandis que les agents du Trésor Public (J.K. Simmons & Cynthia Addai-Robinson) mènent l'enquête à son sujet, Christian est engagé par une firme de robotique dirigée par Mr. Blackburn (John Lithgow) pour étudier des irrégularités budgétaires découvertes par Dana (Anna Kendrick), une comptable de l'entreprise. Bien vite, cependant, un groupe de mercenaires menés par Braxton (Jon Bernthal) tente de faire disparaître Christian et Dana, et le comptable n'a d'autre choix que d'éliminer cette menace tout en protégeant la jeune femme...

Un thriller mollasson et longuet, dans lequel Ben Affleck joue (enfin... "non-joue") un croisement entre Jason Bourne et Rain Man, qui démolit des mercenaires à tour de bras, tout faisant des calculs mentaux improbables.

Et sorti de ce postulat de départ, il n'y a pas grand chose à ajouter au métrage, qui s'avère assez brouillon, et se prend particulièrement au sérieux. En fait, on a un peu l'impression que le script était suffisamment long pour remplir trois heures de film, et qu'il a fallu tailler dans la masse pour arriver à deux heures de métrage ; par conséquent, aucune des intrigues secondaires n'est satisfaisante, que ce soit l'enquête inintéressante du Trésor Public, uniquement là pour permettre à J.K. Simmons de débiter des kilomètres d'exposition en voix off sur des flashbacks, ou la sous-intrigue d'Anna Kendrick, qui disparaît du film aussi vite qu'elle est arrivée.

Peut-être plus gênant, la dernière demi-heure du film (et la confrontation Affleck/Bernthal) tombe joliment à plat, couronnée par des twists ultra-prévisibles, qui tiennent plus des coïncidences fortuites et improbables que du rebondissement crédible.

Et pourtant, malgré tous ces défauts d'écriture, le tout se regarde plutôt facilement, c'est assez bien filmé, les scènes d'action sont honorables, et c'est globalement bien joué (même si encore une fois, le non-jeu volontaire d'Affleck ne demande pas trop d'effort, et Anna Kendrick se contente de jouer Anna Kendrick).

C'est générique, peu mémorable, bordélique, et ça demande énormément de suspension d'incrédulité (pour être gentil, on va dire que c'est capillotracté), mais ça se regarde.

3.25/6

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Premier Contact (Arrival) :

Lorsque des vaisseaux extraterrestres arrivent sur Terre et se positionnent, immobiles, en 12 points du globe, l'humanité s'inquiète. Aux USA, Louise Banks (Amy Adams), spécialiste en linguistique, est choisie par l'armée pour accompagner le physicien Ian Donnelly (Jeremy Renner), et tenter de communiquer avec les aliens, d'apparence pacifique. Mais tous les pays du monde ne sont pas aussi confiants, et les tensions géopolitiques menacent de faire échouer ce premier contact...

Une adaptation d'une nouvelle de SF par Denis Villeneuve qui, sous sa forme filmique, souffle un peu le chaud et le froid.

Pas tant sur un plan technique, puisque Amy Adams est impeccable, que la réalisation est sobre, intimiste, et lorgne parfois sur du Terrence Malick, que le score est pesant et discordant (ce qui rajoute beaucoup à l'ambiance particulière du métrage), et que les effets spéciaux sont tout à fait honorables.

Non, là où le film pêche un peu plus, c'est dans son écriture, fruit du travail du scénariste des remakes de Freddy - Les Griffes de la Nuit et de The Thing, ainsi que de Destination Finale 5 et de Dans le Noir. Pas vraiment des chefs-d'oeuvre d'écriture, et on retrouve en effet ici une certaine propension aux grosses ficelles narratives et à l'absence de subtilité : je pense notamment à toute la situation géopolitique décrite dans le script (les gentils Occidentaux, les méchants Russes et Chinois tous belliqueux, les militaires vs les scientifiques), ainsi qu'à l'embryon maladroit de romance entre Adams et un Jeremy Renner totalement sous-développé (pour ne pas dire inexistant).

À l'identique, tout le concept des flashbacks-qui-n'en-sont-pas est intéressant, mais pas si compliqué que ça à comprendre (une fois que l'on a assimilé le fait que les aliens pensent circulairement, on commence déjà à avoir une assez bonne idée du pourquoi et du comment des visions de l'héroïne). Et pourtant, le script insiste très lourdement dessus, même une fois qu'il a explicité son concept, jusqu'à ce que ces dialogues et ces scènes deviennent redondantes, et forcent une résolution à base de tension et de suspense un peu artificiels.

Bref, le film aurait mérité un scénariste un peu plus affûté et aguerri, et aurait probablement dû éviter de faire basculer le tout dans un sentimentalisme larmoyant (à grands renforts de violons) sur la toute fin.

Mais bon, dans l'ensemble et malgré ses défauts d'écriture, ce métrage est tout à fait regardable, et son approche plus littéraire de la SF ne fait pas de mal dans le paysage cinématographique actuel.

Un petit 3.75/6

Suite et fin de cette première saison surprenante, qui après trois premiers épisodes laissant augurer d'une série assez basique et simpliste, a évolué en quelque chose de plus intelligent et construit, taclant frontalement et de manière assez pertinente le problème des viols sur les campus américains...

Sweet/Vicious 1x07 :

Secouée par tout ce qui vient de se produire, et hantée par le souvenir de son viol, Jules décide d'oublier son code de conduite, et d'évacuer toute pression en faisant la fête avec Ophelia et Harris... pour le meilleur et pour le pire.

Un épisode beaucoup plus dur et sérieux que les précédents, avec de longs flashbacks sur la soirée du viol, illustré ici dans ses moindres détails, mais sans complaisance. Un joli travail de montage passé/présent, Keiko Agena dans un petit rôle, une Ophelia amusante en mode "petite amie", et dans l'ensemble, un épisode courageux et plutôt réussi.

1x08 :

Ophelia et Jules (qui est  de plus en plus incontrôlable) s'attaquent à un nouveau violeur, alors même Harris et l'Officier Barton leur tendent un piège, et que l'amitié des deux jeunes femmes se fracture...

Seul épisode de la saison à avoir été écrit en collaboration par deux scénaristes, et ça se sent malheureusement beaucoup trop : on a l'impression de deux scripts distincts compactés en un, de deux styles pas tout à fait similaires et qui cohabitent tant bien que mal, bref, pour un épisode aussi important, qui avance de manière notable les intrigues de fond du show, ça méritait mieux. Tout est un peu trop précipité, un peu trop bâclé et décousu, et c'est bien dommage, parce que le tout reste intéressant et bien interprété.

1x09 :

Jules décide enfin de porter plainte pour viol auprès de l'administration universitaire, ce qui amène Ophelia, Kennedy et Jules à resserrer les rangs. Mais les choses se compliquent lorsque le verdict, pourtant en sa faveur, est annulé par le doyen, alors même que les autorités se rapprochent dangereusement des deux justicières...

À nouveau, un peu l'impression d'une écriture compressée, comme si le show avait initialement vu sa commande de 13 épisodes réduite à 10, entraînant par la même des coupes sauvages dans l'évolution des intrigues et des rapports entre certains personnages. Rien de vraiment problématique, ici, puisque le témoignage de Jules, sa mise en scène, et la réponse des autorités sentaient vraiment le vécu, et étaient assez douloureux et forts pour soutenir le gros de l'épisode. Sans oublier ce bref moment de flottement plutôt amusant, après le verdict initial, quand les deux justicières remettent soudain en question la pertinence de leurs actions vengeresses...

