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Portage télévisuel de la franchise Benjamin Gates (des films très médiocres, mais qui pourtant, nostalgie aidant, sont devenus cultes pour une certaine tranche démographique) pour Disney +, ce National Treasure : Edge of History se veut une adaptation young adult de cet univers, répondant très fort au cahier des charges de Disney en matière de diversité et de représentativité, et se déroulant en 10 épisodes de 45 minutes environ...

Trésors perdus - Le Secret de Moctezuma, saison 1 (National Treasure : Edge of History, season 1 - 2022) :

Jess (Lisette Olivera) une immigrante clandestine vivant en Louisiane, apprend la mort de Peter Sadusky (Harvey Keitel), ancien agent du FBI, peu de temps après que ce dernier lui ait remis un message à transmettre à son petit-fils, Liam (Jake Austin Walker), musicien local. Rapidement, elle comprend que Sadusky est mort en protégeant la piste d'un trésor panaméricain légendaire, dont elle détient peut-être la clef dans le pendentif qu'elle porte autour du cou. Traquée par la trafiquante d'antiquités Billie Pierce (Catherine Zeta-Jones) et ses hommes, Jess, ses amis Tasha (Zuri Reed), Oren (Antonio Cipriano) et Ethan (Jordan Rodrigues) ainsi que Liam, tentent alors de trouver le trésor avant Billie, qui veut le détruire au nom d'une organisation secrète malfaisante...

Une série Disney + chapeautée par un duo de scénaristes ayant travaillé sur les deux films originaux, et n'ayant rien fait de particulièrement probant depuis 2009, ça pouvait laisser dubitatif.

En voyant le premier épisode et sa police de caractères Papyrus, sa Catherine Zeta-Jones lookée comme Sharon Stone, son Harvey Keitel grabataire qui est aussitôt kelleyrisé, et sa distribution United Colors of Benetton bourrée de clichés (l'héroïne latina immigrée clandestine, sa meilleure copine black sassy influenceuse super-hackeuse pianiste et militante, leurs compères le méditerranéen maladroit et glandeur et l'asiatique sérieux et responsable qui fréquente une métisse pakistanaise, le musicien blond venant du Sud profond des USA), on pouvait continuer à se méfier devant ce qui semblait être un programme ultra-formaté, calibré, voire pensé de manière algorithmique.

Et rapidement, cette méfiance se confirme, au fil des épisodes, à mesure que les livres d'Histoire sont maltraités, que les protagonistes font alternativement preuve d'une stupidité confondante et de connaissances historiques qui feraient pâlir d'envie Indiana Jones, que les coïncidences abusives et les déductions approximatives se succèdent, que le spectateur a droit à des leçons de morale sur la manière (effectivement) indigne dont les Blancs traitent les minorités depuis toujours, etc, etc, etc...

Pour ne rien arranger, la série semble persuadée que son héroïne (qui a de faux airs de Zendaya dans certaines de ses expressions sérieuses) et le musicien au charisme négatif ont une alchimie torride, et consacre une partie non-négligeable de son temps à cette relation naissante, et à un pseudo-triangle amoureux qui en découle. Malheureusement, ça tombe totalement à plat, et ça donne même lieu à un numéro de danse WTF sur du Lady Gaga, en plein bal du Gouverneur.

Mais si, à la limite, tout ça avait un semblant d'intérêt ou de cohérence sur le fond, ça passerait. Seulement voilà, entre les anachronismes, la fascination des Américains pour les Francs-maçons et pour Elvis (l'indice enregistré sur un vinyle d'Elvis, j'en ris encore), la résolution des énigmes mise en images façon Psych, les "casses" mollassons et surtout le rendu hypra-cheap de tous les pièges, les artefacts et les temples (le budget n'est clairement pas passé dans la direction artistique ou les accessoires), on passe son temps à soupirer devant ce récit d'aventures très approximatif, aux rebondissements télégraphiés, et qui a une forte tendance à introduire des personnages secondaires pour les tuer deux épisodes plus tard.

CZJ est cependant assez efficace en méchante, et la jeune agente du FBI remplit bien son office, mais dans l'ensemble, National Treasure : Edge of History est une déclinaison très faiblarde d'une franchise qui l'était déjà pas mal, et ne plaira probablement qu'au public jeune pour lequel elle a été conçue.

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Série en deux saisons de 13 épisodes (techniquement, une saison de 11 épisodes + un épisode pilote double, et une saison de 13 épisodes) diffusée en été sur CBS (forcément) et chapeautée par un duo de scénaristes de Warehouse 13, Human Target et Limitless, Blood & Treasure se voulait un programme léger et plein d'aventures autour du monde, à la recherche d'antiquités et de méchants trafiquants.

La série, cependant, est passée totalement inaperçue, et a été annulée au terme de sa seconde année, après avoir été reléguée sur Paramount +. Méritait-elle mieux ?

Blood & Treasure, saison 1 (2019) et saison 2 (2022) : 

- Saison 1 (2019) : Danny McNamara (Matt Barr), ex agent du FBI spécialisé dans la traque d'antiquités volées, est contraint de refaire équipe avec Lexi (Sofia Pernas), son ex, une voleuse d'origine egyptienne, pour tenter de retrouver la trace des sarcophages de Marc Antoine et de Cléopatre avant que Karim Farouk (Oded Fehr), un dangereux terroriste, ne s'en empare à des fins sinistres...

Une première saison assez légère mais qui, soyons francs, n'a honnêtement que 7 ou 8 épisodes de contenu, au maximum : la traque du méchant terroriste à ses limites, même avec d'innombrables rebondissements et surprises (globalement très prévisibles : la série ne fait pas dans la subtilité, et les retournements de situation et fausses identités sont globalement télégraphiés), et sur la durée, il y a des redondances et des épisodes inutiles.

Pour compenser, le programme repose beaucoup sur sa distribution plutôt sympathique (le couple principal fonctionne bien, les personnages secondaires sont amusants - Shaw le vendeur d'armes, Chuck le prêtre, Gwen la fliquette nordique pince-sans-rire), sur une énorme dose de shipping entre ses leads, et sur son aspect globe-trotting, qui envoie ses personnages/ses acteurs aux quatre coins de la planète, sur la piste de Nazis et de méchants terroristes arabes.

Ça ne révolutionne rien, ça assume totalement son côté aventures décomplexées et ses références (un petit cri de Wilhelm dans chaque épisode), il y a quelques caméos qui font plaisir (Marc Valley, Anna Silk), et si la tendance à la conspiration internationale et aux Confréries antiques fait un peu lever les yeux au ciel ("tu descends directement de Cléopatre", *soupir*), ça se regarde plutôt bien.

Après, encore une fois, ça reste une série de network à l'écriture inégale, avec de grosses ficelles et des raccourcis frustrants et qui peine un peu à justifier ses 13 épisodes et son rythme. En tout cas, la fin n'appelait pas de suite.

- Saison 2 (2022) : Alors que le Khan, un dangereux terroriste d'origine asiatique, laisse sa marque partout dans le monde, Danny et Lexi partent en quête de l'Âme de Gengis Khan, une relique légendaire traquée par le Khan pour ses supposés pouvoirs mystiques...

On prend les mêmes, et on recommence... quasiment à l'identique, en fait, puisque les scénaristes reprennent la course autour du monde à la recherche d'une relique (sauf qu'ici, on est en Asie au lieu d'être de l'autre côté du globe), remplacent les Nazis par les Soviétiques, Farouk et sa fausse identité par Khan et sa fausse identité, etc.

Le schéma de la saison est le même, ses ventres mous identiques, les enjeux bioterroristes similaires (en saison 1, ça tournait autour d'une biotoxine retrouvée dans le tombeau de Cleopatre, en saison 2, c'est la mise au point d'un virus pandémique à partir de l'ADN de Genghis Khan retrouvé sur la relique), ses rebondissements similaires (sur l'identité de Khan, donc, mais aussi sur la nature réelle du plan ourdi par ce dernier), et le tout, en mettant l'accent (peut-être plus que jamais) sur le shipping entre Danny et Lexi.

Bref, on a un peu l'impression, cette année, d'assister à une version remastered de la première saison, dans de nouveaux décors, mais avec beaucoup trop de similarités pour convaincre. Pourtant, le programme fait son possible pour apporter un peu de variété (superficielle) : on retrouve Shaw en Asie, où il tient un bar avec l'aide d'un Demi-Lune précoce ; Chuck devient évèque, et mène l'enquête au Vatican pour y dénoncer une corruption ; Kate (Victoria Diamond), la fille de Reece (John Laroquette, en saison 1), rejoint un temps l'équipe en tant que représentante de la CIA ; Simon Hardwick (James Callis) reprend du service (de manière un peu forcée, mais bon) ; un épisode tout entier ramène Marc Valley pour donner à son personnage des adieux émouvants ; Violet (Michelle Lee), une voleuse amie de Lexi, se joint à la troupe...

Mais si le tout reste sympathique à suivre, et globalement dépaysant, les problèmes de la saison 1 sont toujours présents, parfois même renforcés (certaines scènes d'action paraissent trop approximatives, limitées par le budget et le temps de tournage), et la dernière ligne droite de la série est bien symptomatique du déséquilibre fondamental du programme : Blood & Treasure veut être à la fois un récit d'aventures internationales, avec voyages, pays exotiques, tombeaux, mysticisme, etc, et un technothriller avec des menaces à l'échelle mondiale.

