Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Ambulance (2022) :
Parce qu'il a besoin d'argent pour l'opération de son épouse, Sam (Yahya Abdul-Mateen II), ancien militaire, accepte d'aider son frère Danny (Jake Gyllenhaal) à réaliser le braquage d'une banque. Mais ce dernier tourne au désastre, et les deux frères se retrouvent à voler une ambulance avec à son bord Cam (Eiza González), une ambulancière volontaire, et un policier blessé abattu par Sam : une poursuite gigantesque s'engage alors avec toutes les forces de police de Los Angeles...
Après un 6 Underground bancal pour Netflix, Michael Bay remet le couvert avec un budget nettement plus limité (40 millions à peine), pour une adaptation d'un film danois, transformé en thriller d'action imparfait, mais nettement plus intéressant et pêchu que son œuvre précédente.
J'ai eu un peu peur pendant la première demi-heure, principalement de mise en place et de présentation, assez maladroite et mal structurée, avec un Michael Bay qui tente de donner de l'énergie et du style à son métrage avec des plans virevoltants en drone, des dialogues toujours en mouvement, un montage nerveux qui taille dans des dialogues et des scènes qui auraient pu rendre le braquage plus crédible et moins approximatif, etc : ça trébuche un peu, on a parfois la nausée, et la mayonnaise ne prend pas vraiment.
Et puis la poursuite en ambulance se déclenche, et là, immédiatement, ça démarre et ça s'emballe. Il y a bien quelques baisses de rythme, quelques rebondissements WTF (l'opération à rate ouverte, le van invisible peint en vert fluo), quelques digressions inabouties, quelques faiblesses narratives évidentes (le personnage du flic afro-américain revanchard est inutile et sous-développé, en plus de manquer de charisme) et plusieurs faux raccords flagrants dans le montage, mais bizarrement, les trois acteurs principaux très impliqués (notamment Gyllenhaal, À FOND DEDANS !!!) et le savoir-faire global de Bay suffisent à rendre ce thriller improbable assez agréable à suivre.
Alors ce n'est pas un chef d'œuvre, et dans les mains de quelqu'un d'autre, ce script aurait donné un DTV assez basique, mais ça se regarde plutôt bien.
3.75/6 (dont 0.25 pour le chien de Michael Bay, très sympathique)
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Dans un autre monde - Les coulisses de La Reine des Neiges II (Into the Unknown : Making Frozen II - 2020) :
Une mini-série documentaire de six épisodes de 40-45 minutes, diffusés sur Disney +, et qui se veut un gros making-of de La Reine des Neiges 2, exhaustif et sans fard.
Il ne faut cependant pas s'attendre à l'équivalent d'un The Sweatbox qui chroniquerait toutes les difficultés rencontrées par un projet mis en chantier trop vite et trop tôt, ou bien par une vision créative aux antipodes de celles des pontes du studio : ici, on est plus dans le gros making-of complaisant d'un peu plus de trois heures, arbitrairement découpé en épisodes à la durée de plus en plus courte, et qui retrace sans trop d'aspérités la dernière année de production du métrage.
Sans surprise (principalement pour moi, qui n'ai jamais vraiment accroché à ce second film), on s'aperçoit tout de même que le film a connu des errances créatives un peu embarrassantes pour un métrage de ce calibre, et a été victime de coupes de dernière minute assez conséquentes, à quelques semaines de la sortie... mais comme l'ambiance générale du documentaire, c'est "chez Disney, on est une grande famille, on s'aime tous, et tout est formidable", mâtinée de feel-good féministe, il n'y a pas de moment vraiment marquant ou choc dont on se souviendra ultérieurement.
Tout au plus réalise-t-on rapidement que Jennifer Lee s'est probablement un peu laissé dévorer par la hype du phénomène Frozen, et par les innombrables analyses symboliques et autres quêtes de sens auxquelles le web s'est consacré depuis la sortie du premier film : on la sent décidé à faire de ce deuxième film quelque chose de profond, d'adulte et de mature, ce qui, forcément, se retourne contre elle à la fin, lorsque les projections tests indiquent clairement que les enfants sont totalement largués par le métrage, et s'ennuient.
Après, pour qui n'a jamais vu de making of de ce type sur un film d'animation, Into The Unknown reste une production instructive et complète, qui couvre tous les aspects de ce genre d'entreprise. Et si l'on est fan de Frozen au point de se déguiser en Elsa aux conventions, nul doute qu'on trouvera ici de quoi satisfaire son besoin de Reine des Neiges.
En l'état, je reste cependant un peu mitigé sur le tout, et sur ses digressions pas forcément indispensables, qui donnent l'impression d'un remplissage inutile.
3.75/6
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La Route d'Eldorado (The Road to El Dorado - 2000) :
En 1519, Miguel (Kenneth Branagh) et Tulio (Kevin Kline), deux arnaqueurs espagnols, obtiennent une carte au trésor menant à la cité perdue d'Eldorado. Sans le vouloir, les voilà embarqués pour le Nouveau Monde, où ils sont pris pour des dieux par les habitants d'El Dorado, ce qui les arrange bien : pendant que Miguel se prend au jeu, Tulio, lui, s'éprend de la séduisante Chel (Rosie Perez), une autochtone bien décidée à aider le duo à piller la ville en échange de son ticket de sortie. Mais Tzekel-Kan (Armand Assante), le sorcier local, voit tout cela d'un tout autre œil...
