Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Dans sa quête infinie de pouvoir, Vince McMahon et son gendre HHH ont décidé de s'accaparer toutes les catégories imaginables du monde du catch, et d'asseoir pour de bon le monopole de la WWE sur celui-ci.
Après avoir pillé sauvagement la majorité des fédérations concurrentes, TNA y compris, voilà donc un tournoi intégralement consacré aux Cruiserweights (connus ailleurs sous le nom de high-flyers, d'acrobates, de spot-monkeys, ou de X-Division).
Un show diffusé sur le Network, et qui commence par une émission spéciale d'une heure présentant les différents participants au tournoi.
Épisode spécial d'une heure présenté par Daniel Bryan, qui récapitule le concept du tournoi CWC (qui a commencé le 13 juillet) ouvert à tous les cruiserweights de la scène indépendante, et présente tous les lutteurs sous un angle sport de combat professionnel, avec portraits, pesées, etc.
Parmi les 32 participants, Rich Swann, Tajiri, Drew Gulak, Zack Sabre Jr., Noam Dar, Daivari, Brian Kendrick, Tony Neese, Kota Ibushi, Cedric Alexander, Johnny Gargano, TJ Perkins, Tommaso Ciampa, Lince Dorado, les Bollywood Boys, et plein de japonais, de mexicains, et compagnie.
Honnêtement assez frustrant en tant qu'ex-fan de la TNA, puisqu'un bon paquet de ces mecs-là étaient disponibles, sous contrat, ou en discussion avec la compagnie, qui a lamentablement laissé une tonne d'occasions lui passer sous le nez (TJP, bordel....) ; et aussi parce que c'est typiquement le genre d'alternative à la programmation habituelle de la WWE que la TNA aurait dû continuer à produire, notamment pour ses One Night Onlys ; mais sinon, du point de vue de la WWE, c'est tout bénéfice : ils repèrent de nouveaux talents sans dépenser un dollar, ils continuent de brosser le web dans le sens du poil, et ils continuent de couper l'herbe sous le pied des fédés indépendantes et de la TNA en bloquant tous les lutteurs participants pendant plusieurs mois, jusqu'à la fin des enregistrements et de la diffusion du tournoi.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Parle à mon psy, ma tête est malade (The Couch Trip) :
John Burns (Dan Akroyd), patient d'une institution psychiatrique, parvient à s'échapper de son hôpital, et, jouant de son bagoût et de son charme certain, endosse alors l'identité de son médecin, le Docteur Lawrence Baird (David Clennon), pour partir à l'autre bout du pays, à Los Angeles. Là, il remplace ainsi le Dr Mailtin (Charles Grodin), en pleine dépression, et devient une superstar de sa profession... mais la supercherie ne peut pas durer éternellement, et Donald Backer (Walther Matthau), un prêtre excentrique, menace de faire s'écrouler tout ce subterfuge...
Comédie américaine de la fin des années 80, ce métrage n'est pas particulièrement subtil et inspiré, et fonctionne principalement sur le charisme de Dan Akroyd, et sur le rythme qu'il impose à ses scènes.
Face à lui, l'interprétation est assez inégale, allant du très bon (Matthau) au très médiocre (la femme de Dan Akroyd), et si le film se regarde tranquillement, il finit néanmoins par s'essouffler dans son dernier quart, ce qui laisse le spectateur sur une impression assez mitigée.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Just Before I Go :
Déprimé, divorcé, et sans avenir, Ted (Seann William Scott) a pris la décision d'en terminer. Mais avant cela, il veut régler ses comptes avec son passé, et retourne dans sa ville natale, pour se confronter à sa famille (Garret Dillahunt, Kate Walsh, Kyle Gallner, Connie Stevens), à ses anciens rivaux (Rob Riggle) et à son amour d'enfance inavoué (Mackenzie Marsh). Bien vite, cependant, il s'aperçoit que la vie est compliquée pour tout le monde, et lorsqu'il fait la rencontre de Greta (Olivia Thirlby), ses plans s'en trouvent chamboulés...
Premier vrai long métrage de Courteney Cox (après un téléfilm Lifetime), cette dramédie souffre d'un ton qu'on pourrait charitablement qualifier d'"éparpillé" ; autrement dit, le film passe constamment de la comédie noire, au drame relationnel, en passant par le mélodrame, la comédie romantique, la farce, la dépression, la vulgarité, l'humour potache à base de bites et d'érections, le discours sérieux sur l'homosexualité, sur le harcèlement scolaire, sur les mariages malheureux, sur le suicide, etc, etc, etc, sans jamais parvenir à rendre le tout homogène.
Et ce déséquilibre constant fait que le film est vraiment inégal, certains passages comiques ultra-lourds sapant totalement les moments plus sincères les précédents, et vice-versa.
D'ailleurs, le message du film est à l'identique, semblant parfois donner dans le "ta vie est pourrie, tu n'as plus aucun espoir, tu es en dépression et tu veux te suicider ? Arrête de te plaindre, il y a toujours pire que toi, et en plus, si tu te tues, tes proches seront tristes : tu ne veux pas leur pourrir encore plus la vie, n'est-ce pas ?", ce qui est, au mieux, une approche assez maladroite de la dépression et du suicide, surtout dans le cadre d'un récit aussi capillotracté, avec happy end obligatoire.
En somme, un métrage qui laisse un peu sur sa faim, ce qui est d'autant plus dommage que la distribution est composée de nombreux visages familiers et sympathiques, qui jouent bien, et que c'est assez bien filmé par Cox.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Wendy Wu (Wendy Wu - Homecoming Warrior) :
Wendy Wu (Brenda Song) est une lycéenne californienne prête à tout pour devenir la reine du bal de promo, mais alors que la date fatidique approche, Shen (Shin Koyamada), un jeune moine chinois, arrive en ville pour avertir Wendy : elle est en réalité l'héritière d'une longue dynastie de guerrières aux pouvoirs mystiques, destinées à affronter le Mal à chaque génération, pour le bien de l'humanité. Mais pour y parvenir, Wendy va devoir s'entraîner dur...
Un téléfilm Disney de 2006 qui lorgne très clairement sur Buffy, mais à la sauce asiatique, et qui fonctionne plutôt bien, je dois dire. J'en suis le premier surpris, mais hormis quelques flottements au niveau du rythme, une musique insipide et une interprétation parfois inégale (notamment chez Koyamada), le tout tient plutôt bien la route, tous comptes faits.
Bon, ça reste de la télévision, mais la combo de Brenda Song, ultra-attachante et sympathique, et de toute la composante "arts martiaux" du métrage, donne finalement lieu à un métrage qui n'a pas forcément à rougir en comparaison de certaines productions cinématographiques : les quinze dernières minutes de combats cablés contre les soldats de terre cuite sont tout à fait honorables, et Koichi Sakamoto, le chorégraphe/réalisateur des scènes d'actions (responsable martial des franchises Power Rangers et Kamen Rider) rend le tout plutôt crédible et réussi visuellement (ça aide que Song soit assez physique et crédible durant les affrontements).