Seulement voilà, sans le rythme ni le budget, tout ça n'est que partiellement convaincant : ici, le virus qui contamine supposément toute l'Europe, suivi du crach bancaire international, avec passage par les banques du Vatican, tout ça, c'est tellement capillotracté (et paradoxalement étriqué - on nous parle de catastrophe planétaire potentielle, mais ça n'en a jamais l'ampleur à l'écran) que la fin de la saison tombe un peu à plat.

Dommage, parce que le cast reste sympathique, et le tout se fait dans une bonne humeur toujours agréable. Mais je ne suis guère surpris de l'annulation de la série, en tout cas, une série aux bonnes intentions, à l'exécution honorable, mais au final probablement trop chère à produire pour un résultat et un succès trop limités.

En l'état, on est plus près d'une série de syndication comme on pouvait en trouver pas mal il y a 15-20 ans (forcément, vu le passif des showrunners/scénaristes du programme)... mais qui, aujourd'hui, dans le paysage audiovisuel actuel, n'avait que peu de chances de trouver sa place.

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## Au programme : des films et des séries, pour un minimum de quatre critiques par semaine... ##

Indiana Jones et le Cadran de la destinée (Indiana Jones and the Dial of Destiny - 2023) :

Alors qu'il part à la retraite, seul et râleur, Indiana Jones (Harrison Ford) renoue avec sa filleule Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge), arnaqueuse et trafiquante d'antiquités, qui recherche le cadran d'Archimède, aux supposés pouvoirs magiques de voyage dans le temps. Mais Jürgen Voller (Mads Mikkelsen), un ancien nazi travaillant désormais pour le gouvernement américain, a lui aussi des vues sur l'objet, avec pour but de repartir en 1939 et mener l'Allemagne à la victoire...

Adieu Spielberg et Lucas, place à James Mangold (Logan), David Koepp et deux scénaristes qui ont la côte en ce moment, pour le premier Indiana Jones non chapeauté par l'équipe habituelle, avec un Harrison Ford octogénaire dans le rôle d'un Indy vieillissant qui peut remercier ses cascadeurs...

Et pourtant, c'est plutôt agréable à suivre, et j'ai probablement préféré cet opus au Crâne de Crystal (il faudra voir comment ça vieillit), notamment parce que Mangold s'efforce systématiquement d'éviter ce sentiment de décors de studio qui hantait pontuellement le précédent volet.

Ici, on embarque dans une course poursuite à travers le monde, plutôt ludique et intéressante, et qui revisite toutes les figures imposées de la franchise en en changeant un peu la dynamique, vieillard et trentenaire sarcastique obligent.

Tout le monde tient bien son rôle (y compris Ford, motivé), mais... difficile de s'enthousiasmer totalement pour un métrage de ce type. Déjà, pour des problèmes de rythme : le film dure plus de 2h30, et c'est facilement 20-25 minutes de trop.

Des minutes qui se retrouvent dans la multiplication de poursuites à rallonge, et dans une longue introduction en flashback, durant la Seconde guerre mondiale, dont auraient facilement pu être amputées une dizaine de minutes.

Mais voilà, Mangold était clairement impressionné par la technologie de rajeunissement numérique d'ILM, qui, combinée à des cascadeurs et à des doublures, permet de suivre un jeune Harrison Ford pendant plus de vingt minutes d'introduction : et il faut bien admettre que le résultat est assez bluffant, du moins pendant un temps. Car si technologiquement, ça fonctionne 70-75 % du temps, une partie des mouvements et la voix de ce "jeune" Indy restent ceux du Ford de 80 ans, dont la carrure, la posture et le timbre ont changé.

Ça ne convainc donc que partiellement, mais si le film joue la carte de la nostalgie, un peu comme le précédent (avec Sallah, Marion, etc), c'est ici plus modéré, et ça passe mieux.

Reste que le tout n'a jamais le panache formel ou l'énergie des films de Spielberg, et qu'un peu à l'image de Ford, on sent le film parfois à bout de souffle, essayant désespérément de retrouver le côté épique d'antan, sans totalement y parvenir.

Pas désagréable, mais pas non plus exceptionnel.

(bizarrement, j'aurais bien aimé voir ce que Spielberg aurait fait de ce script, à la place du Crâne de crystal)

3.5/6 

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The Book of Clarence (2023) :

Le destin de Clarence (LaKeith Stanfield), jeune dealer bon à rien de Jérusalem et frère jumeau de l'apôtre Thomas, qui pour échapper à l'un de ses créanciers et prouver que c'est à la portée de tout le monde, décide de devenir lui-même Messie, avec l'aide de son fidèle compère Elijah (RJ Cyler) et de Barrabas (Omar Sy), un esclave affranchi...

Une comédie très particulière et assez difficile à cerner, tant elle part dans de multiples directions à la fois. Au premier abord, ça ressemble à La Vie de Brian, mais en mode "in the hood", où peuple juif/culture afroaméricaine, armée romaine/police, racisme/antisémitisme, harem/strip-club ne feraient plus qu'un, avec pour personnage principal un hustler cynique et sceptique prêt à tout pour s'enrichir. 

Mais rapidement, on réalise que le ton est bien différent d'une comédie à la Mel Brooks ou à la Python. Tour à tour, le film se fait ainsi méditation, romance, péplum, film d'action, parodie rigolarde, film d'exploitation, stoner movie, film fantastique, manifeste anti-racisme et tragédie religieuse façon Passion du Christ... et ce de manière un peu désordonnée et chaotique, au détriment du film.

Certains critiques y ont vu là une métaphore de la manière dont chacun interprète l'histoire de Jesus à sa sauce, au travers de son propre prisme, ce qui se reflèterait donc ici dans les différents tons adoptés par le film au gré de ses scènes.

Je crois plutôt que c'est le symptome d'un film probablement trop ambitieux pour son propre bien. Et cela se traduit aussi par un résultat final en demi-teinte. Oui, comme je viens de le dire, c'est un film ambitieux, une approche irrévérencieuse de la Bible, avec Benedict Cumberbatch dans un rôle de mendiant au destin improbable, un gladiateur immortel, et énormément d'idées excentriques... jusqu'à ce que ce ne le soit plus, et que Clarence trouve la Foi. 

Le film retombe alors sur des rails plus mélodramatiques, qui restent entrecoupés de ruptures semi-comiques, et ça finit par ne plus fonctionner réellement.

Jamais vraiment ouvertement drôle, jamais vraiment ouvertement romantique, jamais vraiment ouvertement transcendant, jamais ouvertement revendicatif, The Book of Clarence finit par être décousu, un patchwork amusant d'idées et de scènes intéressantes, de messages et de points de vue intriguants, qui ne se cristallise jamais en un film cohérent et efficace, pas aidé par une durée un peu abusive de plus de deux heures.

Un OFNI, donc, assez imparfait, souvent en roue libre, mais qui mérite le coup d'œil.

3.25/6

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Mise en chantier dès 2017, cette préquelle à la série des films John Wick a longtemps tourné en rond en préproduction, initialement pour Starz, puis revendue et diffusée, finalement, sur Peacock, la plateforme de NBC. Au programme, un format atypique de 3 x 90 minutes, sous la supervision des scénaristes des médiocres Turkey Bowl et Mise à l'épreuve 1 et 2... ce qui, bizarrement, donne un résultat qui est loin d'être inintéressant.

The Continental - From the World of John Wick (2023) :

Lorsque son frère aîné Frankie (Ben Robson) trahit Cormac O'Connor (Mel Gibson), le gérant de l'hôtel Continental (et le dirigeant de tout le monde criminel qui gravite autour du bâtiment), et lui dérobe une presse destinée à la frappe de médaillons très spéciaux, Winston Scott (Colin Woodell) est amené contre son gré à New-York, pour y être interrogé par Cormac. Mais bien vite, à la mort de Frankie, Winston va commencer à réunir autour de lui des ennemis de Cormac pour se venger, et prendre d'assaut le Continental...

Soyons francs : la franchise John Wick ne brille pas forcément par son worldbuilding, assez bordélique et qui semble souvent improvisé au fil des chapitres, pour le meilleur et pour le pire. Le côté positif, c'est que ça donne aux John Wick une identité certaine, reposant sur cet univers improbable assez marqué sur le plan du style et sur ses scènes d'action mémorables. Le côté négatif, c'est que la franchise bascule fréquemment dans le too much, et peut faire lever les yeux au ciel, même chez les amateurs de films de genre.

Et puis les John Wick ont tendance à avoir des difficultés à gérer leur rythme, avec des récits souvent trop longs pour leur propre bien.

Sans surprise, donc, on retrouve ici, dans cette préquelle racontant les origines du personnage de Ian McShane, la plupart des défauts et des qualités des John Wick, mais en mode plus télévisuel. 

Sur le plan stylistique, la série est largement dépendante de l'époque à laquelle elle se déroule : les années 70. Une époque vue par un prisme très pop culture, avec sa blaxploitation, son kung fu, sa pègre, etc, et sa bande-originale juke-box bourrée de morceaux de funk et de disco. C'est sympathique (même si ça frôle fréquemment l'overdose), et ça s'accompagne d'efforts de mise en scène, notamment dans les transitions entre les scènes, le montage et les mouvements de caméra.