1x10 :

Prêtes à tout pour innocenter le petit-ami de Jules, accusé à tort du meurtre de son frère, les deux justicières se mettent à la recherche d'un criminel de la région vers lequel rediriger tous les soupçons des autorités, tout en tentant, avec l'aide de toute la sororité et d'autres étudiants, de punir le violeur de Jules...

Les soucis d'écriture compressée et de raccourcis narratifs sont toujours présents (notamment au niveau de Barton, qui a totalement disparu de la série, ou de l'arrestation, liquidée en quelques scènes), mais dans l'ensemble, ça fonctionne plutôt bien, comme conclusion saisonnière, laissant quelques pistes à régler, tout en réglant les intrigues en cours, et en posant un nouveau postulat pour nos deux héroïnes, désormais établies, et bénéficiant d'un bat-signal virtuel...

Bilan :

C'est amusant, si on m'avait dit, il y a un an, que les thématiques du viol et du stress post-traumatique, de la manipulation, des rapports homme-femme, de l'amitié féminine, etc, seraient traités avec plus de subtilité, de finesse et d'efficacité dans une série MTV sans prétention que dans un drama "de prestige" estampillé Netflix (Jessica Jones, pour ne pas le nommer), je ne l'aurais pas cru.

Et si en plus on avait rajouté que l'action, le rythme et l'humour seraient eux aussi nettement plus maîtrisés et réussis dans cette série MTV, et que les personnages (principaux comme secondaires) seraient nettement plus attachants (et parfois mieux interprétés), pour un investissement en temps nettement moins moindre de la part du spectateur, je crois que j'aurais demandé qu'on arrête de se payer ma tête.

Et pourtant... Sweet/Vicious a su se débarrasser de son gimmick de départ un épisode/un violeur à punir, pour évoluer en un drama touchant sur les conséquences d'un viol sur sa victime et son entourage, le tout sans jamais se départir de son sens de l'humour ou de son dynamisme de série comic-book.

Un programme qui, malgré quelques défauts dus à l'inexpérience de sa showrunneuse, à une fin de saison compressée et à des attentes du public faussées par la chaîne de diffusion (et par la présence de Joseph Kahn à la réalisation des deux premiers épisodes), s'avère en fin de compte une excellente surprise ; malheureusement, elle est restée relativement confidentielle, et par conséquent risque d'être rapidement annulée (si ce n'est pas déjà fait au moment où ce texte sera publié). C'est bien dommage.

Sygbab regarde (beaucoup) la tv, Sygbab écrit (parfois) des bilans : retrouvez-les sur le blog des Téléphages Anonymes !

Gilmore Girls, saison 6 :

La justesse étant un atout depuis ses débuts, à quelques exceptions près, une question s'impose au visionnage de cette saison : les scénaristes auraient-ils perdu leur bon sens ? Cela peut paraître dur d'emblée, mais les choix effectués sont le plus souvent discutables, quand ils ne vont pas à l'encontre de l'esprit de la série. Les rebondissements commencent à être éculés, et la psychologie des personnages devient aléatoire pour satisfaire un semblant de suspense qui devient presque néfaste.

Comme si l'inspiration s'était tarie d'un coup, tout ce qui fait l'originalité de Gilmore Girls disparaît, et le téléspectateur a la désagréable surprise d'être devant un drama plutôt classique. Difficile de l'accepter quand les standards sont habituellement un peu plus élevés.

Au lieu d'influencer les principaux fils rouge, les intrigues secondaires deviennent de plus en plus sporadiques et donnent droit à des évolutions pour le moins étonnantes. Passons Kirk et ses facéties habituelles, qui apporte toujours une nécessaire dose d'humour en étant toujours à côté de la plaque, pour en venir à Sookie et Jackson : leurs enfants sont tout bonnement invisibles, et c'est un petit peu gênant.

Il aurait été intéressant de se pencher un peu plus sur leur vie familiale, étroitement liée à la relation professionnelle que les deux époux entretiennent toujours. Au lieu de ça, ils doivent se débarrasser de la marijuana que Jackson découvre avec stupeur parmi ses plantations. Certes, c'est décalé, mais c'est surtout un aveu d'impuissance concernant leur développement quasi inexistant.

Cela concerne tout aussi bien Lane, dont la relation avec Zack ne colle pas vraiment. D'autant que Mrs Kim semble l'accepter sans plus de difficulté que cela, alors qu'elle menait la vie dure à un Dave bien plus attrayant à ses yeux. Dur d'avaler le fait qu'elle abandonne ses traditions et ses idéaux si rapidement, alors qu'elle a toujours été inflexible. Que dire quand elle s'invente experte dans le domaine de la musique en donnant des avis tranchés sur ce que fait Zack et qu'elle l'aide à écrire un hit...

Ce n'est pas très sérieux, et surtout pas vraiment crédible. Tout au plus, cela permet d'organiser le mariage de Lane, pour qu'une Lorelai complètement ivre s'y ridiculise en annonçant à tout le monde qu'elle ne se mariera pas à son tour. C'est bien là l'enjeu principal : il faut à tout prix empêcher cette fameuse union tant attendue entre Luke et Lorelai. Tous les moyens sont bons pour y parvenir, notamment la dispute qui oppose cette dernière à Rory. En effet, rien ne sera possible tant qu'elles ne seront pas réconciliées.

Par ailleurs, la jeune fille apprend à ses dépens que vivre avec ses grands-parents n'est pas une sinécure, et elle se retrouve confrontée à l'ingérence compulsive d'Emily, à tous les niveaux. Cela a au moins le mérite de remettre en perspective ce que sa mère a enduré pendant sa jeunesse. Le parallèle n'est pas inintéressant, d'autant que Rory pousse l'expérience un peu plus loin en participant pleinement aux réceptions que donne sa grand-mère, avant de s'apercevoir qu'elle prend le mauvais chemin.

Peut-être fallait-il qu'elle en passe par là pour trouver la même force intérieure que sa mère, qui l'autorise à se rebeller et à croire en ses capacités comme jamais auparavant. Il est juste dommage qu'elle ne s'en rende pas compte seule et qu'elle ait besoin d'un bon coup de pied aux fesses de la part de Jess, qui réapparaît ici ou là histoire de dire qu'il s'en sort et qu'il va devenir quelqu'un de bien.

Quel trublion ce Jess, tout de même. Sa venue ne manque pas de créer une énorme dispute entre Rory et Logan, car il fallait bien ajouter un peu de piment dans une relation qui se déroulait un peu trop bien, alors qu'elle est quelque part assez incongrue. Rory est toujours irrésistiblement attirée par Logan alors qu'il est la représentation d'un monde qu'elle n'apprécie pas.

Et ce dernier a beau justifier son attitude en prétextant qu'il doit profiter de sa vie avant qu'elle ne soit finie car son avenir lui est imposé, il reste tout de même un fils à papa désinvolte et le plus souvent irresponsable. C'est surtout un goujat, qui va se réfugier dans les bras d'autres filles à la moindre difficulté, et qui rachète l'amour avec son argent. Il n'y a guère que Christopher pour le trouver cool, finalement.

Celui-ci réapparaît encore et toujours, cette fois-ci parce qu'il est devenu riche. Une richesse tombée du ciel, bien commode pour qu'il vienne de nouveau jouer les trouble-fêtes tout comme Jess. Les fantômes du passé ne disparaissent jamais, et cela commence à devenir un peu trop répétitif. La ficelle est un peu trop grosse, et dégage Emily et Richard de toute responsabilité puisque Chris va désormais payer pour Yale.

Cela aurait dû sonner le glas des friday night dinners, mais Lorelai est prise de culpabilité et réussit à convaincre sa fille de continuer à y aller. Après tout ce qui s'est passé entre elle et ses parents, notamment l'hébergement de Rory sans avoir été consultée au préalable, cela sonne assez faux de la voir pardonner les multiples trahisons dont elle a été victime. Au moins cela mène-t-il à un dîner assez extraordinaire dans le 6.13 Friday Night's Alright For Fighting, alternant avec brio séquences de rires et de confrontations emplies de ressentiment.