En somme, une agréable surprise pour ce qui n'aurait pu être qu'une D-com fauchée de plus.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Capturing the Friedmans :
Retour sur le procès Friedman qui, dans les années 80, a vu toute l'Amérique se passionner pour une affaire de pédophilie dans laquelle Arnold Friedman et son fils Jesse ont été accusés d'avoir violé bon nombre d'enfants dans leur petite ville...
Un documentaire HBO nominé aux Oscars, et qui s'avère assez captivant, car refusant (quasi) perpétuellement de choisir son camp.
D'un côté, les Friedman, une famille assez peu attachante, qui se filme constamment et se donne constamment en spectacle (que ce soit à l'époque, en Super 8, ou aujourd'hui, en vidéo) avec un détachement étrange, un père pédophile qui a toujours nié les faits qui lui étaient reprochés (tout en en admettant quelques autres), trois garçons hyperactifs et soudés, et une mère névrosée, dépressive, et malheureuse dans son couple, qui n'avait, lors du procès, qu'une idée en tête : opter systématiquement pour les solutions de facilité, afin que tout ça se termine au plus vite (quitte à inciter ses proches à plaider coupable).
Et de l'autre, la justice et le public aux opinions préconçues, une communauté qui se lance dans une chasse aux sorcières, un avocat manipulateur, des témoins qui se rétractent les uns après les autres, et des allégations faites par des enfants apeurés par les forces de l'ordre et/ou sous hypnose, allégations bien souvent tout simplement physiquement impossibles et jamais prouvées.
On passe donc son temps à hésiter entre se ranger du côté des Friedman, clairement victimes dans un procès à charge qui les dépassaient, et se dire que quelque chose sonne faux dans certaines de ces vidéos domestiques omniprésentes, comme si les Friedman se donnaient tant en représentation au quotidien, que c'était désormais leur mode par défaut, et qu'on ne pouvait plus les prendre au sérieux. Bref.
Un documentaire qui laisse perplexe, qui incite au débat et qui - malheureusement - complique encore un peu plus la situation lorsque l'on apprend que certains aveux et témoignages à charge n'ont pas été pris en compte par l'équipe du documentaire, ou bien ne sont arrivées qu'après sa diffusion. En l'état, cependant, un travail assez fascinant.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
The Bronze :
Ancienne gymnaste médaillée de bronze aux Jeux Olympiques, Hope Ann Greggory (Melissa Rauch) a dû mettre un terme à sa carrière après une blessure... et après le développement de sa poitrine généreuse. Désormais amère, immature et vulgaire, elle vit de sa célébrité toute relative, en profitant honteusement des magasins de sa ville natale, et de la bonne volonté de son père (Gary Cole). Mais lorsque son ancienne coach décède en lui léguant un demi-million de dollars, Hope doit faire un choix : accepter d'entraîner Maggie (Haley Lu Richardson), une jeune gymnaste prometteuse et enthousiaste, mais qui risque d'éclipser le souvenir de Hope dans l'esprit des habitants de la ville, ou ne pas toucher l'argent. Malgré ses réticences, Hope finit par accepter, bien décidée à saboter les chances de succès de sa nouvelle protégée...
Comédie noire écrite par Melissa & Winston Rauch, ce métrage indépendant marche droit dans les traces de Bad Santa, de Bad Words (ou de n'importe quelle comédie sportive de Will Ferrell et/ou Danny McBride), et narre la rédemption évidente d'un(e) misanthrope vulgaire, fainéant et agressif/ve, qui finit par révéler son bon fond au contact d'une jeune personne innocente, blablabla... on connaît cette histoire par coeur, et ici, elle n'est traitée de manière ni suffisamment drôle, ni suffisamment poignante, ni suffisamment choquante pour sortir du lot.
Pire : le capital sympathie de Melissa Rauch s'oppose constamment à son personnage détestable, et ces deux aspects finissent presque par s'annuler, et par donner naissance à une présence assez générique et vaguement agaçante à l'écran... ce n'est pas la faute de Rauch, l'actrice, qui se donne à fond, mais plus de Rauch, la scénariste, qui ne fait pas assez dans la demi-mesure. On se retrouve donc avec un film assez quelconque et dérivatif, qui est aussi vite oublié qu'il est vu.
Et c'est probablement pour ça que la production (Rauch en tête) a tenté, avant la sortie du métrage, de faire jouer le buzz, en axant les interviews promotionnelles en talk show sur la scène de sexe acrobatique entre Rauch et Sebastian Stan, et sur la nudité de l'actrice à l'écran.
Sans surprise pour qui est habitué à décrypter la langue de bois hollywoodienne, ce buzz artificiel était totalement creux, puisque la scène en question, joyeusement absurde et amusante, est très clairement tournée avec une doublure ; une doublure utilisée par l'actrice "uniquement pour les moments acrobatiques", mais comme toute la scène n'est qu'un enchaînement d'acrobaties... CQFD.
Ce qui ne serait pas un problème (après tout, Rauch n'est ni la première ni la dernière actrice à refuser de se dénuder et à opter pour un body double, surtout dans une comédie de ce type) si la production n'avait donc pas axé la communication du film là-dessus, et si le reste du métrage, tout simplement, n'était pas aussi quelconque et terne en comparaison.
Une déception relative, qui plaira peut-être aux fans de The Big Bang Theory (et encore, pas sûr...), et certainement aux fans de Danny McBride (on est tout à fait dans le même genre de comédie), mais qui m'a laissé de marbre, et qui a fait un four en salles.
2.5/6 (dont 0.5 pour Cecily Strong dans un petit rôle sérieux, qui montre qu'elle est déjà plus polyvalente à l'écran que sa consoeur Kate McKinnon, qui, elle, refait toujours le même rôle grimaçant et surjoué à chaque apparition)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Le Prince de Minuit (Midnight Masquerade) :
Lorsqu'Elyse Samford (Autumn Reeser) hérite de la compagnie familiale, Samford Candy, elle ne se doute pas qu'elle va devoir aussitôt s'engager dans un procès pour contrefaçon de marque. Elle a alors recours au cabinet Higgins & sons, dirigé par Carter Higgins (Chris Gillett) et ses deux fils arrogants (Damon Runyan & Danny Smith). Là, travaille aussi le séduisant Rob Carelli (Christopher Russell), un jeune avocat balbutiant et hésitant, exploité par ses supérieurs : il tombe aussitôt sous le charme d'Elyse, mais cette rencontre ne se concrétise réellement que durant le bal d'Halloween, lorsque Rob, déguisé en prince masqué, séduit la belle femme d'affaires. Mais Elyse ignore tout de sa véritable identité, ainsi que du complot ourdi par les Higgins afin de la déposséder de son entreprise...
Un téléfilm Hallmark vaguement d'Halloween (quelques décorations + se déroule au mois d'octobre), mais qui en fait se contente de refaire (explicitement, en le citant à deux ou trois reprises dans les dialogues) Cendrillon en inversant les sexes, et en entourant le tout d'une histoire d'avocats véreux pas très intéressante.
Mais à la limite, tout ceci aurait pu fonctionner plus ou moins bien (d'ailleurs, la distribution secondaire est sympathique, il y a Richard Burgi, Helen Colliander est sympa, et le héros a trois collègues ethniques, explosant ainsi les records de la chaîne :p) si le couple principal était attachant.