Mise en chantier en parallèle de Kuzco, par un Katzenberg fraîchement parti de Disney avec des bribes d'informations sur le projet d'alors, Kingdom of the sun, cette Route d'Eldorado m'avait totalement échappé au fil des ans... et quand je vois le résultat à l'écran, je comprends pourquoi.
Parce que malgré toute la supposée "réévaluation critique" connue par le film aujourd'hui (en réalité, cette "réévaluation critique" est une conséquence directe de l'arrivée à l'âge adulte, et en position d'écrire des chroniques web, des enfants ayant grandi avec le film, persuadés que tout ce qu'ils ont aimé durant leurs jeunes années mérite d'être revu à la hausse, et que si le film est devenu un meme, c'est bien qu'il est mémorable et donc de qualité), cet El Dorado n'est pas bon, loin de là.
Passons sur les éléments les plus évidents : le script peu inspiré, lorgnant sur l'Homme qui voulut être Roi, avec ce que ça implique de colonialisme, de sauveur blanc, etc ; le personnage de Chel, cliché de la sauvage sensuelle, sexuelle et exotique ; la caractérisation minimaliste (pour ne pas dire absente) des deux protagonistes, particulièrement transparents les 3/4 du temps ; le fait que tout le monde parle anglais sans le moindre problème de compréhension...
Il y a aussi la musique, une combinaison d'un score inégal de Zimmer et Powell, et de chansons insipides d'Elton John, dont on se demande parfois s'il n'a pas refilé à la production des chutes de ses albums précédents, tant les morceaux paraissent fréquemment hors sujet (il y a bien It'sTough to be a God, qui est amusante et donne lieu à quelques moments animés rigolos, mais bon...) ; l'animation, assez typique des productions Dreamworks de l'époque, avec une utilisation du numérique assez voyante, que ce soit pour insérer des éléments 3d, pour créer des effets de profondeur, d'ombre ou des mouvements de caméra - ça a mal vieilli, tout ça, et la direction artistique inégale n'aide pas ; et puis l'impression constante d'un film un peu bâclé et superficiel, comme si un premier jet de scénario avait été mis en production en urgence pour concurrencer Kuzco... et tant pis si le film parait alors assez creux dans sa globalité (le personnage de Cortes, qui fait de la quasi-figuration).
Bref, pas mal de défauts, et je suis donc très loin d'être convaincu...
2.5/6
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Nouvelle série Marvel, Moon Knight était attendue au tournant par bon nombre de lecteurs de comics, le personnage ayant une place bien à part dans l'univers Marvel, à mi-chemin entre surnaturel assumé, drame psychologique et ersatz décalé de Batman ; place donc à l'adaptation télévisuelle du personnage, en six épisodes d'un peu moins d'une heure...
Moon Knight, saison 1 (2022) :
Après plusieurs événements étranges, Steven Grant (Oscar Isaac), vendeur anglais à la boutique de souvenirs d'un musée, découvre qu'il souffre d'un dédoublement de la personnalité et que Marc Spector (Oscar Isaac), son autre personnalité, est un mercenaire violent, aux ordres d'un dieu vengeur égyptien, Khonshu. Dans l'armure protectrice du Chevalier de la Lune, Spector utilise ainsi les pouvoirs conférés par Khonshu pour punir les criminels... jusqu'à ce qu'Arthur Harrow (Ethan Hawke), au service d'une déité rivale, tente de libérer cette dernière pour qu'elle applique son jugement meurtrier à toute l'humanité.
Plutôt réussie, cette adaptation de Moon Knight, une adaptation assez "sérieuse", à mi-chemin entre aventure archéologique, récit superhéroïque classique et thriller psychologique : une série qui, par de nombreux aspects, peut évoquer le Legion de FX mais en beaucoup plus accessible et en moins prétentieux (je l'ai déjà mentionné ici, mais Legion, j'ai décroché en cours de route), et totalement (à l'exception d'une brève mention de Madripoor) détachée du reste du MCU (pour le meilleur et pour le pire : je n'aurais pas été contre une réplique ou deux inscrivant le panthéon égyptien dans l'univers Marvel au sens large).
Et une grande partie de la réussite de Moon Knight tient clairement en l'interprétation d'Oscar Isaac, dans un double (voire triple) rôle central, relativement bien écrit et maîtrisé. Il ne faut pas pour autant négliger ce que l'équipe technique à l'origine du projet a apporté à ce dernier : réalisateur et compositeur égyptiens, illustration musicale locale, il se dégage de la série une vraie impression d'authenticité (nettement plus que dans Black Panther, par exemple), et le programme sait capitaliser sur celle-ci pour créer une dimension exotique et mythologique qui sied bien au personnage, éloignant Moon Knight de l'ombre de Batman, auquel il est très souvent comparé.
