Articles avec #histoire catégorie

## Au programme : des films et des séries, pour un minimum de quatre critiques par semaine... ##

Une belle rencontre (Their Finest - 2016) :

Pendant le Blitz londonien, Catrin Cole (Gemma Arterton) est recrutée par le service de propagande de l'armée britannique pour aider le scénariste Tom Buckley (Sam Claflin) et son équipe à produire un long-métrage sur la bataille de Dunkerque, inspiré d'une histoire vraie. Leur objectif : réaliser un film capable de motiver les Anglais et de mobiliser les Américains. 

Une comédie dramatique anglaise adaptée d'un livre et d'une histoire vraie, et qui, je dois bien l'avouer, m'a laissé un peu indifférent.

C'est bien produit par BBC Films, bien interprété (Bill Nighy est très amusant en acteur égocentrique), bien réalisé, mais il y a quelque chose d'académique et de scolaire dans cette histoire de romance et de féminisme pendant la Seconde Guerre Mondiale, probablement trop sentimentale et tout en retenue pour me passionner pendant près de deux heures (sauf une certaine mort presque trop cartoonesque pour son propre bien).

Bref, c'est gentillet, ça se regarde, mais ça ne m'a pas passionné (et l'accent étrangement fluctuant de Gemma Arterton ne m'a pas convaincu).

3.5/6 (le titre français est naze, aussi)

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L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, de mi-septembre à fin octobre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques...    

Interview with the Vampire, part II (2024) :

Après un détour par une Roumanie ravagée par la guerre, Louis (Jacob Anderson) et Claudia (Delainey Hayles) s'installent à Paris, en pleine Après-guerre, et attirent sur eux l'attention d'Armand (Assad Zaman), maître du Théâtre des vampires, où son clan se produit et donne des pièces de théâtre grotesques révélant leur vraie nature...

Après une première saison globalement assez réussie se déroulant à la Nouvelle-Orléans, l'adaptation AMC d'Entretien avec un vampire revient, déplaçant l'action à Paris, dans l'Après-Guerre... et à ma grande surprise, cette seconde saison est largement au niveau de la première, quoiqu'en disent certains spectateurs ne s'intéressant qu'à Lestat.

Parce qu'en effet, si sa présence hante les huit épisodes de cette seconde saison, Lestat en est grandement absent - mais il ne m'a pas manqué.

Reposant sur une tension croissante entre un Malloy pugnace, associé malgré lui au Talamasca, et qui tente constamment de trouver des failles dans le récit des vampires, et Louis et Armand (excellent Assad Zaman), qui s'efforcent de présenter un front uni, et de narrer leur version de la vérité, la saison alterne ainsi entre joutes verbales dans le présent, et flashbacks (parfois contradictoires) du point de vue de Louis, d'Armand et de Claudia.

Ce qui donne lieu à une saison globalement intrigante, dont le spectateur tente de percer les mystères et d'identifier les mensonges en même temps que les personnages, le tout porté par une bande originale remarquable.

Il faut dire que la production léchée aide beaucoup : la reconstitution historique, les costumes, etc, même s'ils ne sont pas parfaits, font plus qu'illusion. Seul souci, pour nous autres Français : l'utilisation très fréquente du français dans les dialogues (forcément, ça se passe à Paris), mais un français qui, dans 95 % des cas, arrache les oreilles et semble plus phonétique ou étranger que supposément parisien. Ce qui ne dérange pas lorsque le français est parlé par Armand, qui t'explique que le français n'est que la quatrième langue qu'il parle (et pourtant, l'acteur s'en sort très bien), mais coince beaucoup plus lorsque Lestat de Lioncourt baragouine des phrases parfois incompréhensible sans sous-titres.

(ça se remarque d'autant plus quand Roxane Duran, actrice née à Paris, a des dialogues français parfaitement naturels dans ses scènes)

Mentionnons aussi le changement d'actrice de Claudia, Bailey Bass étant remplacée par Delainey Hayles, une actrice anglaise plus âgée que Bass, mais paraissant paradoxalement plus jeune, et fonctionnant donc mieux dans le rôle de cette ado de 14 ans ne vieillissant jamais (sauf quand, le temps d'une réplique ou deux, son accent anglais refait surface).

Bref, la distribution de la série est comme toujours excellente, la saison se déroule à un rythme bien tenu (honnêtement, j'ai lutté pour finir certaines des autres séries passées en revue durant cette Oktorrorfest, mais j'ai bingé les huit épisodes de IWTVp2 en moins de deux jours), et si ça reste un gros soap opera vampirique un peu sanglant et parfois un poil trop mélodramatique (les retrouvailles finales de Louis et Lestat en pleine tempête frôlent le too much ; d'ailleurs, plus tôt dans la saison, le moment où Molloy interrompt son interview pour lancer le thème musical des Feux de l'amour en fond sonore était amusant), mais ça fonctionne plutôt bien, en tout cas nettement plus que les Mayfair Witches. 

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Chez les Téléphages Anonymes, de mi-septembre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...   

Exhuma (2024) :

En Corée du sud, Hwa-rim (Kim Go-eun), une shaman, son bras droit Bong-Gil (Lee Do-hyun), Kim Sang-deok (Choi Min-sik), spécialiste en Feng Shui, et Yeaong-geun (Yoo Hae-jin), entrepreneur de pompes funèbres, sont engagés pour libérer une famille d'une malédiction familiale : ils découvrent alors que tout est lié à la tombe étrange de leur ancêtre, mais bien vite, en transférant le corps, les choses se compliquent, lorsqu'un immense cercueil vertical est retrouvé enfoui sous celui-ci, et que les phénomènes menaçants et les cadavres commencent à se multiplier...

Un film sud-coréen pas inintéressant, très empreint de spiritualité, de religion et de fantastique locaux, mais aussi, en filigrane, de politique et d'histoire sud-coréenne, puisque toute cette histoire d'esprit maléfique (un samouraï démoniaque de deux mètres 10 de haut) et de malédiction remonte directement à l'occupation de la Corée par le Japon.

Ce qui apporte une approche et un contexte très particuliers à ce métrage, au demeurant plutôt bien filmé et interprété, avec des effets réussis (bizarrement, j'ai beaucoup apprécié la manière dont l'esprit-boule de feu est filmé).

Après, le côté très sud-coréen fait aussi que certains aspects du métrage fonctionnent moins sur nous autres occidentaux. Entre la spiritualité très particulière, le côté épisodique du film (divisé de manière peu utile en chapitres, et avec une grosse ellipse à mi-parcours), et une orientation plus fantastique que réellement horrifique, les 2h15 du film passent assez bien, mais pourraient en frustrer certains.

4/6 

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Chapelwaite, saison 1 (2022) :

Capitaine de navire, Charles Boone (Adrien Brody) et ses trois enfants Honor (Jennifer Ens), Loa (Sirena Gulamgaus) et Tane (Ian Ho) s'installent dans le manoir de Chapelwaite dont ils viennent d'hériter, à Preacher's Corners, dans le Maine. Mais la bourgade est frappée par une étrange épidémie, et les habitants très croyants accusent les Boone et leurs ancêtres d'en être responsables : avec l'aide de Rebecca Morgan (Emily Hampshire), apprentie auteure qui devient la gouvernante des enfants, Boone va alors tenter de percer les mystères de Chapelwaite...

Mouais. Je ne peux pas dire que j'aie été particulièrement convaincu par cette seule et unique saison de Chapelwaite, librement adaptée d'une nouvelle épistolaire de Stephen King ("Celui qui garde le Ver") sous la forme de 10 épisodes d'une petite heure.

Probablement parce que j'ai plus ou moins abordé le tout sans trop savoir de quoi ça parlait (je crois avoir lu la nouvelle il y a très longtemps, sans en garder le moindre souvenir), et que l'approche choisie par Peter and Jason Filardi, les showrunners (à savoir une série lente, ultra-mélodramatique, et clairement délayée pour remplir les 10 épisodes) a fini par avoir raison de ma patience et de mon intérêt.

Mais aussi parce qu'à mi-parcours, lorsque la véritable nature de la série est révélée (on passe alors d'une histoire très lovecraftienne de grimoire, de créatures dans les murs, d'épidémie étrange, etc... à une préquelle à Les Vampires de Salem, avec des vampires basiques et des enjeux assez classiques), l'intérêt du programme s'évapore en grande partie, à mesure que le show retombe dans les clichés habituels du genre et que les humains passent d'êtres terrifiés dépassés par les événements à milice (à peine) organisée qui va aller chasser du vampire.

Et c'est dommage, parce que dans la forme, la série est plutôt lugubre et réussie. Mais entre Adrian Brody, qui nous joue tout ça comme un drame à Oscars, ultra-habité et impliqué jusqu'à l'overdose de regards et d'expressions torturées, le manque de subtilité de la caractérisation des personnages secondaires, et l'absence totale d'alchimie entre Brody et Emily Hampshire, le tout finit par tourner étrangement à vide, un sentiment qui se renforce à mesure que le programme s'approche de sa conclusion.

D'autant que cette conclusion tombe gentiment à plat : on passe un épisode entier à tenter de faire monter la pression, à annoncer un grand affrontement final, à réunir une milice humaine pour aller tuer les vampires dans leur antre... et tout est bouclé en un petit quart d'heure : la moitié des villageois est tuée de manière risible, le grand méchant est éliminé bien trop facilement, le méchant secondaire aussi, et voilà, happy end.