Ce n'est pas parfait (les extérieurs de New-York sont bien trop propres, avec un éclairage trop plat), mais il y a là plus de style et d'identité visuelle que dans multiples séries tv "prestigieuses" récentes. À l'identique, tant que l'on parle des bons côtés, l'univers conserve son excentricité, et l'interprétation est plutôt solide (même si Mel Gibson est en roue libre en über bad guy priant Dieu).

Le rythme, par contre, ne répond pas vraiment à l'appel. 3 x 90 minutes, c'est soit un peu trop, soit pas assez, et la série se retrouve à sous-développer certains personnages secondaires, et à en surdévelopper inutilement d'autres, comme Lou, l'afroaméricaine qui fait du karaté, a des daddy issues, déteste les armes à feu et se bat pour sauver le dojo familial des méchants criminels de China Town, ou encore la fliquette et son aventure extraconjugale avec un collègue marié.

Le programme ne résiste en effet pas aux tendances actuelles du streaming américain, et accorde ainsi beaucoup de place à ses personnages féminins, qui se chargent de l'essentiel de "la bagarre", quitte à faire des hommes de la série des protagonistes souvent médiocres, uniquement capables d'utiliser des armes à feu : on retrouve là un peu de ce qui faisait le cinéma d'exploitation de l'époque (avec ses femmes fortes et badass), mais comme on est sur le petit écran, et en 2023, c'est gentiment maladroit, et ça semble nettement moins naturel.

D'autant que niveau action, si la série assure le quota (surtout dans sa dernière ligne droite), elle souffre aussi de problèmes évidents, avec des affrontements un contre un artificiellement accélérés de temps à autre, et des limites de budget évidentes çà et là (je ne sais toujours pas si la poursuite en voiture fragmentée de l'épisode 1 était un choix créatif ou la conséquence d'un rendu un peu trop cheap coupé au montage).

Bref : The Continental n'est pas très bien rythmé, l'action est un cran en deçà des films, les personnages ne sont pas tous très bien écrits, et ça fait ponctuellement un peu étriqué, mais dans l'ensemble, ça reste bien plus regardable que ce que l'on aurait pu croire, et l'on retrouve tout de même la vibe John Wick que l'on attend d'un tel projet.

Agréable, pour peu que l'on apprécie l'univers.

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Tentative HBO Max de renouer avec les séries câblées courtes et dynamiques des années 2000-2010, Minx proposait une première saison agréable, à défaut d'être particulièrement indispensable ou mémorable. Annulé au beau milieu de la production de sa seconde saison, et sauvé in extremis par Starz, le programme est donc revenu pour huit épisodes de 25-30 minutes (passés inaperçus au beau milieu de la grève des scénaristes) avant d'être définitivement annulé sur la lancée.

Passage en revue de cette ultime saison, donc...

Minx, saison 2 (2023) :

Entouré d'un buzz incroyable, Minx est courtisé par toutes les maisons d'édition, mais Doug (Jake Johnson) et Joyce (Ophelia Lovibond) finissent par opter pour le financement indépendant proposé par Constance (Elizabeth Perkins), une riche investisseuse veuve et intraitable. De quoi bouleverser le destin du magazine, d'autant que ses employés aspirent, eux aussi, à plus d'indépendance et de liberté...

Pour cette saison 2, je fais un peu le même constat qu'au cours de la saison 1 : Minx, c'est sympathique, la reconstitution de l'époque est efficace (même si occasionnellement, la photographie abuse un peu de l'esthétique 70s et des tons sépias), la distribution est excellente (mention spéciale à Lennon Parham, dont le personnage passe par toutes les étapes de la libération sexuelle, depuis son côté coincé de la saison 1, jusqu'à sa transformation en dominatrice organisant d'une main de fer les key parties de son quartier, en passant par son attirance pour Bambi) et globalement, ça se regarde plutôt bien... mais ça ne va jamais vraiment plus loin que ça.

Ponctuellement, la série propose des événements assez drôles (la projection de Deep Throat, la Bataille des Sexes), mais elle a aussi tendance à proposer des rebondissements prévisibles (Richie et ses photos de la descente policière sur les bains publics ; tout ce qui touche à la direction du magazine imposée par Constance), des tensions parfois artificielles (oui, toute la saison repose sur la notion d'empowerment, de développement et de croissance personnelle de ses personnages féminins - et gays - mais Doug, lui, est un peu laissé pour compte, fréquemment dépeint comme le méchant de service, plus ou moins rejeté par tout le monde à la fin)... débouchant in fine sur une fin très ouverte, qui laisse énormément d'intrigues en suspens.

Ce qui, forcément, frustre plus qu'autre chose, comme la série a été annulée.

Et puis aussi parce que le rythme du tout est un peu décousu, ou du moins, que ça s'éparpille un peu, que les embryons de sous-intrigues futures ne sont pas forcément totalement convaincants (Bambi et Jim Jones, vraiment ?) et que j'ai toujours un peu de mal avec le message féministe de la série, parfois un peu pataud, parfois un peu hors-sujet, bref, parfois un peu trop américain.

Mais bon, comme je le disais plus haut, malgré ses défauts et son annulation précoce, la saison 2 de Minx se regarde sans problème. C'est toujours ça de pris.

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The Iron Claw (2023) :

Dans le Texas des années 80, les Von Erich ne vivent que par et pour le catch américain : ancien footballer professionnel et catcheur possédant désormais un territoire local, Fritz Von Erich (Holt McCallany) est un père dur et exigeant, qui rêve de voir ses fils connaître le succès qui lui a toujours échappé. Kevin (Zac Efron), l'aîné et le plus prometteur, peine cependant à se défendre au micro et voit des opportunités lui passer sous le nez pour cette raison ; David (Harris Dickinson), lui, est au contraire particulièrement confortable dans ce domaine ; Kerry (Jeremy Allen White), athlète universitaire, rejoint la dynastie en cours de route, et trouve aussitôt ses marques ; et Mike (Stanley Simons), enfin, n'a que peu d'intérêt dans la discipline, préférant une carrière dans le monde de la musique. Mais au fil des ans, des abus, des tragédies et d'un père toujours plus strict et autoritaire, le clan Von Erich commence à tomber en morceaux...

Un biopic dramatique centré sur la famille Von Erich, réputée dans le monde du catch  US pour sa "malédiction", à savoir les nombreux drames qui se sont succédés au cours de son histoire... ici, c'est par le filtre A24 et devant la caméra du réalisateur de Martha Marcy May Marlene (qui avait révélé Elizabeth Olsen) que cette histoire sombre et déprimante voit le jour, pour un film très... A24.

Comprendre qu'on est dans un drame indépendant très minimaliste dans ses effets et dans son déroulement, très calibré, et étrangement froid... ce qui n'a pas semblé déranger bon nombre de spectateurs, qui se sont empressés de crier au chef-d'œuvre, comme souvent avec les films estampillés A24.

Personnellement, je suis un peu resté à la porte de ce récit, et ce malgré mes prédispositions pour cet univers, cette histoire, et le genre du biopic. Mais non, le tout m'a semblé manquer de finesse ou de subtilité, entre les 45 premières minutes assez classiques et formatées, la succession mécanique de tragédies, la caractérisation un peu monolithique des parents, et, vers la fin, cette scène au Paradis, cheesy au possible. Bref, je n'ai pas accroché plus que ça.

D'autant que la réalisation des matches, pour la plupart en plans serrés et à la shaky cam, m'a agacé plus qu'autre chose, et que certains détails m'ont un peu frustré (le Ric Flair discount ; le physique d'Efron, qui a bien pris ses vitamines et dit ses prières, comme dirait Hulk Hogan, mais qui est presque trop boursoufflé gonflé pour vraiment bien incarner Kevin VE, qui avait 15 cm de plus qu'Efron - ce qui, visuellement, change pas mal de choses au niveau des proportions).

Ce n'est pas mauvais, c'est globalement bien interprété, et certains spectateurs y trouveront leur compte, mais ça n'a pas vraiment fonctionné sur moi.

3/6 

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Pencils vs Pixels (2023) :

Un documentaire intéressant et ludique, narré par Ming-Na, et qui retrace l'histoire de l'animation 2D, de ses différentes phases, depuis Disney jusqu'à Don Bluth en passant par la renaissance de Disney inspirée de Broadway, le développement de l'animation télévisée... et la montée en puissance du numérique.

C'est là le second thème principal du documentaire : le remplacement progressif de l'animation 2D par le numérique et l'animation 3D, au travers du succès de Pixar, et des mauvaises leçons retenues par les exécutifs des grands studios, qui ont confondu une certaine lassitude vis-à-vis de la formule Disney et le succès de Shrek et compagnie avec un signe évident que la 2D n'avait plus raison d'être.

Globalement sympathique, avec de multiples interviews (Glen Keane, Alex Hirsch, Pete Docter, Seth Macfarlane, Kevin Smith et pléthore d'animateurs) et esquisses en tout genre, le documentaire se permet une conclusion optimiste résultat à la fois de la nostalgie existant pour l'animation 2D, et de la fusion des styles et des médias, qui a permis aux animations 2D et 3D de trouver un terrain commun.

Un documentaire pas forcément parfait (c'est très américanocentrique et Disney-centrique), mais ça évite les déclarations mélodramatiques sur "la mort de l'animation 2D", pour proposer une rétrospective globale et finalement plutôt lucide du monde de l'animation.

4.5/6 

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Here Comes a New Challenger (2023) : 

Un documentaire de 2h22 (!) consacré à la franchise Street Fighter (ou plutôt : à Street Fighter II), et très clairement un travail de passionné, pour ne pas dire de fanboys, qui s'intéresse avec nostalgie à tous les aspects de la création du jeu de Capcom... 

