LES TÉLÉPHAGES ANONYMES

Fin 2021, la phase 4 du MCU était désormais bien entamée, avec une première fournée de séries un peu hésitantes produites et sorties en pleine pandémie, et deux métrages plus ou moins convaincants, Black Widow et Shang-Chi...

La phase 4 a donc continué sur le grand écran, avec Eternals, un film ambitieux, une fresque épique confiée à une réalisatrice oscarisée, un désir, pour Marvel, de prouver que le MCU pouvait aussi être un drame adulte à l'ampleur historique, combiné à une romance tragique et impossible... enfin, tout ça, c'était sur le papier, parce que dans les faits, il en a été tout autrement.

Les Éternels (2021) :

Envoyés par un Céleste pour y détruire les Déviants et favoriser le développement de l'humanité, dix Éternels sont arrivés sur Terre il y a plus de 7000 ans, et depuis, leur mission accomplie, ils vivent cachés parmi nous... jusqu'à ce qu'un Déviant réapparaisse et tue l'un des leurs. 

Mouais. Au revisionnage, les Éternels - un film ambitieux à l'ampleur se voulant épique, confié à une réalisatrice oscarisée - reste toujours un film quelconque et faiblard, avec une distribution inégale (Sprite n'est pas assez développée pour fonctionner, Richard Madden confond stoïcisme avec serrage de dents constant, il n'a qu'une alchimie très limitée avec Gemma Chan, et cette dernière est d'ailleurs un peu trop en retrait pour faire une héroïne convaincante), des monstres informes et génériques au possible, un côté Ancient Aliens assez agaçant, et une bande originale transparente de Djawadi.

Alors oui, les effets numériques et la photographie sont très réussis, dans leur ensemble (les Déviants sont moches et peu mémorables, mais ils sont techniquement plutôt bien réalisés), l'intégration des designs de Jack Kirby est intéressante, et il y a là de bonnes idées et des scènes amusantes, mais le film ne parvient pas à générer la moindre émotion, et comme le tout se termine, peu ou prou, dans un affrontement façon Justice League vs Superman assez dérivatif, difficile de se passionner pour tout ça. 

Essai non transformé, en somme.

2.5/6

(critique originale publiée sur ce blog en 2021, à lire ici)

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Diffusée entre la sortie cinématographique des Éternels et celle de Spider-man, Hawkeye se voulait une série dans la droite lignée du film Black Widow : une sorte de récit solo pour l'un des Avengers n'ayant pas eu de film à son nom, au travers d'une aventure dans un New York festif et enneigé, confrontant Barton à son passé de Ronin, posant les premières bases des Young Avengers au travers du personnage de Kate Bishop, ramenant Yelena pour faire suite à la scène post-crédits de Black Widow, et réintégrant des éléments de la série Daredevil, au travers notamment du Kingpin.

Un tout un peu chargé, mais pas désagréable du tout, malgré de l'action un peu brouillonne à l'écran, et une volonté de placer des pions pour des spin-offs éventuels pas forcément indispensables (une série Echo, tout le monde s'en fout joyeusement ; une série Daredevil, par contre...)

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Spider-Man : No Way Home (2021) :

Peter Parker demande au Docteur Strange de concevoir pour lui un sort faisant oublier à la planète qu'il est Spider-Man, mais le sort dégénère, et alliés comme adversaires de l'Homme-Araignée commencent à franchir les portes du multivers...

Revisionnage, ou plutôt premier visionnage de la version longue, introduite par une brève discussion rigolarde de Holland, Maguire et Garfield en visio : le ton est donné, les ajoux de cette version longue (principalement des blagounettes entre les trois araignées, mais aussi plus de Betty Brant et de lycée, ce qui n'est pas un mal et permet d'équilibrer un peu les différentes parties du film) ne sont pas indispensables, et le film reste largement identique à sa version cinéma.

Une suite 100 % fanservice, donc, mais qui parvient à équilibrer cette composante nostalgique avec l'aboutissement logique du personnage de Peter Parker. No Way Home est ainsi un métrage un peu brouillon, qui manque à chaque instant de sombrer dans l'overdose de fanservice et de clins d'œil (trop de vannes entre les Araignées, notamment), mais qui réussit à se retenir in extremis, en se rappelant que le noyau émotionnel de la trilogie a toujours été Tom Holland, et les relations de Peter avec MJ, sa tante May, Tony Stark et compagnie. Et sur ce plan, ça fonctionne très bien : Spider-Man a toujours été, dans sa version papier, un personnage hanté par la tragédie et le regret, et avec No Way Home, le Parker de Holland rejoint cette tradition.

Dans l'ensemble, c'est forcément loin d'être parfait, y compris au niveau musical (Giacchino s'est fait plaisir, mais il manque vraiment un moment fort ou deux, lorsque les trois Araignées travaillent de concert, où le thème de la série animée Spider-Man, présent dans les deux Spideys précédents dans sa forme orchestrale mais absent ici, aurait fait merveille et couronné cette fête de la nostalgie) mais la conclusion fonctionne très bien, la distribution est impeccable, et si l'on ne peut s'empêcher de se dire que deux films de 100 minutes auraient peut-être permis à ce récit de mieux respirer et d'être moins frénétique, le tout est une bonne fin de trilogie pour le personnage.  

4/6

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2021, à lire ici)

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Et comme toujours, retrouvez l'ensemble des notes des films du MCU et du DCEU (ainsi que des liens directs vers leurs critiques) sur notre page de bilan global...

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

The Wild (2006) :

Lorsque son fils Ryan (Greg Cipes) s'échappe du zoo new-yorkais où ils vivent et monte à bord d'un bateau en direction de l'Afrique, Samson (Kiefer Sutherland), un lion fier et puissant, s'évade lui aussi, accompagné de Nigel (Eddie Izzard), un koala flegmatique, de Larry (Richard Kind), un anaconda idiot, de Bridget (Janeane Garofalo), une girafe, et de Benny (Jim Belushi), un écureuil amoureux de Bridget. Mais une fois sur place, la réalité de la vie sauvage les rattrape, lorsqu'ils sont confrontés à Kazar (William Shatner), à la tête de sa tribu de gnous carnivores...

Retour sur un vieux Disney (techniquement, un métrage réalisé par un studio externe canadien pour Disney) à la réputation désastreuse, car sorti un an après Madagascar, aux similarités flagrantes. Et peu importe que ce soit le film de Dreamworks qui ait précipité sa production et sa sortie pour prendre de vitesse le film Disney mis en chantier avant (la bonne vieille stratégie Katzenberg), The Wild est sorti en second, et a été crucifié pour cela.

Mais pas que... parce qu'effectivement, le film n'est pas terrible du tout. Entre le score de Silvestri assez générique, les chansons médiocres, le rythme faiblard, le doublage très caricatural et bourré d'accents et de caractérisations bancales, ou encore le rendu visuel bizarre, à mi-chemin entre réalisme des textures et animations de cartoon (sans oublier les arrière-plans assez pauvres), il n'y a pas grand chose à se mettre sous les crocs, ici.

Et puis difficile de se défaire de l'impression que la plupart des péripéties ne sont que des ébauches, comme si le script ou le récit avait été amputé de morceaux, çà ou là, histoire de gagner du temps de production et de sortir le plus vite possible.

Énorme bof, en somme. 

2/6

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Le nouvel espion aux pattes de velours (That Darn Cat - 1997) :

Patti (Christina Ricci), une adolescente sarcastique, s'ennuie ferme dans la petite bourgade d'Edgefield, Massachusetts, jusqu'à ce que son chat DC, grand vadrouilleur, revienne un jour avec un mystérieux collier : une montre où quelqu'un a gravé un appel à l'aide. Rapidement, elle comprend que c'est là la montre d'une gouvernante dont l'enlèvement fait les gros titres des journaux. Avec l'aide d'un agent gouvernemental balbutiant, Zeke (Doug E. Doug), elle décide alors de mener l'enquête en retraçant les aventures nocturnes de son chat...

Remake du film Disney de 1965, lui même adapté d'un roman de 1963, cette version 1997 de l'Espion aux pattes de velours s'avère assez typique de son époque : c'est à la limite du téléfilm Disney Channel, c'est frénétique, il y a du ska-punk au générique, l'héroïne est une Christina Ricci sarcastique et cassante, Doug E. Doug est en mode Chris Tucker, et c'est assez médiocre dans l'ensemble, trop puéril et cartoony pour vraiment fonctionner.

Et puis il y a pas mal d'éléments sous-exploités, au milieu de tous ces personnages secondaires caricaturaux (j'aurais bien aimé que le côté surnaturel, avec les lumières qui fluctuent et la température qui chute brutalement à 20 h, soit développé plutôt que totalement ignoré), ou que le tout ne se termine pas par une grande poursuite automobile interminable et lassante.

Après, reste un protagoniste félin assez sympathique (et sage) et un film qui n'est pas désastreux, mais globalement quelconque au possible.