Tout cela n'est rien en comparaison du véritable impair : April. Sans fustiger le personnage - au demeurant plutôt sympathique -, ce nouveau rebondissement imposé après la réconciliation entre Luke et Lorelai est presque une insulte tant cette manoeuvre est digne d'un mauvais soap. Qui plus est, cela rend Luke absolument détestable. Il a attendu Lorelai pendant des années, il lui a reproché de lui cacher ses entrevues avec Christopher, mais au final il fait exactement la même chose, quitte à la perdre.

Ce n'est pas dans l'esprit du personnage, il perd tout sens de la raison alors qu'il est d'un naturel pragmatique. De ce fait, le fossé qui se creuse dans le couple est complètement artificiel, et franchement malvenu. Plus encore quand la discorde pousse Lorelai à poser un ultimatum et à se retrouver dans les bras de Chris car Luke refuse de se laisser imposer quoi que ce soit. Ce qui la rend détestable aussi, par ailleurs.

Heureusement que Liz et TJ nous sont épargnés la majeure partie du temps, il ne manquerait plus que leur présence vienne phagocyter l'écran pour ajouter un soupçon d'antipathie à un show qui prend un bien mauvais tournant. La magie n'opère plus, à tel point que le final de la saison comporte une intrigue totalement secondaire autour d'une invasion de chanteurs de rue consécutive au départ en tournée du troubadour officiel de la ville.

À croire qu'il s'agit d'une tentative désespérée de rappeler le charme de Stars Hollow, dont les habitants deviennent de plus en plus shallow. Le plus malheureux, c'est que cette histoire emporte facilement l'adhésion au détriment du fil rouge : il faut sans doute y voir un signe sur la nécessité de redonner de la légèreté à l'ensemble.

Ceci étant, they will always have Paris, pour faire référence à une réplique de Lorelai dans la saison 4. Sa franchise est toujours autant dépréciée par ses pairs et appréciée par les téléspectateurs, et sa prise de conscience à propos de son incapacité à gérer une position de leader est bénéfique pour la suite. Enfin une évolution qui va dans le bon sens, ce qui n'est pas non plus suffisant pour faire de cette saison une réussite. Loin de là.

(voir aussi le bilan de Lurdo de la saison 6 de la série, publié sur ce blog en 2012)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Split :

Trois adolescentes - Claire (Haley Lu Richardson), Marcia (Jessica Sula) et Casey (Anya Taylor-Joy), une jeune fille au passé difficile - sont enlevées par Dennis, l'une des 23 personnalités de Kevin Wendell Crumb (James McAvoy), un homme à l'enfance traumatisante, habituellement soigné par le Dr Fletcher (Betty Buckley). L'objectif de Dennis : sacrifier les trois adolescentes à "la Bête", une 24ème personnalités inédite, qui ne s'est encore jamais manifestée chez Kevin, mais que toutes les autres personnalités attendent...

Alors, à en croire les milieux informés, M. Night Shyamalan serait à nouveau sur le chemin de l'état de grâce, et aurait enfin retrouvé la voie du succès, après avoir touché le fond avec Phénomènes, Le Dernier Maître de l'Air, et After Earth.

C'est probablement vrai... si l'on considère comme certains que The Visit est un film réussi - or, comme je le disais ici, The Visit est (au mieux) un film malade et paradoxal, un found-footage au script tout droit tiré d'un Chair de Poule, constamment tiraillé entre l'auto-parodie et le premier degré, et qui rate la majorité, pour ne pas dire tous ses objectifs.

Et donc ce Split est supposé être une nouvelle étape sur le chemin de la rédemption, un thriller fantastique prenant et intense, avec, en prime, un twist final qui a fait l'unanimité.

Je vais être très clair : ce n'est pas le cas. Déjà, il n'y a pas de twist au sens propre du terme : je ne vais pas spoiler (je donnerai un gros indice en fin de chronique), mais on est nettement plus dans la catégorie de la scène post-générique façon Marvel, que dans le retournement final qui change tout à ce qu'on vient de voir. Et donc, une fois qu'on met cette scène finale (d'ailleurs assez mal jouée par la figurante y apparaît) de côté, que reste-t-il ?

Quelque chose d'assez quelconque, en fait.

Un métrage aux défauts typique de son auteur : l'écriture est très inégale, parfois bancale et ampoulée (de nombreux dialogues de la psychiatre, notamment lors de la scène avec le caméo de Shyamalan ; mais aussi les flashbacks traumatiques lourds et patauds, et, au niveau des personnages, un développement et une caractérisation très discutables/maladroits - pour ne pas dire inexistants dans certains cas), l'interprétation varie grandement (McAvoy est impeccable, la psychiatre est compétente, les autres sont tous oubliables), la structure est assez chaotique, le rythme aussi, et le film est assez laid, visuellement parlant : trop de plans face caméra, de vue subjective, de très gros plans, de caméras inutilement en mouvement, bref, trop de moments où la grammaire cinématographique de Shyamalan devient voyante, artificielle, et agaçante.

Mais pire que tout, je pense, je n'ai jamais ressenti la moindre tension, à aucun moment du métrage, même pas pendant le face à face final typique entre la créature et la final girl (en même temps, je n'ai pas ressenti la moindre empathie envers aucune des trois victimes, tous plus sommairement écrites, caractérisées et jouées les unes que les autres... donc difficile de m'inquiéter pour leur sort).

Et puis, donc, en fin de film, après avoir fait basculer son métrage d'un film d'exploitation assez basique, longuet et laborieux à quelque chose d'un peu plus surnaturel, Shyamalan s'essaie à une scène post-credits.

Comme je ne veux pas spoiler (vu que c'est apparemment ce qui vaut au film tant de louanges), je vais me contenter de donner cet indice : regardez l'affiche de Split, en haut de page. Vous ne remarquez pas quelque chose de familier, un choix graphique bien particulier ?

Allez, la réponse pourtant évidente : 

Voilà, je n'en dirai pas plus. La seule chose qui me chagrine vraiment, c'est que cela rend la fin du film assez frustrante, en permettant à Shyamalan de botter en touche, et d'éviter d'apporter au récit de Split une véritable conclusion. 

3/6 (principalement pour McAvoy et pour le fanservice final, inutile, mais amusant, et malheureusement typique de la mode actuelle des univers partagés et autres résurrections de franchises enterrées) 

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

La Résurrection du Christ (Risen) :

Peu de temps après avoir triomphé d'une révolte juive, Clavius (Joseph Fiennes), un tribun romain, assiste à la crucifixion du Messie supposé du peuple juif, Yeshua (Cliff Curtis). Mais rapidement, le corps de Yeshua disparaît, et tandis que la rumeur de sa résurrection se propage à Jérusalem, Ponce Pilate (Peter Firth) ordonne à Clavius de mener l'enquête, en compagnie de son bras droit Lucius (Tom Felton)...

En théorie, ce métrage avait de quoi me plaire.

Un réalisateur qui n'est pas incapable (Kevin Reynolds), un budget bien exploité, un sujet toujours intéressant (j'ai toujours eu un faible pour tout ce qui est exploration historique des origines des grandes religions), et une approche relativement originale, façon "enquête policière et mystique au coeur de l'Histoire".

Et pendant la première moitié du film, environ, j'étais dans le métrage, amusé par les références érudites, ici ou là, par les clins d'oeil historiques et mythologiques (le suaire, tout ça), et par l'enquête de Joseph Fiennes... jusqu'à ce que, progressivement, le film commence à me perdre.