Enfin, pas vraiment à tous les aspects, puisque le documentaire est très sélectif, et évite par exemple de mentionner les repompages flagrants des compositions musicales du jeu, ou les inspirations évidentes de certains personnages (de manière générale, l'équipe japonaise botte systématiquement en touche, et de toute façon, le documentaire est très "internet" en cela qu'il laisse beaucoup de place aux témoignages de joueurs, d'internautes, de Youtubeurs sarcastiques, de fans hardcore, plutôt que de chercher la petite bête et d'être vraiment exhaustif).

À l'identique, il ne mentionne que très sommairement la concurrence (Mortal Kombat, Art of Fighting, tout ça, sont évoqués pour souligner leurs différences, mais ça ne va pas beaucoup plus loin, notamment à propos de tout ce qui est SNK), consacre un long, long segment au film de Stephen de Souza, un autre au film d'animation que tout le monde vénère, laisse une grosse grosse place aux anciens de Capcom USA (qui, à les en croire, sont responsables de toutes les bonnes idées et de tous les succès de la franchise, et d'aucun des problèmes), et reconnaît tout de même que toutes les itérations successives de SFII ont fini par dévaluer la marque, en regrettant au passage que la franchise ne soit pas suffisamment dark et edgy (*gros soupir*).

Vue la durée du tout, à réserver aux fans, je suppose, même si l'amateur lambda restera intéressé par ce que propose le métrage, à condition d'y faire un peu de tri.

3.75/6 

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Out in the ring (2022) :

Un documentaire indépendant sur le monde du catch et la place des LGBTQ+ dans l'industrie, que ce soit du côté masculin ou du côté féminin, depuis les exoticos mexicains, Pat Patterson à la WWE, les élèves de Moolah, les premiers lutteurs flamboyants (Adrian Street, etc), l'Attitude Era avec Goldust, Billy & Chuck, Orlando Jordan, Chyna, Kanyon, etc, les nombreuses difficultés psychologiques inhérentes à la profession et à la kayfabe, etc, jusqu'à aujourd'hui, avec la présence LGBTQ+ toujours plus importante dans les fédérations majeures, à l'AEW, ou sur la scène indépendante.

Pas inintéressant du tout, même si très Américain dans sa revendication, sa demande de représentation et son formatage (avec chanson inspirante en guise de conclusion), et qu'outre l'introduction provoc' ("le catch ce sont des mecs en slip qui font semblant de se battre et se roulent par terre ensemble, c'est naturellement gay, mais les hétéros ne veulent pas l'admettre") je dois bien avouer que j'ai préféré tout le côté historique aux témoignages d'innombrables lutteurs indépendants (témoignages qui finissent tous par être similaires dans le ton, si ce n'est dans leurs grandes lignes). 

4.25/6

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Créée par Martin Gero, la saison 1 de ce reboot/suite de Code Quantum n'était pas inintéressante, mais se cherchait un peu trop pour son propre bien : avec son focus très prononcé et larmoyant sur son couple principal, une approche un peu balourde de la représentativité, des minorités et de la justice sociale, et une sous-intrigue à la Terminator opposant Ben à un autre voyageur maléfique venu du futur, Quantum Leap 2023 restait une série de network assez formatée, manquant du charme et du fun de la série originale, mais tout de même agréable et sympathique à suivre.

La série a donc repris à la rentrée 2023, avec une première fournée de 8 épisodes au format habituel, tournés et produits avant la grève...

Code Quantum, saison 2 - première partie (2x01-08 - 2023) :

Ben découvre que pour l'équipe du projet, trois années se sont écoulées depuis son dernier saut : tout le monde le croit mort, le projet Quantum Leap a été interrompu, et bien des choses ont changé, notamment du point de vue d'Addison...

Pas de surprise : le focus du show ne change pas vraiment, et la relation Addison/Ben reste au centre du programme... même s'il y a une évolution de taille, puisque cette relation se transforme en triangle amoureux. En effet, trois ans se sont écoulés pour les responsables du projet, et Addison a fait son deuil de Ben, que tout le monde croyait décédé, pour se remettre en couple avec Tom (Peter Gadiot), un ancien militaire. De quoi amener une bonne grosse dose de mélodrame larmoyant et de jalousie, ce qui manque de phagocyter un peu le programme.

D'autant que les épisodes, s'ils ne sont pas désagréables, semblent fréquemment un peu catapultés dans leur résolution, d'une façon relativement frustrante et dommageable pour le récit : après le premier épisode, qui voit Ben dans la peau d'un soldat américain écrasé avec son équipage (dont une Carol Danvers en puissance, et un soldat gay) en Russie, dans les années 70, on a droit à Ben en employée de banque qui doit sauver des otages lors d'un braquage dans les années 80, Ben qui doit aider un acteur vieillissant à renouer avec sa fille en 2000, ou encore Ben confronté à la violence et au racisme des émeutes de 1992, à Los Angeles.

Autant d'épisodes un peu inégaux, pas forcément toujours bien structurés ou réalisés (il y a çà et là un abus de plans inutilement serrés sur les visages des acteurs lors des dialogues) et qui se trouvent régulièrement parasités par le présent, un présent pas vraiment inspiré dans lequel Addison et Tom roucoulent, Magic est devenu alcoolique mais se soigne, et Ian a fait (hors champ) un pacte avec une méchante corporation pour pouvoir continuer à faire fonctionner le programme Quantum Leap en secret pendant trois ans.

Cette dernière intrigue, notamment, ne fonctionne vraiment pas, trop vague, survolée et résolue (une nouvelle fois) de manière trop facile et catapultée (espérons que les scénaristes y reviendront dans la seconde moitié de saison).

Heureusement, quelques épisodes se démarquent du lot, notamment le troisième de la saison, qui envoie Ben au Nouveau-Mexique, dans la peau d'un agent gouvernemental traquant les OVNIs. En soi, l'épisode n'est pas exceptionnel, et est une nouvelle fois parasité par la relation Ben/Addison qui se désagrège, mais il introduit le personnage de Hannah (Eliza Taylor), une serveuse intelligente et passionnée de sciences, que Ben retrouvera trois épisodes plus tard, lors d'un épisode ludique à Princeton, dans les années 50.

Là, Ben et Hannah (devenue assistante de recherche suite aux conseils de Ben) s'associent pour trouver une formule secrète d'Albert Einstein, et Ben finit par lui avouer son identité réelle : une relation qui fonctionne bien, notamment parce que les deux acteurs ont une bonne alchimie, et que cela ressemble bien à la mise en place d'un fil conducteur intéressant.

Aussitôt, cependant, les scénaristes manquent de surexposer cette relation, puisqu'après un épisode sympatoche en mode sorcières de Salem, ils envoient Ben dans un remake de Le Caire, nid d'espions, où le leaper retrouve, encore une fois, cette chère Hannah.

Une fin de demi-saison très orientée shipping, donc, et qui laisse un peu dubitatif quand à la direction de la saison. Certes, les fans de la série semblent adorer cette orientation (il faut dire que la relation Ben/Addison n'était pas très populaire dans le fandom, donc ils sont ravis que ce soit terminé), mais je m'interroge tout de même quand à la suite - Hannah est déjà surexposée, apparaissant dans 3 épisodes sur 8, et il ne fait aucun doute que cette histoire se finira mal pour le couple (ou alors, en mode Capitaine America qui assiste à la mort de Peggy Carter, trop âgée).

En parallèle, il manque en plus d'un vrai fil conducteur global, et il est probable que la grève des scénaristes ne va pas aider à donner un peu d'épaisseur au programme.

Je suis donc assez mitigé : le capital sympathie de Quantum Leap 2023 est toujours là, mais la série semble ne pas vraiment savoir où aller, ailleurs que vers plus de sentiments, plus de romance, et plus de shipping.

Pas sûr que ce soit très judicieux.

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C'est bientôt Noël : chez les Téléphages Anonymes, c'est l'heure du marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefest, et ce jusque début janvier...  

A Biltmore Christmas (2023) :

Scénariste désabusée devant écrire le remake de His Merry Wife!, une comédie romantique festive des années 40, Lucy (Bethany Joy Lenz) part séjourner quelques jours dans l'hôtel Biltmore, une luxueuse bâtisse où le film a été tourné. Là, par un tour du destin, elle découvre qu'elle est capable de remonter le temps, pour assister au tournage du film... et elle s'éprend alors de Jack Huston (Kristoffer Polaha), l'un des acteurs principaux du métrage.

Une comédie romantique Hallmark très bien accueillie par le public et les critiques outre-atlantique (souvent extatiques) et qui s'avère effectivement assez sympathique... sans plus.

Certes, la distribution est agréable (outre les leads, deux anciens de Star Trek, Jonathan Frakes et Robert Picardo, dans des petits rôles secondaires, un caméo de Rachel Boston et de Wes Brown), le récit est assez bien mené, les décors sont superbes, et dans l'ensemble, c'est efficace, mais pour être totalement franc, il aurait probablement fallu une vision/direction artistique un peu plus aboutie pour vraiment me convaincre : les images des années 40 sur lesquelles s'ouvre ce Biltmore Christmas paraissent assez cheaps et tournées à l'arrache (façon "filmons nos acteurs en HD 4K, retirons la couleur et surimposons des titres faits en trois minutes, ça fera illusion"), et l'illustration musicale, qui tente clairement de singer les bandes originales des films de l'époque, sonne souvent synthétique et parfois envahissante.