Or Autumn Reeser est un peu trop en retrait en femme d'affaires sérieuse, et surtout, Chris Russell pose le même problème dans ce rôle que dans La Star de Noël ou dans le plus récent Merry Matrimony : il sonne faux de bout en bout. Et c'est à la fois son interprétation (il tente de nous faire un Clark Kent-bis timide et balbutiant, mais surjoue assez régulièrement, notamment dans ses plans de réaction) et son physique (coupe de cheveux improbable et gominée, bronzage et maquillage peu naturels, menton taillé à la serpe et dentition ultra-brite) qui donnent cette impression d'artificialité constante, malgré les efforts de l'acteur.
Pas grande alchimie dans ce couple principal, donc, et un téléfilm plombé par une musique synthétique fauchée et envahissante, qui n'aide pas à donner de l'intérêt à un postulat pourtant potentiellement intéressant.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Popstar - Never Stop Never Stopping :
Superstar de la pop-music contemporaine, Conner (Andy Samberg) doit tout son succès à ses débuts au sein des Style Boyz, un trio de hip-hop qu'il formait avec Owen (Jorma Taccone) et Lawrence (Akiva Schaffer). Mais le succès aidant, Conner a totalement oublié ses compères, et a laissé la célébrité lui monter à la tête. Jusqu'au jour où son second album fait un flop, alors même qu'une équipe documentaire le suit au quotidien : Conner doit désormais faire face à ce qu'il est devenu, et trouver un moyen de ne pas sombrer...
Une déception à la hauteur de l'attente, puisque j'aime beaucoup Andy Samberg et The Lonely Island, et que je m'attendais à quelque chose de vraiment délirant et décalé.
Mais non, en l'état, ce Popstar ressemble vraiment à un Digital Short du SNL étiré pour remplir 90 minutes, un métrage gentillet, mais qui rappelle directement beaucoup d'autres films préexistants (on pense à Zoolander, à Spinal Tap, à des films de Will Ferrell comme Walk Hard ou Ricky Bobby : Roi du circuit, voire même à Fatal de Michael Youn) sans vraiment apporter quoi que ce soit de vraiment mémorable ou innovant à cette formule.
Ajoutez à cela quelques moments de surjeu (toute la parodie de TMZ est assez naze), des caméos soit envahissants, soit sous-exploités (Imogen Poots, notamment, disparaît aussi vite qu'elle est présentée), et une parodie pas assez mordante des carrières de Bieber et Timberlake, et on se retrouve avec un mockumentaire décevant, et finalement assez inoffensif.
Dommage.
3/6 (j'ai même eu envie de lui mettre juste en dessous de la moyenne, franchement, mais ça reste suffisamment bien produit pour inciter à l'indulgence)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Le Livre d'Eli (The Book of Eli) :
Trente ans après une catastrophe apocalyptique, Eli (Denzel Washington) arpente désespérément les étendues dévastées des USA, avec dans son sac un livre mythique, capable de changer la destinée de l'espèce humaine. Face à lui, Carnegie (Gary Oldman), bien décidé à mettre la main sur ce livre, afin d'asseoir son emprise et son influence sur la populace opprimée... mais Eli possède des talents surhumains, et bénéficie d'une protection d'un autre monde.
Attention, spoilers :
Un film post-apocalyptique des frères Hughes, à l'esthétique et aux visuels très travaillés, mais qui malheureusement finit par s'avérer inégal et assez frustrant.
La faute, principalement, à un script qui, après une première partie particulièrement réussie (Denzel est charismatique, l'univers est crédible, les affrontements très convaincants - même si l'accélération ponctuelle des mouvements de Denzel est assez laide - et le postulat fascinant), abat toutes ses cartes assez rapidement, et semble construire un faux mystère autour de l'identité d'Eli, et de la nature de son livre.
Car abordons le sujet frontalement : quiconque ayant un minimum de culture religieuse aura probablement tiqué sur le titre à double-sens du film, et par conséquent, aura certainement vu venir bien à l'avance les vingt dernières minutes du film. Oui, "le livre" est la Bible. Oui, "Eli" est un prophète, qui propage la bonne parole de Dieu et est protégé par ce dernier (même si le film tente parfois de jouer la carte de l'ambiguité, dans les faits, cela ne fait aucun doute). Et oui, comme son homologue biblique, Eli est aveugle. Ce qui rend tous ses faits d'armes, durant le cours du métrage, proprement miraculeux, tel un Zatoichi afro-américain protégé par le Seigneur.
Et quand bien même le spectateur n'aurait pas compris ce titre à double-sens, la mise en scène, le scénario et l'interprétation de Denzel sont clairement (mais subtilement et intelligemment, il faut bien l'avouer) des indicateurs très nets de la cécité d'Eli. Le personnage tâtonne, se repère au bruit, à l'odeur, au toucher, et constamment, la réalisation s'efforce d'aborder les scènes de ce point de vue, sans toutefois le rendre trop évident. Néanmoins, entre ça et les références évidentes soulevées plus haut, difficile de ne pas voir venir la révélation finale, vers laquelle tend tout le dernier tiers du film.
Une révélation qui appuie donc un certain propos d'apparence prosélyte, même si là encore, le film désamorce le tout en montrant bien le Coran et le Talmud, entre autres, à côté de la Bible, à la toute fin.
Reste qu'une fois ce pseudo-mystère éventé par le spectateur perspicace, le film peine un peu à se montrer vraiment captivant. Dès qu'entrent en scène Gary Oldman (qui cabotine comme pas deux en grand maychant caricatural), et Mila Kunis (totalement inutile, dans l'absolu, car uniquement là pour permettre à Eli d'avoir quelqu'un à qui parler, à qui raconter son parcours, et surtout quelqu'un à sauver - d'ailleurs, l'attitude badass de Kunis dans l'ultime scène est tout sauf crédible, et plombe un final pourtant réussi), le film commence à perdre de sa force et à se déliter (le passage chez le couple cannibale est une rupture comique totalement aberrante, même si elle débouche sur une fusillade à la réalisation remarquable), d'autant qu'il souffre d'une durée un peu excessive.
Reste qu'au final, malgré ces défauts, le métrage est intéressant, techniquement très réussi, et que son approche de la religion en tant que force motrice à la fois positive et négative est judicieuse, à défaut d'être particulièrement bien servie par certains choix créatifs. Pas mal, mais aurait pu mieux faire.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Superfast ! :
Afin d'enquêter sur les agissements du mafieux Juan Carlos de la Sol (Omar Chaparro), Lucas White (Alex Ashbaugh), un flic infiltré, décide de rejoindre le gang de Vin Serento (Dale Pavinski), qui participe à des courses de rue illégales. Avec les compères de Vin, Lucas va alors mettre sur pied un casse improbable et spectaculaire...
Énième parodie de Friedberg et Seltzer, et à chaque film, le budget diminue, la distribution est de moins en moins prestigieuse, et les vannes de plus en plus lourdes et plates.
Ici, on se retrouve donc devant un long-métrage qui parodie sans la moindre inspiration la franchise des Fast & Furious, avec des gags éculés et creux, et une distribution qui se donne à fond, au point d'avoir de la peine pour eux (les pseudos-Vin Diesel et The Rock tiennent parfaitement leurs rôles, et le mafieux est assez fun, lui aussi), tant le métrage est plat, interminable, et très mal rythmé.