Ou presque, parce qu'on a alors droit à 30 minutes d'épilogue ultra-tragique sur Brody qui, pour protéger le grimoire, choisit de devenir vampire et de se le faire implanter dans le ventre, avant de partir en bateau seul à l'autre bout du monde.

........... ça ne fonctionne pas.

Je ne sais pas si c'est le format, l'écriture, ou le simple fait que toute la série soit brodée à partir d'une nouvelle de 40 pages, mais voilà : sur des bases intriguantes, et malgré quelques idées visuelles intéressantes (le rituel qui voit toutes les étoiles du ciel lentement aspirées par le soleil éclipsé), Chapelwaite lasse sur la durée, et frustre plus qu'autre chose.

Dommage.

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Le Vourdalak (2023) :

Après avoir été agressé par des brigands au fin fond de la Serbie, le Marquis d'Urfé (Kacey Mottet Klein) trouve refuge dans une famille qui attend avec anxiété le retour de Gorcha, le patriarche, parti se battre contre les Turcs. Mais lorsque celui-ci revient après six jours, comme il l'avait prévenu, Gorcha n'est plus lui-même : c'est un vourdalak, un revenant ayant soif du sang des vivants...

Un premier film français intrigant et frustrant à la fois, adapté d'une nouvelle de Tolstoï revisitant le mythe vampirique.

Je dis intrigant et frustrant à la fois, car le film possède un charme hypnotique assez intéressant, une approche jusqu'au-boutiste du film de genre, avec atmosphère pesante, vampire incarné à l'écran par une marionnette à taille humaine, passages sanglants, décors sinistres, etc... mais qu'en parallèle, il souffre de défauts inhérents aux films français, notamment sur le plan de l'interprétation/diction ampoulée, raide et récitative, de l'écriture gentiment ronflante (le monologue théâtral de Sdenka dans le dernier quart d'heure, aïe) et de multiples scories (dont des ruptures de ton parfois volontaires, et parfois non) qui donnent au métrage un côté prétentieux façon "oui, on raconte une histoire de vampire, mais de manière artistique, parce qu'on fait de l'Art, nous, môssieur".

Après, je partais très dubitatif, pendant la première demi-heure, en particulier à cause du côté très théâtral et artificiel, et le film a fini par m'intéresser et me tenir jusqu'au bout, donc... bonne surprise relative.

3.25/6

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Mayfair Witches, saison 1 (2023) :

Rowan (Alexandra Daddario), une neurochirurgienne, possède depuis sa naissance des dons étranges, et découvre un jour qu'elle est la descendante du clan Mayfair, une riche famille de la Nouvelle-Orléans, entourée de rumeurs et d'histoires de fantômes. En réalité, Rowan est une sorcière, la treizième de son arbre généalogique, et elle fait l'objet d'une prophétie : elle doit porter un enfant dans lequel Lasher (Jack Huston), un esprit maléfique tout puissant qui confère richesse et pouvoirs aux Mayfair depuis les années 1800, va se réincarner...

En 2023, l'adaptation par AMC du Entretien avec un vampire d'Anne Rice s'était avérée une bonne surprise, une relecture modernisée des événements du roman, globalement bien interprétée, flamboyante et audacieuse.

Seconde série de l'univers partagé que la chaîne tente de créer à partir des oeuvres d'Anne Rice, Mayfair Witches est tout le contraire : confiée à deux showrunneuses (les showrunneuses de Masters of Sex), cette seconde série est un ratage complet, adaptant l'histoire perverse, sensuelle et malsaine d'une lignée de sorcières hantée et manipulée par une entité maléfique et séductrice pour en faire une production insipide et terne, digne de la CW.

Honnêtement, ça ne fonctionne à aucun niveau. La flamboyance visuelle d'Entretien est ici remplacée par une photographie bleutée délavée et terne, des décors sans vie, des choix de réalisation laids et contre-productifs, des tenues risibles (tout ce que porte Lasher, ou presque) ; la caractérisation est catastrophique (Rowan, notamment, est tour à tour écrite comme une neurochirurgienne volontaire et professionnelle, une trentenaire rebelle qui boit et qui couche avec des inconnus, une orpheline paumé à la recherche de ses origines, une ingénue naïve et un peu idiote qui prend toutes les mauvaises décisions, une femme arrogante et hautaine, une adolescente fébrile manipulée par tout le monde - le tout, pas aidé par l'interprétation "yeux écarquillés et respiration haletante" de Daddario, donne une protagoniste particulièrement agaçante, voire antipathique), et le casting n'est guère meilleur.

Enfin, ce n'est pas vraiment la faute des acteurs, que celle d'une direction d'acteurs absente et de choix de casting improbables : certains acteurs semblent jouer dans une pièce de théâtre, d'autres dans un téléfilm dramatique Lifetime, les accents sont assez calamiteux, et, plus problématique, le casting de Jack Huston en Lasher est totalement à côté de la plaque.

En lieu et place d'un Lasher décrit par Rice comme étant, plus ou moins, l'équivalent physique de Tom Sturridge dans l'adaptation de Sandman pour Netflix (grand, mince, pâle, hypnotique et envoûtant), on se retrouve avec un Huston engoncé dans des costumes mal ajustés, avec une coupe de cheveux approximative, et qui évoque plus un vieux beau libidineux qu'une entité irrésistible et séductrice.  

Et donc, à partir de là, c'est toute la série qui s'écroule : un duo principal insipide, une absence totale de sensualité, une Nouvelle-Orléans terne et jamais mise en valeur, aucun style visuel, un rythme volontairement un peu décousu avec des allers-retours entre les époques jamais clairement démarquées, des effets numériques fauchés, et toute une sous-intrigue sur des chasseurs de sorcières masculinistes-nazillons-incels tellement caricaturaux que j'ai passé mon temps à me facepalmer... 

Une adaptation plutôt ratée, donc, qui pourtant aura été renouvelée pour une seconde saison, et aura son spin-off sur la Talamasca (peut-être le seul élément convaincant de cette série, avec notamment une apparition de la toujours sympathique Suleka Matthew), tandis que Entretien peine à rassembler les foules (on ne se demande pas pourquoi...).

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Mini-série canadienne de 8 épisodes de 25-40 minutes diffusés sur Crave le 31 décembre 2019, et co-écrite/co-réalisée/co-interprétée (avec Kayla Lorette) par Evany Rosen (qui depuis a créé Davey & Jonesie's Locker, récemment passée en revue dans ces pages), New Eden est une parodie du genre true crime, un mockumentaire retraçant l'ascension et la chute d'un mouvement sectaire dans les années 70-80...

New Eden, saison 1 (2019) :

L'histoire de la création, de l'ascension et de la chute de New Eden, une communauté féminine et féministe des années 70 créée par Katherine Wryfield (Kayla Lorette) et Grace Lee (Evany Rosen), dont les croyances en une déesse féminine extraterrestre ont rapidement dégénéré et mené à un siège et à plusieurs arrestations...

Hmm... je dois dire que je suis assez frustré par ce New Eden. C'est globalement assez réussi et maîtrisé, mais il y a des scories inhérentes au format et à la durée du projet, ainsi qu'à des fluctuations de ton, qui m'ont laissé assez mitigé. 

Commençons par les points positifs du programme : le côté formel, tout d'abord, très travaillé, avec une réalisation et une mise en images convaincantes, qui reflètent bien l'évolution des technologies, des styles, etc, des années 70 aux années 90.

Ça fonctionne très bien à ce niveau, d'autant que tout le monde se prête bien, joue le jeu, et que l'interprétation est au niveau : on nous présente ainsi les sept épisodes d'un pseudo-documentaire consacré, dans les années 90, à la secte New Eden, à ses deux meneuses, Katherine (fille de bonne famille manipulatrice, couarde, prétentieuse et autoritaire) et Grace (redneck butch pas très intelligente mais charismatique et inventive, éprise de Katherine et prête à tout pour lui faire plaisir), à leur relation codépendante, et à la personnalité de toutes celles qui les ont suivies.

Autre bon point, le scénario, abouti, et qui réserve bien des surprises : si les premiers épisodes adoptent clairement le format true crime que l'on peut retrouver dans bien des productions du genre, avec interviews d'expertes, images d'archive, témoignages, etc, l'histoire de New Eden évolue progressivement, avec l'arrestation de ses membres fondateurs, et un format qui bascule en satire de série de tribunal dans l'épisode 6, puis en quelque chose de plus méta dans l'épisode 7, quand on comprend que les hommes responsables du documentaire sont de "faux alliés" uniquement intéressés par cette histoire après avoir visionné un film érotique adapté des événements de New Eden.

Et puis le tout rebascule encore dans l'épisode 8, un épisode presque unitaire façon Faites entrer l'accusé, qui réserve bien des surprises quant à l'identité réelle de Grace.

On se retrouve donc avec un mockumentaire excentrique, formellement convaincant, bourré de surprises et de moments amusants... mais qui souffle aussi beaucoup le chaud et le froid, avec des ruptures de ton assez brutales : certains épisodes sont en mode purement parodique, avec un duo de personnages principaux incapables qui se retrouvent dans des situations improbables, d'autres moments sont purement premier degré, d'autres larmoyants et intenses, le procès est pris très au sérieux (tout en étant une satire moqueuse et reposant sur l'incompétence totale des deux leads), et toute la fin est particulièrement dramatique et tragique.