Cela dit, ça reste un projet un peu plus ambitieux que la moyenne, et hormis ce manque de "fini", A Biltmore Christmas reste une assez bonne surprise.

4/6 

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C'est bientôt Noël : chez les Téléphages Anonymes, c'est l'heure du marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefest, et ce jusque début janvier... 

Winter Break (The Holdovers - 2023) :

En 1970, dans un lycée privé américain cossu, un professeur d'histoire acariâtre (Paul Giamatti), l'un de ses élèves turbulents (Dominic Sessa) et la cuisinière de l'établissement (Da'Vine Joy Randolph) passent les vacances de Noël ensemble, seul dans des locaux déserts où ils apprennent à se connaître et à passer outre les apparences...

Une comédie dramatique américaine d'Alexander Payne, le réalisateur (entre autres) de Downsizing et de The Descendants, qui délaisse ici son collaborateur habituel, Jim Taylor, pour retrouver Paul Giamatti et tourner cette histoire hivernale sincère, touchante et authentique, très joliment filmée, avec une attention particulière portée aux détails visuels et à l'atmophère (qui font que l'on a bien souvent l'impression de regarder un film des 70s).

C'est bien interprété, c'est bien réalisé, ça reflète bien la solitude que l'on peut parfois ressentir à Noël, mais... c'est aussi un peu longuet (le film tire à la ligne, avec près de 2h15 au compteur), et ça n'évite pas quelques clichés et rebondissements prévisibles, qui affaiblissent un peu le tout.

Pas au point de vraiment être handicapant, cela dit, et The Holdovers (bravo le titre français qui passe totalement à côté du double sens du titre original) mérite tout de même son succès critique, en proposant un film de Noël différent et plus doux-amer que la moyenne du genre.

4.5/6 

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Chez les Téléphages Anonymes, de fin septembre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

Pet Sematary - Bloodlines (2023) :

En 1969, alors qu'il est sur le point de quitter sa ville natale de Ludlow avec sa petite amie Norma (Natalie Alyn Lind), Jud (Jackson White) apprend le retour de Timmy (Jack Mulhern), un ami d'enfance réputé perdu au Vietnam. Mais Timmy semble différent, violent et agressif, et bien vite, Jud découvre l'existence d'un sinistre secret local transmis de génération en génération : celui du Simetierre pour animaux tout proche, capable de ramener les morts à la vie... mais différents.

Suite/préquelle du Simetierre quelconque de 2019, ce Bloodlines n'est, ni plus ni moins, qu'un film qui serait directement sorti en DTV avant l'ère du streaming : personne ne demandait particulièrement à ce que le film voie le jour, il tente de donner des explications sur le pourquoi du comment du Simetierre (ce qui a un peu l'effet inverse, en fait, puisqu'il fait du Simetierre un lieu positif où les natifs-américains se protégeaient d'un Mal ancien à l'aide des esprits des animaux... uh ?), les morts sont immédiatement ramenés à la vie et transformés en semi-Deadites agressifs décomposés, le script ne semble avoir qu'une seule idée (un vague propos sur le Vietnam, la guerre, le PTSD) qui n'aboutit à rien, David Duchovny fait presque de la figuration, et on a constamment l'impression que des pans entiers du scénario ont été coupés au montage, surtout vers la fin.

Bref, sans être une catastophe industrielle, ce n'est pas bon, ce n'est pas intéressant, ce n'est pas tendu ou inquiétant... et la faute en revient totalement à la réalisatrice (une débutante derrière la caméra, scénariste de Sierra Burgess is a loser), au scénariste (du remake de l'Échelle de Jacob, entre autres), et à la post-production.

1.75/6 (le flashback au 17e siècle est étrangement réussi, par contre, j'aurais préféré voir un film entier là-dessus)

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L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, durant tout le mois d'octobre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques... 

Castlevania : Nocturne, saison 1 (2023) :

300 ans après les aventures de Simon Belmont et de ses alliés, Richter Belmont (Edward Bluemel) se trouve pris dans la tourmente de la Révolution française, alors que nobles et vampires s'associent pour écraser toute résistance, et pour faire place à Elizabeth Bathory (Franka Potente), messie de tous les vampires...

Je ne vais pas mentir : en voyant l'accueil ultra positif de la presse américaine (certains sites parlant même d'œuvre transcendant le genre et de meilleure adaptation vidéoludique de tous les temps), je me suis aussitôt méfié. Et rapidement, en visionnant les premiers épisodes, j'ai compris. J'ai compris que cette mini-série très... Netflix cochait toutes les cases du cahier des charges de la plateforme, ces mêmes cases qui brossent bien souvent les critiques dans le sens du poil. 

Alors certes, alors que les critiques étaient déjà en extase, j'avais eu un peu de mal avec les saisons du Castlevania de Warren Ellis... mais là, honnêtement, j'ai passé plus de temps à lever les yeux au ciel qu'à apprécier la série.

En même temps, Netflix + un scénariste anglais chapeautant un trio de scénaristes débutants issus de minorités, ça ne pouvait donner qu'une vision très... anglosaxonne/ethnocentrique de la France, de la Révolution française, et de l'esclavage - parce que oui, effectivement, le personnage principal de cette saison, ce n'est pas Richter, mais Annette, un personnage tiré des jeux vidéos mais complètement réinventé en esclave haïtienne en fuite, qui fait de la magie vaudoue, est descendante directe d'un Dieu, devient une meneuse révolutionnaire et permet aux scénaristes de faire des leçons de morale à Richter (et au spectateur empreint de white guilt) sur l'esclavage, la lutte des classes, l'émancipation, et le fait que la Révolution française est un truc de blancs qui ne fera rien pour aider les noirs opprimés, au diable la liberté, l'égalité et la fraternité.

Annette, donc, devient à son arrivée, très tôt dans la saison, le personnage le plus développé, clairement celui qui intéresse le plus les scénaristes, suivi par Maria (sa sœur dans les jeux, ici une révolutionnaire militante, magicienne/dresseuse de pokémons, fille illégitime du méchant religieux local), sa mère, et Richter arrivant loin derrière, passant le plus clair de la saison à être sous-développé, à peine compétent, même une fois qu'il retrouve son thème musical et ses pouvoirs (qui n'ont aucune efficacité face aux principaux méchants de la saison).

Et c'est à peu près à ce moment de la saison que j'ai commencé à avoir un étrange sentiment de déjà vu : pas tant vis à vis des précédentes saisons de Castlevania, qui faisaient elles aussi passer Trevor au second plan après un certain temps, mais... une adaptation animée par Netflix, qui déconstruit la figure de son héros principal pour redistribuer le pouvoir et le premier rôle à des personnages féminins forts et volontaires (dont un personnage afroaméricain inventé de toutes pièces), qui fait de l'un de ces personnages féminins badass un être à la destinée et aux origines exceptionnelles, qui fait passer son héros en retrait... ça me rappelle quelque chose, mais quoi ?

Girl power, donc, diversité et représentativité ethnique et sexuelle très accrues - un chanteur d'opéra métisse forcément gay, un soldat de l'ordre des Hospitaliers (on a échappé aux Templiers !) lui aussi gay, un vampire aztèque gay (cela dit, Olrox est probablement le personnage le plus convaincant de la saison, à la fois ambigu, séduisant, intelligent, et son background, raconté en quelques phrases, est nettement plus intéressant que les innombrables scènes d'Annette parlant de l'esclavage, blablabla), la maléfique Drolta (une vieille sorcière miteuse dans les jeux) qui devient une femme noire supersexy à l'énorme chevelure crépue/afro violette, portant latex et cuissardes à plateformes (après tout, l'internet aime les méchantes vampires sexy, il faut bien faire du fanservice, je suppose) -, quelques anachronismes flagrants, et une patte graphique toujours aussi peu emballante, du moins à mes yeux (le design de über-Bathory est immonde, mais en même temps, le personnage tout entier est raté et cliché au possible).

Ajoutez à cela un deus ex Alucard un peu agaçant, une identité musicale toujours aussi peu probante, un doublage inégal, une caractérisation féminine un peu abrasive (la caractérisation masculine n'est pas forcément meilleure, dans un autre style) et une fin en queue de poisson appelant une suite... et voilà, un Castlevania Nocturne qui se regarde assez vite de par son format et son action dynamique, mais qui m'a laissé tout aussi mitigé que les versions précédentes, voire même beaucoup plus.

Mais comme je le disais en ouverture, je ne suis pas surpris que ça ait tant plu que ça à la critique américaine, tant ça répond exactement à sa demande. Et il est probable que si le tout avait été plus subtil dans son écriture, moins "cochons mécaniquement les cases du cahier des charges Netflix", et si le style visuel n'était pas aussi polarisant, j'aurais plus apprécié.

En l'état, je commence à vraiment me lasser du format des adaptations animées Netflix.

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Interview with the Vampire, saison 1 (2022) :

Plusieurs décennies après leur premier entretien, qui s'était terminé dans le sang, Louis (Jacob Anderson) retrouve le journaliste Dan Molloy (Eric Bogosian) et lui propose de reprendre tout de zéro, pour lui raconter la vérité à son sujet : comment il a rencontré Lestat de Lioncourt (Sam Reid) au début du XXe siècle, comment il est devenu vampire, et comment cela a bouleversé son existence...