Le véritable souci, en fait, c'est qu'il peine totalement à insuffler du rythme et des surprises à une histoire forcément très prévisible et connue, et que le tout est très plat. L'enquête commence ainsi bien vite à ronronner, et lorsque Clavius retrouve Jésus bien en vie, au bout d'une heure de film, on commence déjà à somnoler un peu devant le tout, pas aidé par l'interprétation très monotone et concernée de Joseph Fiennes.

C'est bien dommage, car il y avait là le potentiel de quelque chose de surprenant et d'original, si le tout avait été traité avec moins de premier degré et de prosélytisme. Mais non, on retourne dans ses sentiers bien battus, et on finit avec un Clavius converti à la Foi chrétienne, ce qui ne surprendra personne.

3/6 (au moins, le Jésus de ce film semble plus crédible que l'éphèbe caucasien blond aux yeux bleus d'une certaine tradition catholique)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Justice League Dark :

Quand, un peu partout dans le monde, des individus lambdas deviennent fous, et s'en prennent à leurs semblables car ces derniers ressemblent soudain à des créatures démoniaques, Batman (Jason O'Mara) comprend qu'il a affaire à des forces surnaturelles qui le dépassent. Il est contraint de faire appel à Zatanna (Camilla Luddington) la magicienne, à John Constantine (Matt Ryan) le détective-sorcier, et à Boston Brand (Nicholas Turturro), un trapéziste fantôme, pour l'aider dans son enquête. Une enquête qui va les amener à affronter Felix Faust (Enrico Colantoni) et Destiny (Alfred Molina), et à croiser le chemin du démon Etrigan (Ray Chase) et de la Créature des Marais (Roger Cross)... 

Un film d'animation DC un poil brouillon et inégal (comme toujours, le style est débattable, et la musique est parfois hors-sujet - la techno/dubstep pendant l'un des affrontements, par exemple), mais qui, dans l'ensemble, s'avère une (petite) surprise agréable, surtout si l'on n'est pas forcément familier de ces personnages moins connus de l'univers DC.

Alors certes, les origin stories de Deadman et d'Etrigan sont un peu amenées à la truelle, et le trapéziste, justement, sert un peu trop de faire-valoir comique aux autres personnages, mais l'écriture parvient à trouver un équilibre assez juste entre le sérieux et l'humour, notamment dans les réactions de Batman face à des pouvoirs qui le dépassent.

En parlant de pouvoirs, justement, les affrontements magiques sont plutôt spectaculaires, frôlant même parfois les invocations de J-RPGs dans leur ampleur visuelle, et le script ne rechigne jamais à aller un peu plus loin que la norme, en tuant allègrement des personnages, qu'ils soient de premier rang ou des figurants.

Bref, je n'en attendais rien (surtout que j'ai toujours été assez mitigé sur tous ces films animés de l'univers DC), ce n'est pas forcément exceptionnel, mais je ne me suis pas ennuyé.

3.75/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Et qui dit 14 février, dit St Valentin, donc place à la romance et aux bons sentiments sirupeux made in Hallmark et compagnie !

La Vie Rêvée de Gwen (The Birthday Wish - 2017) :

Gwen (Jessy Schram), réalisatrice publicitaire ambitieuse et aux idées bien arrêtées, aimerait que son compagnon Alex (Marcus Rosner) la demande en mariage pour ses 30 ans. Mais lorsque celui-ci rechigne, Gwen s'énerve, et fait le voeu de connaître ce que lui réserve l'avenir : soudain, la voici projetée dans une vision du futur où, mariée à Dave (Luke Macfarlane), un collègue, sa vie n'a plus rien à avoir avec ce qu'elle avait prévu. De retour dans le présent, Gwen se remet alors en question, d'autant que les choses évoluent dans une direction étrange...

Luke Macfarlane n'a pas vraiment de chance, avec ses téléfilms Hallmark : le bonhomme est sympathique, détendu, et fait un lead masculin assez agréable pour ce genre de métrages, mais malheureusement, ses films ne sont jamais particulièrement réussis (voir aussi Le Pays de Noël et The Mistletoe Promise).

Et même lorsqu'ils l'associent à une actrice attachante (ici, Jessy Schram, assez pétillante et dynamique), il finit par souffrir d'un scénario assez quelconque, fruit du travail de la scénariste de Wedding Bells (un métrage médiocre sauvé par son couple principal) et de Un Fiancé qui tombe à Pic (très mauvais, et dont la critique devrait être publiée ici-même le mois prochain, il me semble).

Ici, en l'occurrence, on est en plein dans de la rom-com classique estampillée Hallmark, avec deux prétendants gentiment caricaturaux - le carriériste pas romantique ou drôle pour un sou, et le gars cool, détendu, attentionné, spontané, etc -, une meilleure amie ethnique, un ton plutôt léger, un quiproquo dans le dernier quart du film, etc, etc, etc.

Malheureusement, le métrage tourne très rapidement à vide, puisque ici, la balance est tellement déséquilibrée en faveur de Dave (le rival météorologue disparaît même totalement pendant 75% du film, avant d'annoncer soudain qu'il veut devenir acteur et part pour Hollywood !) que les hésitations de Gwen finissent par devenir incompréhensibles, et par la rendre un peu fatigante dans son refus de prendre des décisions.

Et comme en prime le côté fantastique du postulat de départ (la "vision du futur", renforcée par une sorte de Cupidon/ophtalmologue indien) est finalement quasi-inexistant, ne tenant que du prétexte, ça achève de faire de ce Birthday Wish une énième occasion ratée, trop balisée et plate pour être autre chose qu'anecdotique.

2.5/6

Coup de Foudre à Paris (Love Locks - 2017) : 

Alors qu'elle faisait des études d'art à Paris, Lindsey (Rebecca Romijn) est tombée amoureuse de Jack (Jerry O'Connell), un américain installé sur place. Vingt ans après leur rupture, Lindsey est désormais divorcée et directrice d'un magazine d'art ; mais lorsqu'elle revient à Paris avec sa fille adolescente (Jocelyn Hudon) pour lui faire découvrir la ville, elle apprend que le gérant de l'hôtel où elle séjourne est justement Jack, et bien vite, elle renoue avec son amour d'antan...

Une rom-com Hallmark diffusée sous l'appellation "Hallmark Hall of Fame" par la chaîne, histoire de justifier le budget clairement plus élevé, dépensé dans le casting - les deux protagonistes, forcément, mais aussi Bruce Davison dans un rôle secondaire - et dans le tournage à Paris.

Ce qui permet à ce métrage d'avoir un peu plus d'intérêt que la rom-com lambda constituée par son scénario : O'Connell & Romijn, mariés à la ville, ont une bonne alchimie, et forment un couple sympathique (Romijn parle d'ailleurs assez bien français) ; Davison a sa propre sous-intrigue romantique ; la majorité des figurants et seconds rôles sont des français bilingues (qui ne nous font pas honte ^^ ) ou des canadiens qui font illusion ; et même la jeune Jocelyn Hudon s'avère une très bonne trouvaille, spontané et fraîche, au point que je ne serais pas surpris de la voir décrocher des rôles plus importants dans un futur proche.

Et bien entendu, les décors parisiens, tous tournés sur place (ainsi que, d'ailleurs, les scènes américaines, clairement tournée au coeur de l'hiver), ajoutent un charme non-négligeable au tout (même si le téléfilm semble considérer que la tradition des cadenas de l'amour est typiquement français, ce qui n'est bien sûr pas le cas) ; il faut juste fermer les yeux sur l'accordéon qui débarque ici ou là, pour faire pittoresque, et sur le script assez générique, qui ronronne assez rapidement.