La série n'est cependant pas sans défaut : Ethan Hawke convainc moyennement en prêcheur jusqu’au-boutiste au postiche capillaire assez voyant, le scénario se retient clairement de trop partir dans des délires psychologiques à la Legion (il y en a déjà une bonne dose, et le script est saupoudré d'indices et de pistes inexplorées) ou de plonger dans des thématiques auxquelles 6 épisodes de 45 minutes ne rendraient pas justice (il y aurait quelque chose à dire sur le symbolisme d'un juif qui renie sa religion et devient l'esclave d'un dieu égyptien), et je dois avouer que le costume de Moon Knight (pas celui de Mr. Knight, impeccable) reste l'un des bémols du show, pour moi, à la fois trop épais et massif, trop détaillé, et pas assez organique.
Mais dans l'ensemble, j'ai plutôt apprécié le tout, en particulier les passages façon La Momie, dans le désert jordanien, dans les tombes, avec les dieux mi-humains, mi-animaux (l'affrontement façon Kaijus au pied de la Grande Pyramide, dans le final) : il y a de vrais passages réussis et impressionnants (aidés par la musique et les visuels), plutôt mémorables (le ciel étoilé qui remonte le temps), et la série parvient à donner envie d'en savoir plus au sujet de ce personnage mineur du MCU - ce qui n'était pas gagné d'avance (cf Echo, dont tout le monde se contrefout, mais que Marvel semble décidé à mettre en vedette malgré tout...)
Huit épisodes d'une vingtaine de minutes au programme de cette série conçue par Kyle Mooney, produite par Lorne Michaels, et qui évoque énormément les sketches décalés et parfois malaisants de Mooney pour le Saturnay Night Live de Lorne... des concepts un peu bizarres, souvent dépressifs, et qui ici sont développés sur plus de quatre heures, pour le meilleur et pour le pire...
Saturday Morning All Star Hits! - saison 1 (2021) :
Le destin de Skip (Kyle Mooney) et Treybor (Kyle Mooney), frères jumeaux animateurs d'une émission de cartoons pour enfants, le Saturday Morning All Star Hits !, alors même qu'ils sont confrontés au succès, à la jalousie... et à un meurtre.
C'est probablement ce qui saute tout de suite aux yeux : avec ses perruques approximatives et l'omniprésence de Mooney à l'écran, SMASH! donne vraiment l'impression d'être une suite d'idées de sketches proposées par Mooney au SNL, et refusées pour des raisons diverses et variées.
Une suite de sketches qui n'est pas sans évoquer l'étrangeté d'autres courts-métrages, ceux diffusés sur Adult Swim : en mêlant les formats et les supports (dessin animé, émission tv, flash info, publicités, bande-annonces, etc), le côté nostalgique des années 80-90, et en apportant une noirceur notable à ses visuels ultra-flashys, SMASH semble parfois lorgner sur Too Many Cooks et autres productions de ce genre.
La forme et le fond se mêlent ainsi et évoluent au gré de la saison, commençant par une émission jeunesse assez typique de la télévision américaine de l'époque : les jumeaux présentent des cartoons, ces cartoons sont très dérivatifs (une parodie de Denver le dernier dinosaure, une autre des Bisounours, une des Cosmocats), et dès le pilote, on réalise qu'un ton très particulier s'installe dans SMASH : la popularité d'un des jumeaux pèse à son frère, Randy le dinosaure est dépressif et a des problèmes de couple, les Create-A-Crittles sont un quatuor d'oursons artistes pédants fonctionnant à la drogue, les Strongimals sont des guerriers ultra-violents qui prêchent la paix... puis arrivent les ProBros, frères cadets de superstars du sport qui jalousent leurs aînés, Lil' Bruce, un dessin animé racontant l'enfance problématique d'un comique de stand-up raté (personnage issu du SNL, d'ailleurs), etc.
Bref, le show évolue rapidement sur le fond, à mesure que Skip devient une superstar, que son personnage phagocyte totalement le cartoon Strongimals, qu'il tourne un long-métrage avec Johnny Rash (l'équivalent de Johnny Depp), et que son frère devient de plus en plus amer.
En parallèle, au travers de bulletins d'information, on apprend la disparition d'un duo de jeunes acteurs (Geraldine Viswanathan, Dylan Sprouse) liés de près à Rash, et le tout dégénère bien vite, jusqu'à une conclusion absurde et improbable.
Le seul problème, en fait, c'est le format. Avec ses épisodes de plus de 25 minutes, SMASH prend largement son temps (surtout dans la première moitié de la saison), présentant des épisodes entiers de Strongimals, des Crittles et de Randy (doublés par des noms connus - Paul Rudd, Emma Stone)... ce qui, au bout d'un moment, a tendance à lasser. Le programme prend son temps, parfois trop, et la parodie n'est pas toujours suffisamment percutante ou pertinente pour mériter de s'étendre aussi longtemps sur ces cartoons, d'autant que la chute n'est pas toujours à la hauteur de la mise en place.
Probablement qu'avec des épisodes de 20 minutes, tout au plus, j'aurais mieux apprécié le programme et ses ambitions. En l'état, SMASH! m'a globalement diverti, sans jamais vraiment me passionner : il manque à mes yeux un petit quelque chose pour que le tout se défasse vraiment de son image de sketch du SNL en version longue.