2.25/6

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Life After the Navigator (2020) :

Un documentaire de la même équipe que Life After Flash, et qui adopte la même approche, celle d'un métrage double, qui fait à la fois office de making of/retour sur le tournage du Vol du Navigateur (film jeunesse de 1986, désormais devenu culte pour toute une génération, tant pour son histoire que pour ses effets spéciaux), et de docu-réalité sur la vie de Joey Cramer, le jeune acteur vedette du métrage, et toutes les difficultés qu'il a connu par la suite : drogues, vie dans la rue, paternité et abandon de son enfant, et de multiples séjours en désintoxication, souvent sans résultats.

Plutôt intéressant à suivre sur le front du making of (avec participation d'une grande partie de l'équipe de l'époque), et, pour peu qu'on aime le genre testimonial, parfois touchant lorsque le métrage s'attarde sur le parcours de Cramer, ses efforts pour être de nouveau sobre et clean, et sa relation avec sa mère, et finalement inspirant, puisque Cramer s'est assez bien remis de sa plongée dans l'enfer de la drogue, une plongée qui a commencé très tôt (dès l'âge de 14 ans, il me semble).

4/6 

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Comme beaucoup de spectateurs de mon âge, j'ai découvert That '70s show lors de sa diffusion en France à l'aube des années 2000, sur France 2. Je garde donc une certaine sympathie envers les premières saisons de la série (nettement moins pour les dernières) et leur distribution très efficace... mais je n'ai pas forcément non plus une nostalgie très prononcée pour le programme, au point d'en vouloir un spin-off (déjà que That '80s show était totalement oubliable).

Reste que rien n'arrête Netflix, et donc, dans les traces de La Fête à la maison : 20 ans après, voilà un That '90s show, alias That '70s show : 20 ans après, soit une série de 10 épisodes de 25 minutes, chapeautés par l'équipe créative originale, et qui reprend la même formule que le revival de Full House : une nouvelle génération de personnages principaux, encadrés par des caméos plus ou moins réguliers des anciens acteurs de la série originale...

That '90s Show, saison 1 (2023) :

Leia (Callie Haverda), fille coincée d'Eric Forman (Topher Grace) et de Donna Pinciotti (Laura Prepon) passe l'été 1995 chez ses grands-parents Red (Kurtwood Smith) et Kitty (Debra Jo Rupp), dans la maison qui a vu grandir ses parents et leurs amis. Là, elle rencontre et sympathise avec Jay (Mace Colonel), le fils de Kelso, Nikki (Sam Morelos) et Nate (Maxwell Acee Donovan), très amoureux, Gwen (Ashley Aufderheide), la demi-sœur rebelle de Nate, et Ozzie (Reyn Doi)...

Et très honnêtement, ça aurait pu être pire. That '90s Show est loin d'être très mémorable, mais le programme est une suite regardable de la série d'origine, une suite qui, cependant, fonctionne sur les mêmes ressorts que Fuller House, à savoir que ce sont les vétérans de la série d'origine qui font tout l'intérêt de cette suite.

Ce n'est pas forcément la faute de la jeune distribution, qui fait de son mieux, mais il faut bien avouer que le casting à la diversité typiquement Netflix (ne manque qu'un transgenre ou un non-binaire, en fait), très jeune, fait un peu série Disney, et manque de présence - si la protagoniste principale s'en sort, les autres sont un peu sous-caractérisés, et peu mémorables. C'est notamment le cas chez les garçons, avec le grand con un peu rondouillard, le petit asiatique gay sarcastique et le fils de Kelso - il n'y a pas grand chose à en dire de plus, et en dix épisodes, difficile de les développer plus que ça (idem pour les autres filles, d'ailleurs, ou pour Andrea Anders, qui joue la mère de deux des ados, et qui ressort son personnage de voisine trashouille et sans gêne déjà vu dans d'autres productions).

En même temps, on touche là au problème de la série : elle fait (forcément) beaucoup de place aux anciens, que ce soit Kitty et Red (qui sont les personnages quasi-principaux de la série), ou les (anciens) jeunes, qui ont des caméos réguliers (rappelant fortement la manière dont les adultes de Full House étaient utilisés dans Fuller House) : Donna, Eric, Fez (dont la caractérisation m'a semblé un peu bizarre, mais j'avoue ne plus vraiment me souvenir de l'évolution du personnage vers la fin de la série d'origine), Jackie, Kelso, Leo, Bob, la série réutilise tout le monde, histoire de rassurer le spectateur, et de jouer sur la fibre nostalgique.

D'ailleurs, le programme est assez paradoxal sur ce point : c'est une série dont la nostalgie porte sur les années 90 (et sur une série qui jouait elle-même déjà la fibre de la nostalgie pour les années 70), donc c'est un peu une Inception nostalgique, et pourtant, cette nostalgie des années 90 tombe totalement à plat, et montre les limites de ce concept.

Hormis un clin d'œil musical, vestimentaire, technologique ou culturel, çà et là (la parodie de Beverly Hills), on n'a jamais vraiment l'impression d'un décalage temporel, et l'époque n'a jamais vraiment de présence à l'écran... d'autant que la bande de jeunes du 90s show finit par reproduire exactement tous les codes de la série originale - discussions sur le capot de la voiture, fumette en sous-sol avec caméra circulaire, triangles amoureux et compagnie, etc.

Au final, That '90s show est très inoffensif, presque anecdotique, et malgré les efforts du cast, les ados sont totalement éclipsés par les anciens, Kitty et Red en tête. Ça se regarde, surtout si l'on était fan de la série précédente, mais ça s'arrête un peu là, je dois dire (du moins, en ce qui me concerne).

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Après être revenu sur La Folle histoire du monde, de Mel Brooks, attardons-nous désormais à sa "suite", une mini-série en huit épisodes de 25-30 minutes diffusés sur Hulu, showrunnée par David Stassen (Agents presque secrets, The Mindy Project), et co-écrite, entre autres, par Stassen, Wanda Sykes, Nick Kroll, Ike Barinholtz et supposément Brooks (désormais âgé de 96 ans, et dont la contribution se limite ici probablement à quelques gags et à sa voix off en introduction).

Une suite arrivant plus de 40 ans après l'original, et dont les styles de comédie très variés et le rendu très télévisuel ont divisé les critiques outre-atlantique...

La Folle histoire du monde, deuxième partie (2023) :

Parce que si le film original avait souvent une ampleur visuelle cinématographique (puisque parodiant les différents types de films historiques en vigueur à Hollywood), ici, la série n'a pas la même ambition, préférant parodier le monde du petit écran, de la télé-réalité, des réseaux sociaux, etc. Avec un vrai manque de rendu à l'écran, qui donne très souvent l'impression de regarder des sketchs de Drunk History, bourrés de caméos, avec ce que ça implique d'humour, de ton et de travail de l'image.

Cette saison se constitue ainsi de plusieurs fils conducteurs, des parodies récurrentes développées sur la durée et dans la longueur, entrecoupées de mini-sketchs et de digressions se déroulant à diverses époques : un peu comme le film original, donc, sauf qu'ici, rien n'est dans l'ordre chronologique, et la révolution russe cotoie des sketchs modernes, avant de repartir dans le passé, etc.

Une impression de brouillon pas aidée par une tendance, pour les scénaristes, à mal doser l'intérêt de leurs intrigues : parmi les fils conducteurs bien trop longs, on a ainsi La Guerre de Sécession, qui commence brièvement comme une parodie d'ESPN, avant de suivre les mésaventures d'un Ulysses Grant (Barinholtz) alcoolique et de trois soldts incapables (franchement pas terrible, si ce n'est la brève chanson façon South Park) ; Shirley, une parodie de sitcom afroaméricaine 70s mettant en scène Shirley Chisholm (Wanda Sykes), première sénatrice noir et candidate à la présidentielle (ça dure, c'est très Américain, et au bout d'un moment, ça devient redondant et lassant) ; la Révolution Russe, avec Raspoutine (Johnny Knoxville), Anastasia (en influenceuse instagram), Lenine, Staline (Jack Black), et une famille juive prise dans le conflit (avec un Nick Kroll affreusement cabotin) - quelques moments amusants, çà et là, des tentatives de chansons (seule celle de Jack Black fonctionne réellement) de l'humour typiquement juif, mais dans l'ensemble, c'est trop criard et décousu pour tenir la distance.

Au rayon de ce qui tombe à plat, on peut aussi citer les mini segments récurrents sur Raspoutine (une parodie de Jackass avec toute la bande de Knoxville) ; le débarquement du D-Day où tout le monde vomit à bord pour des raisons différentes ; Taika Waititi en Sigmund Freud obsédé par le sexe ; les parodies récurrentes de Tik-Tok et de Caméo par Galilée ; Alex Graham Bell qui fait un dick pic ; ou encore Typhoid Mary en Youtubeuse cuisine, à l'humour très scatologique.

En fait, il y a beaucoup de sketches qui semblent vraiment sortis de MadTV ou du SNL (certains habitués du SNL, dont Fred Armisen, passent ici ou là, et Ike Barinholtz est un ancien de MadTV), d'autres de Drunk History, d'autres du travail de Kroll, avec énormément de parodies de la pop culture moderne (les Kardashians, les Real Housewives, etc)... et les ruptures de ton sont assez problématiques.