3.25/6 (rien de mémorable, mais rien de honteux non plus)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Et qui dit 14 février, dit St Valentin, donc place à la romance et aux bons sentiments sirupeux made in Hallmark et compagnie !

Un Hiver de Princesse (A Royal Winter - 2017) :

Maggie (Merritt Patterson) part passer des vacances d'hiver improvisées en Europe, dans le royaume enneigé de Calpurnia. Là, elle rencontre le séduisant Adrian (Jack Donnelly), parfait pour elle, mais ignore qu'il est en réalité le Prince héritier du Royaume. Lorsqu'elle découvre son secret, cependant, elle doit composer avec l'hostilité et les manigances de la Reine Béatrice (Samantha Bond)...

Un téléfilm hivernal Hallmark qui semble avoir été conçu pour la saison de Noël (ça ressemble comme deux gouttes d'eau à ce qui s'est déjà fait dans le genre chez Hallmark, là, là ou là), avant d'être vaguement reformaté pour Janvier, en ôtant guirlandes et sapins avant de tourner. Résultat : oui, les décors naturels de Bucarest sont superbes et enneigés... mais tout le reste est hautement dérivatif, anecdotique et insipide, à commencer par le couple principal, transparent au possible. Absolument rien de mémorable, voir même d'intéressant, et si ce n'est pas particulièrement mauvais en soi (la direction artistique sauve les meubles), c'est tellement basique que ça s'oublie à peine regardé. 

2.25/6 (ça aurait pu être un poil plus sans cette affreuse reprise chorale d'un unique couplet de Frère Jacques, en boucle, pendant plusieurs minutes. Au secours.)

Un Domaine en Héritage (Love on the Vines) :

Avocate surmenée, Diana (Margo Harshman) hérite de son oncle la moitié du vignoble de ce dernier. Mais à son arrivée sur place, elle découvre que l'autre moitié a été donnée à Seth (Steve Talley), son ex, et le bras droit de son oncle. Malgré les tensions, le couple improbable a pour mission de mener à bien la prochaine récolte du vignoble, sous peine de voir le machiavélique Mr. Garritson (Jack Wagner), un rival, mettre main basse sur le terrain et son raisin...

Une rom-com PixL malheureusement très dérivative et générique, qui se prend beaucoup trop au sérieux pour son propre bien, et souffre vraiment d'un script mal structuré, avec de multiples personnages secondaires et sous-intrigues (les manigances interminables de Garritson, la romance du fils de Garritson avec une serveuse, l'autre serveuse qui tente de sortir de l'ombre de sa mère, etc) qui ne font qu'alourdir le tout.

Pour ne rien arranger, l'illustration musicale est assez mauvaise, et si Margo Harshman est vraiment attachante (ce regard... ♥_♥), son partenaire masculin (Talley) est lui nettement plus transparent et quelconque. Bref, bien tenté, PixL, mais c'est raté.

2/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Magic in the Moonlight :

Dans les années 1920, l'illusionniste Stanley Crawford (Colin Firth), un sceptique nihiliste, cynique, arrogant, prétentieux et misanthrope, prend un malin plaisir à percer à jour les pseudo-voyants et autres médiums qui exploitent la crédulité de tous. Jusqu'au jour où il croise le chemin de la jolie Sophie (Emma Stone), une médium américaine aux dons stupéfiants. Et lorsqu'il échoue à prouver le mensonge de Sophie, Stanley commence à remettre ses certitudes en question.

Un long-métrage assez léger et anecdotique signé Woody Allen, et qui repose intégralement sur le talent et l'alchimie entre Firth et Stone.

Le propos n'est pas désagréable, même si les personnages frôlent un peu la caricature, et l'esthétique éthérée et irréelle du film fonctionne plutôt bien, mais l'ensemble est particulièrement oubliable, au final, jamais excellent ni mauvais, bref : une digression sympathique, mais totalement dispensable.

3/6

Après un premier round assez quelconque, empli de matches courts et assez basiques, deux noms surnagent clairement dans ce tournoi : Pete Dunne, le bagarreur sadique et technique, et Tyler Bate, le jeune moustachu évoquant clairement Cesaro dans le ring. Suite et fin de ce tournoi, donc, avec les quarts de finale, les demis, et la grande finale permettant de couronner le tout premier champion anglais de la WWE...

WWE United Kingdom Championship Tournament 2017 - Round 2 & Finale :

# Quarts de finale

- Pete Dunne vs Sam Gradwell :

Une belle intensité, même si Gradwell ne vend pas bien la blessure subie la veille durant attaque, ce que soulignent les commentateurs... juste avant que Gradwell ne commence justement à vendre la douleur en fin de match (!) Une fin de match un peu abrupte, enchaînant un compte de 9 en dehors du ring sur un simple bodyslam contre un turnbuckle, et zou, c'est fini. Dommage, parce que Dunne a vraiment une personnalité bien à lui, et fait un bad guy impeccable.

- Mandrews vs Joseph Conners :

Démarrage assez rapide et nerveux, mais Mandrews est un peu en pilotage automatique, refaisant les mêmes spots que le match précédent, dans le même ordre, ce qui téléphone un peu sa victoire et son avancée dans la suite du tournoi. Cela dit, Mandrews est plus souvent contré, ici, ce qui rend l'affrontement plus équilibré, à défaut d'être mémorable.

- Wolfgang vs Trent Seven : 

Un match qui ne fait pas du tout dans la finesse, avec deux brutes qui se mettent sauvagement sur la tronche jusqu'à ce que ça saigne ; un vrai gros contraste avec le match précédent.

- Jordan Devlin vs Tyler Bate :

Un match plus classique et équilibré, même si, un peu comme pour le match de Mandrews, Bate fait ici le minimum syndical, ce qui a tendance à téléphoner son avancée dans le tournoi, et le fait qu'il doive donc s'économiser. 

# Demi-finales

- Mandrews vs Pete Dunne :

Un très bon match, tour à tour brutal, agressif, sadique et acrobatique, avec un Mandrews qui se donne complètement (prouvant par là-même une nouvelle fois qu'il était totalement sous-exploité à la TNA), et un Dunne égal à lui-même.

- Tyler Bate vs Wolfgang :

Un affrontement décevant, car une opposition de style, de gabarit, et d'âge qui avait du potentiel, mais qui débouche sur un match court et peu mémorable, avec deux adversaires qui ne se dépensent pas vraiment ; une sorte de gros prétexte pour l'après-match, avec un Dunne qui attaque directement Bate, et lui démolit l'épaule.  

# Entracte

- Neville vs Tommy End :

Neville dans le ring pour expliquer qu'il n'a pas voulu participer au tournoi parce que les compétiteurs n'étaient pas à son niveau. Tommy End, un Néerlandais tatoué de partout, au mohawk, et fraîchement signé à la NXT, débarque, pour un match pas très intéressant, avec beaucoup (trop) de coups de pied.

# Finale :

- Bate vs Dunne :

Bate, "blessé" à l'épaule, joue parfaitement les héros en péril, Dunne, lui, est impeccable en méchant sadique, et le tout donne un match très réussi, voire même relativement épique, entre deux hommes qui se connaissent bien, et qui donnent tout ce qui leur reste (450 double foot stomp O_O) pour finir la soirée en beauté.

En somme, une seconde soirée de tournoi nettement plus satisfaisante, comme souvent, avec des matches plus longs, plus homogènes et plus réussis. Le choix des deux finalistes est assez logique, le gagnant très satisfaisant, et, je ne le répéterai jamais assez, mais le duo Michael Cole/Nigel McGuinness était impeccable aux commentaires. 