Il en résulte une impression ponctuelle de flottements occasionnels, lorsqu'une rupture de ton se produit et que le programme redevient sérieux pendant 10 minutes ou plus, ou lorsqu'il change totalement de direction pendant un peu trop longtemps. Certes, ça permet de développer les personnages, de leur donner de l'épaisseur et d'approfondir leurs relations... mais ça ne fonctionne pas toujours, et lorsque ça échoue, on le sent passer.

Bref. New Eden, c'est amusant, parfois absurde, souvent improbable et surprenant, mais l'on ne peut s'empêcher de se dire, en visionnant l'intégralité du show, qu'un format un peu plus imposé (selon les épisodes, on passe de 25 à 38 minutes) et quelques coupes dans le script global auraient probablement bénéficié au résultat final (6 épisodes de 25 minutes + un final de la même durée, par exemple).

Intéressant, mais inégal.

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Comédie anglaise absurde en six épisodes d'une petite demi-heure, Dick Turpin s'inscrit dans la continuité d'un Black Adder et assimilés : une vision décalée et british de l'histoire, des personnages excentriques, et beaucoup de flegme, pour un programme Apple Tv plutôt réussi.

Les aventures imaginaires de Dick Turpin, saison 1 (The Completely Made-Up Adventures of Dick Turpin, season 1 - 2024) :

Le destin improbable de Dick Turpin (Noel Fielding), fils de boucher flamboyant et excentrique qui décide de s'improviser bandit de grand chemin dans l'Angleterre du 18e siècle, aux côtés de Moose (Marc Wootton), grand barbu porteur de robes, d'Honesty (Duayne Boachie), pas très vif d'esprit, de Nell (Ellie White), criminelle aux origines famililales mystérieuses et de Craig (Asim Chaudhry), sorcier pas très doué. Face à eux, Jonathan Wilde (Hugh Bonneville), traqueur de voleurs, et le syndicat criminel de Lady Helen Gwinear (Tamsin Greig)...

Comme on pouvait s'y attendre avec Noel Fielding dans le rôle principal, Dick Turpin ne se prend absolument pas au sérieux, et c'est tant mieux : entre sa distribution éclectique (dont ce bon vieux Marc Heap dans le rôle du père boucher de Turpin), son ton déconneur, et son mélange des genres - comédie historique, comédie fantastique (dès le deuxième épisode, on entre dans des histoires de diligence maudite, il y a une sorcière hystérique - Jessica Hynes - qui transforme Turpin en poulet), histoire de famille, le programme se regarde très facilement, provoquant fréquemment des éclats de rire francs.

Les jeux de mots sont joyeusement capillotractés, les personnages ont une caractérisation très particulière, et dans l'ensemble, Dick Turpin est une excellente surprise, tout au plus un peu faiblarde sur sa fin de saison, quand le programme oppose à Dick "Tommy Silversides" (un bandit de grand chemin meilleur que lui en tout) et part dans une intrigue (un peu) plus sérieuse sur Lady Gwinwear, ses ambitions criminelles et sa relation avec sa fille.

Mais globalement, j'attends avec impatience la saison 2, en espérant encore plus de folie et de n'importe quoi.

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## Au programme : une semaine de comédie française, pour célébrer la Fête nationale... ##

Les Chèvres ! (2024) :

En 1651, Maître Pompignac (Dany Boon), avocat médiocre de Clermont-Ferrant, accepte, pour se refaire, de défendre l'innocente Josette, accusée du meurtre d'un maréchal à la frontière franco-savoyarde. Mais sur place, il réalise que Josette est une chèvre, et qu'il va devoir la défendre contre Maître Valvert (Jérôme Commandeur), son grand rival...

Une comédie historico-absurde écrite à quatre mains, et qui, contrairement à ce que laissaient supposer la campagne médiatique et la bande-annonce, met plus un Jérôme Commandeur flamboyant en avant que Dany Boon, dans un rôle plus en retenue. 

Et à ma grande surprise, le tout fonctionne plutôt bien, avec des touches totalement absurdes (le running gag de la force herculéenne de la bergère/Claire Chust), des personnages aux trognes improbables, et des idées de scénario intéressantes, le tout saupoudré d'un message assez à propos sur la tolérance, le droit du sol et l'opposition vérité/perception publique.

Il ne faut pas s'attendre à de la véracité historique, et les curseurs auraient pu être poussés encore un peu plus dans la direction de l'absurde et du slapstick, mais en l'état, bonne surprise.

4/6

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The Ministry of Ungentlemanly Warfare (2024) :

Pour empêcher les Nazis de ravitailler leurs U-Boats dans l'Atlantique, Churchill (Rory Kinnear) décide de lancer l'opération Postmaster, une opération ayant pour but de saboter un navire amarré sur l'île de Fernando Po. Pour ce faire, les Britanniques dépêchent deux agents, Marjorie Stewart (Eiza González) et Mr Heron (Babs Olusanmokun), ainsi qu'un commando clandestin de soldats aguerris et controversés, composé de March-Phillipps (Henry Cavill), Lassen (Alan Ritchson), Alvarez (Henry Golding), Appleyard (Alex Pettyfer) et Hayes (Hero Fiennes-Tiffin). Face à eux, toute une garnison de Nazis, et le malveillant Heinrich Luhr (Til Schweiger)...

Un film de guerre goguenard signé Guy Ritchie, qui a décidé ici d'adapter à sa sauce une histoire vraie pour en faire un film à l'ancienne, avec une musique lorgnant fortement sur du Ennio Morricone, une troupe d'acteurs qui s'amusent à prendre des accents improbables, un casting color-blind... et c'est à peu près tout.

Je dois bien avouer que je suis resté sur ma faim : quelque chose ne fonctionne pas totalement dans cette troupe de personnages sous-développés, de méchants nazis très méchants, d'espions nonchalants, etc. Peut-être est-ce dû aux allers-et-retours entre le lieu de l'action, et les bureaux de Churchill et compagnie, qui empêchent le film de créer une dynamique et de décoller. Peut-être est-ce dû aux grosses scènes d'action, toutes filmées de nuit et jamais suffisamment spectaculaires. Peut-être est-ce l'absence du style et de l'énergie habituels de Ritchie, qui semble coincé aux entournures par le matériau de base. Peut-être est-ce au contraire parce que les personnages sont trop nonchalants, et jamais en réel péril.

Je ne sais pas trop, en fait. Ungentlemanly Warfare, c'est un peu Inglorious Basterds sans le fun, sans l'énergie, et sans les moments mémorables. Dommage.

Un petit 3/6 (pour Cavill, qui porte très bien la moustache et la barbe) 

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Presque quatre ans après la diffusion de la saison 1, critiquée en ces pages et assez médiocre, retour de Carnival Row l'année dernière, toujours sur Prime, cette fois-ci en 10 épisodes d'une heure... et avec un showrunner différent (Erik Oleson, showrunner de Daredevil, saison 3) qui reprend les commandes et tente d'apporter une conclusion au tout, le show ayant été annulé par Amazon en cours de production.

Carnival Row, saison 2 (2023) :

Plus que jamais, la société de Burgue est divisée par le racisme et les conflits : parqués dans le Row, le ghetto qui leur est réservé, les Fae peinent à subsister. Vignette (Cara Delevingne), toujours membre des Black Ravens, lutte contre l'oppresseur, tandis que Philo (Orlando Bloom) est sur le point d'annoncer publiquement l'identité de son père, pour secouer la haute société locale. En fuite, Imogen (Tamzin Merchant) et Agreus (David Gyasi), eux, finissent aux mains de la Nouvelle Aube, un mouvement révolutionnaire qui contrôle un pays rival. Et tout cela est bouleversé par une nouvelle série de meurtres inexplicables...

Pffff.... Ce fut laborieux.

Et pas uniquement parce qu'après avoir passé toute la saison 1 à tout centrer sur Vignette/Philo et sur leur histoire d'amour impossible, les scénaristes décident de tout exploser, en les séparant à la fois physiquement et sentimentalement.

Certes, c'est néanmoins l'un des problèmes de taille de la saison : Vignette est de plus en plus idiote et radicale, elle passe de groupe rebelle à groupe rebelle et n'en fait qu'à sa tête ; Philo ne s'assume pas en tant que demi-Fae, se bat, boit, finit en prison où il se prend pour Jack Sparrow (ou Gollum) et parle à une manifestation physique de son moi intérieur, se bat encore, etc ; et de manière générale, ce qui était le couple moteur de la saison 1 (pour le meilleur et pour le pire) n'est plus, séparé et embarqué dans des sous-intrigues pas totalement probantes.

Mais ce n'est pas le seul problème. La caractérisation bancale des personnages, notamment, et l'indécision des scénaristes sont deux soucis qui se combinent et donnent bon nombre de scènes et d'intrigues au développement cahotant, catapulté, et jamais très crédible.

Tout ce qui entoure la Nouvelle Aube, notamment, une sorte de substitut à la Révolution russe, dirigé par une Joanne Whalley sanguinaire et manipulatrice, dans un pays de l'Est où tout le monde est "égal" (sauf les ennemis de la patrie et les chiens de capitalistes, exécutés sommairement), où tout le monde s'appelle "Camarade" avec un gros accent prononcé, où toutes les possessions sont mises en commun, où le travail en usine est obligatoire pour le bien de la patrie, où l'on suit aveuglément les enseignements d'un petit livre rouge vert, et où se déroule toute la sous-intrigue d'Imogen et Agreus (qui prend un temps considérable).