Ce qui ne veut pas dire pour autant que ponctuellement, ça ne fonctionne pas : les différentes versions de la vie de Jesus (une parodie de Curb Your Enthusiasm, une parodie du Notebook/N'oublie jamais, une parodie du documentaire de Peter Jackson sur les Beatles, un focus group du Concile de Nicée qui réinvente Jésus en action hero caucasien bodybuildé façon Jesus II - Le Retour des Inconnus) sont inégales, mais globalement amusantes ; la salle des scénaristes de William Shakespeare (Josh Gad) est un peu facile, mais bien menée ; et tout ce qui a trait à Kublai Khan et khancestry.com ressemble vraiment à un sketch du SNL, mis fonctionne globalement.

Je ne peux pas en dire autant des séquences inspirées du film de Brooks, à savoir un Hitler on Ice assez creux et sage (avec trois commentateurs de JO qui commentent le tout et insultent Hitler, mwé), les Jews in Space (assez décevant), et les autres teasers pour une troisième partie, tous assez plats.

En fait, pour résumer, on a un peu l'impression, ici, que la production a passé des mois à reunir des idées de sketchs et de parodies vaguement historiques, bonnes comme mauvaises, qui auraient probablement donné, une fois trié le bon grain de l'ivraie, un long-métrage de 90 minutes honorable, pas forcément meilleur ou pire que l'original. Mais non, il fallait remplir 200 minutes de temps d'antenne, et tout s'est retrouvé à l'écran, y compris le mauvais.

Un portage télévisé parfois fainéant et facile, qui n'est pas forcément bien pire que certains passages du film original, mais qui n'a jamais le charme ni le ton homogène de l'œuvre de Mel Brooks. Ponctuellement amusant, mais globalement décevant.

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La Folle histoire du monde (History of the World, part I - 1981) : 

Difficile de critiquer cette parodie signée Mel Brooks, qui fonctionne un peu comme un film à sketches traversant les époques et les genres cinématographiques.

On commence ainsi par une parodie de 2001 l'odyssée de l'espace, assez graveleuse, puis on passe à l'Âge de pierre : pas forcément le segment le plus inspiré du tout, c'est assez prévisible et générique.

Arrive ensuite l'Ancien Testament et son humour juif, puis l'Antiquité romaine, pour un segment nettement plus long. Là encore, c'est inégal, avec des répliques qui font mouche, des moments plus bas de plafond qui tombent à plat, et un rythme assez moyen.

On saute jusqu'à l'Inquisition espagnole, pour un numéro musical très réussi façon Busby Berkeley, avant de revenir en France, pour l'ultime segment du métrage, un segment consacré à la Révolution française, et aux habitudes de la cour de Louis XVI.

Sans oublier le générique de fin et ses (faux) teasers pour La Folle Histoire du monde, deuxième partie (qui ne viendra jamais au cinéma), avec notamment le Jews in Space, dont Mel Brooks reprendra la mélodie pour son Sacré Robin des bois.

Bref, un film très éparpillé, où pour chaque vanne qui atteint sa cible, une autre tombe à côté, ou passe désormais assez mal. Mais on ne peut retirer à cette parodie son ambition, et sa facture visuelle : que ce soit l'Inquisition, la Révolution ou l'Antiquité, les décors, les costumes et les plans larges sont cinématographiques et assez convaincants (toutes proportions gardées).

C'est bordélique, c'est fréquemment amusant, c'est inégal, c'est approximatif, c'est de mauvais goût, c'est parfois finement ciselé, c'est souvent cabotin au possible, bref... c'est moyen, mais à voir en connaissance de cause.

(et quelque chose me dit que la Deuxième partie, récemment diffusée sous forme de mini-série et chapeautée par le scénaristes d'Agents presque secrets et de The Mindy Project, et produit par Brooks, n'aura pas cette facture technique et ressemblera plus à une saison de Drunk History...)

3.25/6 

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Avoue, Fletch (Confess, Fletch - 2022) :

À peine arrivé à Boston pour y récupérer les tableaux volés appartenant à sa petite-amie Angela (Lorenza Izzo), riche héritière italienne, Fletch (Jon Hamm) se retrouve accusé d'un meurtre qu'il n'a pas commis, et devient l'objet des suspicions du Sergent Monroe (Roy Wood Jr.) et de son bras droit, Griz (Ayden Mayeri). Fletch décide alors de mener l'enquête pour tenter de se disculper, et finit embarqué dans une sombre histoire aux multiples suspects...

Une comédie policière amusante qui relance la série des Fletch après des décennies de development hell, suite aux deux Fletch des années 80 mettant en scène Chevy Chase dans le rôle titre.

Basé sur le roman de 1976, ce Confess, Fletch s'avère un film idéal pour une plateforme de streaming : c'est décontracté, sympathique, c'est bourré de personnages secondaires un peu excentriques et dont les interprètes s'amusent bien (Roy Wood Jr. est très fun en flic fatigué), le scénario est plutôt bien mené, mais le tout reste à un niveau gentillet, jamais trop palpitant, tranquillement nonchalant, etc.

Bref, pour peu qu'on aime le genre et les acteurs, ça se regarde très facilement, et c'est même plutôt réussi, mais je ne suis pas certain que cela marquera beaucoup les esprits.

4/6 

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Doctor Who Am I (2022) :

Un documentaire américain qui suit Matthew Jacobs, le scénariste désabusé du téléfilm Doctor Who des années 90, fortement décrié par les fans et les critiques, alors qu'il renoue avec les conventions et le fandom américain, 25 ans après avoir été sèchement rejeté par celui-ci.

Un portrait intéressant du scénariste, en filigrane, et l'occasion de s'attarder un peu plus longtemps sur la relation auteur/œuvre/fans, surtout lorsqu'il s'agit d'une œuvre culte comme Doctor Who (la même réflexion s'appliquerait tout aussi bien à Star Wars, Star Trek, etc)... mais une occasion un peu ratée, tout de même, en ce sens que le film ne s'intéresse jamais vraiment à la toxicité du fandom, au rejet, aux réactions épidermiques, au manque total de recul et de savoir-vivre de certains fans (qui interagissent directement avec Jacobs ici, lors de moments qui font grincer des dents).

Ça botte en touche, donc, et le métrage conserve un côté "ah là là, ces fans de Doctor Who que l'on trouve en convention, ils sont quand même gratinés" un peu goguenard, jamais vraiment explicite mais perceptible, pas forcément délibéré de la part de la production, qui en vient à la conclusion que la plupart des fans trouvent dans Doctor Who un échappatoire à la réalité, aux problèmes du quotidien, à la maladie, à la solitude, au harcèlement, etc.

Le fandom en tant que famille de substitution, donc, une conclusion qui n'apporte rien de vraiment nouveau sous le soleil, à vrai dire, si ce n'est la réalisation, par Jacobs, que lui aussi a trouvé, à l'époque, dans Doctor Who, un échappatoire à son enfance malheureuse, et à son père bipolaire (lui-même acteur dans un épisode de Doctor Who).

Et c'est bien là le véritable intérêt du métrage, la "rédemption" de Jacobs, qui boucle la boucle et trouve une certaine paix de l'esprit vis à vis de son expérience difficile avec la franchise Who. Le reste, trop superficiel, c'est la routine habituelle des métrages consacrés aux fans de tel ou tel univers : un peu de sympathie, un peu d'émotion, beaucoup de cringe, et rien de plus.

3.5/6 

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La Nuit au Musée - Le retour de Kahmunrah (Night at the Museum : Kahmunrah Rises Again - 2022) :

Parce que le nouveau gardien du Musée a démissionné, terrifié, Larry propose à son fils de prendre le poste de gardien de nuit, lui qui est déjà familier des excentricités des habitants des lieux. Nick accepte, mais sans grande motivation... et dès sa première nuit au Musée, l'apprenti musicien libère le pharaon Kahmunrah, bien décidé à se venger de la famille de Larry.

Une suite animée à la franchise Nuit au Musée (qui n'a jamais atteint des sommets et s'essoufflait déjà un peu vers la fin), qui perd une grande partie de l'intérêt de cette dernière, à savoir des œuvres d'art, antiquités, dioramas et reconstitutions qui prennent vie... en prises de vue réelles/numériques, avec des acteurs familiers et attachants.

Ici, comme tout est de l'animation 2D assez moyenne et simpliste, que les acteurs les plus connus de la franchise ne reprennent pas leur rôle au doublage, et que le tout adopte délibérément un ton plus infantile et immature bourré de slapstick, on a trop souvent l'impression de regarder un pilote de série animée pour enfants adaptée de la franchise...

Ce qui n'est guère surprenant, puisque le projet a vu le jour chez la Fox sous la forme d'une série télévisée, avant d'être reformaté en métrage unique lors de l'acquisition de Fox par Disney.