Après avoir volontairement laissé dans le flou la véritable nature de cette comédie mettant en vedette Drew Barrymore, Netflix a fini par lever le voile, il y a peu, en publiant l'affiche ci-dessous : une affiche parodie des publicités pour régimes qui pullulent dans les magazines féminins, avec pour seule différence la véritable nature de ce régime Santa Clarita - des morceaux humains empilés dans le cocktail que boit Drew. CQFD : Santa Clarita Diet est donc une comédie horrifique, à mi chemin entre iZombie et Weeds, un ajout inattendu au catalogue du diffuseur...

Santa Clarita Diet, saison 1 :

Couple d'agents immobiliers californiens, Sheila (Drew Barrymore) et Joel Hammond (Timothy Olyphant) ont une fille adolescente, Abby (Liv Hewson), et, ensemble, ils vivent une vie banlieusarde particulièrement routinière et balisée. Jusqu'au jour où Sheila contracte une maladie mystérieuse, qui la désinhibe totalement, mais la force à manger de la chair humaine. Désormais morte-vivante, Sheila doit s'habituer à cette nouvelle existence, une existence qui, étrangement, redonne un second souffle à sa famille : contraints de se serrer les coudes pour faire face à ce problème, les Hammond décident de se mettre à chercher des victimes potentielles pour Sheila parmi les criminels de la région. Plus facile à dire qu'à faire, surtout avec Dan (Ricardo Chavira), leur voisin fouineur, membre des forces de l'ordre, et qui tente de les faire chanter... 

Sitcom single cam Netflix, écrite et pilotée par Victor Fresco (Better Off Ted, Le Monde Merveilleux d'Andy Richter, Earl), et qui s'inscrit totalement dans la lignée de ce que Showtime pouvait faire dans le genre à une certaine époque (Weeds, par exemple), avec une touche de folie et de décalage en plus, et le drama premier degré en moins.

Et c'est peut-être à la fois la grande qualité et le défaut de ce Santa Clarita Diet : le second degré absurde du show, cette réalité où tout le monde est un peu caricatural, un peu déjanté, et pas forcément très finaud, un peu comme dans My Name is Earl.

C'est une qualité, car ça permet de rendre ces 10 épisodes de 25 minutes plutôt regardables et sympathiques, avec des moments improbables, des guests inattendus (Nathan Fillion, Andy Richter, Patton Oswald, Ryan Hansen, Thomas Lennon, Portia DeRossi, Natalie Morales), des seconds rôles excentriques, ainsi que du gore généreux... le tout sans toutefois éclipser totalement, derrière ces aspects grand-guignolesques, un propos sur les liens indestructibles d'un couple qui s'aime, et est prêt à tout l'un pour l'autre, même au pire.

Et défaut, parce que le tout est tellement outrancier, tellement improbable, les acteurs (Barrymore et Olyphant en tête) prennent tellement le tout à la rigolade (ils se donnent complètement à leurs rôles, mais sont clairement et régulièrement en surjeu, quand ils n'ont tout simplement pas un sourire goguenard sur les lèvres dans les scènes les plus délirantes), qu'au final, il est difficile de vraiment prendre tout ça au sérieux, de vraiment s'attacher à ces personnages, bref, on regarde le tout avec une certaine distance, et on finit par s'apercevoir que la série, en fin de compte, tourne un peu à vide.

Parce qu'après tout, cette satire de la vie de banlieue US, soporifique et formatée, a déjà été faite et refaite à la tv : pas grande originalité sur ce plan là. Sur le plan de l'horreur, le show rappelle aussi un iZombie débarrassé de son sérieux et de son aspect procédural, donc rien de neuf non plus de ce côté (d'ailleurs, le semblant de mythologie, ou la promesse d'une épidémie par contagion, sont rapidement étouffés dans l'oeuf). Et comme le relationnel de cette famille est là encore plutôt convenu (les parents enfermés dans le carcan sociétal, la fille rebelle et sarcastique, etc), au final, ne reste que l'humour et le gore.

Ce qui est déjà pas mal, et suffira sans nul doute à plein de spectateurs ; mais dans l'absolu, Santa Clarita Diet se résume à une digression amusante, qui commence bien, ronronne un peu en milieu de saison, et se finit par un cliffhanger assez plat : en somme, une série amusante, sans plus, et qui paradoxalement manque un peu de mordant et de tripes.

Distrayant, sympathique, mais pas particulièrement mémorable ou exceptionnel.

Sygbab regarde (beaucoup) la tv, Sygbab écrit (parfois) des bilans : retrouvez-les sur le blog des Téléphages Anonymes !

Gilmore Girls, Saison 5 : 

Comme s'il y avait eu une prise de conscience à propos de la difficulté grandissante de maîtriser une multitude de personnages en même temps, l'écriture se resserre et se concentre de plus en plus sur la famille Gilmore. Certes, Paris est toujours aussi irritante, et sa relation naissante avec Doyle présage de bonnes choses pour l'avenir, tant leur couple est improbable. Oui, Lane Et Zack vont bien ensemble, et il est un peu question du groupe de temps en temps. Et Kirk est toujours aussi bizarre, mais drôle.

Il ne faut cependant pas se voiler la face : ce sont des histoires annexes, dont l'intérêt principal est de ne pas laisser en plan les autres protagonistes. Ils deviennent ainsi des accessoires et sont de plus en plus secondaires. À tel point que Jason est évacué sans autre forme de procès dans le premier épisode, alors que ce dernier est une suite directe du final de la saison précédente.

Cela pourrait être gênant, mais il faut bien admettre que le programme est chargé pour les Gilmore. Il semblerait que chez eux, la dramaturgie soit une seconde nature, et les rebondissements ne sont pas des moindres. La source de ce chaos est unique, et bien identifiée : l'ingérence d'Emily. Cela commence avec son intervention auprès de Christopher, en lui intimant presque l'ordre de faire ce qu'il faut pour être de nouveau avec sa fille, maintenant que Sherry l'a abandonné.

Elle est tellement convaincue que sa fille ne sait pas ce qu'elle fait en développant - enfin - une relation avec Luke qu'elle ne prête aucune attention aux conséquences de ses actes. Pour les autres, mais aussi pour elle, puisqu'elle s'attire les foudres de Lorelai. Alors qu'elle était la première à dire à Richard que ses actions pouvaient leur faire perdre leur fille, elle s'en charge d'elle-même en ne comprenant pas que celle-ci est indépendante et qu'elle avait coupé les ponts pour une bonne raison.

Il n'en faut pas tellement plus pour que Luke se pose des questions. Sa réaction est compréhensible : la propension de Lorelai à cacher les choses - une sorte de réflexe vis-à-vis de ses parents, qu'elle applique malheureusement à toutes les situations - ne peut que le faire douter vis-à-vis de Chris. À plusieurs reprises, elle ne lui dit pas qu'elle a vu le père de son enfant, et au vu de leur passif il est difficile pour l'homme à la casquette vissée sur le crâne d'accorder une totale confiance à sa dulcinée, et surtout d'accepter un tel poids. Pas seulement par rapport à un ex qui ne disparaîtra jamais, mais aussi parce qu'il n'est pas apprécié par Richard et Emily, qui ne le jugent pas dignes d'être avec leur fille.

Le plus désolant, finalement, c'est que leur monde est tellement à part qu'ils ne font même pas preuve de mépris : pour eux, il s'agit simplement un constat. Un sentiment d'insuffisance s'installe en lui, sans qu'il n'ose le formuler, et il le prend de plein fouet quand Dean lui explique qu'il ne peut pas offrir à Lorelai ce dont elle a besoin. Selon lui, leur combat est le même, futile et voué à l'échec.