Pas de suspense : c'est écrit avec des moufles, d'un point de vue très américain/occidental et caricatural, et plus la fin de saison approche, plus l'on lève les yeux au ciel, d'autant que se rajoute une opération de déstabilisation des grandes puissances capitalistes, avec des espions infiltrés qui soutiennent les soulèvements populaires locaux pour y répandre l'idéologie de la Nouvelle Aube et monter les classes sociales les unes contre les autres, blablabla.

Bref, un cadre très approximatif, où Imogen et Agreus passent le plus clair de leur temps à tenter de trouver leur place, la caractérisation d'Imogen lui faisant faire et dire tout et son contraire de manière très agaçante.

Le reste des personnages ne s'en sort pas vraiment mieux : la série passe une saison à mettre en place une relation entre Tourmaline (Karla Crome) l'ex-prostituée désormais en possession de dons magiques et de visions surnaturelles, et Darius (Ariyon Bakare), l'ex-soldat garou... avant de sacrifier ce dernier dans le final pour laisser place au mariage de Tourmaline et de Vignette, un peu sorti de nulle part. Le Chancellier (Arty Froushan) et Lady Longerbane (Caroline Ford) continuent leurs jeux de pouvoirs machiavéliens... avant d'être expulsés de la série à mi-saison.

Et ces changements brutaux de direction se retrouvent aussi au niveau de rebondissements oubliés en cours de route... notamment une certaine sulfateuse qui ne sera jamais utilisée (ce qui mène à une mort assez naze du big bad monster de la saison), ou encore l'épidémie qui frappe le Row mais est oubliée en cours de route.

Pour résumer, la saison 2 de Carnival Row donne une vraie impression de précipitation et d'approximation : le déroule des événements n'est pas toujours cohérent, les personnages réagissent bizarrement (au point de devenir pour la plupart antipathiques - Vignette, notamment, est égocentrée au possible), les changements d'orientation sont peu probants, la fin heureuse arrive comme un cheveu sur la soupe et globalement, ça n'est pas franchement meilleur que la saison 1.

À se demander si certains des acteurs, contractuellement obligés de revenir mais pas forcément motivés suite à l'accueil tiède de la première saison (ou au development hell de la saison 2), n'ont pas voulu imposer leurs idées çà et là, ou si la production n'a pas tenté de condenser plusieurs saisons de contenu en une ultime fournée de dix épisodes (je pense que l'interruption du tournage de la saison à mi-parcours pour cause de COVID explique beaucoup de choses...).

Quoiqu'il en soit, la série ne me manquera pas : certes, elle était ambitieuse, on ne peut le nier, mais elle n'était jamais à la hauteur de ses ambitions.

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Unfrosted - L'épopée de la Pop-Tart (2024) :

L'histoire pas tout à fait vraie de la création de la Pop-Tart, nouveau produit du petit déjeuner né de la rivalité, dans les années 60 entre Kellogg's et Post...

Une comédie satirique au format biopic, modelée sur la récente vague de films narrant les origines de produits cultes outre-atlantiques (Air, Flamin' Hot, The Beanie Bubble) mais qui, sous la direction et la plume de Jerry Seinfeld, se transforme en parodie de la course à l'espace, et se moque plus du produit typiquement américain qu'il présente et du consumérisme qu'il n'en ferait (à en croire un bon paquet de critiques) l'éloge.

Évacuons d'emblée ce point : oui, le film s'est fait démolir outre-atlantique, en partie par principe (disons que, comme pas mal de comiques des années 80/90, Seinfeld est vu comme rétrograde et dépassé par un certain nombre de journalistes actuels), mais aussi parce qu'il est très imparfait. Lorsque l'on a pour objectif une comédie parodico-satirique bourrée de caméos (tous les rôles sont occupés par des comiques et comédiens connus, il y a même une réunion des Mad Men), il vaut mieux s'assurer que le rythme suive, et que les vannes fassent toutes mouche.

Ici, ce n'est pas vraiment le cas, et le film donne parfois l'impression d'un sketch du SNL rallongé encore et encore et poussé dans ses derniers retranchements : à mi-parcours, on a saisi l'essence du truc, et ça commence un peu à lasser. Un temps, du moins, jusqu'à ce que cette compétition entre Kellogg's et Post ne devienne responsable de la crise des missiles de Cuba, et d'une insurrection des mascottes céréalières...

Mais ça reste formellement assez imparfait, et il y a bien 1/3 des vannes qui ne fonctionnent pas - ce qui est une moyenne assez honorable, néanmoins.

En soi, même si l'on adhère à la proposition de Seinfeld et Netflix, Unfrosted reste très perfectible : je ne me suis pas ennuyé, certes, et cette comédie absurde est amusante, mais elle reste aussi globalement superficielle, voire creuse et anecdotique. Ce qui, finalement, colle plutôt bien à son sujet, un produit industriel sans valeur nutritionnelle, mais à la forme et aux couleurs attirantes pour le public visé.

De là à parler du film comme de la pire comédie de ces dix dernières années... mwébof.

3.75/6

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Grève des scénaristes oblige, une suite et fin assez catapultée pour cette saison 2 de Quantum Leap, requelle de la série des années 90, sous la forme de cinq épisodes diffusés à partir de fin janvier dernier, rapidement pénalisés par des audiences plus que faibles, et par une annulation de la série.

Code Quantum, saison 2 - première partie (2x09-13 - 2024) :

Toujours épris d'Hannah (Eliza Taylor), Ben (Raymond Lee) continue ses sauts d'époque en époque, alors même que le malfaisant Gideon Rydge (James Frain) tente de prendre le contrôle du projet Quantum Leap.

Mouais. L'un des problèmes principaux de la première partie de cette saison 2, outre son écriture parfois maladroite en matière de problèmes sociaux (un souci récurrent du reboot), c'était son orientation toujours plus relationnelle et sentimentale, avec une Addison qui trouve quelqu'un d'autre, et un Ben qui s'éprend d'Hannah, une jeune femme qu'il croise encore et encore tout au long de ses sauts.

Et si Ben et Hannah ont effectivement nettement plus d'alchimie que Ben et Addison, la relation a été rapidement surexposée par les scénaristes, insérée dans près de la moitié des épisodes de la demi-saison : c'est là tout le problème des séries modernes aux saisons raccourcies. Dans un programme de 22 épisodes, avec des épisodes stand-alone, les scénaristes auraient pu répartie cette sous-intrigue pour ne pas l'épuiser trop vite, et s'autoriser des épisodes plus légers et décomplexés. 

Ici, dans une saison de 13 épisodes, ils finissent par revenir systématiquement sur cette romance impossible, et cela finit par phagocyter le reste du programme, tout en le rendant souvent trop dramatique pour son propre bien.

C'est d'autant plus perceptible dans cette seconde moitié de saison que tout ne tourne plus qu'autour de ça : Ben saute dans le corps d'un chasseur de prime... dont la proie est le beau-frère d'Hannah ; Ben sauve Hannah et son fils d'un immeuble en feu ; Ben tente de sauver un pilote de course avec l'aide du fils d'Hannah qui habite tout près... et le reste du temps, même quand Hannah n'apparaît pas dans un épisode (comme l'épisode 10, un épisode de chasse au trésor balourd écrit par la même scénariste/activiste transgenre que l'épisode équivalent en saison 1, et tout aussi didactique et maladroit ; ou le 11, avec Ben en cameraman qui aide une journaliste à exposer une histoire de pesticide cancérigène), c'est le côté sentimental de la série qui reste sur le devant de la scène.

Au point que les sauts temporels de Ben ne sont réellement plus qu'une préoccupation secondaire de la série : Addison aide à peine Ben, la temporalité et le lieu ne sont que des informations données après coup, et les enjeux des sauts sont souvent limités, bouclés à l'arrache en fin d'épisode.

Parce que voilà, le vrai souci de ce reboot de Quantum Leap, il est là : multiplier les personnages secondaires de l'équipe implique de leur donner quelque chose à faire. Et entre ça, l'intrigue du grand méchant menaçant (un James Frain qui cabotine en super-méchant de cartoon à l'origin story prévisible et peu satisfaisante) et le carré (?) amoureux existant entre Addison, Ben, Hannah et Tom... ça ne laisse plus beaucoup de place pour des missions hebdomadaires développées et satisfaisantes.

Et donc, quand arrive la fin de saison, et que les scénaristes décident de redoubler d'efforts pour concrétiser la relation Addison/Ben (qui désormais leapent ensemble), on ne peut que lever les yeux au ciel.

En tant que saison, cette fournée de 13 épisodes était déséquilibrée et souvent frustrante ; en tant que revival de Code Quantum, le show a toujours peiné à trouver un équilibre entre exigences de la tv moderne,  format épisodique du programme, refus de la nostalgie et shipping envahissant qui n'a jamais séduit les fans.

Dans l'absolu, la tentative était honorable, mais pour être totalement franc, le résultat n'a jamais été totalement convaincant, et l'annulation de la série au terme de cette seconde année est relativement peu surprenante (d'autant que le budget semblait avoir rétréci, au vu des cascades cheaps, et du nombre croissant de scènes tournées à Universal Studios)...

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Pendant une semaine, pour fêter Walpurgis, la nuit des Sorcières, ce 30 avril, célébrons Halloween au printemps, avec une poignée de séries fantastiques et de films d'horreur...