Bref, un gros pilote de 70 minutes, pas désagréable à suivre, plein d'action, mais jamais très inspiré dans son écriture (à un gag ou deux près, avec notamment quelques répliques qui font mouche) ou passionnant, notamment quand les scènes d'action s'enchaînent et se ressemblent dans la dernière demi-heure.

Et puis Seth, le dieu du chaos stéréotypé comic relief arabe rondouillard, mouais.

3/6, pas plus.

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La phase 4 du MCU s'est récemment terminée avec Black Panther 2 : le moment est donc venu de se replonger dans les longs-métrages de cette phase compliquée du MCU, avec le recul que nous avons désormais sur ses objectifs, ses réussites et échecs...

Une phase 4 qui, en 2021, a commencé à la télévision, avec la très sympathique et ludique Wandavision : une réussite globale à peine contrebalancée par des attentes et théories démesurées des spectateurs, et par un final un peu trop classique (une grosse bagarre pleine d'effets spéciaux) affaibli par un tournage bousculé par la pandémie.

Idem pour Falcon & the Winter Soldier, une sorte de Captain America 3.5 pas désagréable, mais gentiment bancal, et au tournage directement et largement impacté par la pandémie. Résultat : des sous-intrigues approximatives, des idées abandonnées en cours de route, des trous de scénario, un rythme cahotique... ça reste tout à fait regardable, mais c'est encore assez balbutiant.

Loki, par contre, est nettement plus homogène et maîtrisée, ayant pour lourde tâche d'introduire la TVA, le concept de multivers, et le personnage qui deviendra Kang au cinéma. Malgré une bonne dose de pandémie, Loki est moins erratique, plus centrée sur son sujet, et plus réussie, même s'il faut bien l'avouer, il reste toujours des problèmes de rythme çà et là...

Et puis Marvel a enfin sorti son premier film de la phase 4... un film Black Widow qui, malheureusement, a un peu semblé arriver après la bataille.

Black Widow (2021) :

En 2016, Natasha Romanoff apprend que le programme de la Chambre Rouge, qui a fait d'elle la Black Widow, est toujours actif. Bien décidée à y mettre fin, elle part pour Budapest, traquée par le Taskmaster, et croise le chemin de sa sœur adoptive, Yelena...

Un thriller d'espionnage dont la filiation avec James Bond est tout à fait assumée (lavage de cerveau, forteresse volant, cascades improbables, criminel mégalo avec une armée d'amazones à ses ordres, etc), mais qui ne parvient qu'en partie à satisfaire, perdant un peu pied, vers la fin du métrage, dans sa surenchère explosive.

Il faut dire que le film partait déjà avec un handicap, celui d'arriver après la bataille - tout le monde sait comment Natasha termine son aventure dans Endgame, et avec cet épisode en flashbacks, les enjeux en sont naturellement diminués. Mais la véritable nature du film (une introduction des personnages de Yelena, du Red Guardian et de Milena) fonctionne tout de même très bien : les personnages sont sympathiques, leurs interactions amusantes, et de manière générale, la composante "famille qui se dispute" est assez efficace.

Tout comme les 3/4 du film, qui, comme je le mentionnais au-dessus, ne s'essouffle un peu vraiment qu'une fois dans la forteresse volante, pas aidé par des effets spéciaux inégaux (les véhicules, en particulier, n'ont fréquemment pas assez de poids et leur physique est approximative dans certaines scènes) qui rendent la toute dernière scène d'action, en chute libre, à peu près aussi probable que James Bond en train de faire du kite surf sur une vague de tsunami.

Après, ce Black Widow reste tout à fait honorable, bien que jonché de petites scories ici ou là (la bande originale de Balfe est, sans surprise, générique et oubliable, en plus d'être clichée ; le générique d'ouverture en mode "cover de Nirvana" me sort par les yeux ; l'histoire des phéromones est bancale ; l'ellipse finale sur Ross idem) qui auraient peut-être pu être remaniées ou évitées si le film n'était pas sortie en pleine pandémie...

3.5/6

(critique originale publiée sur ce blog en 2021, à lire ici)

Entre Black Widow et Shang-Chi, retour à la case télévision, avec What If ?, série d'animation explorant différentes réalités du multivers, pour un programme dynamique, amusant, et bien mené, probablement la meilleure série du MCU à ce jour. Puis...

Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings (2021) :

Héritier de Xu Wenwu, leader criminel des Dix Anneaux, Shang-Chi vit à San Francisco, sous l'identité de Shaun, un simple voiturier. Mais lorsqu'il est attaqué par des sbires de son père, Shaun doit désormais faire face à son destin exceptionnel, ainsi qu'aux mystérieux pouvoirs que son père tire de dix anneaux métalliques tombés du ciel...

Un agréable hommage au cinéma chinois (que ce soit les wu xia pian ou les films d'action hong-kongais de la grande époque) appliqué au MCU, et un moyen pour Marvel de se racheter un peu pour Iron Fist et son blondinet mollasson, en proposant des combats dynamiques et spectaculaires, ainsi qu'un grand final full CGI (comme d'habitude) ici nettement plus original et agréable, puisqu'avec des dragons et autres bestioles magiques.

Et c'est bien ce qui fait tout le charme de ce Shang-Chi : c'est dépaysant, et ça s'assume. La distribution est attachante, le bestiaire intrigant, l'histoire plutôt solide, le méchant n'est pas monodimensionnel, il y a un vrai thème musical, le fanservice Marvel reste discret, le côté bilingue du métrage est bien intégré, bref, c'est plutôt agréable à suivre, et, pour quelqu'un comme moi qui en a un peu assez de voir des films occidentaux scénarisés et réalisés par des weebs biberonnés aux mangas et fascinés par le Japon, les yakuzas ou les samuraïs, un peu de spiritualité et de style chinois ne font pas de mal à voir.

Après, il reste toujours quelques défauts, comme des effets véhiculaires toujours inégaux, un passage du temps pas très bien retranscrit... mais pour peu qu'on ne soit pas allergique aux films d'arts martiaux et à la Chine, Shang-Chi reste pour moi l'un des films de la Phase 4 les plus aboutis.

4.25/6

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2021, à lire ici)

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Et comme toujours, retrouvez l'ensemble des notes des films du MCU et du DCEU (ainsi que des liens directs vers leurs critiques) sur notre page de bilan global...

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

L'Âge de glace : la grande chasse aux œufs (Ice Age : The Great Egg-Scapade - 2016) :

Alors que tous les animaux de l'Âge de glace s'affairent à préparer les festivités du printemps qui approche, Sid (John Leguizamo) décide de mettre en place une crèche pour les œufs de ses congénères. Mais Squint (Seth Green), lapin pirate, est bien décidé à se venger de Sid et ses amis, et dérobe tous les œufs, emmenant la petite bande dans une chasse au trésor pour retrouver ces œufs maquillés et cachés dans la nature...

Un petit bonus à l'occasion de Pâques, avec ce mini-épisode de 25 minutes consacrés à l'Âge de glace, qui fête Pâques à sa manière, en trouvant à cette fête pourtant très chrétienne une origine préhistorique relativement amusante. Avec en prime les origines du premier avril.

Après, ça reste l'Âge de glace, une franchise qui a grandement perdu en intérêt à mesure que les suites et spin-offs se sont succédés, et que j'ai totalement cessé de suivre après le deuxième ou troisième film. Donc forcément, là, la moitié des personnages (toujours aussi moches) m'est totalement inconnue, et mon intérêt pour le slapstick et la comédie habituelle de la franchise n'est pas forcément au rendez-vous...

Mais bon, ça se regarde tranquillement, sans plus. 

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Le début de la saison 3 de The Mandalorian m'a laissé assez frustré, la série semblant manquer de direction, hormis celle de "les us et coutumes des Mandaloriens, c'est trop passionnant, attardons-nous encore dessus". Soit exactement ce qui ne m'intéresse guère dans la série, qui en plus s'est permis une parenthèse lorgnant fortement sur Andor et sa politique ambivalente...

Star Wars : The Mandalorian - 3x04-06 (2023) :

- 3x04 :  Alors que Grogu commence son entraînement pour devenir un Mandalorien, un enfant du campement est enlevé par une créature ailée, forçant Bo-Katan et un groupe de Mandaloriens à partir à son secours...

Après l'épisode 03 en mode "on fait du sous-Andor totalement détaché du reste de la saison", place à "on fait un mini-épisode de 25 minutes sur du vide une péripétie sans intérêt de la vie des Mandaloriens". Je n'ai pas aimé. En même temps, je le répête depuis le début : je me contrefous totalement des traditions et de la mythologie mandaloriennes, qui semblent tant fasciner Filoni et Favreau, et je trouve même assez malsain le fait que l'indoctrination de Grogu et de Bo-Katan dans cette frange radicale extrémiste du peuple mandalorien soit présentée comme quelque chose de bienveillant et d'exemplaire, voire de mignon (pour Grogu).