Une relecture plus contemporaine et moderne du roman d'Anne Rice, qui déplace dans le temps le récit original, et met l'accent sur des thématiques d'actualité, un peu comme Watchmen ou Lovecraft Country l'ont fait en leur temps - à savoir l'oppression des minorités raciales et sexuelles, qui deviennent ici des thématiques récurrentes de la série.

Pas forcément surprenant, puisque les récits d'Anne Rice étaient riches en sous-entendus et en second degré de lecture, mais AMC fait ici le choix d'aborder frontalement tout ça, pour le meilleur et pour le pire, en 7 épisodes d'une cinquantaine de minutes.

Et honnêtement, passé le premier épisode qui m'a laissé mitigé (les premières apparitions de Lestat, ses cheveux, son accent français très mauvais, l'illustration musicale envahissante, le décor très studio de l'appartement à Dubai), le tout se regarde plutôt bien, porté par une remise en perspective très intéressante (Louis est un menteur, il n'est pas un narrateur fiable, et Daniel Molloy passe son temps à l'interrompre et à souligner ses contradictions) qui apporte un nouvel éclairage à tout ça.

Alors ce n'est pas parfait : le couple Lestat/Louis frôle parfois le cliché du couple gay qui se dispute (Molloy le souligne d'ailleurs une ou deux fois), d'autant que Sam Reid (excellent au demeurant) appuie parfois un peu trop sur le côté maniéré flamboyant de Lestat, la série est parfois très gratuitement gore, et le personnage de Claudia (Bailey Bass) pose problème pendant un certain temps.

Ce qui n'est pas étonnant, en soi : à la base, le personnage de cette fillette vampire de cinq ans, condamnée à ne jamais grandir physiquement malgré des désirs et des pulsions de femme adulte, est globalement inadaptable tel quel. Mais la série tente ici d'avoir le beurre, l'argent du beurre, etc, en rejouant la même partition, mais en en faisant une adolescente de 14 ans (jouée par une Bailey Bass de 18-20 ans qui fait son âge) - ce qui, immédiatement, rend tout le dilemme du personnage instantanément caduque. 

On se retrouve ainsi, pendant une poignée d'épisodes, avec une Bailey Bass dans des tenues enfantines, contrainte de surjouer l'immaturité et un comportement d'enfant de 8 ans, qui sautille et glousse constamment, qui se plaint de ne jamais pouvoir connaître l'amour ou le sexe à cause de son âge physique (euh, 14 ans, pendant très longtemps, c'était l'âge du mariage... et le problème se pose encore moins vu le physique de l'actrice) et qui finit par se faire violer lors d'une fugue.

Pas vraiment un succès, sur ce front, mais Bass fait de son mieux, et s'avère une Claudia très efficace lorsque son personnage évolue et devient manipulateur et vengeur. Dommage qu'elle soit remplacée par une autre actrice dans la prochaine saison, pour des raisons mystérieuses.

Reste que la série, dans son ensemble, est assez réussie : le budget est là, l'atmosphère de la Nouvelle-Orléans aussi, les acteurs se donnent complètement à leur rôle, et l'angle du narrateur constamment remis en question est vraiment le point fort du programme, bien interprété et relativement tendu. Une bonne surprise, dans l'ensemble, même si je ne suis pas sûr que la saison 2, avec son casting et ses changements de direction inhérents au récit, parviendra à confirmer la tendance...

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The Haunting of the Queen Mary (2023) :

En 1938, à l'occasion du bal costumé d'Halloween, un couple de basse extraction, David (Wil Coban) et son épouse Gwen (Nell Hudson), diseuse de bonne aventure, parviennent à aborder, déguisés, certains des passagers les plus prestigieux du RMS Queen Mary, avec leur fille Jackie (Florrie Wilkinson). Mais cette imposture tourne vite au massacre lorsque David, possédé par un esprit maléfique, s'en prend aux passagers. De nos jours, Anne (Alice Eve) et son ex-compagnon Patrick (Joel Fry), accompagnés de leur fils Lukas (Lenny Rush), montent à bord du navire-musée pour proposer au Capitaine Bittner (Dorian Lough) un projet de visite 3D, afin de relancer l'intérêt du public pour le bateau. Les deux époques vont alors se mêler, alors que Lukas est possédé par l'esprit de Jackie, et va se trouver au centre d'une spirale infernale mêlant esprits vengeurs, sacrifice humain et phénomènes paranormaux...

Un film de hantise (mâtiné, brièvement, de slasher) anglais assez frustrant car possédant un cadre plutôt unique, bourré d'idées scénaristiques, mais totalement dévoré par un manque de recadrage et de maîtrise de la production : le film dure ainsi plus de deux heures, deux heures pendant lesquelles le scénario passe constamment d'une époque à une autre, se livre à de longues digressions documentaires (insertion de séquences documentaires, d'images d'époque, etc) et autres (un numéro de claquettes avec "Fred Astaire"), et ressemble très (trop) souvent à un projet de passionné qui n'aurait jamais dû être produit tel quel, sans un bon élagage du script.

Ce Haunting of the Queen Mary s'éparpille en effet tellement que les personnages en viennent à être sous-développés, à avoir des réactions étranges (parfois expliquées ultérieurement en flashback, parfois non), à devenir antipathiques, bref, la caractérisation souffre beaucoup de ce récit brinquebalant, dont ne sortent indemnes que les deux enfants (finalement assez peu présents).

Niveau formel, il y a là aussi quelques jolis plans et mouvements de caméra, ainsi qu'une gestion compétente de l'espace du navire, et les effets sont assez réussis, mais là aussi, le réalisateur de Dracula Untold noie ses bonnes idées dans un trop plein de tout, qui dilue l'efficacité du métrage et frustre.

Dans l'ensemble, donc, ce n'est pas inintéressant, mais c'est tout de même globalement inabouti.

2.5/6 

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La Chose derrière la porte (2023) :

Dans l'Est de la France, à l'époque de la Première Guerre Mondiale, Adèle (Séverine Ferrer) ne se remet pas de la mort de son époux Jean (David Doukhan) dans les tranchées, et décide de faire appel à des forces surnaturelles pour récupérer son époux. Mais celui-ci, né de la nature, s'avère bien plus dangereux que prévu...

Un film d'horreur "paysanne" (de la folk horror, chez nos amis anglosaxons) made in France qui est relativement bien filmé, visuellement, mais n'a pas grand intérêt sorti de cela.

Le plus gros du film est en effet sans dialogues (que ce soit afin d'alléger la charge de travail de Séverine Ferrer, pour laisser de la place à la bande originale, ou pour tenter d'établir une ambiance lourde de non-dits et de silence, ça ne fonctionne pas particulièrement), ça n'est pas très palpitant ou captivant, et en réalité, ça ressemble plus à un pitch de court-métrage d'une vingtaine de minutes transformé/étiré en long-métrage de manière un peu artificielle (le film dure 70 minutes à peine, générique de fin exclus, voire moins si l'on omet l'introduction inutile). 

Bref, ce n'est pas abouti, malgré un postulat de départ intriguant (le titre, cela dit, n'est pas très probant et est presque hors-sujet).

1.5 + 0.5 pour les effets spéciaux/les créatures, réussis = 2/6 

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Brooklyn 45 (2023) :

En décembre 45, à Brooklyn, des amis de longue date et anciens militaires - Marla Sheridan (Anne Ramsay), ex-interrogatrice, le Major Archibald Stanton (Jeremy Holm), soldat homosexuel accusé de crimes de guerre, le Major Paul DiFranco (Ezra Buzzington), aigle va-t'en-guerre - rendent visite, accompagnés de Bob (Ron E. Rains), le mari de Marla, au Colonel Clive Hockstatter (Larry Fessenden), officier supérieur déprimé par le suicide récent de son épouse. Rapidement, celui-ci leur révèle qu'il veut contacter feue son épouse par le biais d'une séance de spiritisme... mais l'expérience ne va pas se dérouler comme prévu.

Une production Shudder assez unique en son genre, qui s'ouvre et se ferme avec des changements de format d'image (4/3 noir et blanc -> 4/3 couleur -> format normal) et qui aurait très bien pu être une pièce de théâtre, puisque le tout est un gros huis-clos se déroulant dans une seule et même pièce, et que, finalement, le fantastique est limité à la brève séance du début, et à la dernière vingtaine de minutes.

Entre deux, trois quarts d'heure de thriller paranoïaque sur des militaires traumatisés par leur expérience durant la Seconde Guerre Mondiale, et qui voient des Nazis partout : c'est tendu, c'est intense, parfois ambigü, ça en dit beaucoup sur la guerre et la manière dont elle marque les hommes, bref, c'est très réussi, même si l'on ne peut s'empêcher de se dire que le tout aurait fait un excellent épisode d'anthologie au format 60-65 minutes, plutôt qu'un bon long-métrage de 95 minutes.

C'est une excellente surprise, en tout cas, avec une interprétation impeccable et marquante.

4.5/6

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R.I.P.D. 2 - Rise of The Damned (2022) :

Lorsqu'il trouve la mort dans une fusillade, le Shérif Roy Pulsifer (Jeffrey Donovan) est recruté par le R.I.P.D., le service des forces de l'ordre de l'au-delà. Mais alors qu'il aimerait se venger de son assassinat, une menace plus importante l'occupe soudain, lui et sa nouvelle partenaire Jeanne d'Arc (Penelope Mitchell), alors qu'un portail infernal est ouvert dans les mines de la ville de Red Creek...