Freeze (2022) :

En mission pour retrouver le Capitaine Streiner (Tim Cartwright) et son équipage, partis explorer le Pôle Nord, le Capitaine Mortimer (Rory Wilton) et l'équipage de l'Innsmouth (Johnny Vivash, Jake Watkins, David Lenik, Ricardo Freitas, Beatrice Barrilà) se retrouvent rapidement pris par les glaces, et assaillis par d'étranges créatures amphibiennes. Les survivants se réfugient alors dans des grottes voisines, où ils découvrent les origines antédiluviennes de ces Profonds, ainsi que le sort de Streiner...

Un petit budget lovecraftien qui lorgne gentiment sur The Terror et se veut très inspiré de At the Mountains of Madness... sans avoir les moyens financiers et techniques de livrer un métrage convaincant. 

Déjà, parce que le film montre immédiatement ses créatures à l'écran, dès les premières secondes, et précipite son récit, incapable de créer le suspense ou la menace : en moins de 20 minutes, tout l'équipage (4 personnes et demi) a déjà été attaqué, chassé du bateau, arpente des étendues enneigées (dont les plans aériens plutôt jolis révèlent les traces de passage de nombreux véhicules et autres skieurs), et est déjà dans des grottes sombres où il va passer tout le reste du film.

À partir de là, tout est tiré vers le bas par les limites budgétaires et scénaristiques du film : les Profonds sont des mecs en combinaison de caoutchouc qui marchent à quatre pattes et dont les attaques se limitent à câliner leurs victimes, quelqu'un est venu passer un coup de balai dans les grottes avant le tournage, ça tourne en rond, la photographie est basique, et la structure globale du film ne fonctionne pas vraiment, notamment dans le grand final avec sa préparation à la Aliens.

C'est dommage, car il y a là un vrai potentiel, un embryon de film réussi enfoui dans tout ça, notamment parce que la distribution est plutôt solide (mention spéciale à Cartwright en grand méchant machiavélique) et que l'atmosphère fonctionne ponctuellement, mais ce n'est pas encore à niveau.

2/6

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Portage télévisuel de la franchise Benjamin Gates (des films très médiocres, mais qui pourtant, nostalgie aidant, sont devenus cultes pour une certaine tranche démographique) pour Disney +, ce National Treasure : Edge of History se veut une adaptation young adult de cet univers, répondant très fort au cahier des charges de Disney en matière de diversité et de représentativité, et se déroulant en 10 épisodes de 45 minutes environ...

Trésors perdus - Le Secret de Moctezuma, saison 1 (National Treasure : Edge of History, season 1 - 2022) :

Jess (Lisette Olivera) une immigrante clandestine vivant en Louisiane, apprend la mort de Peter Sadusky (Harvey Keitel), ancien agent du FBI, peu de temps après que ce dernier lui ait remis un message à transmettre à son petit-fils, Liam (Jake Austin Walker), musicien local. Rapidement, elle comprend que Sadusky est mort en protégeant la piste d'un trésor panaméricain légendaire, dont elle détient peut-être la clef dans le pendentif qu'elle porte autour du cou. Traquée par la trafiquante d'antiquités Billie Pierce (Catherine Zeta-Jones) et ses hommes, Jess, ses amis Tasha (Zuri Reed), Oren (Antonio Cipriano) et Ethan (Jordan Rodrigues) ainsi que Liam, tentent alors de trouver le trésor avant Billie, qui veut le détruire au nom d'une organisation secrète malfaisante...

Une série Disney + chapeautée par un duo de scénaristes ayant travaillé sur les deux films originaux, et n'ayant rien fait de particulièrement probant depuis 2009, ça pouvait laisser dubitatif.

En voyant le premier épisode et sa police de caractères Papyrus, sa Catherine Zeta-Jones lookée comme Sharon Stone, son Harvey Keitel grabataire qui est aussitôt kelleyrisé, et sa distribution United Colors of Benetton bourrée de clichés (l'héroïne latina immigrée clandestine, sa meilleure copine black sassy influenceuse super-hackeuse pianiste et militante, leurs compères le méditerranéen maladroit et glandeur et l'asiatique sérieux et responsable qui fréquente une métisse pakistanaise, le musicien blond venant du Sud profond des USA), on pouvait continuer à se méfier devant ce qui semblait être un programme ultra-formaté, calibré, voire pensé de manière algorithmique.

Et rapidement, cette méfiance se confirme, au fil des épisodes, à mesure que les livres d'Histoire sont maltraités, que les protagonistes font alternativement preuve d'une stupidité confondante et de connaissances historiques qui feraient pâlir d'envie Indiana Jones, que les coïncidences abusives et les déductions approximatives se succèdent, que le spectateur a droit à des leçons de morale sur la manière (effectivement) indigne dont les Blancs traitent les minorités depuis toujours, etc, etc, etc...

Pour ne rien arranger, la série semble persuadée que son héroïne (qui a de faux airs de Zendaya dans certaines de ses expressions sérieuses) et le musicien au charisme négatif ont une alchimie torride, et consacre une partie non-négligeable de son temps à cette relation naissante, et à un pseudo-triangle amoureux qui en découle. Malheureusement, ça tombe totalement à plat, et ça donne même lieu à un numéro de danse WTF sur du Lady Gaga, en plein bal du Gouverneur.

Mais si, à la limite, tout ça avait un semblant d'intérêt ou de cohérence sur le fond, ça passerait. Seulement voilà, entre les anachronismes, la fascination des Américains pour les Francs-maçons et pour Elvis (l'indice enregistré sur un vinyle d'Elvis, j'en ris encore), la résolution des énigmes mise en images façon Psych, les "casses" mollassons et surtout le rendu hypra-cheap de tous les pièges, les artefacts et les temples (le budget n'est clairement pas passé dans la direction artistique ou les accessoires), on passe son temps à soupirer devant ce récit d'aventures très approximatif, aux rebondissements télégraphiés, et qui a une forte tendance à introduire des personnages secondaires pour les tuer deux épisodes plus tard.

CZJ est cependant assez efficace en méchante, et la jeune agente du FBI remplit bien son office, mais dans l'ensemble, National Treasure : Edge of History est une déclinaison très faiblarde d'une franchise qui l'était déjà pas mal, et ne plaira probablement qu'au public jeune pour lequel elle a été conçue.

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Série en deux saisons de 13 épisodes (techniquement, une saison de 11 épisodes + un épisode pilote double, et une saison de 13 épisodes) diffusée en été sur CBS (forcément) et chapeautée par un duo de scénaristes de Warehouse 13, Human Target et Limitless, Blood & Treasure se voulait un programme léger et plein d'aventures autour du monde, à la recherche d'antiquités et de méchants trafiquants.

La série, cependant, est passée totalement inaperçue, et a été annulée au terme de sa seconde année, après avoir été reléguée sur Paramount +. Méritait-elle mieux ?

Blood & Treasure, saison 1 (2019) et saison 2 (2022) : 

- Saison 1 (2019) : Danny McNamara (Matt Barr), ex agent du FBI spécialisé dans la traque d'antiquités volées, est contraint de refaire équipe avec Lexi (Sofia Pernas), son ex, une voleuse d'origine egyptienne, pour tenter de retrouver la trace des sarcophages de Marc Antoine et de Cléopatre avant que Karim Farouk (Oded Fehr), un dangereux terroriste, ne s'en empare à des fins sinistres...

Une première saison assez légère mais qui, soyons francs, n'a honnêtement que 7 ou 8 épisodes de contenu, au maximum : la traque du méchant terroriste à ses limites, même avec d'innombrables rebondissements et surprises (globalement très prévisibles : la série ne fait pas dans la subtilité, et les retournements de situation et fausses identités sont globalement télégraphiés), et sur la durée, il y a des redondances et des épisodes inutiles.

Pour compenser, le programme repose beaucoup sur sa distribution plutôt sympathique (le couple principal fonctionne bien, les personnages secondaires sont amusants - Shaw le vendeur d'armes, Chuck le prêtre, Gwen la fliquette nordique pince-sans-rire), sur une énorme dose de shipping entre ses leads, et sur son aspect globe-trotting, qui envoie ses personnages/ses acteurs aux quatre coins de la planète, sur la piste de Nazis et de méchants terroristes arabes.

Ça ne révolutionne rien, ça assume totalement son côté aventures décomplexées et ses références (un petit cri de Wilhelm dans chaque épisode), il y a quelques caméos qui font plaisir (Marc Valley, Anna Silk), et si la tendance à la conspiration internationale et aux Confréries antiques fait un peu lever les yeux au ciel ("tu descends directement de Cléopatre", *soupir*), ça se regarde plutôt bien.

Après, encore une fois, ça reste une série de network à l'écriture inégale, avec de grosses ficelles et des raccourcis frustrants et qui peine un peu à justifier ses 13 épisodes et son rythme. En tout cas, la fin n'appelait pas de suite.

- Saison 2 (2022) : Alors que le Khan, un dangereux terroriste d'origine asiatique, laisse sa marque partout dans le monde, Danny et Lexi partent en quête de l'Âme de Gengis Khan, une relique légendaire traquée par le Khan pour ses supposés pouvoirs mystiques...

On prend les mêmes, et on recommence... quasiment à l'identique, en fait, puisque les scénaristes reprennent la course autour du monde à la recherche d'une relique (sauf qu'ici, on est en Asie au lieu d'être de l'autre côté du globe), remplacent les Nazis par les Soviétiques, Farouk et sa fausse identité par Khan et sa fausse identité, etc.