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Doctor Strange in the Multiverse of Madness (2022) :
Lorsque Docteur Strange (Benedict Cumberbatch) rencontre America Chavez (Xochitl Gomez), une adolescente traquée par une entité maléfique voulant lui dérober son pouvoir de voyage transdimensionnel, il la prend sous son aile, et tente de la protéger. Mais il réalise rapidement que c'est Wanda (Elizabeth Olsen) qui en a après la jeune fille, et qu'elle est prête à tout pour obtenir ce qu'elle désire...
Sam Raimi revient derrière la caméra pour ce second métrage Doctor Strange, un véritable rollercoaster nerveux et énergique qui fait à la fois suite à Wandavision, à Spider-man : No Way Home, et à tout le multivers que Marvel construit depuis le début de la Phase 4, notamment au travers de la série What If.
Ici, après un démarrage sur les chapeaux de roues, le film ne ralentit jamais vraiment, pour une course-poursuite constante portée par la présence de Cumberbatch, l'interprétation habitée d'Elizabeth Olsen (vraiment impeccable), et la fraîcheur de la jeune Xochitl Gomez, assez attachante en America Chavez : on retrouve l'excentricité de Raimi derrière la caméra, avec plein de renvois à la filmographie du bonhomme, parfois évidents (Bruce Campbell qui se fait passer à tabac par sa main), parfois beaucoup plus subtils (angles de caméra, bruitages, etc), mais qui donnent à ce Doctor Strange 2, dans l'ensemble, une atmosphère plus horrifique, y compris dans les passages obligés du multivers (je pense notamment aux caméos des Illuminatis, qui se transforment en jeu de massacre pour un Raimi qui se lâche).
En somme, ce DS2 est inventif, rythmé, délibérément chaotique et excentrique, il ouvre autant de portes qu'il en ferme et s'amuse avec son sujet, assumant clairement à la fois son statut de film super-héroïque, de tragédie (pour Wanda) et sa folie visuelle, pour un résultat très agréable à suivre.
Après, ce n'est pas parfait : je regrette notamment la sous-utilisation, par Elfman, du thème et des orchestrations associées à Strange et utilisées par Giacchino dans les autres films du MCU, quelques effets sont un peu en dessous (le troisième œil frontal de Strange), et je ne suis pas méga fan de l'arrivée de Charlize Theron en Clea, mais bon, cela reste des défauts mineurs pour un film très enthousiasmant (probablement le meilleur de cette Phase 4).
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Président par accident (Head of State - 2003) :
Conseiller municipal d'un district de Washington, Mays Gilliam (Chris Rock) est un homme de la rue, proche des minorités et de ses semblables. Jusqu'à ce que l'une de ses bonnes actions attire sur lui l'attention du Parti Démocrate, qui décide de faire de Mays le candidat du Parti face au Vice-Président républicain en place... une candidature aussi improbable que radicalement différente de ce dont l'establishment politique a l'habitude.
Une satire politique de et avec Chris Rock, à la fois au scénario, devant et derrière la caméra, pour un résultat très mitigé, à la fois assez lucide sur le monde politique, mais aussi étrangement naïf (surtout en regard de l'élection d'Obama, six ans plus tard).
Et surtout, le film possède une structure assez décousue et chaotique, une succession de sketches, d'idées en vrac, de mélange inabouti d'humour satirique, de slapstick et d'absurde, et de musique ultra-datée fin 90s/début 00s, pour un résultat qui ne convainc pas vraiment, et semble trop souvent s'éparpiller pour être efficace.
Dommage.
2.75/6
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Iron Fists and Kung Fu Kicks (2019) :
Documentaire américano-australien consacré au cinéma d'arts martiaux de Hong Kong, et à son influence omniprésente sur le cinéma hollywoodien et la pop culture dans son ensemble, cet Iron Fists and Kung Fu Kicks semble, au premier abord, faire un peu double emploi avec le Kung Fu Stuntmen récemment passé en revue dans ces pages.
En réalité, cependant, ce documentaire cinéphile choisit une approche plus historique et globale du genre, prenant du recul pour tenter de mettre en évidence les liens existant entre les disciplines de l'opéra de Pékin, le cinéma des Shaw Brothers, les évolutions sociétales des années 60 et 70, et l'impact des films d'arts martiaux sur la culture populaire, des balbutiements du genre jusqu'au succès international de Tigre et Dragon.
Il montre ainsi comment le genre est passé d'un tout très opératique à quelque chose de plus viril et masculin, reflétant les tourments de la société hong-kongaise, avant d'exploser à l'échelle internationale sous l'influence de Bruce Lee, de prendre un virage plus léger avec Sammo Hung et Jackie Chan (et leur style plus comique et casse-cou), de voir les Shaw Bros éclipsés par la Golden Harvest (qui n'a jamais hésité à se tourner vers l'étranger pour recruter), et de devenir un incontournable des vidéo-clubs, après avoir fait le pain quotidien des salles d'exploitation américaines, notamment à New-York et dans les quartiers pauvres.
Le métrage s'intéresse en effet (quitte à paraître un peu trop américano-centré) sur les liens entre le genre des films d'arts martiaux et la culture afro-américaine, depuis la blaxploitation jusqu'au hip-hop et au breakdance. Des liens ainsi tissés entre les films d'action des années 70/80 et des pans entiers de l'expérience afro-américaine, et qui sont présentés comme une évidence, quitte à proposer des analyses et des raccourcis un peu forcés (le parallèle avec Rocky ne tient pas vraiment la route).