Alors certes, les scènes d'action étaient réussies (que ce soit le sauvetage en plein vol, ou les flashbacks de Grogu façon traumatisme du Vietnam qui montrent comment il a été sauvé de l'Ordre 66 par Ahmed Best), mais comme elles ne font que remplir du temps d'antenne, et ne font pas du tout progresser l'intrigue (on est à mi-saison, tout de même), bon gros bof.

- 3x05 : Parce que Nevarro est attaqué par le pirate Gorian Shard et son bombardier, et que la Nouvelle République refuse de les aider, Greef envoie un appel à l'aide... qui parvient aux oreilles de Din Djarin et de ses comparses mandaloriens.

Un épisode plein d'action plutôt réussie, après un début en mode "la Nouvelle République n'est qu'une bande d'incapables à la bureaucratie étouffante" finalement dans la droite continuité de l'épisode 03.

Au passage, petit caméo de Zeb, de la série Rebels, avant que le show ne continue dans son entreprise de réhabilitation et de vénération des Mandaloriens, ici présentés comme un super commando d'élite qui vient libérer Nevarro, avant de faire de Bo Katan leur patronne de facto.

Malgré cela, c'était agréable à suivre, rythmé... reste à voir si la seconde moitié de saison continuera sur le même chemin.

- 3x06 : Pour retrouver les anciennes troupes de Bo-Katan, devenues mercenaires, cette dernière, Grogu et Din Djarin se rendent sur la planète Plazir-15, où le couple royal (Jack Black, Lizzo) leur explique que certains de leurs droïdes impériaux rénovés se comportent étrangement...

Un épisode à la limite de la parodie décomplexée, qui voit Bo-Katan et Djarin, en mode good cop et bad cop d'un buddy movie à l'ancienne, mener une enquête policière improbable (un bon gros prétexte, honnêtement, d'un point de vue narratif) dans les bas-fonds d'une planète idyllique, avec échanges goguenards, bar à robots, morgue, interrogatoires et caméos WTF (outre Jack Black et Lizzo, il y a Christopher Lloyd, qui cabotine comme pas deux). 

Alors c'est amusant à suivre mais presque hors-sujet, et surtout ça contraste violemment avec le sérieux papal des platitudes mandaloriennes du reste de la saison, ou du duel final de cet épisode, à l'issue évidente (tout comme la pirouette narrative sur le Darksaber, qui ne fait que renforcer à quel point toutes ces idées de credo et de valeurs mandaloriennes sont creuses au possible).

En même temps, dès la première scène, le ton était donné, avec cette variation sur Roméo et Juliette à la sauce Mon Calamari et Quarren : distrayant, rigolo, ça décoince un peu une saison raide comme un piquet, mais ça arrive tout de même comme un cheveu sur la soupe.

(à suivre...)

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Crazy Bear (Cocaine Bear - 2023) :

Dans les années 80, lorsque des dizaines de kilos de cocaïne tombent de l'avion d'un trafiquant, en vol au dessus d'un parc national américain, personne ne peut se douter qu'une ourse passant par là allait ingérer cette drogue, et se lancer dans un massacre sanglant sur tous les humains (Keri Russell, O'Shea Jackson Jr., Christian Convery, Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Brooklynn Prince, Isiah Whitlock Jr., Kristofer Hivju, Hannah Hoekstra, Aaron Holliday, Margo Martindale, Ray Liotta...) présents là pour une raison ou une autre...

En 2006, avant que le monde ne sache vraiment ce qu'était un meme, est sorti en salles Snakes on a Plane, un métrage dont la bande annonce décomplexée avait immédiatement fait le buzz, présentant un Samuel L. Jackson énervé et des serpents à bord d'un avion. La promesse était celle d'un film amusant et décalé, un jeu de massacre pêchu et sans limite, bref, un film ludique et rigolard... mais le résultat était plus proche d'un thriller mollasson et insipide, aux rares fulgurances amusantes, mais globalement assez décevant.

Ici, avec Cocaine Bear, c'est un peu le même schéma. Avec son buzz démultiplié par le Web et les réseaux sociaux (remember Sharknado, une daube infâme devenue "culte" grâce à la magie de l'ironie des internautes), ce film offrait au premier abord une proposition très similaire à celle de Snakes on a Plane : une version déglinguée d'un fait divers assez triste (un petit ours qui découvre 30 kilos de cocaïne dans la forêt, et meurt dans d'atroces souffrances après l'avoir ingérée), avec une ourse énorme cocaïnomane agissant comme un méchant de slasher dans une comédie horrifique décomplexée.

Et le résultat est très similaire à la déception de SoaP. Devant la caméra d'Elizabeth Banks, et sous la plume de Jimmy Warden (co-scénariste de The Babysitter : Killer Queen), ce Crazy Bear tombe lourdement à plat. Pas tant pour les effets numériques très discutables de l'ourse, qui manque fréquemment de poids, ou pour la reconstitution bancale des années 80 (quand Jesse Tyler Ferguson déboule avec sa perruque fauchée, aïe), mais plutôt pour de véritables problèmes d'écriture et de mise en image, dont découlent des soucis de ton, de rythme, et d'efficacité.

C'est bien simple, le film ne semble jamais savoir équilibrer ses différentes orientations : ici, il passe une bonne demi-heure à présenter pléthore de personnages secondaires caricaturaux, souvent insipides, dont une mère et deux préados qui deviennent le noyau émotionnel (théorique) du métrage ; là, il cache son ourse et la laisse faire ses meurtres hors champ, pour mieux en afficher frontalement un ou deux lors de certaines scènes exubérantes, qui semblent sorties d'un autre film, plus assumé ; ailleurs, il fait de la comédie faiblarde, n'ayant jamais le rythme, l'énergie ou la folie pour donner corps à cet univers aux traits très appuyés et à l'interprétation cabotine ; occasionnellement, il donne dans le cartoon, avec une ourse cocainée qui fait des anges avec ses pattes par terre et rampe sur le dos quand elle renifle de la coke ; et puis il s'essaie aussi au thriller/policier décalé, façon frères Coen du pauvre, avec ces trafiquants incapables, ces policiers, et notamment un heel turn totalement inutile et random d'un personnage en cours de route.

Le résultat, c'est un film qui, s'il fonctionne lors de brèves scènes, semble étrangement timide avec son sujet, et n'est globalement ni très drôle, ni très horrifique, ni très captivant ou tendu.

Le film a beau avoir été hypé sur la base de son travail, et avoir fait les gros titres du Web et des réseaux sociaux à sa sortie, il reste un essai non transformé... le troisième successif pour Elizabeth Banks en tant que réalisatrice.

2.25/6 

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Avant de nous attaquer à la phase 4 du MCU, récemment terminée, et de revenir sur ses métrages à la genèse compliquée, concluons la phase 3 du MCU en revenant sur ses deux derniers métrages, non encore diffusés au moment de notre dernier bilan de cette Intégrale...

Et pour entamer cette dernière rétrospective de la phase 3, retour sur Avengers : Endgame, la pièce maîtresse de toute cette phase, le film évènement qui a battu (presque) tous les records, et qui est l'aboutissement logique de 10 ans de construction de l'univers Marvel au cinéma...

Avengers - Endgame :

Pour vaincre Thanos et restaurer la moitié disparue des formes de vie de l'univers, les Avengers survivants décident de tenter le tout pour le tout et de remonter le temps, pour y dérober des Pierres d'infinité et créer un nouveau Gant tout-puissant...

Une fin de cycle toujours très efficace et touchante pour les personnages des premières phases Marvel, fin de cycle qui parvient à être ambitieuse, sombre (toute la première heure, c'est "les héros face à leur dépression"), épique et émouvante, notamment vis à vis du destin de Cap et de Tony. Au revisionnage, ce qui ressort le plus, c'est la maîtrise de l'écriture et du rythme global, joliment mis en valeur par la réalisation efficace des frères Russo, qui nous produisent ici certains des plans les plus iconiques et comic-book du MCU.

Ce n'est pas parfait pour autant : les règles du time heist et la mécanique temporelle sont inutilement brouillonnes, pas toujours totalement cohérentes (ce qui n'est pas surprenant puisque les scénaristes et les réalisateurs ont toujours eu des désaccords d'interprétation à ce sujet), et je reste toujours frustré du parcours de Bruce Banner - je sais qu'une partie de ce parcours frustrant est due à des problèmes de droits, mais le personnage de Hulk n'a jamais vraiment droit à son moment de gloire, et le passage du Hulk d'Infinity War à celui de Endgame, ainsi que son développement hors-champ, sont vraiment trop catapultés pour faire illusion.

Après, ça reste des bémols mineurs, en comparaison de la réussite globale de cet ultime opus.

4.75/6

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2019, à lire ici)

Spider-Man - Far From Home (2019) :

En excursion en Europe avec sa classe, Peter Parker tente d'oublier la mort de son mentor Tony Stark, mais l'arrivée d'un nouveau héros, Mysterio, supposément issu d'une dimension parallèle, va de nouveau bouleverser son quotidien...