Le schéma de la saison est le même, ses ventres mous identiques, les enjeux bioterroristes similaires (en saison 1, ça tournait autour d'une biotoxine retrouvée dans le tombeau de Cleopatre, en saison 2, c'est la mise au point d'un virus pandémique à partir de l'ADN de Genghis Khan retrouvé sur la relique), ses rebondissements similaires (sur l'identité de Khan, donc, mais aussi sur la nature réelle du plan ourdi par ce dernier), et le tout, en mettant l'accent (peut-être plus que jamais) sur le shipping entre Danny et Lexi.

Bref, on a un peu l'impression, cette année, d'assister à une version remastered de la première saison, dans de nouveaux décors, mais avec beaucoup trop de similarités pour convaincre. Pourtant, le programme fait son possible pour apporter un peu de variété (superficielle) : on retrouve Shaw en Asie, où il tient un bar avec l'aide d'un Demi-Lune précoce ; Chuck devient évèque, et mène l'enquête au Vatican pour y dénoncer une corruption ; Kate (Victoria Diamond), la fille de Reece (John Laroquette, en saison 1), rejoint un temps l'équipe en tant que représentante de la CIA ; Simon Hardwick (James Callis) reprend du service (de manière un peu forcée, mais bon) ; un épisode tout entier ramène Marc Valley pour donner à son personnage des adieux émouvants ; Violet (Michelle Lee), une voleuse amie de Lexi, se joint à la troupe...

Mais si le tout reste sympathique à suivre, et globalement dépaysant, les problèmes de la saison 1 sont toujours présents, parfois même renforcés (certaines scènes d'action paraissent trop approximatives, limitées par le budget et le temps de tournage), et la dernière ligne droite de la série est bien symptomatique du déséquilibre fondamental du programme : Blood & Treasure veut être à la fois un récit d'aventures internationales, avec voyages, pays exotiques, tombeaux, mysticisme, etc, et un technothriller avec des menaces à l'échelle mondiale.

Seulement voilà, sans le rythme ni le budget, tout ça n'est que partiellement convaincant : ici, le virus qui contamine supposément toute l'Europe, suivi du crach bancaire international, avec passage par les banques du Vatican, tout ça, c'est tellement capillotracté (et paradoxalement étriqué - on nous parle de catastrophe planétaire potentielle, mais ça n'en a jamais l'ampleur à l'écran) que la fin de la saison tombe un peu à plat.

Dommage, parce que le cast reste sympathique, et le tout se fait dans une bonne humeur toujours agréable. Mais je ne suis guère surpris de l'annulation de la série, en tout cas, une série aux bonnes intentions, à l'exécution honorable, mais au final probablement trop chère à produire pour un résultat et un succès trop limités.

En l'état, on est plus près d'une série de syndication comme on pouvait en trouver pas mal il y a 15-20 ans (forcément, vu le passif des showrunners/scénaristes du programme)... mais qui, aujourd'hui, dans le paysage audiovisuel actuel, n'avait que peu de chances de trouver sa place.

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Indiana Jones et le Cadran de la destinée (Indiana Jones and the Dial of Destiny - 2023) :

Alors qu'il part à la retraite, seul et râleur, Indiana Jones (Harrison Ford) renoue avec sa filleule Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge), arnaqueuse et trafiquante d'antiquités, qui recherche le cadran d'Archimède, aux supposés pouvoirs magiques de voyage dans le temps. Mais Jürgen Voller (Mads Mikkelsen), un ancien nazi travaillant désormais pour le gouvernement américain, a lui aussi des vues sur l'objet, avec pour but de repartir en 1939 et mener l'Allemagne à la victoire...

Adieu Spielberg et Lucas, place à James Mangold (Logan), David Koepp et deux scénaristes qui ont la côte en ce moment, pour le premier Indiana Jones non chapeauté par l'équipe habituelle, avec un Harrison Ford octogénaire dans le rôle d'un Indy vieillissant qui peut remercier ses cascadeurs...

Et pourtant, c'est plutôt agréable à suivre, et j'ai probablement préféré cet opus au Crâne de Crystal (il faudra voir comment ça vieillit), notamment parce que Mangold s'efforce systématiquement d'éviter ce sentiment de décors de studio qui hantait pontuellement le précédent volet.

Ici, on embarque dans une course poursuite à travers le monde, plutôt ludique et intéressante, et qui revisite toutes les figures imposées de la franchise en en changeant un peu la dynamique, vieillard et trentenaire sarcastique obligent.

Tout le monde tient bien son rôle (y compris Ford, motivé), mais... difficile de s'enthousiasmer totalement pour un métrage de ce type. Déjà, pour des problèmes de rythme : le film dure plus de 2h30, et c'est facilement 20-25 minutes de trop.

Des minutes qui se retrouvent dans la multiplication de poursuites à rallonge, et dans une longue introduction en flashback, durant la Seconde guerre mondiale, dont auraient facilement pu être amputées une dizaine de minutes.

Mais voilà, Mangold était clairement impressionné par la technologie de rajeunissement numérique d'ILM, qui, combinée à des cascadeurs et à des doublures, permet de suivre un jeune Harrison Ford pendant plus de vingt minutes d'introduction : et il faut bien admettre que le résultat est assez bluffant, du moins pendant un temps. Car si technologiquement, ça fonctionne 70-75 % du temps, une partie des mouvements et la voix de ce "jeune" Indy restent ceux du Ford de 80 ans, dont la carrure, la posture et le timbre ont changé.

Ça ne convainc donc que partiellement, mais si le film joue la carte de la nostalgie, un peu comme le précédent (avec Sallah, Marion, etc), c'est ici plus modéré, et ça passe mieux.

Reste que le tout n'a jamais le panache formel ou l'énergie des films de Spielberg, et qu'un peu à l'image de Ford, on sent le film parfois à bout de souffle, essayant désespérément de retrouver le côté épique d'antan, sans totalement y parvenir.

Pas désagréable, mais pas non plus exceptionnel.

(bizarrement, j'aurais bien aimé voir ce que Spielberg aurait fait de ce script, à la place du Crâne de crystal)

3.5/6 

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The Book of Clarence (2023) :

Le destin de Clarence (LaKeith Stanfield), jeune dealer bon à rien de Jérusalem et frère jumeau de l'apôtre Thomas, qui pour échapper à l'un de ses créanciers et prouver que c'est à la portée de tout le monde, décide de devenir lui-même Messie, avec l'aide de son fidèle compère Elijah (RJ Cyler) et de Barrabas (Omar Sy), un esclave affranchi...

Une comédie très particulière et assez difficile à cerner, tant elle part dans de multiples directions à la fois. Au premier abord, ça ressemble à La Vie de Brian, mais en mode "in the hood", où peuple juif/culture afroaméricaine, armée romaine/police, racisme/antisémitisme, harem/strip-club ne feraient plus qu'un, avec pour personnage principal un hustler cynique et sceptique prêt à tout pour s'enrichir. 

Mais rapidement, on réalise que le ton est bien différent d'une comédie à la Mel Brooks ou à la Python. Tour à tour, le film se fait ainsi méditation, romance, péplum, film d'action, parodie rigolarde, film d'exploitation, stoner movie, film fantastique, manifeste anti-racisme et tragédie religieuse façon Passion du Christ... et ce de manière un peu désordonnée et chaotique, au détriment du film.

Certains critiques y ont vu là une métaphore de la manière dont chacun interprète l'histoire de Jesus à sa sauce, au travers de son propre prisme, ce qui se reflèterait donc ici dans les différents tons adoptés par le film au gré de ses scènes.

Je crois plutôt que c'est le symptome d'un film probablement trop ambitieux pour son propre bien. Et cela se traduit aussi par un résultat final en demi-teinte. Oui, comme je viens de le dire, c'est un film ambitieux, une approche irrévérencieuse de la Bible, avec Benedict Cumberbatch dans un rôle de mendiant au destin improbable, un gladiateur immortel, et énormément d'idées excentriques... jusqu'à ce que ce ne le soit plus, et que Clarence trouve la Foi. 

Le film retombe alors sur des rails plus mélodramatiques, qui restent entrecoupés de ruptures semi-comiques, et ça finit par ne plus fonctionner réellement.

Jamais vraiment ouvertement drôle, jamais vraiment ouvertement romantique, jamais vraiment ouvertement transcendant, jamais ouvertement revendicatif, The Book of Clarence finit par être décousu, un patchwork amusant d'idées et de scènes intéressantes, de messages et de points de vue intriguants, qui ne se cristallise jamais en un film cohérent et efficace, pas aidé par une durée un peu abusive de plus de deux heures.

Un OFNI, donc, assez imparfait, souvent en roue libre, mais qui mérite le coup d'œil.

3.25/6

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Mise en chantier dès 2017, cette préquelle à la série des films John Wick a longtemps tourné en rond en préproduction, initialement pour Starz, puis revendue et diffusée, finalement, sur Peacock, la plateforme de NBC. Au programme, un format atypique de 3 x 90 minutes, sous la supervision des scénaristes des médiocres Turkey Bowl et Mise à l'épreuve 1 et 2... ce qui, bizarrement, donne un résultat qui est loin d'être inintéressant.

The Continental - From the World of John Wick (2023) :

Lorsque son frère aîné Frankie (Ben Robson) trahit Cormac O'Connor (Mel Gibson), le gérant de l'hôtel Continental (et le dirigeant de tout le monde criminel qui gravite autour du bâtiment), et lui dérobe une presse destinée à la frappe de médaillons très spéciaux, Winston Scott (Colin Woodell) est amené contre son gré à New-York, pour y être interrogé par Cormac. Mais bien vite, à la mort de Frankie, Winston va commencer à réunir autour de lui des ennemis de Cormac pour se venger, et prendre d'assaut le Continental...