D'ailleurs le bétisier est plus amusant que le film... Cela dit, au moins, c'est une parodie qui évite les références faciles à la pop culture des Disaster Movie, Superhero Movie, Epic Movie (...) et qui reste assez centrée sur son sujet...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
How To Plan An Orgy in a Small Town :
Des années après avoir été "chassée" de la ville après avoir tenté de perdre sa virginité lors d'une soirée, Cassie Cranston (Jewel Staite), désormais sexologue, revient à Beaver's Ridge, à l'occasion de la mort de sa mère. Renouant avec ses amis (et ennemis) d'adolescence, Cassie se retrouve alors à organiser une orgie entre plusieurs de ses connaissances, espérant par la même occasion trouver là le sujet de son prochain ouvrage...
Une comédie de moeurs canadienne partiellement financée sur indiegogo, et qui rappelle fortement Petite Orgie Entre Amis (2011), mais en nettement plus axé romance et sentiments, et paradoxalement tout aussi prude et artificiel.
Ce n'était pas vraiment une surprise, compte tenu des personnes impliquées dans le film (Katharine Isabelle est tout sauf réputée pour faire dans la nudité à l'écran, donc elle donne bien le ton du reste de la production), et pour ce genre de comédie plus ou moins romantique, la nudité n'est effectivement pas nécessaire, mais j'ai toujours du mal avec ces films qui choisissent volontairement un sujet racoleur, font leur campagne promotionnelle dessus (il ne faut pas se mentir, si le film a aussi bien fonctionné en financement participatif, c'est aussi parce qu'une partie non-négligeable des contributeurs a vu les mots "Jewel Staite", "Katharine Isabelle" et "Orgie", et a clairement laissé son imagination prendre le dessus sur sa raison...), et finissent par être totalement coincés par un puritanisme assez évident et un peu ubuesque (notamment dans la réalisation de toutes les scènes de sexe et de nudité).
Ce métrage est donc très très soft (95% de lingerie - très seyante chez K. Isabelle, il faut bien l'avouer - 5% de nudité - principalement du fessier masculin), c'est pas mal de relationnel assez calibré et prévisible, et si ce n'était pour un sens de l'humour décalé typiquement canadien, le tout serait totalement anecdotique et générique au possible.
En l'état, c'est gentillet, inoffensif, vaguement amusant et sympathique, mais ça n'apporte rien de particulièrement mémorable, ou qui justifie d'y revenir ultérieurement.
Je continue mon revisionnage de la saison 5 de Star Trek Voyager, mais faute de temps, je suis contraint de diminuer provisoirement le nombre d'épisodes vus, et donc la quantité/longueur de ces articles, qui passent de deux épisodes à un par chronique :
5x14 - Bliss :
Un épisode un peu paradoxal, puisque sur papier, c'est dérivatif au possible, sans la moindre originalité (ce n'est qu'une relecture de Moby Dick et de l'Odyssée, mâtinée de gimmicks habituels à Star Trek dans son ensemble, et à Voyager en particulier), mais à l'écran, ça fonctionne plutôt bien, c'est accessible, et c'est globalement bien mené.
Pourtant, pris dans le détail, il n'y a vraiment rien de formidable : Seven et Naomi Wildman reviennent de mission, et découvrent tout l'équipage euphorique, car ils ont trouvé un wormhole qui mène jusqu'à la Terre, et qu'ils reçoivent des lettres de la Terre trop belles pour être vraies. Seven se méfie, découvre qu'en fait, ils sont tous la proie d'un monstre spatial géant qui dévore des vaisseaux en les attirant avec des illusions irrésistibles façon Nexus et, seule contre tous (mais avec l'aide de l'Holodoc, de Naomi, et d'un vieux chasseur de monstres bourru décidé à tuer la bête), elle doit sauver le Voyager, blablabla.
On a donc bien pas mal de clichés de Voyager mais ça fonctionne tout de même, principalement parce que le duo Naomi/Seven est toujours très efficace, et que le rythme du tout est heureusement suffisamment soutenu pour que la familiarité et de la routine du script ne dérangent pas trop.
On pourra toujours s'amuser de la décision (finalement assez dérisoire) de Janeway de partir au plus vite de là en laissant derrière eux ce qui se résume à un panneau "attention danger", à la toute fin (comme si la créature, qui se nourrit de vaisseaux piégés depuis des centaines de milliers d'années, n'allait pas décider de changer de quartier en voyant sa source de nourriture se târir à cause du panneau en question ^^), mais bon...
Je continue mon revisionnage de la saison 5 de Star Trek Voyager, mais faute de temps, je suis contraint de diminuer provisoirement le nombre d'épisodes vus, et donc la quantité/longueur de ces articles, qui passent de deux épisodes à un par chronique :
5x13 - Gravity :
Tuvok, Paris et l'Holo-Doc s'écrasent en navette (encore une navette de moins) et doivent survivre sur une planete hostile et désertique, avec l'aide de Noss (Lori Petty), une extraterrestre qui s'éprend de Tuvok.
Une étude du personnage de Tuvok, co-écrite par Bryan Fuller, et qui se regarde assez tranquillement, même si elle enchaîne pas mal de clichés, et que Tom Paris, étrangement, se comporte en gros boulet insistant et donneur de leçons, incitant assez lourdement Tuvok à répondre aux avances de l'extraterrestre locale...
Un épisode malgré tout assez anecdotique, en fin de compte, malgré quelques plans extérieurs à la grue qui changent un peu (enfin un peu d'ambition dans la réalisation !), des flashbacks pas inintéressants, et une assez jolie scène d'adieux entre Tuvok et Noss.
(mais pour un épisode qui parle de l'amour, des sentiments, de l'isolation, etc, Paris et Torres semblent bien peu inquiets l'un pour l'autre... le manque de continuité de ce show me tue)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
The Nice Guys :
En 1977, Holland March (Ryan Gosling) est un détective privé raté officiant à Los Angeles. Jackson Healy (Russell Crowe), lui, est un homme de main à louer, brutal et sans pitié. Les deux hommes doivent cependant faire équipe lorsqu'Amelia (Margaret Qualley), une jeune femme liée à la mort récente d'une star du porno, disparaît mystérieusement... mais bien vite, la situation se complique, et devient vraiment dangereuse pour ce duo improbable.
J'aurais vraiment dû adorer : j'aime beaucoup les années 70, leur musique, leur mode ; j'aime bien Shane Black (même s'il a tendance à tourner un peu en rond et à s'enfermer dans ses travers) ; la distribution est plutôt sympathique ; j'aime bien le genre de la buddy cop comedy décomplexée...
Mais non. J'ai trouvé le tout étrangement décevant. Probablement parce que le film ressemble vraiment à une sorte de gros best-of de l'oeuvre de Shane Black, et qu'on pense régulièrement à d'autres métrages, ici à l'Arme Fatale, là à Kiss Kiss Bang Bang, par exemple... mais qu'à chaque fois, il manque quelque chose (la gouaille de Robert Downey Jr, par exemple). Par contre, pour placer un sapin de Noël et un Santa Claus, pas de problème, même s'il faut pour cela attendre la toute fin du métrage !