Un deuxième volet des aventures de Spidey toujours aussi attachantes, à l'image du couple en formation MJ/Peter, et qui sonne comme un épilogue tout à fait pertinent à la Phase 3 du MCU : on y découvre ainsi les premières conséquences du Blip et du décès de Stark sur le citoyen lambda, et surtout sur Peter, Happy et les autres.

Ce qui est très logique, compte tenu des liens entre Peter et Tony, et apporte une émotion perceptible à ce métrage, justifiant les choix parfois malheureux de Parker, et son rapprochement quasi-instantané avec Mysterio (excellent Gyllenhaal, et relecture originale du personnage), sorte de grand-frère héroïque qui permet à Peter de se débarrasser de responsabilités trop importantes pour lui.

Et puis, mine de rien, Far From Home sert d'introduction, pour les spectateurs, au concept de multivers : oui, c'est de l'esbrouffe de la part de Mysterio, mais la graine est semée dans l'esprit des spectateurs, et elle germera durant la Phase 4.

Après, le film reste un peu trop brouillon sur la toute fin, avec beaucoup de trop de drones numériques qui virevoltent dans tous les sens : un grand final trop chaotique pour son propre bien, ce qui tranche avec le délire psychédélique des illusions préalables de Mysterio, qui savaient se montrer inventives tout en restant claires.

4.25/6 

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2019, à lire ici)

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Sea of Thieves - Voyage of a Lifetime (2023) :

Un documentaire sympatoche et rigolard produit par Rare et diffusé sur YouTube à l'occasion du cinquième anniversaire du jeu Sea of Thieves : l'occasion de revenir en long, en large et en travers (ou presque, car le métrage, composé d'images d'archive et d'interviews, ne dure que 75 minutes, ce qui limite forcément la portée du documentaire) sur l'ensemble du projet, de sa genèse à l'anniversaire actuel, en passant par le prototype, ses tests, son évolution, les difficultés rencontrées, le COVID, etc.

Agréable à regarder, bon enfant, instructive, cette grosse heure de métrage narrée par Toby Stephens exprime bien la solidarité des joueurs de SoT et l'implication de Rare dans le projet, même si, je dois bien l'avouer, il y a toujours ce contraste assez flagrant entre la communauté des joueurs, telle que Rare la perçoit et la met en valeur, une communauté souvent centrée sur les streamers, le PvP et sur le multijoueur, et sur la réalité du jeu au quotidien, pour la plupart des joueurs solo ou duo : un jeu paranoïaque, tendu, où chaque autre joueur est un ennemi en puissance, à éviter et/ou à couler dès que possible.

Forcément, ce sont deux visions du jeu un peu déconnectées qui cohabitent bon gré mal gré, et qui donnent parfois aux joueurs l'impression de ne pas jouer au même jeu que d'autres, ou que Rare en personne. Mais bon, SoT reste une expérience unique en son genre, et ici, la scène post-crédits met du baume au cœur.

4/6 

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Osmosis Jones (2001) :

Frank (Bill Murray), gardien de zoo fainéant et à l'hygiène douteuse depuis la mort de sa femme Maggie, peine à élever seul sa fille Shane (Elena Franklin). Un jour, lorsqu'il ingère un œuf dur tombé par terre, il fait entrer dans son corps Thrax (Laurence Fishburne), un virus bien décidé à entrer dans l'histoire en tuant son hôte en 48 heures. La contagion commence alors à se répandre, avec pour seule barrière les actions désespérées de Ozzy (Chris Rock), un globule blanc employé de la police régissant le corps de Frank, et Drix (David Hyde Pierce), un médicament ingéré par Frank pour lutter contre les premiers symptômes...

Assez frustrant, cette production Warner, hybride film d'animation/comédie en prises de vues réelles. Principalement parce que toute la partie animée, chapeautée par un ancien de Disney et de Dreamworks, est très réussie visuellement, bourrée d'idées inventives, une sorte de version buddy cop movie d'Il était une fois la vie, avec un bon travail de doublage, une animation très réussie, etc... mais à côté, la partie prises de vues réelles, réalisée par les frères Farrelly, est globalement assez désastreuse, pas drôle, gratuitement crade, avec un Bill Murray cabotin qui en fait trois tonnes, et d'autres acteurs sous-exploités (Molly Shannon, uniquement là pour se faire vomir dessus).

Et si l'on ajoute à tout ça un côté musical r'n'b très daté (et pas que : le numéro musical de Kid Rock, notamment), on se retrouve avec un métrage bancal, qui perd tout intérêt dès que l'on arrive IRL, alors que le monde de l'organisme de Frank est nettement plus intéressant et inventif (un peu le même problème que celui qui touchait Monkeybone, dans un autre genre).

Mwébof.

2.5/6

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Murder Mystery 2 (2023) :

Invités au mariage du Maharajah Vikram Govindan (Adeel Akhtar) et de Claudette (Mélanie Laurent), une vendeuse française, Audrey (Jennifer Aniston) et Nick Spitz (Adam Sandler) profitent de ces vacances improvisées... jusqu'à ce que Vikram soit mystérieusement enlevé pendant la réception. Accusé d'avoir manigancé cet enlèvement, le couple fait alors tout son possible pour prouver son innocence, et ce même lorsqu'un enquêteur de renommée international, Miller (Mark Strong), est appelé à la rescousse...

Environ 80 minutes à peine pour cette suite du premier Murder Mystery, une comédie policière assez anecdotique et mal rythmée mais relativement sympathique : ici, on prend les mêmes, et on recommence en changeant les destinations touristiques (Paris, Hawaii) et en orientant le tout dans une direction plus pêchue et dynamique, plus proche d'un actioner à la True Lies que d'un whodunit (toutes proportions gardées).

J'ai donc préféré au premier, même si ça reste toujours cousu de fil blanc, un peu balourd, que certaines scènes semblent largement improvisées, et que Jennifer Aniston a un peu forcé sur le botox (ou sur le lissage numérique, au choix).

Rien d'exceptionnel, mais ça divertit pendant 80 minutes.

3.5/6 (la parodie de générique façon Agence Tous Risques, au début, m'a amusé plus que de mesure)

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​Un peu de variété, en ce mois de mars, sur le blog des Téléphages Anonymes, avec notamment une semaine consacrée au cinéma irlandais, à l'occasion de la Saint Patrick...

#1784 : Catwalk - Tales from the Cat Show Circuit (2019) - 4/6

#1785 : The People We Hate at the Wedding (2022) - 2.75/6

#1786 : Guillermo Del Toro's Pinocchio (2022) - 4.5/6

#1787 : Dual (2022) - 2/6

#1788 : Profession Tueur 2 (2022) - 4.25/6

#1789 : SEMAINE IRLANDE - Deadly Cuts (2021) - 3/6

#1790 : SEMAINE IRLANDE - The Fit Finlays (2010) - 4/6

#1791 : SEMAINE IRLANDE - The Gaelic Curse (2016) - 2/6

#1792 : SEMAINE IRLANDE - Hard Times : les temps sont durs (2009) - 1.75/6

#1793 : SEMAINE IRLANDE - Le Dragon de mon père (2022) - 3/6

#1794 : SEMAINE IRLANDE - Blackbird (2022) - 1.5/6

#1795 : SEMAINE IRLANDE - Week-end de débauche (2013) - 4/6

#1796 : Not Okay (2022) - 3.5/6

#1797 : Enola Holmes 2 (2022) - 3.25/6

#1798 : Catwalk 2 - The Comeback Cats (2022) - 3/6

#1799 : The Honeymoon (2022) - 1.5/6

#1800 : Le Chat potté 2 - la dernière quête (2022) - 3.75/6

#1801 : Willow - Behind the Magic (2023) - 4/6

#1802 : Glass Onion - Une histoire à couteaux tirés (2022) - 3/6

#1803 : Batman - La malédiction qui s'abattit sur Gotham (2023) - 2.5/6

#1804 : The Estate (2022) - 2.75/6

#1805 : Black Panther 2 - Wakanda Forever (2022) - 3/6

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# Bilan :

Une semaine Saint Patrick en demi-teinte, dont ne se détachent (en bien) que Week-end de débauche, une comédie plus touchante et sincère que son titre ne le laissait penser, et The Fit Finlays, un documentaire sur les Finlays, catcheurs irlandais depuis des générations. 

Le reste du mois se partage entre comédies quelconques (The Honeymoon, The Estate, The People We Hate at a Wedding - paradoxalement, ces deux premières comédies sont du même scénariste, ce que j'ignorais totalement au moment du visionnage), productions Netflix décevantes (pléonasme, je sais, mais réalité néanmoins, avec Enola Holmes 2 ou Glass Onion) et films d'animation très réussis, avec Le Chat Potté 2 et le Pinocchio de GDT.

Mention spéciale (mais pas très positive) pour Black Panther 2, qui m'a semblé brouillon, décousu, maladroit et tout sauf satisfaisant, de quoi terminer cette Phase 4 du MCU de manière bien bordélique.