Et paradoxalement, si le film s'efforce de couvrir tous les pans de ce genre cinématographique, ainsi que ses héritiers (de Matrix au cinéma amateur), on finit par se dire que les choix effectués dans le dernier tiers du film paraissent bien subjectifs et curieux : le documentaire consacre ainsi un bon moment au cinéma d'action ougandais, ou encore à des YouTubeurs et à leurs fanfilms, mais mentionne à peine le cinéma thaïlandais et indonésien (Onk Bak, etc), ou encore des figures pourtant incontournables dans la popularisation du genre aux USA - Tarantino, Van Damme, Jet Li, autant de personnalités qui n'ont (au mieux) droit qu'à une brève mention dans tout le documentaire.
Curieux, donc, et un peu décevant, vu que le métrage s'efforce d'être exhaustif sur tant d'autres points. Après, ce n'est pas rédhibitoire pour autant, et Iron Fists and Kung Fu Kicks s'avère tout de même un bon complément à d'autres documentaires consacrés au cinéma d'action, dont le Kung-Fu Stuntmen que je mentionnais plus tôt.
4/6
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Docteur Strange (1978) :
Trois jours : voilà le délai qu'il reste à la malfaisante sorcière Morgan Le Fay (Jessica Walter) pour se débarrasser de Thomas Lindmer (John Mills), le Sorcier Suprême protégeant la Terre des menaces surnaturelles, avant qu'il ne transmette ses pouvoirs à Stephen Strange (Peter Hooten), interne en psychiatrie dans un hôpital new-yorkais. Après avoir possédé une certaine Clea (Anne-Marie Martin) pour tenter de tuer Lindmer, en vain, Morgan se rabat alors sur Strange, qu'elle tente de vaincre, par la force ou par le charme...
Avant d'aborder le dernier volet de Strange dans le MCU, retour en arrière, pour un téléfilm de 1978 supposé servir de pilote à une série dans la lignée de Hulk : au programme, 90 minutes d'un métrage forcément fauché, forcément très daté (la musique, dont Giacchino s'est certainement inspiré pour certaines orchestrations de la version Cumberbatch, mais aussi les effets, aux bruitages dignes de Star Trek TOS, les costumes approximatifs et cheaps, les look et les coiffures - entre les brushings volumineux et les frisouilles de mouton de Strange...), et surtout étrangement rythmé, au point de ronronner sans jamais être intéressant.
En fait, c'est bien simple, c'est véritablement un pilote de série, et une origin story au cours de laquelle un jeune Strange, présenté ici comme un quasi-Harry Potter au cœur pur, destiné à la grandeur et dont les parents se sont sacrifiés pour qu'il survive et accomplisse sa destinée, est totalement passif et n'obtient des pouvoirs qu'à la toute dernière minute, après avoir vaincu Morgan grâce à son sex appeal irrésistible (oui, sérieusement).
Ajoutez à cela des coupures publicitaires flagrantes, un script parfois plus intéressé par la vie professionnelle de Strange à l'hôpital que par le surnaturel, et un vrai manque de charisme et de maturité de Houten, et voilà, un téléfilm médiocre, qui n'a pas connu de suite, et qui se place un peu au-dessus des épisodes spéciaux de Hulk contre Thor ou Daredevil, principalement parce qu'il est plus atmosphérique et homogène.
Et paradoxalement... ça se regarde tout de même, principalement parce que les acteurs sont investis, et parce que le tout a un certain charme rétro et suranné qui n'est pas désagréable, pour peu que l'on sache à quoi s'attendre.
Ce n'est pas bon, mais ce n'est pas non plus un désastre.
2.75/6
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Kuzco, l'Empereur mégalo (The Emperor's New Groove - 2000) :
Empereur inca mégalomane et égocentrique, Kuzco (David Spade) est transformé en lama par la maléfique Yzma (Eartha Kitt) et son sbire Kronk (Patrick Warburton) ; aux côtés de Pacha (John Goodman), un humble paysan, l'empereur déchu va alors apprendre l'humilité et l'humanité qui lui font tant défaut...
Un film d'animation Disney réputé pour avoir eu une genèse très compliquée (cf le documentaire interdit The Sweatbox, critiqué en ces pages), et qui tranche effectivement notablement avec le style Disney en vigueur dans les années 90.
Oubliées les comédies musicales et la fournée de métrages classiques des années 90 (de la Petite Sirène à Tarzan), et place à un hommage assumé aux cartoons de Chuck Jones et aux Looney Tunes, dont on retrouve ici le côté plus mordant, le slapstick, un trait plus caricatural et expressif, et un certain mickey-mousing de la bande originale, qui font que fréquemment, on se dit que Bugs Bunny n'aurait pas dépareillé à l'écran (de la même manière que certaines bribes des restes du score de Marc Shaiman, refusé et remplacé par celui de John Debney, auraient eu leur place dans La Famille Addams).
Et c'est probablement aussi la raison pour laquelle ce Kuzco a moins marqué les esprits des spectateurs et des critiques, ou du moins, l'a fait d'une manière un peu différente : avec ses méchants cultes (Eartha Kitt est géniale au doublage d'Yzma, et Warburton excellent en Kronk) qui éclipsent facilement son Kuzco volontairement antipathique, The Emperor's New Groove prend le contrepied des récits Disney habituels, préférant narrer une fable morale souvent absurde dans laquelle le protagoniste apprend à changer et à respecter autrui.