Bref, un film qui manque relativement de fraîcheur et d'originalité (ce qui peut être parfait si ce que l'on est venu chercher, c'est du Shane Black faisant du Shane Black), qui est un peu poussif (près de deux heures qui manquent de rythme), qui a quelques problèmes d'anachronismes çà et là (surtout dans les morceaux choisis pour la bande originale, quasiment tous sortis après la date du film), qui a un peu tendance à tout prendre à la déconne (notamment ses méchants affreusement sous-exploités et sous-développés : Matt Bomer n'arrive qu'après 80 minutes de film...), et à laisser sa distribution en roue libre.
Heureusement, la dernière demi-heure remonte un peu le niveau point de vue action et énergie, et la jeune Angourie Rice impressionne dans son rôle. Elle ira loin (notamment dans le prochain Spider-Man de Marvel) .
3.5/6 (parce que ça reste tout de même sympathique et divertissant ; mais ça aurait pu - et dû - être meilleur)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Keanu :
Déprimé et récemment plaqué par sa compagne, Rell (Jordan Peele), un stoner glandeur, découvre sur le seuil de sa porte un petit chaton abandonné, qu'il baptise Keanu, et qui lui rend aussitôt le sourire. Il ignore cependant que ce chaton est l'unique rescapé d'un règlement de comptes entre trafiquants de drogues, et lorsque la demeure de Rell est cambriolée, Keanu disparaît. Avec l'aide de Clarence (Keegan-Michael Key), son cousin, Rell décide alors d'infiltrer le gang de Cheddar (Method Man), qui détient le félin...
Arf, quelle déception.
En tant que grand fan des sketches de Key & Peele, je m'attendais à tellement mieux, pour leur passage sur grand écran, qu'à un sketch de 10 minutes, délayé et étiré sur près de 100 minutes.
Résultat : si certaines scènes ou idées fonctionnent assez bien (la fascination récurrente de tout le monde pour George Michael, l'apparition vocale de Keanu Reeves sur le thème de Matrix, la dernière ligne droite du film), et si le chaton est franchement adorable (en plus d'être superbement filmé), le tout tire affreusement à la ligne, ressemblant parfois à des sketches de K & P mis bout à bout, ce qui donne un tout forcément très inégal et manquant de rythme.
Une occasion ratée, qui n'est pas suffisamment drôle et homogène pour convaincre.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Monstres & Cie (Monsters Inc.) :
Monstres et compagnie est la plus grande usine à cris du monde des monstres, et au sein de celle-ci Sullivan (John Goodman) et Bob (Billy Crystal), sont le meilleur duo de l'entreprise, capables d'effrayer tous les enfants du monde sans grande difficulté. Mais un jour, Bob & Sullivan découvrent un complot organisé par Randall (Steve Buscemi), un collègue fourbe, et se retrouvent à devoir s'occuper de Boo (Mary Gibbs), une fillette égarée dans leur monde...
Un Pixarold-school, que je viens à peine de découvrir (mieux vaut tard que jamais), et qui m'a pourtant immédiatement charmé, à la fois dynamique, inventif, drôle, adorable et, pour l'époque, plutôt bluffant par moments.
4.5/6
Monstres Academy (Monsters University) :
Depuis sa plus tendre enfance, Bob (Billy Crystal) a toujours rêvé de devenir un monstre de Monstres et compagnie. Afin d'y parvenir, il s'inscrit à la Monstres Academy, mais il découvre rapidement que tout y est géré par des cliques, et que lui, monstre minuscule, est méprisé par une bonne partie de ses semblables, y compris Sullivan (John Goodman), fils de bonne famille qui profite de son nom et de sa taille pour avancer dans la vie...
Une préquelle à Monstres et Cie, ce n'était pas forcément un projet que l'on réclamait à corps et à cris, et pourtant, la voilà : un campus movie assez basique et prévisible, transposé dans l'univers des Monstres, et qui ne vaut vraiment que pour sa production et sa direction artistique impeccables.
Le reste n'est pas mauvais, mais dans l'ensemble, c'est vraiment du déjà vu au cinéma.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Pixies :
Maudit par des fées pour une mauvaise action qu'il a commise, Joe (Sean Patrick O'Reilly) est désormais harcelé par ces dernières, qui mettent en péril sa relation avec sa petite amie (Alexa PenaVega) ; il doit désormais en apprendre plus sur la communauté des fées, s'il veut pouvoir se faire pardonner, et couler des jours heureux avec sa bien-aimée...
Un film d'animation canadien écrit, réalisé, doublé par Sean Patrick O'Reilly, le patron d'une maison d'édition de comics canadienne, par ailleurs auteur du comic-book ici adapté.
Bref, autant dire qu'il ne faut pas forcément s'attendre à un chef-d'oeuvre à la qualité éprouvée et aux décisions créatives assurées par un comité expérimenté, puisqu'ici tout est centré sur O'Reilly (en héros au physique calqué sur sa véritable apparence) qui passe tout le film à s'en prendre plein la tête par la faute des fées.
Pour résumer, c'est un postulat de très court métrage étiré sur 71 minutes, c'est assez laid et raide dans son animation (sans même parler de tous ces environnements affreusement vides), et ça lasse rapidement, d'autant que les personnages sont tous assez antipathiques.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Alice - De l'Autre Côté du Miroir (Alice Through The Looking Glass) :
Après avoir traversé un miroir à la poursuite d'un papillon très familier, Alice (Mia Wasikowska) se retrouve de nouveau au Pays des Merveilles, où tous ses amis sont troublés : en effet, le Chapelier Fou (Johnny Depp) dépérit à petit feu, persuadé que sa famille est toujours en vie, quelque part. Désireuse de lui donner raison, Alice vole la Chronosphère du Temps (Sacha Baron Cohen), et repart dans le passé pour tenter de le changer...
Alice au Pays des Merveilles (2010) était sorti à un moment particulièrement peu opportun : au croisement d'une lassitude publique et critique concernant les personnages excentriques de Johnny Depp (pile entre deux Pirates des Caraïbes, et juste après un Sweeney Todd qui avait divisé) et d'un sentiment équivalent envers les films de Tim Burton, accusé de livrer des coquilles vides recyclant son esthétique et trahissant les "idéaux" supposés de son cinéma, et ce depuis Charlie et la Chocolaterie.
Le plus amusant, de mon point de vue, étant qu'en reprochant à Burton d'avoir changé depuis le début des années 90 (généralement, Edward aux Mains d'Argent est cité comme film référence par ces critiques), de ne plus uniquement se complaire dans des personnages gothiques torturés et "adolescents" (du moins au niveau de leur évolution psychologique/sentimentale), et d'être passé à un propos un peu moins simpliste - et encore, ça se discute, puisque la plupart du temps, les critiques accusant Burton de s'être renié voient les films du bonhomme avec des oeillères, et passent souvent à côté des thématiques réelles de ceux-ci, souvent moins évidentes - bon nombre de commentateurs en disent beaucoup plus à leur propre sujet (et au fait qu'ils sont restés bloqués dans le passé) qu'au sujet de l'évolution réelle de Burton.