# Film(s) du mois : 

Comme mentionné ci-dessus, le Pinocchio de Guillermo Del Toro est une relecture très réussie de cette histoire, qui éclipse sans efforts la version Disney récente en prises de vue réelles ; Week-end de débauche, une comédie irlandaise sincère et amusante ; et Profession Tueur 2, une suite nettement plus légère et décomplexée du premier opus mettant en vedette Scott Adkins.

# Flop(s) du mois : 

The Honeymoon et Hard Times : les temps sont durs, deux exemples qui prouvent que réussir une comédie, c'est compliqué. Et Blackbird, le résultat d'un ego trip de Michael Flatley, qui a décidé de s'imaginer en super James Bond retraité, et de tourner un film à ce sujet... mouais.

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# Petit écran :

Pas énormément de séries passées en revue, ce mois-ci : la seule et unique saison de Blockbuster, une sitcom Netflix tentant de reproduire le succès de Superstore, sans en avoir la maîtrise ou l'efficacité ; la mini-série Dragon's Dogma, à nouveau par Netflix, et adaptant le jeu vidéo du même nom (bof) ; la saison 1 de Velma, réinvention de Scooby-Doo par Mindy Kaling - ce n'est pas drôle, pas inspiré, pas original, bref, c'est à éviter.

Ajoutons à cela la saison 1 de Willow, pas mauvaise, mais trop brouillonne et éparpillée (notamment stylistiquement) pour vraiment fonctionner ; et le début de la saison 3 du Mandalorien, un début de saison assez moyen, qui continue, bon gré mal gré, de faire le forcing sur les traditions et la mythologie mandaloriennes... 

Retrouvez aussi les bilans de toutes les séries critiquées jusqu'à présent en ces pages depuis l'index Séries alphabétique qui leur est consacré.

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# À venir :

Un mois d'avril très varié chez les Téléphages Anonymes, avec l'assortiment habituel de films et de séries en tout genre, et pour conclure le mois, une semaine très spéciale, à l'occasion de la nuit de Walpurgis : exactement six mois avant Halloween, la dernière semaine d'avril sera ainsi consacrée à l'horreur et au fantastique, pour célébrer la fête des sorcières...

Dans l'intervalle, toutes les mises à jour du blog sont disponibles sur la page Updates, et la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog est accessible dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

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Reboot/réinvention de la franchise Scooby-Doo pour HBO Max, ce Velma a été confié à Mindy Kaling et à l'un de ses collaborateurs habituels, avec pour objectif avoué de faire un programme adulte et corrosif, une sorte de version Harley Quinn de Scooby et compagnie. 

Ce qui, sur le papier, semblait déjà une mauvaise idée, et dans les faits, a été très mal accueilli par la critique et les spectateurs, échaudés par une réinvention inutile à la provoc' facile, au race swapping maladroit, et à l'humour méta totalement à côté de la plaque. Mais que donne réellement ce programme en 10 épisodes de 25 minutes...?

Velma, saison 1 (2023) :

À Crystal Cove, un tueur en série s'en prend à toutes les jeunes femmes populaires de la ville, leur prélevant leur cerveau. Velma Dinkley (Mindy Kaling), jeune lycéenne isolée hantée par le souvenir de sa mère disparue, décide de mener l'enquête, ce qui l'amène à croiser le chemin de Daphne (Constance Wu), son ex-meilleure amie, de Fred (Glenn Howerton), fils de bonne famille vain et idiot, et de Norville (Sam Richardson), apprenti journaliste et compère de Velma...

Il serait très facile de rester sur les premières impressions laissées par les premiers épisodes du programme : en effet, dès le premier épisode de la série, les problèmes abondent clairement - cette Velma est un énième self-insert de Mindy Kaling, elle a l'humour cassant de Kaling, elle est arrogante, agressive, critique, égocentrique, possessive, névrosée et désagréable, elle est, à un moment ou un autre, l'objet des attentions amoureuses de tout le monde (et notamment de Fred - les relations interraciales avec un caucasien, c'est un truc récurrent avec Kaling), bref, Velma est Mindy Kaling, mais sous forme de cartoon, ce qui limite déjà fortement l'intérêt du personnage.

Et tous les autres personnages habituels de Scooby (enfin, presque tous, puisqu'il n'y a pas de Scooby Doo dans cette série) sont réinventés de manière... discutable. Daphné est une mean girl asiatique rousse aux mères adoptives lesbiennes, trafiquante de drogues, et attirée en secret par Velma, son ex-BFF. Fred est un influenceur idiot et superficiel, prépubère, bourré de daddy issues et affublé d'une petite b*te, qui devient un "allié de la cause féministe" après avoir lu un livre. Shaggy est un afro-américain métis et straight-edge, journaliste pour la gazette du lycée, fils de la principale et du conseiller d'orientation, et qui est désespérément amoureux d'une Velma qui l'ignore. Et donc, Velma, bisexuelle indienne hantée par la culpabilité de la disparition de sa mère...

Et outre ce casting très United Colors of Benetton, qui ne parvient même pas à rendre ce pseudo-Scooby Gang intéressant ou sympathique, la série souffre d'un souci très clair d'écriture. Bourré de vannes méta se moquant des clichés du genre, de références à la pop culture, et d'une approche se voulant adulte, Velma ressemble trop souvent à ce qu'était Harley Quinn dans ses premiers épisodes (avant que le programme ne trouve sa vitesse de croisière) : c'est immature, gratuitement méchant, inutilement violent, faussement provoc', tout en étant particulièrement prude, comme si le programme voulait avoir le beurre, l'argent du beurre et le postérieur de la crémière (mais un postérieur restant censuré à l'écran, il ne faut pas déconner).

Pourtant, il y a une tentative de développer une intrigue de fond sur le tueur en série, et sur le sort de la mère de Velma, ainsi que tout ce qui l'entoure. Et les personnages évoluent au fil de la saison, jusqu'à arriver à quelque chose qui ressemble vaguement au Scooby Gang classique, mais vu au travers d'un miroir déformant (Fred décide de peindre des fleurs sur un van, ce qui suscite immédiatement des vannes sur le côté pédophile de ce cliché ; traumatisé par un meurtre, Shaggy se tourne vers le cannabis pour soigner son PTSD ; etc, etc, etc) et avec des personnages qui se détestent tous et restent antipathiques et égocentriques.

En réalité, on a souvent l'impression que Kaling et son acolyte n'avaient aucun intérêt réel pour la franchise Scooby, au-delà du côté "hey, ça serait marrant de faire une parodie de Scooby Doo, mais avec des adolescents contemporains, creux, superficiels, sarcastiques et détestables". Et on ne peut nier que le programme s'y tient, bien qu'il reste constamment parasité par un désir de se montrer plus malin que de mesure, en se moquant des clichés et de tout ce qui fait l'essence même de Scooby Doo. 

In fine, Velma est une série compliquée à critiquer. En soi, la série atteint ses objectifs, proposant une parodie (pas très inspirée) de Scooby Doo, avec une diversité ethnique (artificielle) et sexuelle (la relation Daphne/Velma, mise en avant, rappelle directement la relation Harley/Ivy, notamment dans son côté "meme/délire de fan frustré qui a finit par intégrer le canon maintenant que les fans écrivent la série"), une critique sociale (pataude) et une structure narrative compétente... mais honnêtement, hormis son humour faussement subversif, le programme ne propose rien qui n'ait déjà été fait avec beaucoup plus de subtilité et de maîtrise dans Scooby-Doo : Mystères et compagnie.

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Black Panther 2 - Wakanda Forever (2022) :

Après la mort inattendue de T'challa, le Wakanda devient la cible des intérêts de toutes les nations du monde, bien décidées à mettre la main sur le vibranium tout puissant. Mais lorsqu'une source sous-marine de vibranium est découverte, une attaque meurtrière sur l'équipe d'exploration responsable de cette trouvaille voit le Wakanda accusé. En réalité, cette attaque est l'œuvre de Namor (Tenoch Huerta Mejía), dieu vivant d'une peuplade amphibie ayant bâti une civilisation sous-marine autour de la puissance du vibranium, et bien décidé à ne pas laisser le monde du dessus s'approprier ce qui est sien...

Mouais. Un peu déçu, je dois dire, au visionnage de cette suite brouillonne (pas forcément surprenant, puisque Marvel a dû tout repenser au dernier moment suite au décès de Chadwick Boseman, en plus de décaler un tournage par faute de pandémie), que je placerais en dessous de l'original (et pourtant, je ne suis pas forcément le plus grand fan du premier Black Panther, à la base.

Le souci, en fait, outre le manque d'une vrai présence centrale autour de laquelle le récit graviterait (Chadwick n'est plus, et honnêtement, Shuri est assez délibérément antipathique, dans ce métrage), c'est que Black Panther 2 est un film tellement sombre (visuellement et thématiquement), tellement alourdi par le deuil de Chadwick et ses conséquences, qu'il peine à laisser de la place à son côté superhéroïque, et qu'il rate ainsi systématiquement toutes ses entrées : la première apparition de Namor, la première armure de Riri, la découverte de Talokan, la première apparition de Shuri en Panther, la première apparition des Midnight Angels, la première apparition d'Ironheart, etc... systématiquement, c'est brouillon, fait à la va-vite, avec une illustration musicale pleine de morceaux hip hop/rnb/afro qui éclipse totalement ce qui faisait la force du premier BP (sa bande originale), et ça finit par tomber à plat.