Et nous y revoilà : Universal 1440 qui remet le couvert, et continue de décliner ses titres cinématographiques en suites vidéos souvent fauchées, comme à la "grande" époque des vidéoclubs. Ici, c'est R.I.P.D., ce blockbuster très moyen de 2013 mettant en scène Ryan Reynolds et Jeff Bridges, qui a droit à une suite, en réalité une préquelle totalement inutile revenant sur les origines de Roy Pulsifer, avec Jeffrey Donovan dans le rôle autrefois tenu par Bridges.

On est donc devant un western, genre facile et économique à mettre en scène outre-atlantique, à la photographie désaturée et jaunie, à l'écriture mollassonne, aux accents très fluctuants, à la réalisation quelconque (le réalisateur de Chick Fight), et aux enjeux qui ne dépareilleraient pas dans un épisode de Supernatural... mais bizarrement, ça fonctionne plus ou moins, en tout cas bien mieux que la plupart des DTV produits par Universal 1440, notamment parce que les effets spéciaux sont tout à fait honorables (par exemple lors de l'affrontement final), et que certaines idées sont assez bien exécutées (le va et vient entre Roy/Jeanne et leurs apparences humaines, deux chasseuses de prime afro-américaines).

Cela dit, le tout fait tout de même très pilote de série télévisée (le scénariste est issu du reboot de MacGyver), et le côté religieux de certains passages, bien que logique, ne m'a pas paru très probant.

Un petit 3/6 (ce qui, paradoxalement, le place au dessus de l'original dans mon classement) 

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Justice League - Warworld (2023) :

Au Far-West, une cow-girl solitaire (Stana Katic) dotée d'une force incroyable est confrontée à Jonah Hex (Troy Baker), qui s'en prend à de pauvres innocents et fait rêgner la terreur ; dans un monde primitif et barbare, Bruce Wayne (Jensen Ackles), un mercenaire, devient un pion dans la guerre que se livrent le sorcier Deimos (Damian O'Hare) et le Warlord (Teddy Sears) ; dans les années 50, à Grover's Mill, les agents gouvernementaux Faraday (Frank Grillo) et Kent (Darren Criss) enquêtent sur des observations récentes d'extra-terrestres, avec l'aide de l'agent Wayne...

Après la Légion des superhéros (qui lorgnait parfois sur un métrage Supergirl) et le frustrant et décevant Batman : la malédiction qui s'abattit sur Gotham, voici le troisième film d'animation DC de l'année, un film qui m'a laissé une impression mitigée.

En soi, pourtant, le concept n'était pas désagréable : une poignée de postulat Elseworlds, développés sur une vingtaine de minutes chacun, et toutéliés in fine par un quasi-"ce n'était qu'un rêve" avec Mongul et Lobo... le problème, en fait, c'est que rien n'est vraiment captivant.

Le segment western ne décolle jamais vraiment, le segment pseudo-Conan est amusant, mais ne va nulle part, le segment Fifties est probablement le plus dynamique et conceptuellement réussi, mais ensuite, rapidement, l'énergie et la tension retombent avec une dernière ligne droite assez peu rythmée et engageante, un Lobo qui n'a rien à faire là, et un Mongul peu marquant.

C'est dommage, il y avait du potentiel, et graphiquement, c'est plutôt réussi, mais... bof.

3/6

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Presque deux ans après la fin de la diffusion de la première partie de la série de Joss Whedon pour HBO, voilà que la suite et fin de la saison, sans Whedon, a été catapultée outre-Atlantique sur une obscure plateforme de streaming, histoire de s'en débarrasser pour de bon... et honnêtement, je ne saurais dire si c'était une bonne chose ou non.

The Nevers, saison 1 - suite et fin (2023) :

Parce que très franchement, avant d'entamer ces six derniers épisodes, je dois bien avouer que je n'avais plus que des bribes de souvenirs des événements des six épisodes originaux, ce qui n'a guère aidé à me replonger dans cet univers particulier. D'autant qu'en plus, sans la présence de Whedon aux commandes, le ton a évolué vers quelque chose de plus sombre, de plus sérieux, et de nettement moins divertissant.

C'est en effet le mot d'ordre de ces six épisodes restants, denses et conséquents : le traumatisme, la tragédie, le drame.

Difficile de résumer tout ce qui se déroule durant cette demi-saison, tant tout s'entremêle : Amalia enquête sur Hague, se bat contre un chien robotique (qui fait plus de la peine à voir qu'autre chose), et est hantée par des visions générées par le Galanthi, qui font trembler tout Londres ; Penance se rapproche d'Augustus, mais est brièvement tentée par la technologie proposée par le Dr. Hague ; Swann et Mundi se rapprochent, tout en tentant de libérer la fille de Masson, "touchée" ; Masson, lui, s'efforce de changer les lois pour interdire les rassemblements de Touchés et fermer l'orphelinat, tout en alimentant les braises d'une persécution des Touchés par les gens normaux.

Du côté des forces du Mal, Lavinia bascule totalement, tentant de détruire le Galanthi, puis de se débarrasser de son frère Augustus ; Augustus, lui, développe un côté sombre et des pulsions sinistres ; et Hague continue de tenter de libérer "sa mère" (en réalité une entité électrique venue du futur) des lignes téléphoniques, ce qui l'amène à demander l'aide de Penance.

La saison se cristallise quand le Galanthi éclot, s'enfuit dans les égoûts de Londres puis dans la Tamise, et qu'il y reste un moment, le temps de "rebooter" Amalia et Maladie. Cette dernière a alors le droit à un arc assez prévisible - elle retrouve sa vie "normale", réalise que son mari la maltraitait, tue ce dernier, et redevient Maladie, juste à temps pour aider Amalia et compagnie à secourir le Galanthi, retombé aux mains de Hague et de Lavinia.

De quoi mener à une fin de saison dramatique, confrontant les Touchés à la vindicte populaire et multipliant les morts tragiques : Swann, la petite géante, le Galanthi, de multiples personnages secondaires... la fin de saison est sanglante, premier degré, mais aussi bourrée d'ellipses, de transitions maladroites, de moments qui ne fonctionnent pas (les scènes confrontant Amalie aux différentes versions psychiques d'elle-même, par exemple).

C'est bien ça, le problème, en fait : on sent que, sous la direction de Philippa Goslett, et avec une équipe scénaristique totalement renouvelée depuis la saison 1-a, la série avait pour mission de boucler un maximum des intrigues mises en place par Whedon et compagnie. La production a donc fait de son mieux pour y parvenir, probablement en suivant une partie de la bible de la série ayant survécu au départ de Whedon, mais le résultat, c'est quelque chose de très précipité et aride, manquant de fantaisie ou d'originalité, quelque chose de sérieux et de dramatique, qui se conclue de manière assez définitive (malgré une porte ouverte en cas de renouvellement inespéré).

Une fin de série douce amère, donc, qui appelle une suite qui ne verra jamais le jour, et qui ne relève pas forcément le niveau d'une première partie de série frustrante.

J'ai bien du mal à trouver une conclusion à ce bilan brouillon, à l'image de la série : The Nevers a toujours été bien produit, et globalement bien interprété (même si j'ai toujours eu du mal avec le personnage de Maladie, je ne peux pas nier que l'actrice est compétente), mais entre ses déboires de production, sa première partie bien trop sous influence, et cette fin de saison tonalement bien différente, avec ses personnages aux motivations floues et à la caractérisation parfois fluctuante, il est compliqué d'être satisfait par ce que le programme a proposé. 

Essai non transformé, en somme.

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Perpète (Life - 1999) :

En 1932, Ray (Eddie Murphy) et Claude (Martin Lawrence), qui viennent de se rencontrer, sont accusés d'un meurtre qu'ils n'ont pas commis, et condamnés à la réclusion à perpétuité dans un camp de travail pour Noirs. Là, avec les autres prisonniers, Ray et Claude vont devenir amis, et traverser les époques en se serrant les coudes face au racisme de la société américaine...

Un film façon buddy movie avec Eddie Murphy et Martin Lawrence, récompensé aux Oscars pour ses maquillages, et apparamment devenu, depuis sa sortie, un film culte, considéré par certains comme l'un des meilleurs films de la carrière d'Eddie Murphy... et je peux comprendre pourquoi.

Car sur une base qui aurait facilement pu être une comédie médiocre et générique comme le promet l'affiche, ce Life est en réalité une comédie dramatique douce-amère sur l'amitié de deux hommes confrontés au racisme de la société et à un emprisonnement à vie dans un camp de travaux forcés (par moments, j'ai pensé, probablement à cause de l'époque, à O'Brother).

Alors certes, il y a une grosse demi-heure (pas désagréable) de mise en place avant l'arrivée en prison, l'illustration musicale de Wyclef Jean est régulièrement hors sujet, et le ton hésite parfois à basculer dans la comédie franche, pour se rattraper aussitôt (c'est probablement cela qui a déçu, à la sortie, puisque tout le monde s'attendait à de la franche rigolade de la part des deux comédiens), mais dans l'ensemble, c'est bien plus subtil qu'il n'y paraît, plus intelligent, et plus en retenue que la majorité des films de Murphy de l'époque.

Une bonne surprise imparfaite mais agréable.

4/6 

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Fin de série pour Mme Maisel, après une saison 4 frustrante, partiellement covidée et mollement accueillie tant par la critique que par les spectateurs, et place à neuf épisodes de 55-75 minutes ayant pour objectif de conclure l'histoire de ces personnages atypiques, et de révéler le succès inévitable du personnage principal...