Mais refermons la parenthèse : à sa sortie, Alice (2010) avait laissé plus ou moins de marbre le public et les critiques, mais, propulsé par l'attrait du phénomène flambant neuf de la 3D, rendue ultra-populaire un an plus tôt par Avatar, le film de Burton avait récolté une véritable fortune, et dépassé le milliard de dollars au box office.
Ce qui s'est traduit, donc, malgré un manque de demande chronique, par la mise en chantier de cette suite, Alice - De L'Autre Côté du Miroir, sans Tim Burton, mais avec grosso modo la même distribution.
À sa sortie, donc, le premier Alice ne m'avait pas déplu, bien au contraire, puisque j'avais trouvé le métrage particulièrement sympathique, à la fois thématiquement Burtonien (on pensait aux Noces Funèbres, pour le début - mariage arrangé d'un protagoniste rêveur, qui bascule dans un autre monde ; outsider non-conformiste qui préfère son imagination et l'aventure aux conventions et restriction d'un monde réel, et qui finit par défier toutes les conventions de son époque pour partir seul à l'aventure) et forcément Carrollien (mais pas trop, malheureusement).
Rien que pour le côté visuel, la réussite des effets spéciaux, et l'imagination à l'oeuvre derrière toute la direction artistique, il m'avait été impossible de descendre en dessous de la moyenne, et j'étais même monté jusqu'à un 4.25/6, particulièrement amusé par les scènes de Bonham-Carter, et charmé par le score d'Elfman.
Après revisionnage en vidéo, cependant, les défauts du film avaient malheureusement pris le dessus sur les qualités, notamment au niveau du formatage de l'univers Carrollien pour adhérer au schéma du récit héroïque basique, du rythme un peu défaillant, et de Mia Wasikowska, que je trouve toujours affreusement insipide et transparente, malgré ses efforts indéniables.
(j'avais donc redescendu le film à un petit 3.25/6)
Pour cette suite, la production a eu recours au gimmick du "dans le doute : voyage temporel !", un ressort narratif bien pratique, et qui permet ici aux scénaristes de faire de ce De L'Autre Côté du Miroir (aucun rapport avec le livre, d'ailleurs) une préquelle sans en avoir l'air, en envoyant Alice dans les couloirs du temps, pour découvrir les origines de la Reine de Coeur, de sa soeur, du Chapelier Fou, etc.
Ce qui, déjà, me pose un problème de taille, tant j'en ai assez de ces préquelles expliquant et justifiant les actes des Reines Maléfiques de Disney, comme pour les dédouaner et montrer qu'elles ont bon fond, en fin de compte. Et c'est exactement ce qui se produit ici (attention spoilers), puisque la Reine de Coeur finit par pardonner sa soeur, et par rejoindre le côté lumineux de la Force.
Tout aussi embêtant, je trouve, le postulat même du récit : malgré les avertissements et les interdictions, Alice vole une machine temporelle au Temps (Sacha Baron Cohen, qui s'intègre très bien dans cet univers déjanté), et saute alors d'époque en époque, sans réelle idée de ce qu'elle fait, et de ce qu'elle doit faire, si ce n'est "aider le Chapelier" : c'est là que l'âge de cette Alice pose problème.
En effet, si l'on pourrait sans problèmes pardonner à une Alice fillette d'avoir volé un objet pour tenter de sauver un ami, sans réellement penser aux conséquences de ses actes, cela passe nettement moins bien avec une Alice supposément adulte, responsable, une aventurière héroïque et intelligente montrée comme étant le capitaine de son propre navire (une scène d'ouverture d'ailleurs particulièrement risible, tant elle en fait trop pour tenter d'établir Alice comme une icône féministe et indépendante). Je vois très bien ce que les scénaristes ont voulu accomplir en la faisant réagir ainsi, mais cela a eu l'effet inverse sur moi, et je l'ai trouvée particulièrement immature et impulsive, voire même antipathique (déjà que j'ai du mal avec l'interprète...)
Bref, une Alice qui passe d'époque en époque, sans vraiment rien accomplir, une pléthore de personnages secondaires qui font de la quasi-figuration, une méchante qui finit par ne plus être méchante : si l'on ne s'ennuie pas trop, difficile d'être satisfait par le script de cette suite assez superficielle, et que personne ne demandait.
Et pourtant, l'inventivité visuelle est toujours au rendez-vous : tout le royaume du Temps, empli de rouages, d'horloges, et d'automates attachants, est simplement superbe ; le nouveau palais sauvage de la Reine de Coeur, avec ses servants dignes d'Arcimboldo, est aussi fourmillant d'idées ; les différentes époques temporelles sont assez convaincantes, tout comme le rajeunissement des divers protagonistes (et ce malgré des effets spéciaux plus inégaux que dans le premier volet).
En résumé, encore une fois, malgré des défauts encore plus présents que dans le premier opus, impossible de mettre moins de la moyenne, ne serait-ce que pour la qualité de la direction artistique. Mais cela dit, impossible de mettre plus...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Midnight Special :
Roy (Michael Shannon) a décidé de fuir une secte apocalyptique qui vénérait son fils Alton (Jaeden Lieberher), un jeune garçon doté de pouvoirs étranges. En cavale avec l'enfant et Lucas (Joel Edgerton), un officier de la policier et ami d'enfance de Roy, il doit désormais échapper aux autres membres de la secte, ainsi qu'au gouvernement, afin de parvenir au plus vite à des coordonnées mystérieuses indiquées par son fils.
Un film très bien accueilli outre-Atlantique, et présenté par son réalisateur, Jeff Nichols, comme s'inscrivant dans la digne tradition du cinéma du Spielberg des années 80s.
Pour être honnête, si le film s'inscrit bien dans la tradition d'un Rencontre du Troisième Type ou d'un E.T., Nichols aurait tout aussi bien pu citer John Carpenter (Starman) ou Stephen King (Charlie) tant son script se trouve directement dans la lignée de toutes ces oeuvres (avec en prime une petite dose de Code Mercury par moments).
Malheureusement, si les similarités avec ce cinéma des années 80 sont bien présentes, ça s'arrête là, car ce Midnight Special est tellement froid, clinique et méthodique (pour ne pas dire mécanique) et il tente tellement de faire durer le mystère au fil de ses deux heures de métrage, qu'il finit par n'avoir ni l'âme, ni le charme des productions des années 80.
Les personnages semblent ainsi tous déprimés, jamais attachants (c'est aussi un léger problème de casting...), et lorsque le pourquoi du comment est enfin révélé, au bout de 65 minutes de film, c'est fait d'une manière particulièrement plate et décevante, par un simple dialogue mollasson.
Heureusement cependant que les dix dernières minutes sauvent un peu le tout, en faisant basculer la réalité du film vers quelque chose qui rappelle un peu À la Poursuite de Demain : un rebondissement qui fonctionne à peu près, mais qui, encore une fois, manque cruellement d'émotion ou d'empathie pour que le spectateur soit touché.
Un 3/6 car c'est compétent et globalement bien filmé, mais un 3/6 microscopique, car c'est tout de même assez décevant au regard de sa réputation.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Electra Woman & Dyna Girl :
Dans un monde où tous les super-vilains ont été éradiqués durant la Guerre des Ombres, Electra Woman (Grace Helbig) et Dyna Girl (Hannah Hart), deux super-héroïnes sans pouvoirs, font régner la loi et l'ordre dans leur ville d'Akron, dans l'Ohio. Jusqu'au jour où la vidéo de l'un de leurs exploits devient virale, et attire l'attention d'une agence de représentation de Los Angeles : les deux meilleures amies décident alors de se rendre dans la métropole, afin de tenter d'y trouver le succès...