Le problème étant que le film s'éparpille dans des mini-sketches très énergiques et nerveux, mais peine à vraiment être autre chose qu'un cartoon excentrique et décalé : c'est amusant, ça se regarde très bien, mais ça ne laisse pas forcément un souvenir impérissable.
Sympathique, sans plus.
4/6
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Douze épisodes d'une vingtaine de minutes produit pour Amazon par le studio à l'origine de Star Trek Lower Decks (entre autres) et adaptés de la première campagne Donjons et Dragons de la guilde Critical Role, dont les 115 épisodes de la websérie ont pris place entre 2015 et 2017 sous la direction de Matt Mercer, maître du jeu de la troupe (et depuis grand gourou du JDR en ligne)...
La légende de Vox Machina, saison 1 (The Legend of Vox Machina, season 1 - 2022) :
Les aventures plus ou moins héroïques de la guilde d'aventuriers Vox Machina, composée de Vex (Laura Bailey) et Vax (Liam O'Brien) jumeaux demi-elfes, de Pike (Ashley Johnson), prêtresse gnome, de Percival (Taliesin Jaffe), humain maniant les armes à feu, de Keyleth (Marisha Ray), demi-elfe druide, de Grog (Travis Willingham), barbare goliath, et de Scanlan (Sam Riegel), barde gnome...
Pour être totalement franc, je n'ai jamais vraiment accroché à la troupe de Critical Role et à ses campagnes de Donjons et Dragons - pourtant, je n'ai aucun mal à adhérer à une bande de potes qui jouent ensemble à des jeux de rôles sans se prendre au sérieux (j'aime ainsi beaucoup la guilde des Oxventuriers et leur GM Johnny Chiodini), mais Critical Role m'a toujours laissé de marbre, et ce depuis leur toute première aventure.
Peut-être est-ce le fait de voir des acteurs professionnels en mode représentation parfois un peu forcée, la caractérisation de certains personnages (le passé tragique assez cliché de certains, notamment), la tendance au mélodrame du tout ou le style de GM de Matt Mercer qui me rebutent, je ne sais pas trop...
Quoiqu'il en soit, je n'ai aucun souvenir de ce que j'ai déjà regardé de la troupe, et notamment de leur première campagne, ici adaptée sous forme animée. Une première campagne qui arrive, dans la série, après un premier double épisode pas particulièrement convaincant, car à la fois trop brouillon (rien n'est expliqué pour qui n'est pas familier de D&D, les présentations se font dans l'action de manière approximative, le rythme est inégal et les moments sérieux artificiels), très basique et aux ruptures de ton pas forcément maîtrisées (une scène avec de la gaudriole, de la nudité ou des vannes graveleuses, une autre ultra-mélodramatique et sérieuse).
Ensuite, ça s'améliore un peu, même si l'on sent que les traits et la caractérisation, déjà simplistes, ont été forcés lors du passage à l'animation ; les personnages sont ainsi plus caricaturaux (Gilmore, flamboyant au possible), les intrigues simplifiées, et le tout peine à se détacher des origines rôlistes du tout, avec ce que cela comporte de clichés et d'événements télégraphiés.
Il y a ainsi énormément de combats (ça remplit du temps d'antenne, c'est pratique), des zombies (forcément), des personnages sommaires et dérivatifs (lui, c'est Drax ; lui, c'est un personnage d'anime aux origines tragiques qui a conclu un pacte avec un démon pour se venger ; elle, c'est une elfe à l'ours domestique et au passé tragique ; lui, c'est le barde queutard qui ne parle que de cul ; elle, c'est l'elfe balbutiante et maladroite, etc ; elle, c'est la prêtresse en pleine crise de Foi), des rebondissements téléphonés (le Pike ex machina contre les hordes de créatures des ténèbres, la sœur de Percival sous influence, le cliffhanger creux sur l'elfette des bois entre la vie et la mort)...
Bref, ce n'est pas au niveau de l'écriture qu'il faut vraiment chercher l'intérêt de la série, tant tout m'a semblé assez générique et peu inventif. Le déséquilibre de ton, avec un calibrage aux alentours de 20 % d'humour et 80 % de serious business ultra-mélodramatique (pas aidé par le fait que cette première campagne est centrée autour d'un personnage affreusement cliché, avec son démon qui s'exprime par des "Nous" façon symbiote) passe notamment assez moyennement, surtout compte tenu de la manière dont les intrigues et la campagne sont condensées et compressées pour tenir en dix épisodes (+ 2 d'introduction).
Après, même si je n'ai pas été vraiment convaincu par l'écriture et le déroulement de cette première saison/campagne, je reconnais que visuellement, c'est plutôt efficace et dynamique (sauf les effets 3d, très inégaux). Et paradoxalement, si son contraste avec l'émotion™ et les grands sentiments™ est fréquemment assez rude, j'ai fini par apprécier ce personnage de barde déglingué qui apporte de la légèreté à quelque chose qui se prend bien trop au sérieux.