Ajoutez à cela un script parfois maladroit (les Français au Mali, au début, LOL), manquant fréquemment de clarté (le pourquoi du comment des Talokanais, des différentes couleurs de peau, des oreilles pointues, etc), et peinant à rendre attachant ou surprenant le parcours de son héroïne (honnêtement, le parallèle évident et surligné entre Talokan et le Wakanda, qui fait changer d'avis Shuri in extremis, était plus que téléphoné, et c'est limite si j'avais plus de sympathie pour Namor que pour les Wakandais fréquemment trop orgueilleux et arrogants).

Ça se regarde, c'est bien produit, les costumes sont excellents et la scène durant laquelle la Reine passe un savon à Okoye est remarquable, mais dans l'ensemble, léger bof pour ce métrage gentiment inégal, qui ne parvient jamais réellement à s'extirper de l'ombre de Chadwick Boseman.

Un petit 3/6, pour terminer la phase 4 du MCU de manière un peu faiblarde.

(bilan Marvel/DC mis à jour !)

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The Estate (2022) :

Lorsqu'elles apprennent que leur Tante Hilda (Kathleen Turner), très aisée, est atteinte d'un cancer au stade terminal, Macey (Toni Collette) et Savannah (Anna Faris), en difficultés financières, décident de tenter de revenir dans ses bonnes grâces - et dans son testament. Elles lui rendent donc visite, mais sur place, les deux sœurs découvrent que les autres membres de leur famille sont aussi sur les rangs : Beatrice (Rosemarie DeWitt), hypocrite et manipulatrice très appréciée de sa tante, son époux James (Ron Livingston), chef, et Richard (David Duchovny), séducteur balourd déjà dans les petits papiers de Hilda...

Je l'ignorais totalement durant le visionnage, mais ce The Estate est le fruit du travail du scénariste- réalisateur de Joyeuses Funérailles/Panique aux funérailles, de Love Wedding Repeat, de Moonwalkers et de The Honeymoon, récemment passé en revue dans ces pages.

Autant dire que le côté inabouti et générique du produit fini ne surprend guère, tant les œuvres de Dean Craig sont inégales et semblent toujours manquer de quelque chose : de folie, de rythme, d'énergie, d'originalité... au choix.

Ici, The Estate est une course à l'héritage très conventionnelle, une comédie satirique qui donne l'impression d'avoir été vue et revue des dizaines de fois, et qui est constamment prévisible au possible.

Ce n'est pas forcément désagréable à regarder, principalement parce que les acteurs y mettent du leur (Duchovny est assez amusant en beauf moustachu et musclé voulant séduire sa cousine ; Anna Faris, par contre, en fait encore et toujours trois tonnes de trop, à grand renfort de grimaces), mais dans l'ensemble, on se retrouve encore une fois avec un script qui donne l'impression d'avoir été sous-développé, ou d'être à peine plus qu'une pièce de boulevard. Pas assez mordant, pas assez drôle, pas assez original, pas assez méchant, pas assez pêchu... Mwé.

2.75/6

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Batman - La malédiction qui s'abattit sur Gotham (Batman : The Doom that came to Gotham - 2023) :

Alors qu'il tente de découvrir ce qui est arrivé à l'expédition polaire Cobblepot, Bruce Wayne réalise qu'une menace cosmique est sur le point de s'abattre sur le Gotham City des années 20, et qu'il est le seul à pouvoir l'arrêter...

Batman + les années 20 + la mythologie lovecraftienne + une adaptation d'un comic-book de Mike Mignola, ça aurait dû être exactement dans mes cordes, et finalement, non : la mayonnaise de ce métrage n'a pas du tout pris à mes yeux.

En partie à cause des choix artistiques du récit original (je ne suis pas du tout fan de la réinvention de Green Arrow ou de Poison Ivy, j'en ai un peu assez de Ras et Talia, l'utilisation d'Etrigan n'est jamais vraiment probante, le grand final improbable vire au grand nawak), mais aussi de l'adaptation : musique très synthétique, doublage assez inégal, direction artistique trop propre et structure/écriture globalement brouillonne et mal rythmée - autant de facteurs qui font de ce film d'animation quelque chose d'assez laborieux, en tout cas en ce qui me concerne.

Sans que ce soit pour autant irregardable, ça m'a semblé décousu, peut-être un peu inabouti, et en tout cas décevant.

2.5/6

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Glass Onion - Une histoire à couteaux tirés (Glass Onion : A Knives Out Mystery - 2022) :

Invité en même temps que diverses personnalités (Dave Bautista, Kathryn Hahn, Janelle Monae, Leslie Odom Jr., Kate Hudson, Jessica Henwick, Madelyn Cline) sur l'île privée de Miles Bron (Edward Norton), un milliardaire de la tech, Benoit Blanc (Daniel Craig) se retrouve pris dans la tourmente d'un meurtre et d'une histoire de vengeance...

Disrupteur, visionnaire, casseur de codes, inventif, intelligent, génial, original, talentueux, impertinent, innovant, subversif, prend les attentes à contre-pied et chamboule toute son industrie... est-ce que je parle de la manière dont le personnage de Miles Bron est présenté dans le film, ou de celle dont Rian Johnson est décrit par la presse et autres critiques Web ?

Difficile de faire la différence, tant une énorme partie du succès des deux hommes tient aux apparences, au style et à l'esbrouffe. C'est ainsi que, depuis son Star Wars, Johnson est présenté comme un véritable auteur, un artiste malin et n'hésitant à déjouer les attentes du spectateur... et ici aussi, ça a été le cas, avec ce Glass Onion qui tient presque plus de la satire et de la parodie décomplexée du genre du murder mystery, que d'un film solide et bien construit.

Il y a du mérite, pourtant, à déconstruire un genre/une œuvre, à en exposer les rouages, à s'en moquer, pour tenter de lui donner un coup de frais. Sauf que, comme pour son Star Wars, et comme pour le premier Knives Out, Rian Johnson est bien meilleur dans la déconstruction que dans la reconstruction.

La première moitié de ce Glass Onion n'est ainsi pas un murder mystery, bien qu'il en ait tous les atours et la mise en place : lorsqu'on arrive à la moitié, Rian Johnson pouffe dans son coin, et nous montre, au travers d'un long tunnel de dialogue, que tout, jusque là, n'était qu'illusion (pas forcément surprenant, tout ce qui concerne Andy), crtiique sociale facile, et que le véritable whodunit commence maintenant.

Un whodunit problématique, car le spectateur n'est que trop peu emmené dans l'enquête de Blanc : oui, Daniel Craig s'amuse, mais les nombreuses règles du whodunit, qui assurent que le spectateur ne ressorte pas frustré de son expérience, sont fréquemment ignorées et trahies par Johnson, pour le simple plaisir de s'en moquer, d'en jouer, ou de présenter un Blanc à l'intellect encore plus développé que celui de Sherlock.

D'autant que la deuxième heure du film n'est en vérité qu'une succession chaotique de rebondissements et de flashbacks, avec pour seul objectif d'aboutir à une conclusion dont tout spectateur un peu méfiant se doutait depuis le début...

Je ne vais pas développer plus avant : j'ai été frustré par le métrage, par son écriture, par son ton, quand bien même je reconnaîtrais sa bonne facture technique, musicale, et sa distribution. Mais une nouvelle fois, ça me laisse l'impression d'un film qui se pense plus malin, subtil et subversif qu'il ne l'est réellement, ce qui m'agace plus que de mesure.

3/6 (c'est toujours mieux que les Poirot de Kenneth Branagh, cela dit) 

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Willow - Behind the Magic (2023) :

Making-of d'une trentaine de minutes revenant sur le tournage de la série Willow, chroniquée hier en ces pages, et diffusée, comme la série, sur Disney +.

Au premier abord, pas grand chose à dire de plus, puisqu'on est ici vraiment dans une featurette promotionnelle inoffensive, comme on en trouvait beaucoup à une époque dans les bonus de dvd : tout le monde s'entend bien, tout le monde s'amuse, on rigole, les paysages sont jolis, ça présente les décors, les costumes, la distribution, les effets, la genèse du projet, ça se félicite de l'inclusivité de la série, etc...

Et puis on s'aperçoit qu'en fait, cette featurette est presque un épisode bonus de Life is Short, la comédie de Ricky Gervais/Warwick Davis qui présentait ce dernier comme un connard arrogant, imbu de sa personne, persuadé d'être une superstar de l'industrie cinématographique anglaise et d'avoir tous les talents du monde.

On retrouve donc ici ce Warwick, ravi de renouer avec l'univers de Willow 35 ans après, et s'assurant, en se livrant à des actes de sabotage, qu'on ne lui vole pas la vedette sur SON projet. Plutôt amusant, au final, même si ça parasite un peu le côté making-of de la série.

4/6 

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