Emily prend également de plus en plus de place dans la vie de Rory, et son voyage en Europe avec sa petite-fille est en quelque sorte l'élément déclencheur d'une transformation qui couvait. La jeune femme autrefois simple prend de plus en plus goût au luxe, au faste, et commence à se sentir à l'aise dans un monde que sa mère a rejeté. Il n'est pas innocent qu'elle s'intéresse à Logan plutôt qu'à Marty : le premier peut lui faire vivre des aventures grâce à ses ressources quasi illimitées, le second n'est qu'un énième avatar du charmant garçon avec lequel on s'ennuie.

Ironique, puisque le comportement de Logan n'est pas si lointain de celui que pouvait avoir un certain Tristan. De même, l'ancienne Rory n'aurait pas accepté le poste que lui propose Mitch, et ce pour deux raisons : elle aurait tenu à le mériter, et elle aurait trouvé futile cette tentative de se rattraper aux branches après avoir été humiliée par la famille Huntzberger.

Alors qu'elle semblait faire des progrès avec un rôle plus actif dans le journal de Yale, cette mission s'avère être un échec total. Mitch Huntzberger n'est pas un homme sympathique qui est là pour faire plaisir aux gens, et il n'hésite pas à dire ce qu'il pense sans ambages : selon lui, Rory est une très bonne assistante mais n'a pas ce qu'il faut pour être une bonne journaliste. Les propos sont durs, mais il a au moins raison sur un point : malgré tous les apports de l'éducation de Lorelai, Rory est trop gentille et ne sait pas aller au-delà ce qu'on lui demande.

Une qualité pourtant essentielle pour évoluer et se démarquer des autres. Et surtout, elle n'a pas la même force que sa mère, qui a dû faire face à l'adversité très jeune et n'a reculé devant rien pour que son rêve aboutisse. Ce revers est pour elle une catastrophe, et elle remet complètement en question son avenir.

Tous ces évènements sont rudes pour Lorelai, car la relation fusionnelle qui l'unit à sa fille bat de l'aile. Ce qu'elle a essayé de lui inculquer part petit à petit en fumée, et elle s'aperçoit que le rôle de meilleure amie qu'elle tenait tourne maintenant en sa défaveur puisqu'elle ne se fait pas entendre en tant que mère. Pourtant, alors qu'elle passe la plupart du temps pour une irresponsable immature, elle gère les hauts et les bas de sa fille de manière assez remarquable, en prenant sur elle.

Mais entre le premier rapport de Rory avec Dean encore marié ou son petit séjour en prison, elle aurait pu - et dû - mettre un cadre et faire valoir son autorité, en étant plus ferme. Derrière cela se cache la peur de perdre sa fille, qui lui échappe inexorablement au profit de ses parents. Ce sentiment est latent depuis les premières saisons : même si elle ne l'avoue pas, elle souhaiterait que sa fille s'éloigne de leur monde. Mais il est sans doute déjà trop tard pour ça.

Ce n'est pas la décision prise par Richard et Emily en fin de saison qui vient contredire ce point : après avoir pourtant assuré à Lorelai qu'ils allaient l'aider pour que Rory ne quitte pas Yale, ils la trahissent en donnant leur bénédiction à leur petite-fille, tout en l'invitant à venir vivre chez eux. C'est peut-être le point de non-retour pour Lorelai, alors qu'elle commençait à gagner le respect et la fierté de son père. Plutôt que de l'emplir de colère, c'est un affront qui l'abat totalement au point qu'elle demande à Luke de l'épouser dans la foulée. Une proposition effectuée pour d'aussi mauvaises raisons ne peut qu'entraîner des conséquences fâcheuses, et le couple pourrait vite imploser.

Il a donc beaucoup de turbulences dans cette saison, car elle exacerbe les sentiments de chacun. Se concentrer sur les personnages clés était une bonne option pour amener des situations déterminantes pour l'avenir, tout en développant des relations toujours plus complexes. Dans le même temps, le changement d'ère qui avait du mal à s'amorcer est maintenant bien en place, avec notamment un Dragon Fly opérationnel. Un lieu toutefois rapidement déserté, avec un Michel de plus en plus transparent (un gâchis, à n'en pas douter) et une Sookie encore enceinte.

Il faudra attendre encore un peu pour revoir ses engueulades en cuisine avec Jackson. La ville de Stars Hollow est aussi moins mise en avant, mais il y a encore quelques bons moments, comme quand Taylor distribue des rubans rose et bleu pour diviser la ville selon deux groupes pro-Lorelai ou pro-Luke. Il y a quand même une constante : les références à la pop-culture sont toujours aussi présentes, et sont toujours très appréciables (mentionner une intégrale Cop Rock, il fallait vraiment y penser tant cette série est un OVNI télévisuel).

En quelques mots, pour conclure : c'est un très bon cru.

(voir aussi le bilan - un peu plus sommaire - de Lurdo de la saison 5 de la série, publié sur ce blog en 2012)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Cheerful Weather for the Wedding :

Dans les années 1930, une famille se prépare au mariage de l'une des leurs, dans leur manoir luxueux au milieu de la campagne anglaise. Mais celle-ci, Dolly (Felicity Jones) est cloîtrée à l'étage, étrangement déprimée et noyant ce chagrin inexplicable dans l'alcool ; au rez-de-chaussée, son fiancée Owen (James Norton), discret et bien sous tous rapports, qu'elle connaît depuis deux mois à peine ; et arpentant les couloirs du manoir, son ex-amant, Joseph (Luke Treadaway), qui semble lui aussi hanté par un secret troublant...

Adaptation d'une nouvelle de 1932, ce long-métrage anglais ressemble presque, pendant une bonne demi-heure, à un épisode de Downton Abbey sous acide, dans lequel tous les personnages auraient un répondant acerbe et sarcastique, seraient particulièrement mécontents d'être là, et l'ambiance serait nettement plus déjantée et animée qu'en temps normal. Et ça fait toujours plaisir de revoir un morceau du parcours de Felicity Jones, qui a commencé dans The Worst Witch et a terminé dans Rogue One...

Et puis tout à coup, les flashbacks s'invitent, et le film perd soudain totalement pied.

Le récit freine ainsi des quatre fers, pour se perdre dans des réminiscences sépias d'un passé idyllique, qui développent en un peu moins d'une heure ce qui prend une phrase à résumer : Dolly et Joseph ont eu une aventure, elle est tombée enceinte, et elle se marie précipitamment pour éviter le scandale.

Rien de bien neuf sous le soleil, donc, et le tout manque cruellement de punch et de mordant, que ce soit dans sa forme ou dans son fond, et surtout après cette première demi-heure enjouée. Ajoutez à cela du surjeu total sur la fin, guère aidée par une réalisation un peu lourde, et par un récit qui n'a pas vraiment de structure (tout ça ne débouche sur rien, il n'y a pas de résolution), et l'on se retrouve devant une comédie dramatique typiquement british, mais qui échoue à convaincre, ou à laisser le moindre souvenir.

Vraiment dommage que ce métrage n'ait pas conservé l'énergie de son premier tiers...

2/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Don't Think Twice :

The Commune est une troupe d'improvisation new-yorkaise composée d'une poignée d'amis soudés : Miles (Mike Birbiglia), le vétéran et mentor du groupe, un séducteur cynique persuadé de ne jamais vraiment avoir eu sa chance ; Jack (Keegan-Michael Key), le plus talentueux du groupe, et sa compagne Samantha (Gillian Jacobs), totalement dénuée d'ambition ; Bill (Chris Gethard), dont le père vient d'être hospitalisé ; Lindsay (Tami Sagher), dont la famille aisée finance toutes ses lubies ; et Allison (Kate Micucci), artiste timide et hésitante, qui ne parvient pas à terminer ses projets. Tout le monde s'entend bien, jusqu'à ce que Weekend Live, une émission nationale ultra-populaire, vienne assister à leur spectacle, et décide de recruter Jack : la jalousie pointe alors le bout de son nez, et un par un, les membres de The Commune se remettent en question, alors même que la troupe peine à trouver un théâtre où se produire... 