Quoiqu'il en soit, il ne fait nul doute à mes yeux, cependant, que les fans de Critical Role y trouveront leur compte, ravis de retrouver leurs personnages préférés à l'écran et parfaitement satisfaits du déroulé assez classique de l'aventure. Personnellement, cependant, j'ai trouvé ça... moyen, avec quelques moments plus efficaces que d'autres, mais jamais suffisamment pour que cela dépasse le stade des intentions, et fonctionne pleinement en temps que récit de fiction à part entière (le rythme est finalement assez en dents de scie, avec probablement un peu trop de combats).
En attendant de voir si la seconde campagne sera plus inspirée...
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Il n'aura pas fallu longtemps pour que la saison 2 de Picard parte en piqué (qualitativement parlant), et se plante de manière spectaculaire, en s'embourbant dans des digressions et des épisodes sans intérêt. Mais allez, courage, il reste 4 épisodes, et il est toujours possible de remonter la pente... non ?
Star Trek Picard, saison 2 (2022) :
- 2x07 : Tallinn plonge dans le cerveau de Picard pour tenter de l'aider à affronter ses peurs, qui le maintiennent dans le coma...
Un gloubiboulga indigeste. Voilà à quoi ressemble cet épisode.
Entre Patrick Stewart qui utilise la série pour expier les démons de sa vie réelle (il est à ce jour toujours en thérapie pour avoir assisté aux violences conjugales de son père sur sa mère, durant son enfance), la retcon de l'histoire familiale de Picard, fils d'une mère bipolaire non soignée et d'un père... menaçant ? (pas vraiment, en fait, et interprété par James Callis), le remplissage pas possible de Seven et Raffi qui cherchent Jurati, celui, tout aussi honteux, de Rios qui amène sa copine et son fils à bord de son vaisseau ("I work in outer space", haha, clin d'œil, coup de coude au fan qui connaît ses classiques, qu'est-ce qu'on rigole), sans oublier le simple fait que Picard sort de son coma à mi-épisode et part aussitôt voir Guinan pour invoquer Q comme un génie sortant d'une bouteille... sauf que ça ne fonctionne pas, et que tout ce petit monde est arrêté par le FBI.
Difficile de trouver quelque chose de positif à dire, ici : c'est de la psychologie de comptoir assez mal articulée, qui se mêle à un récit jamais maîtrisé, qui s'éparpille et est bourré de moments WTF (la reine Borg qui casse une vitre dans un bar pour déclencher une dose d'endorphines...).
- 2x08 : Arrêtés par l'agent Wells du FBI, Guinan et Picard sont interrogés par ce dernier, persuadés qu'ils viennent d'une autre planète...
Il m'est de plus en plus difficile de s'accrocher à cette saison totalement statique et insipide, aux dialogues semblant écrits par un thérapeute (ou un étudiant en psychologie) - ce qui est d'ailleurs un peu un problème récurrent du Trek actuel, cf Discovery.
C'est bien simple, entre Seven et Raffi qui tournent en rond, Rios qui drague, Picard et Guinan qui nous refont les X-files du pauvre avec un sous-Mulder à la biographie cousue de fil blanc, et le mélodrame familial des Soong rattaché à l'arrache au reste de la saison... il n'y a bien que le bref passage de John DeLancie, toujours impeccable et particulièrement juste et efficace, qui mérite d'être sauvé ici.
- 2x09 : Picard et compagnie tentent d'empêcher Jurati et les Borgs de prendre le contrôle de La Sirena, en se réfugiant dans la demeure familiale des Picard...
Elle est marrante, cette série : on croit toujours que ça ne pourra pas être pire, et puis les scénaristes se plient en quatre pour y parvenir.
Ici, dans l'avant-dernier épisode de la saison, pas de Q, pas de Guinan, mais un Soong qui fait toujours pièce rapportée, à la tête de commandos borgifiés qui assiègent le "Château Picard". De l'action ultra-creuse, pas particulièrement bien filmée (et pas aidée par d'affreux plans-travellings numériques qui survolent la demeure familiale et les vignes alentours) et qui permet à tout ce petit monde de faire du remplissage... et de la thérapie.
Car oui, Star Trek Thérapie continue, avec toujours des dialogues aux envolées lyriques et aux platitudes pseudo-profondes improbables, auxquelles les acteurs tentent de donner du poids et de la résonance. Ici, notamment, on a droit à un Picard qui se souvient du suicide de sa mère, raison apparente de son caractère émotionnellement distant tout au long de sa vie (ce qui nous vaut, au passage, un petit coup de rétrocontinuité maladroite tentant d'expliquer pourquoi Jean-Luc prenait le thé avec sa mère âgée dans un épisode de TNG) ; on a aussi Seven of Nine qui nous explique que Starfleet n'a jamais voulu d'elle car elle était Borg - une réplique clairement supposée en dire long sur la discrimination des humains envers d'autres espèces... mais aussitôt désamorcée par une Seven qui flingue du Borg à tour de bras en criant "ils sont Borgs, pas humains !" ; ah, et j'ai failli oublier Elnor qui revient en tant qu'"hologramme de combat", ce qui, apparemment, pour les scénaristes, équivaut à un être holographique possédant tous les souvenirs et les sentiments du vrai Elnor... Mouais.