Remake/reboot d'une sitcom parodique des années 70, cette version a été diffusée sur le web sous la forme de 8 épisodes de 11 minutes (avant d'être compilée en long-métrage), et met en scène les deux YouTubeuses Hannah Hart et Grace Helbig, très populaires, et déjà en vedette dans Camp Takota.
Ici, les deux femmes s'en sortent plutôt bien dans leurs rôles (Hannah Hart a cependant l'avantage, plus percutante que Helbig), aidées en cela par une direction artistique et des costumes très réussis (honnêtement, les costumes d'Electra Woman & de Dyna Girl n'ont pas à rougir en comparaison de ce que DC peut produire pour ses shows télévisés CW).
Le film, en lui-même est assez amusant, globalement assez solide, mais malheureusement ultra-balisé et prévisible, au point de télégraphier très régulièrement tous ses rebondissements.
On lui reprochera aussi un ventre mou dans son dernier quart, avec une tendance à être un peu bavard, et tout un passage inutile dans un über, qui rappele aussitôt qu'on est dans une semi-websérie, et qui, bien qu'amusant, aurait clairement pu être coupé.
Malgré tout cela, comme pour Camp Takota, cette comédie est un film assez agréable à suivre, avec des héroïnes que je reverrais volontiers, si jamais la production d'une suite était mise en chantier...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Les Croods (The Croods) :
Les Croods, dernière famille de Néanderthals en existence, vivent une vie de peur et d'angoisse constantes, ne sortant de leur grotte que pour chasser et se nourrir. Un jour, cependant, Eep (Emma Stone), adolescente rebelle, s'aventure hors de la grotte, et rencontre un Cromagnon, Guy (Ryan Reynolds), brillant et ingénieux, qui lui prédit la fin imminente du monde tel qu'ils le connaissent. Et alors que la prédiction de Guy se réalise, Eep et sa famille vont devoir faire confiance à celui-ci pour rester en vie, et trouver un nouveau paradis...
Une bonne surprise, dont je n'attendais vraiment rien, puisque le sujet ne m'attirait pas.
Et à vrai dire, le premier quart du film ne m'a pas particulièrement convaincu : oui, visuellement et techniquement c'est une réussite, mais le schéma mis en place au début du film est tellement balisé et générique que ça m'a un peu rebuté.
Heureusement, plus le film avance, et plus son bestiaire et ses décors sont variés et originaux ; à l'identique, plus l'histoire progresse, et plus les scénaristes semblent se décoincer, et ajouter de l'humour absurde et visuel à leur récit.
Certes, le tout reste très très formaté et peu surprenant dans son déroulement, pas aidé par une bande originale de Silvestri assez moyenne (Silvestri a toujours tendance à faire dans le mickey mousing lorsqu'il travaille sur ce genre de film, c'est dommage), mais il y a beaucoup d'action, d'humour, de slapstick qui fonctionne, et le tout s'avère finalement assez mignon, inventif et charmant, à défaut d'être particulièrement mémorable.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Batman v. Superman - L'Aube de la Justice : Version Longue (Extended Cut) :
18 mois après avoir assisté au combat destructeur de Superman (Henry Cavill) et de Zod (Michael Shannon), Bruce Wayne (Ben Affleck) est enfin prêt à affronter le Kryptonien, qu'il considère être une menace pour l'humanité. Mais ce que Batman ignore, c'est que Lex Luthor (Jesse Eisenberg) oeuvre dans l'ombre et manipule les deux hommes pour qu'ils s'entretuent...
Il y a deux mois à peine, lors de sa sortie ciné, j'avais publié sur ce blog ma critique de ce film supposé lancer le DC Universe en salles. Une critique que vous pouvez retrouver ici dans son intégralité, et qui se résumait à "une occasion ratée, par la faute d'un réalisateur à la vision polarisante et d'un studio paniqué à l'idée d'être à la traîne par rapport à sa concurrence, qui d'un commun accord ont décidé de fusionner trois films en un, et de faire l'impasse sur tout ce qui faisait fonctionner, sur papier, ces trois intrigues : un tout petit 2.5/6".
On retrouve donc aujourd'hui ce BvS en version longue, avec une bonne demi-heure de plus, une demi-heure concentrée sur la première partie du film, et qui commence, notamment, par développer l'incident en Afrique, avec
"Hi, Miss Lane, my name is Jimmy Olsen. I'm a photographer... obviously."
(trois minutes plus tard, BANG, balle entre les deux yeux)
O_o
Rah là là, pauvre Jimmy Olsen.... cette Extended Edition, en fait, m'a directement rappelé le Director's Cut de Daredevil : comme pour DD, cette version rallonge considérablement le métrage, en développant de manière conséquente les sous-intrigues annexes (ici, en l'occurrence, ça développe comment Luthor manipule l'opinion publique de tous les côtés par le biais d'un Drazik omniprésent, et ça approfondit le travail d'enquête de Lane & Kent pendant les premières 90 minutes du film - bon, dans les deux cas, ça reste hyper-capillotracté et bourré de coïncidences bien pratiques, mais au moins ça redonne un peu de cohérence au tout), ça rend l'ensemble du film plus homogène et fluide, mais ça ne change effectivement strictement rien au niveau qualitatif global, puisque les raccourcis improbables, les trous de scénario, la logique défaillante, et les choix créatifs aberrants restent toujours aussi présents, surtout dans la seconde partie du film (où les rajouts m'ont paru minimes, Steppenwolf et enterrement exceptés, et assez peu intéressants).
Et puis franchement, autant c'est sympathique de voir que Lois et Clark font un peu de travail journalistique, çà et là, autant pas mal de rajouts de la première partie sont tout simplement inutiles, comme les fesses Batfleck sous la douche (c'est bon, on a compris qu'Affleck avait fait du sport, et que Snyder voulait les montrer, tous ces muscles, comme pour Cavill dans la scène - rallongée - de la baignoire de Lois), Batfleck qui se réveille avec une femme anonyme dans le lit de son chalet forestier, Clark qui croise des gens incrédules dans les montagnes enneigées, ou encore le rôle (autrefois très très mystérieux ^^) de Jena Malone en technicienne de laboratoire (ça fait un peu avancer l'enquête de Lois, mais pas tant que ça).
Comme se sont empressés de le dire de nombreuses critiques, l'Extended Cut est meilleure... ou presque.
Elle ne change pas vraiment le film, ça l'améliore juste un peu dans sa première moitié, mais comme en contrepartie ça le rallonge notablement, en fait, le match Ciné vs Extended est un match nul, qui ne fait que souligner les nombreux problèmes du script et du projet (un script qui, malgré les trois heures de cette nouvelle version, semble toujours régulièrement bâclé, maladroit et incohérent).
Autrement dit : toujours 2.5/6
Edit 07/2020 : après un nouveau visionnage dans le cadre d'une rétrospective DC Comics, mon avis ne change pas, ou peu.