Soyons francs : la franchise John Wick ne brille pas forcément par son worldbuilding, assez bordélique et qui semble souvent improvisé au fil des chapitres, pour le meilleur et pour le pire. Le côté positif, c'est que ça donne aux John Wick une identité certaine, reposant sur cet univers improbable assez marqué sur le plan du style et sur ses scènes d'action mémorables. Le côté négatif, c'est que la franchise bascule fréquemment dans le too much, et peut faire lever les yeux au ciel, même chez les amateurs de films de genre.

Et puis les John Wick ont tendance à avoir des difficultés à gérer leur rythme, avec des récits souvent trop longs pour leur propre bien.

Sans surprise, donc, on retrouve ici, dans cette préquelle racontant les origines du personnage de Ian McShane, la plupart des défauts et des qualités des John Wick, mais en mode plus télévisuel. 

Sur le plan stylistique, la série est largement dépendante de l'époque à laquelle elle se déroule : les années 70. Une époque vue par un prisme très pop culture, avec sa blaxploitation, son kung fu, sa pègre, etc, et sa bande-originale juke-box bourrée de morceaux de funk et de disco. C'est sympathique (même si ça frôle fréquemment l'overdose), et ça s'accompagne d'efforts de mise en scène, notamment dans les transitions entre les scènes, le montage et les mouvements de caméra.

Ce n'est pas parfait (les extérieurs de New-York sont bien trop propres, avec un éclairage trop plat), mais il y a là plus de style et d'identité visuelle que dans multiples séries tv "prestigieuses" récentes. À l'identique, tant que l'on parle des bons côtés, l'univers conserve son excentricité, et l'interprétation est plutôt solide (même si Mel Gibson est en roue libre en über bad guy priant Dieu).

Le rythme, par contre, ne répond pas vraiment à l'appel. 3 x 90 minutes, c'est soit un peu trop, soit pas assez, et la série se retrouve à sous-développer certains personnages secondaires, et à en surdévelopper inutilement d'autres, comme Lou, l'afroaméricaine qui fait du karaté, a des daddy issues, déteste les armes à feu et se bat pour sauver le dojo familial des méchants criminels de China Town, ou encore la fliquette et son aventure extraconjugale avec un collègue marié.

Le programme ne résiste en effet pas aux tendances actuelles du streaming américain, et accorde ainsi beaucoup de place à ses personnages féminins, qui se chargent de l'essentiel de "la bagarre", quitte à faire des hommes de la série des protagonistes souvent médiocres, uniquement capables d'utiliser des armes à feu : on retrouve là un peu de ce qui faisait le cinéma d'exploitation de l'époque (avec ses femmes fortes et badass), mais comme on est sur le petit écran, et en 2023, c'est gentiment maladroit, et ça semble nettement moins naturel.

D'autant que niveau action, si la série assure le quota (surtout dans sa dernière ligne droite), elle souffre aussi de problèmes évidents, avec des affrontements un contre un artificiellement accélérés de temps à autre, et des limites de budget évidentes çà et là (je ne sais toujours pas si la poursuite en voiture fragmentée de l'épisode 1 était un choix créatif ou la conséquence d'un rendu un peu trop cheap coupé au montage).

Bref : The Continental n'est pas très bien rythmé, l'action est un cran en deçà des films, les personnages ne sont pas tous très bien écrits, et ça fait ponctuellement un peu étriqué, mais dans l'ensemble, ça reste bien plus regardable que ce que l'on aurait pu croire, et l'on retrouve tout de même la vibe John Wick que l'on attend d'un tel projet.

Agréable, pour peu que l'on apprécie l'univers.

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Tentative HBO Max de renouer avec les séries câblées courtes et dynamiques des années 2000-2010, Minx proposait une première saison agréable, à défaut d'être particulièrement indispensable ou mémorable. Annulé au beau milieu de la production de sa seconde saison, et sauvé in extremis par Starz, le programme est donc revenu pour huit épisodes de 25-30 minutes (passés inaperçus au beau milieu de la grève des scénaristes) avant d'être définitivement annulé sur la lancée.

Passage en revue de cette ultime saison, donc...

Minx, saison 2 (2023) :

Entouré d'un buzz incroyable, Minx est courtisé par toutes les maisons d'édition, mais Doug (Jake Johnson) et Joyce (Ophelia Lovibond) finissent par opter pour le financement indépendant proposé par Constance (Elizabeth Perkins), une riche investisseuse veuve et intraitable. De quoi bouleverser le destin du magazine, d'autant que ses employés aspirent, eux aussi, à plus d'indépendance et de liberté...

Pour cette saison 2, je fais un peu le même constat qu'au cours de la saison 1 : Minx, c'est sympathique, la reconstitution de l'époque est efficace (même si occasionnellement, la photographie abuse un peu de l'esthétique 70s et des tons sépias), la distribution est excellente (mention spéciale à Lennon Parham, dont le personnage passe par toutes les étapes de la libération sexuelle, depuis son côté coincé de la saison 1, jusqu'à sa transformation en dominatrice organisant d'une main de fer les key parties de son quartier, en passant par son attirance pour Bambi) et globalement, ça se regarde plutôt bien... mais ça ne va jamais vraiment plus loin que ça.

Ponctuellement, la série propose des événements assez drôles (la projection de Deep Throat, la Bataille des Sexes), mais elle a aussi tendance à proposer des rebondissements prévisibles (Richie et ses photos de la descente policière sur les bains publics ; tout ce qui touche à la direction du magazine imposée par Constance), des tensions parfois artificielles (oui, toute la saison repose sur la notion d'empowerment, de développement et de croissance personnelle de ses personnages féminins - et gays - mais Doug, lui, est un peu laissé pour compte, fréquemment dépeint comme le méchant de service, plus ou moins rejeté par tout le monde à la fin)... débouchant in fine sur une fin très ouverte, qui laisse énormément d'intrigues en suspens.

Ce qui, forcément, frustre plus qu'autre chose, comme la série a été annulée.

Et puis aussi parce que le rythme du tout est un peu décousu, ou du moins, que ça s'éparpille un peu, que les embryons de sous-intrigues futures ne sont pas forcément totalement convaincants (Bambi et Jim Jones, vraiment ?) et que j'ai toujours un peu de mal avec le message féministe de la série, parfois un peu pataud, parfois un peu hors-sujet, bref, parfois un peu trop américain.

Mais bon, comme je le disais plus haut, malgré ses défauts et son annulation précoce, la saison 2 de Minx se regarde sans problème. C'est toujours ça de pris.

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The Iron Claw (2023) :

Dans le Texas des années 80, les Von Erich ne vivent que par et pour le catch américain : ancien footballer professionnel et catcheur possédant désormais un territoire local, Fritz Von Erich (Holt McCallany) est un père dur et exigeant, qui rêve de voir ses fils connaître le succès qui lui a toujours échappé. Kevin (Zac Efron), l'aîné et le plus prometteur, peine cependant à se défendre au micro et voit des opportunités lui passer sous le nez pour cette raison ; David (Harris Dickinson), lui, est au contraire particulièrement confortable dans ce domaine ; Kerry (Jeremy Allen White), athlète universitaire, rejoint la dynastie en cours de route, et trouve aussitôt ses marques ; et Mike (Stanley Simons), enfin, n'a que peu d'intérêt dans la discipline, préférant une carrière dans le monde de la musique. Mais au fil des ans, des abus, des tragédies et d'un père toujours plus strict et autoritaire, le clan Von Erich commence à tomber en morceaux...

Un biopic dramatique centré sur la famille Von Erich, réputée dans le monde du catch  US pour sa "malédiction", à savoir les nombreux drames qui se sont succédés au cours de son histoire... ici, c'est par le filtre A24 et devant la caméra du réalisateur de Martha Marcy May Marlene (qui avait révélé Elizabeth Olsen) que cette histoire sombre et déprimante voit le jour, pour un film très... A24.

Comprendre qu'on est dans un drame indépendant très minimaliste dans ses effets et dans son déroulement, très calibré, et étrangement froid... ce qui n'a pas semblé déranger bon nombre de spectateurs, qui se sont empressés de crier au chef-d'œuvre, comme souvent avec les films estampillés A24.

Personnellement, je suis un peu resté à la porte de ce récit, et ce malgré mes prédispositions pour cet univers, cette histoire, et le genre du biopic. Mais non, le tout m'a semblé manquer de finesse ou de subtilité, entre les 45 premières minutes assez classiques et formatées, la succession mécanique de tragédies, la caractérisation un peu monolithique des parents, et, vers la fin, cette scène au Paradis, cheesy au possible. Bref, je n'ai pas accroché plus que ça.

D'autant que la réalisation des matches, pour la plupart en plans serrés et à la shaky cam, m'a agacé plus qu'autre chose, et que certains détails m'ont un peu frustré (le Ric Flair discount ; le physique d'Efron, qui a bien pris ses vitamines et dit ses prières, comme dirait Hulk Hogan, mais qui est presque trop boursoufflé gonflé pour vraiment bien incarner Kevin VE, qui avait 15 cm de plus qu'Efron - ce qui, visuellement, change pas mal de choses au niveau des proportions).

Ce n'est pas mauvais, c'est globalement bien interprété, et certains spectateurs y trouveront leur compte, mais ça n'a pas vraiment fonctionné sur moi.