La Fabuleuse Mme Maisel, saison 5 (The Marvelous Mrs Maisel, season 5 - 2023) :

Un survol des dernières décennies de la carrière de Midge Maisel et de sa relation parfois tendue avec Susie...

Plus Mme Maisel a avancé dans le temps, et plus une évidence s'est faite au spectateur attentif : Midge Maisel est, par essence, un personnage assez antipathique.

Mère absente, ambitieuse, égocentrique, privilégiée et dans sa bulle, Maisel s'est progressivement révélée comme une antihéroïne, ce qui a donné lieu à la création de deux camps : d'un côté, les spectateurs se rappelant qu'Amy Sherman-Palladino a toujours eu une certaine fascination pour ces héroïnes bourgeoises, aisées et disruptives, et n'a que rarement conscience de leurs défauts, et de l'autre, ceux qui pensent que tout cela est voulu, et que Midge est une Walter White au féminin, un personnage délibérément tragique qui va tout sacrifier pour que sa carrière connaisse le succès dans un monde dominé par les hommes.

Avec cette saison 5, il n'y a plus le choix : la carrière de Midge doit se cristalliser et déboucher sur une conclusion satisfaisante. Le spectateur doit être fixé - Midge, anti-héroïne féministe à l'ambition dévorante, qui la mènera à une existence solitaire et tragique, ou Midge, icône féministe à qui tout réussit, personnage fascinant à qui l'on pardonne tout car jolie, talentueuse et charismatique, et que l'on est supposé admirer pour son courage et sa détermination ?

Au terme de cette saison 5, la question reste en suspens.

Il faut dire que cette saison 5 est un peu brouillonne, tentant beaucoup de choses qui ne fonctionnent pas toujours. En premier lieu, cette chronologie déconstruite : tout au long de la saison, la série multiplie les flashforwards et les flashbacks, que ce soit pour mettre à l'écran les premiers moments de la relation Midge/Joel (parce que oui, ASP s'accroche toujours à cette relation, comme beaucoup de spectatrices qui voulaient les voir finir ensemble), ou bien plus tard, lorsque Midge, superstar de la comédie âgée de plusieurs décennies supplémentaires, donne des interviews, parle de son succès, etc.

L'occasion pour les scénaristes de teaser un semblant de conséquences pour Midge : on aperçoit ses enfants, désormais adultes et névrosés, qui ont coupé les ponts avec leur mère excentrique et richissime... mais bizarrement, ces instants n'ont que peu de poids, et sont très rapidement éclipsés par ce qui intéresse réellement ASP et son mari, à savoir la relation de Midge et Susie.

Très tôt dans la saison, on nous fait comprendre, via les flashforwards, que Susie et Midge sont brouillées, et ont cessé de se parler pendant des années. Un élément dramatique intéressant, qui va dans le sens de Midge riche, célèbre, mais solitaire après ne pas avoir fait de prisonniers pour arriver au sommet. Et toute la saison de nous expliquer, que ce soit dans le "présent" des années 60, ou dans le "futur", comment les deux femmes en sont arrivées là.

Pas de surprise, les dettes de Susie et son implication avec la pègre en sont responsables, ainsi que les difficultés de Midge à s'imposer comme scénariste du talk-show au sein duquel elle est la seule femme.

Toute cette saison, Midge tente en effet de convaincre son boss Gordon (qui n'est pas insensible à son charme, forcément, ce qui vaut à Midge un certain nombre de passe-droits dont elle profite) de la laisser se produire devant les caméras, un soir. Seulement voilà, une règle est en place, qui veut que les scénaristes du show ne passent jamais devant la caméra, quand bien même certains d'entre eux seraient, eux aussi, des comiques en manque de publicité...

Insistante car frustrée d'être logée à la même enseigne que les autres scénaristes (parce qu'elle est exceptionnelle et mérite donc, selon elle, un traitement d'exception), elle revient à la charge, encore et encore, et ne parvient à ses fins que par la force : elle menace Susie et la pousse à demander une faveur à la femme de Gordon (laquelle, coïncidence bien pratique, s'avère être l'ex de Susie qu'elle n'a pas revue depuis la fac), afin que cette dernière pousse son mari à mettre Midge à l'antenne, puis elle change d'elle-même la direction du show, prend un micro en direct et se lance dans son numéro.

Une intrigue globalement assez répétitive et cousue de fil blanc, d'un point de vue scénaristique, et qui débouche sur le triomphe inévitable de Maisel à la télévision, dans le final de la saison (avec un numéro de stand-up pourtant faiblard) : c'est le gros fil conducteur de cette cinquième année entre les flashbacks/flashforwards, et le reste de la distribution doit se contenter de miettes plus ou moins adroitement développées.

Les parents de Joel divorcent puis se réconcilient, Joel se fait plaquer par Mei (qui est promptement kelleyrisée en une scène) et sacrifie beaucoup de choses pour libérer Midge de l'influence de la pègre, le père de Midge réalise que les femmes de sa famille sont douées et méritent le respect, et Susie, elle, développe ses talents de manager pour les plus grands.

Mais naturellement, c'est Midge, son succès et son refus de la moindre concession qui occupent le devant de la scène, dans une saison gentiment décousue qui oublie un peu ses artifices temporels en cours de route, et se permet quelques digressions pas indispensables, souvent uniquement là pour permettre à ASP de placer tel ou tel acteur de Gilmore Girls ou de Bunheads, telle ou telle sous-intrigue sur un personnage secondaire qu'elle aime particulièrement ou de faire tel ou tel numéro musical à l'écran.

Le tout pour se finir par une fin heureuse pour ce personnage de Midge pourtant si polarisant : alors que tout, dans la saison, laissait entendre que Midge allait finir comme Sophie Lennon, son idole, seule, amère, isolée, mais avec l'argent et la réussite, voilà qu'in extremis, Midge se réconcilie avec Susie, histoire de ne pas briser plus que de mesure ce couple atypique et tempêtueux, et de finir la série sur une note positive.

Oui, tout au long de la série, Midge a été un bulldozer immature démolissant tout sur son passage, une "princesse juive américaine" tellement persuadée de son talent et de son génie comique que le reste du monde est passé au second plan de ses ambitions... mais visiblement, elle a eu raison de le faire, puisqu'elle a connu la gloire et a marqué à jamais l'histoire de la comédie américaine, sans que jamais Midge n'apprenne réellement la moindre leçon de ses erreurs.

Alors au final, quid de cette saison de Maisel, voire de la série dans son ensemble ? Un peu une impression de frustration globale et d'intérêt paradoxalement décroissant à mesure que la série s'est rapprochée de sa conclusion.

En fait, au delà de sa direction artistique remarquable, de ses acteurs impeccables (Alex Borstein est ici formidable, à nouveau), et de son ambiance rétro très réussie, Maisel m'a frustré pour les défauts habituels des œuvres d'ASP, ici appliqués au format prestige drama.

Et cette ultime saison, dans la droite continuité des précédentes, mais en plus chaotique (on sent bien les scénaristes gênés aux entournures par tous ces personnages secondaires introduits au fil des ans, souvent incapables de revenir pour la fin de série, ou alors le temps d'une demi-scène), n'a rien fait pour changer cette impression.

Cela dit, les critiques sont unanimes sur cette fin de série, et vont totalement à l'encontre de mon ressenti, donc... *haussement d'épaules*

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Spinning Gold (2023) :

L'ascension et le succès de Neil Bogart (Jeremy Jordan), un jeune new-yorkais de Brooklyn qui, dans les années 70 et à force de volonté et d'endettement, a fini par créer le label indépendant Casablanca Records, qui découvrira et rendra célèbres KISS, Donna Summer, les Village People et bien d'autres encore...

Un biopic étrangement flasque et inerte sur Neil Bogart, son parcours improbable et son influence sur l'industrie de la musique, écrit et réalisé par le fils de Neil Bogart (et produit par toute la famille Bogart), ce qui explique probablement beaucoup de choses.

Notamment pourquoi l'écriture, assez maladroite et pataude, se refuse à présenter Bogart autrement que comme un homme porté par la musique, opportuniste mais visionnaire, ayant toujours bon fond, et qui finit par connaître un succès bien mérité, en se trouvant au bon endroit, au bon moment.

Ce métrage très hagiographique (les défauts de Bogart - infidélités, drogues, mensonges - sont mentionnés mais très peu mis en avant ou sans grandes conséquences) ressemble ainsi à un téléfilm reflétant le regard nostalgique et complaisant d'un fils sur la vie de son père et ses réussites, avec quelques touches de comédie musicale (Jeremy Jordan est issu de Broadway, donc ponctuellement, le film part dans des numéros musicaux impromptus), une approche fantaisiste justifiée, dès ses premières scènes, par un Neil Bogart présenté comme narrateur peu fiable embellissant sa vie et ses anecdotes.

Pourquoi pas, mais au final, le tout est trop anémique pour vraiment marquer, ressemblant beaucoup à une adaptation de page Wikipedia sans structure ni liant, mal rythmée malgré les efforts du fils Bogart pour donner un sens à cette biographie improbable qui place, comme par magie, son père au cœur de chacun des événements/de chacune des chansons les plus marquantes de la décennie 70.

Mouais.

2.5/6 (dont 0.5 parce que globalement, c'est bien interprété et que j'aime bien l'époque).

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