Mouais. Je crois qu'on pourrait dire de ce film indépendant (qui a connu un succès critique considérable outre-atlantique - pas forcément surprenant lorsque l'on connaît un peu le paysage critique US) que c'est le Funny People du monde de l'improvisation.

Comme le film de Judd Apatow sur le monde du stand-up, on a droit ici à un réalisateur-scénariste-acteur-ancien comique d'improvisation qui s'intéresse aux coulisses de l'une de ses passions, et qui en tire un métrage gentiment nombriliste, sérieux et semi-dépressif, au rythme volontairement lent et pesant, et à la distribution intéressante.

Le problème étant qu'on ne rit pas beaucoup (voire pas du tout - les moments d'improvisation scénique étant à 95% plats et insipides), et que quasiment tous les personnages sont assez antipathiques (égocentriques, jaloux, mesquins, aigris, ambitieux...) ; les deux seuls qui s'en sortent à peu près étant les deux interprètes principaux, Keegan-Michael Key et Gillian Jacobs, qui sont aussi les plus développés, et dont le capital sympathie naturel joue beaucoup.

Cela dit, même eux ne parviennent pas à rendre supportable cette troupe de comédiens pas drôles, qui sont constamment à faire des imitations ratées, des vannes plates, et à tenter de trouver une vanne, 24h sur 24, surtout quand il ne faut pas.

Résultat, on a un peu envie de leur dire de fermer leur grande g***le, et on ne s'attache jamais à ces personnages. Et pourtant, le script fait tout pour rendre ces protagonistes pathétiques et pour susciter l'empathie du spectateur : ils sont tous pétris de doutes et d'insécurités, ce sont tous des artistes torturés d'une manière ou d'une autre, etc, etc, etc.

Mais rien n'y a fait pour moi, pas même les apparitions de Ben Stiller, d'Adam Pally et de Lena Dunham (surtout pas Lena Dunham !) : cette étude de personnages sera peut-être captivante pour les amateurs d'improvisation et de comédiens de stand-up, mais en ce qui me concerne, c'est un énorme bof, d'autant que le script est ultra-balisé, façon 1) tout va bien, 2) les tensions montent, et le groupe finit par éclater en se disant ses quatre vérités, et 3) une fois l'abcès percé, tout le monde se réconcilie, happy end, youpi.

Un cheminement dramatique basique, mais aussi assez forcé, et qui, sans personnages attachants, tombe totalement à plat.

2.5/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Jack Reacher - Never Go Back :

De retour de mission, Jack Reacher (Tom Cruise) arrive à Washington pour inviter son contact militaire, le Major Susan Turner (Cobie Smulders) à dîner. Il découvre alors qu'elle a été arrêtée et inculpée d'espionnage, ainsi que du meurtre de deux soldats, en Afghanistan. Convaincu de son innocence, Reacher décide de mener l'enquête, mais se trouve bientôt lui aussi accusé de meurtre ; comprenant que lui et Susan sont les victimes de sinistres machinations militaires, Reacher tente alors de résoudre cette affaire, tout en essayant de déterminer si la jeune Samantha (Danika Yarosk) est bel et bien la fille qu'il n'a jamais connu...

Je me souviens avoir vu Jack Reacher, en 2012 ou 2013. Je me souviens aussi d'un certain enthousiasme, d'une certaine hype dans certains cercles, principalement dûs à Christopher McQuarrie, le scénariste d'Usual Suspects qui s'occupait là de la réalisation, et à l'approche très polar rétro-70s du métrage, qui tentait de renouer avec un certain âge d'or du genre.

La seule chose dont je ne me souviens absolument pas, c'est du film. À peine me reste-t-il un vague souvenir d'un Cruise qui balançait des répliques pseudo-badass, de Rosamund Pike en avocate insipide, et d'un Werner Herzog en grand méchant cabotin et improbable : tout le reste a été instantanément oublié, et je n'ai jamais eu la moindre envie de le revoir.

Donc forcément, une suite... disons que je ne l'ai regardée que pour Cobie Smulders (cruellement sous-exploitée dans le Marvel-verse cinématique) dans un rôle d'action. Et la demoiselle est bien le seul intérêt de ce thriller ultra-poussif et générique, qu'on dirait tout droit sorti d'un bac à dvd des années 90, avec un Seagal ou un Van Damme en tête d'affiche : même script basique et blindé de clichés, même musique insipide, même réalisation médiocre, même montage cache-misère (les quelques scènes d'action, déjà faiblardes, manquent cruellement d'impact ou d'efficacité tant le montage sabote tout), même cadre "exotique" jamais exploité correctement (du côté de chez Seagal & co, ce sont les pays de l'Est, ici, c'est la Nouvelle-Orléans), mêmes méchants caricaturaux, et même rythme anémique.

Autrement dit, absolument aucun intérêt, et on s'ennuie pas mal devant ce récit générique au possible, pour ne se réveiller brièvement que lorsqu'on aperçoit un visage familier ici ou là (comme Jessica Stroup, ou ce bon vieux Robert Knepper). C'est peu.

1.75/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Le Bon Gros Géant (The BFG) :

Orpheline âgée de 10 ans, Sophie (Ruby Barnhill) est insomniaque. Une nuit, par la fenêtre de son orphelinat, elle aperçoit un géant qui se promène dans les rues de Londres. Mécontent d'avoir été surpris, ce Bon Gros Géant (Mark Rylance) enlève alors la fillette, et la ramène avec lui au Pays des Géants. Là, Sophie découvre que le BGG est le plus petit de tous les géants, et que ses semblables sont tous agressifs et mangeurs d'homme. Avec l'aide du BGG et de la Reine d'Angleterre (Penelope Wilton), Sophie va alors tenter de mettre un terme à cette menace improbable...

Adaptation d'un roman pour enfants de Roald Dahl par Steven Spielberg, ce BGG (quel titre affreux) est aussi l'un des rares plantages financiers du réalisateur, tant le film a été mal reçu par le public, à sa sortie en plein été 2016.

Les critiques, elles aussi, n'ont pas vraiment été beaucoup plus tendres, et pas forcément à raison : si le rythme du métrage est en effet très inégal (il y a facilement 15 minutes de trop), la plupart des défauts soulevés par les critiques étaient inhérents au récit de Dahl.

D'ailleurs Roald Dahl a toujours été difficile à adapter de manière satisfaisante à l'écran, et les adaptations les plus fidèles de ses oeuvres ont souvent initialement été mal accueillis : ici, pour peu que l'on adhère un minimum à la direction artistique, notamment des créatures de synthèse (joli boulot d'animation et de rendu made in ILM et Weta, même si l'on finit par remarquer quel plan a été fait par quelle compagnie ^^), le tout est très bien filmé, bien interprété, très fidèle au récit originel, le score de Williams est très Potterien, et ça finit même par devenir assez amusant dès que la Reine d'Angleterre débarque dans l'histoire.

Alors certes, le récit est très simpliste, parfois puéril, et le langage du géant peut finir par lasser, mais la plupart de ces problèmes sont, encore une fois, inhérents au livre de Dahl. Cela dit, je peux comprendre qu'on fasse une allergie au tout-numérique, ou à la tonalité clairement enfantine (et assumée comme telle) du métrage.

Une chose est sûre : ce BGG est fréquemment comparé, en mal, à Peter et Elliott le Dragon (2016), que j'ai critiqué ici-même la semaine dernière... mais j'ai préféré ce Bon Gros Géant qui, au moins, a des couleurs et de l'imagination.

3.75/6