3/6 

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Pencils vs Pixels (2023) :

Un documentaire intéressant et ludique, narré par Ming-Na, et qui retrace l'histoire de l'animation 2D, de ses différentes phases, depuis Disney jusqu'à Don Bluth en passant par la renaissance de Disney inspirée de Broadway, le développement de l'animation télévisée... et la montée en puissance du numérique.

C'est là le second thème principal du documentaire : le remplacement progressif de l'animation 2D par le numérique et l'animation 3D, au travers du succès de Pixar, et des mauvaises leçons retenues par les exécutifs des grands studios, qui ont confondu une certaine lassitude vis-à-vis de la formule Disney et le succès de Shrek et compagnie avec un signe évident que la 2D n'avait plus raison d'être.

Globalement sympathique, avec de multiples interviews (Glen Keane, Alex Hirsch, Pete Docter, Seth Macfarlane, Kevin Smith et pléthore d'animateurs) et esquisses en tout genre, le documentaire se permet une conclusion optimiste résultat à la fois de la nostalgie existant pour l'animation 2D, et de la fusion des styles et des médias, qui a permis aux animations 2D et 3D de trouver un terrain commun.

Un documentaire pas forcément parfait (c'est très américanocentrique et Disney-centrique), mais ça évite les déclarations mélodramatiques sur "la mort de l'animation 2D", pour proposer une rétrospective globale et finalement plutôt lucide du monde de l'animation.

4.5/6 

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Here Comes a New Challenger (2023) : 

Un documentaire de 2h22 (!) consacré à la franchise Street Fighter (ou plutôt : à Street Fighter II), et très clairement un travail de passionné, pour ne pas dire de fanboys, qui s'intéresse avec nostalgie à tous les aspects de la création du jeu de Capcom... 

Enfin, pas vraiment à tous les aspects, puisque le documentaire est très sélectif, et évite par exemple de mentionner les repompages flagrants des compositions musicales du jeu, ou les inspirations évidentes de certains personnages (de manière générale, l'équipe japonaise botte systématiquement en touche, et de toute façon, le documentaire est très "internet" en cela qu'il laisse beaucoup de place aux témoignages de joueurs, d'internautes, de Youtubeurs sarcastiques, de fans hardcore, plutôt que de chercher la petite bête et d'être vraiment exhaustif).

À l'identique, il ne mentionne que très sommairement la concurrence (Mortal Kombat, Art of Fighting, tout ça, sont évoqués pour souligner leurs différences, mais ça ne va pas beaucoup plus loin, notamment à propos de tout ce qui est SNK), consacre un long, long segment au film de Stephen de Souza, un autre au film d'animation que tout le monde vénère, laisse une grosse grosse place aux anciens de Capcom USA (qui, à les en croire, sont responsables de toutes les bonnes idées et de tous les succès de la franchise, et d'aucun des problèmes), et reconnaît tout de même que toutes les itérations successives de SFII ont fini par dévaluer la marque, en regrettant au passage que la franchise ne soit pas suffisamment dark et edgy (*gros soupir*).

Vue la durée du tout, à réserver aux fans, je suppose, même si l'amateur lambda restera intéressé par ce que propose le métrage, à condition d'y faire un peu de tri.

3.75/6 

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Out in the ring (2022) :

Un documentaire indépendant sur le monde du catch et la place des LGBTQ+ dans l'industrie, que ce soit du côté masculin ou du côté féminin, depuis les exoticos mexicains, Pat Patterson à la WWE, les élèves de Moolah, les premiers lutteurs flamboyants (Adrian Street, etc), l'Attitude Era avec Goldust, Billy & Chuck, Orlando Jordan, Chyna, Kanyon, etc, les nombreuses difficultés psychologiques inhérentes à la profession et à la kayfabe, etc, jusqu'à aujourd'hui, avec la présence LGBTQ+ toujours plus importante dans les fédérations majeures, à l'AEW, ou sur la scène indépendante.

Pas inintéressant du tout, même si très Américain dans sa revendication, sa demande de représentation et son formatage (avec chanson inspirante en guise de conclusion), et qu'outre l'introduction provoc' ("le catch ce sont des mecs en slip qui font semblant de se battre et se roulent par terre ensemble, c'est naturellement gay, mais les hétéros ne veulent pas l'admettre") je dois bien avouer que j'ai préféré tout le côté historique aux témoignages d'innombrables lutteurs indépendants (témoignages qui finissent tous par être similaires dans le ton, si ce n'est dans leurs grandes lignes). 

4.25/6

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Créée par Martin Gero, la saison 1 de ce reboot/suite de Code Quantum n'était pas inintéressante, mais se cherchait un peu trop pour son propre bien : avec son focus très prononcé et larmoyant sur son couple principal, une approche un peu balourde de la représentativité, des minorités et de la justice sociale, et une sous-intrigue à la Terminator opposant Ben à un autre voyageur maléfique venu du futur, Quantum Leap 2023 restait une série de network assez formatée, manquant du charme et du fun de la série originale, mais tout de même agréable et sympathique à suivre.

La série a donc repris à la rentrée 2023, avec une première fournée de 8 épisodes au format habituel, tournés et produits avant la grève...

Code Quantum, saison 2 - première partie (2x01-08 - 2023) :

Ben découvre que pour l'équipe du projet, trois années se sont écoulées depuis son dernier saut : tout le monde le croit mort, le projet Quantum Leap a été interrompu, et bien des choses ont changé, notamment du point de vue d'Addison...

Pas de surprise : le focus du show ne change pas vraiment, et la relation Addison/Ben reste au centre du programme... même s'il y a une évolution de taille, puisque cette relation se transforme en triangle amoureux. En effet, trois ans se sont écoulés pour les responsables du projet, et Addison a fait son deuil de Ben, que tout le monde croyait décédé, pour se remettre en couple avec Tom (Peter Gadiot), un ancien militaire. De quoi amener une bonne grosse dose de mélodrame larmoyant et de jalousie, ce qui manque de phagocyter un peu le programme.

D'autant que les épisodes, s'ils ne sont pas désagréables, semblent fréquemment un peu catapultés dans leur résolution, d'une façon relativement frustrante et dommageable pour le récit : après le premier épisode, qui voit Ben dans la peau d'un soldat américain écrasé avec son équipage (dont une Carol Danvers en puissance, et un soldat gay) en Russie, dans les années 70, on a droit à Ben en employée de banque qui doit sauver des otages lors d'un braquage dans les années 80, Ben qui doit aider un acteur vieillissant à renouer avec sa fille en 2000, ou encore Ben confronté à la violence et au racisme des émeutes de 1992, à Los Angeles.

Autant d'épisodes un peu inégaux, pas forcément toujours bien structurés ou réalisés (il y a çà et là un abus de plans inutilement serrés sur les visages des acteurs lors des dialogues) et qui se trouvent régulièrement parasités par le présent, un présent pas vraiment inspiré dans lequel Addison et Tom roucoulent, Magic est devenu alcoolique mais se soigne, et Ian a fait (hors champ) un pacte avec une méchante corporation pour pouvoir continuer à faire fonctionner le programme Quantum Leap en secret pendant trois ans.

Cette dernière intrigue, notamment, ne fonctionne vraiment pas, trop vague, survolée et résolue (une nouvelle fois) de manière trop facile et catapultée (espérons que les scénaristes y reviendront dans la seconde moitié de saison).

Heureusement, quelques épisodes se démarquent du lot, notamment le troisième de la saison, qui envoie Ben au Nouveau-Mexique, dans la peau d'un agent gouvernemental traquant les OVNIs. En soi, l'épisode n'est pas exceptionnel, et est une nouvelle fois parasité par la relation Ben/Addison qui se désagrège, mais il introduit le personnage de Hannah (Eliza Taylor), une serveuse intelligente et passionnée de sciences, que Ben retrouvera trois épisodes plus tard, lors d'un épisode ludique à Princeton, dans les années 50.

Là, Ben et Hannah (devenue assistante de recherche suite aux conseils de Ben) s'associent pour trouver une formule secrète d'Albert Einstein, et Ben finit par lui avouer son identité réelle : une relation qui fonctionne bien, notamment parce que les deux acteurs ont une bonne alchimie, et que cela ressemble bien à la mise en place d'un fil conducteur intéressant.

Aussitôt, cependant, les scénaristes manquent de surexposer cette relation, puisqu'après un épisode sympatoche en mode sorcières de Salem, ils envoient Ben dans un remake de Le Caire, nid d'espions, où le leaper retrouve, encore une fois, cette chère Hannah.

Une fin de demi-saison très orientée shipping, donc, et qui laisse un peu dubitatif quand à la direction de la saison. Certes, les fans de la série semblent adorer cette orientation (il faut dire que la relation Ben/Addison n'était pas très populaire dans le fandom, donc ils sont ravis que ce soit terminé), mais je m'interroge tout de même quand à la suite - Hannah est déjà surexposée, apparaissant dans 3 épisodes sur 8, et il ne fait aucun doute que cette histoire se finira mal pour le couple (ou alors, en mode Capitaine America qui assiste à la mort de Peggy Carter, trop âgée).

En parallèle, il manque en plus d'un vrai fil conducteur global, et il est probable que la grève des scénaristes ne va pas aider à donner un peu d'épaisseur au programme.

Je suis donc assez mitigé : le capital sympathie de Quantum Leap 2023 est toujours là, mais la série semble ne pas vraiment savoir où aller, ailleurs que vers plus de sentiments, plus de romance, et plus de shipping.

Pas sûr que ce soit très judicieux.

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