J'apprécie toujours le choix d'ouvrir le film (ou presque) sur la bataille de Man Of Steel du point de vue de Wayne, je trouve toujours la bande originale insipide au possible (hormis un thème ou deux made in Zimmer), mais étrangement, je commence à trouver cette incarnation de Luthor plutôt amusante et intéressante (même si, dans l'absolu, c'est Eisenberg qui fait du Eisenberg). Ce, en dépit d'un plan qui est d'autant moins plausible que la version longue l'étoffe outre mesure ; un plan qui, pour fonctionner, exige que tant Batman que Superman perdent 150 points de QI et agissent comme des imbéciles... ce qui n'est pas surprenant, compte tenu de Goyer à la plume (explication évidente aux caractérisations étranges, aux rebondissements improbables, et aux choix créatifs peu inspirés du métrage).
Et en ce qui concerne le travail de Snyder, j'ai de plus en plus de mal avec cette photographie jaunâtre assez laide, et ces choix de format, de cadres et de plans qui compriment les visages. Mais bon.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Après avoir triomphé de la fraternité dirigée par Teddy Sanders (Zac Efron), Mac (Seth Rogen) & son épouse Kelly (Rose Byrne) coulent des jours heureux avec leur petite fille, et leur futur bébé. Mais alors qu'ils tentent de vendre leur maison, une sororité s'installe dans la maison voisine, menée par Morgan (Chloe Grace-Moretz), une jeune femme rebelle, qui est justement coachée par un Teddy bien décidé à se venger.
Il y a deux ans (à quelques jours près), j'avais critiqué en ces lieux le premier Bad Neighbors, une fratcom assez moyenne, qui valait principalement pour son cast, et qui s'essouflait assez rapidement. Ici, on prend les mêmes, et on recommence, mais en ajoutant une couche de pseudo-féminisme/progressisme, et en ajoutant un nouveau trio de personnages féminins servant cette fois-ci d'antagonistes.
Et c'est bien là que le bât blesse : car si le premier film parvenait à peu près à laisser ses acteurs porter le script et le film sur leurs épaules, ici, les nouveaux personnages sont un peu la goutte qui fait déborder le vase, et fait s'effondrer le château de cartes.
Car qui dit plus de personnages, dit aussi moins de temps pour chaque personnage. Alors déjà que le film est plus court de cinq minutes, et qu'un peu plus encore de cette durée est consacrée à des tirades féministes un peu trop surlignées pour être sincères (les intentions sont bonnes, l'exécution nettement moins), ça réduit le développement de tous les personnages à peau de chagrin.
Celui qui en souffre le moins, c'est Teddy/Efron, dont la crise de conscience sert de moteur principal au film ; en contrepartie, le reste du cast fait de la semi-figuration, y compris les trois nouvelles.
Et là, problème, car le film tente vraiment de mélanger un message social à sa comédie graveleuse, ce qui est une tâche déjà assez délicate en soi. Mais quand en plus les personnages sensés illustrer ce message social sont un trio de jeunes étudiantes antipathiques et agaçantes, à l'épaisseur de papier à cigarettes, là, ça coince.
Ce second opus se retrouve donc avec des antagonistes vraiment insupportables, avec une écriture toujours plus caricaturale et criarde, avec des personnages sous-développés, un humour un peu faiblard, et il donne une impression de brouillon inabouti (impression renforcée par la fin particulièrement plate du métrage, qui tombe comme un cheveu sur la soupe).
M'enfin dans l'absolu, ça reste regardable, et surtout, ce n'est pas forcément bien pire que le précédent...
2.5/6 (mention spéciale aux gags des Minions, qui auraient mérité un peu plus de temps de présence à l'écran)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Whiskey Tango Foxtrot :
Alors que les USA s'engagent de nouveau en Irak, en 2002, Kim Baker (Tina Fey) journaliste américaine désenchantée et malheureuse, est envoyée en Afghanistan malgré son inexpérience totale du terrain. Là, elle rencontre la seule autre femme reporter de terrain (Margot Robbie), sympathise avec son correspondant local Fahim (Christopher Abbott), et finit par tomber sous le charme de Iain (Martin Freeman), un photographe écossais à la réputation désastreuse...
Un film vraiment inégal et frustrant, tant il tente d'être tout et son contraire au cours de ses deux heures (une durée inutile, au vu du récit), et n'y parvient que très très épisodiquement.
Outre le côté biopic (le film est l'adaptation du livre auto-biographique de la véritable Kim Baker), W.T.F. tente d'être un travelogue façon Mange, Prie, Aime et compagnie, avec cette femme malheureuse en amour et dans la vie, et qui parvient à trouver un sens à cette dernière, et une certaine sérénité, en partant se confronter à un pays et à des traditions qui lui sont étrangères ; ce qui va de pair avec une comédie romantique assez basique, dans laquelle le photographe un peu goujat et rebutant au premier abord finit par s'avérer romantique, attachant et sympathique ; en parallèle, ça tente de jouer la carte de la comédie satirique, un peu à la M.A.S.H. avec une Tina Fey qui joue Tina Fey pendant une grosse partie du film ; sans oublier la carte du film de guerre bien dramatique, patriotique et sérieux, que le métrage joue régulièrement, et assez graphiquement, le tout saupoudré d'une banale histoire de trahison et d'ambition professionnelle (avec le personnage de Margot Robbie, semi-figurante, qui n'apporte pas grand chose, si ce n'est une antagoniste un peu artificielle vers la fin du film).
Le problème étant que chacune de ces approches est en demi-teinte, et qu'en tentant de ménager la chèvre et le chou, les réalisateurs et le scénariste (issus du SNL/30 Rock/KimmySchmidtet de Bad Santa/Comme Chiens et Chats) se retrouvent à jongler avec des tonalités qui contrastent vraiment brutalement.
Le voyage initiatique de découverte de soi et le biopic ? Difficile à apprécier lorsque l'héroïne est tour à tout montrée comme arriviste, manipulatrice, tête brûlée, voire un peu stupide, au gré des changements de direction du film.
La romance ? Elle fonctionne plus ou moins, grâce aux deux acteurs, mais est particulièrement téléphonée.
La comédie satirique ? Assez basique, plombée par des personnages particulièrement caricaturaux, et des réactions/répliques dignes d'un sketch assez moyen.
Quant au film de guerre, s'il est présent en filigrane, la guerre finit par passer au second plan, voire même par être éclipsée par le reste du métrage, au point que ça pourrait presque en devenir génant, par moments, de voir un film supposé se dérouler en Afghanistan être à ce point centré sur la bulle occidentale occupée par les journalistes de guerre : le pays, sa guerre, ne sont gère plus qu'une vague toile de fond qui n'intéresse pas vraiment la production, si ce n'est pour motiver l'évolution du personnage principal.
(qui plus est, on pourrait débattre du casting de deux occidentaux vaguement latins - Molina & Abbott - pour jouer les deux principaux Afghans du film, mais bon...)
Bref, un long-métrage hybride pas extrêmement bien filmé (ça fait parfois un peu trop téléfilm), qui se perd en chemin, et ne convainc que trop rarement, mais survit sur la force (et le capital-sympathie) de ses interprètes principaux.
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