Reste Alison Pill, toujours excellente, et qui, sans surprise, refera une apparition probable en reine borg quand la série revisitera l'auto-destruction du premier épisode de la saison (on sent bien venir un Jean-Luc Picard qui, ayant appris à se débarrasser de ses traumatismes du passé, annulera l'auto-destruction, et découvrira que les Borgs de Jurati sont pacifiques et que leurs intentions sont pures et sincères - ce sera probablement ça, la nouvelle leçon de Q à Picard).
(à suivre)
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Les Animaux Fantastiques - Les Secrets de Dumbledore (Fantastic Beasts : The Secrets of Dumbledore - 2022) :
Le camp des alliés d'Albus Dumbledore (Jude Law) tente toujours d'empêcher l'arrivée au pouvoir de Grindelwald (Mads Mikkelsen), avec cette fois-ci pour cible un animal fantastique, le Qilin, capable de décider qui est digne de prendre la tête du monde des Sorciers.
Franchement, je suis bien embêté à l'idée d'écrire une critique de cet Animaux fantastiques 3, tant je ne sais pas par quel bout la prendre. En fait, je crois que tout pourrait être résumé à un simple fait : ce Secrets de Dumbledore, qui se déroule explicitement en 1932, explique textuellement au travers de ses dialogues qu'un an à peine s'est écoulé depuis le premier film et la rencontre de Newt et Jacob. Qui a eu lieu en 1926.
À partir de là, est-il vraiment nécessaire de développer plus avant à quel point ce troisième métrage est un rapiéçage bancal d'animaux fantastiques (un peu plus que dans le deuxième), de politique vaguement cohérente (tout le concept de l'ascension au pouvoir de Grindelwald, qui passe d'ennemi public numéro 1 à futur président des Sorciers en trois minutes chrono, est, au mieux, tiré par les cheveux), de fanservice flagrant (tous les passages à Hogwarts, avec la musique de John Williams poussée à fond) et de problèmes de continuité (l'évolution de Credence est bancale au possible, et son identité réelle retconnée de manière maladroite ; Nagini est aux abonnées absentes, tout comme Tina qui ne revient que dans les dernières minutes ; la façon dont Queenie est pardonnée en un clin d'œil après avoir volontairement choisi le camp du maniaque raciste et génocidaire est WTF ; etc, etc, etc) ?
Plus que jamais, la franchise semble bien mal conçue et bien mal écrite, même si, je dois le reconnaître, ce troisième volet semble un peu plus structuré que le précédent (probablement une conséquence de l'arrivée de Steve Kloves à la co-écriture). Ce qui n'empêche pas le tout de tourner très souvent à vide, de naviguer complètement à vue, de se lancer dans des digressions totalement inutiles et de reléguer la plupart des personnages de la franchise à des rôles de faire-valoir pour Dumbledore et Grindelwald, et leur histoire d'amour impossible.
D'ailleurs, Mads Mikkelsen déçoit un peu, en Grindelwald, pas par son interprétation, mais parce qu'il est trop loin de l'étrangeté de Depp et de son apparence dans le rôle pour vraiment être crédible en tant que nouvelle incarnation du personnage, qui de toute façon reste inexpliquée par le scénario.
Et je ne parlerai même pas de cette fin en queue de poisson, qui botte presque en touche sur bien des sujets, le tout sur une musique lorgnant fortement sur du Danny Elfman, à l'occasion d'un mariage vraiment artificiel.
Oui, ce troisième épisode est plus intéressant que le second, mais en même temps, difficile de faire pire, non ?
2.5/6
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Le journal d'un dégonflé (Diary of a Wimpy Kid - 2021) :
Sur le point d'entrer au collège, Greg (Brady Noon) est inquiet de ce qui l'attend sur place, d'autant que ni lui ni son meilleur ami Jefferson (Ethan William Childress) ne font nécessairement partie des enfants les plus populaires...
Cinquième incarnation de la série des Journal d'un dégonflé après quatre épisodes en prises de vues réelles (dont il me semble que j'ai vu le premier, sorti en 2010), cette version animée d'une durée d'une heure à peine ressemble plus à un "animated special" qu'à un réel long métrage adapté du livre de 2007.
Et pour cause : initialement conçu comme un épisode animé de trente minutes pour la Fox, le projet a été remanié encore et encore, pour finir sous sa forme actuelle, diffusée en décembre dernier sur Disney +, avec à la clef un accueil assez tiède des critiques.
Un accueil effectivement mérité, tant ce métrage n'a pas grand chose de mémorable ou d'intéressant. Non seulement le portage 3D du trait original est assez moyen (disons que ce n'est vraiment esthétique), mais en plus, le tout m'a semblé assez décousu, perdant un peu la structure journalière de l'original pour un récit plus brouillon.
Ajoutez à cela un doublage inégal, pour des personnages pas très attachants, et voilà, une adaptation animée assez quelconque et oubliable, qui manque de rythme et de punch.
Cela dit, la durée assez courte du tout occupera les enfants pendant une petite heure.
2.5/6
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Finch (2021) :
Fatigué et malade, Finch (Tom Hanks) est l'un des ultimes survivants d'un désastre écologique solaire ayant éradiqué l'humanité. Irradié, et entouré de robots de sa fabrication, Finch n'a qu'un objectif en tête : concevoir Jeff, un robot humanoïde doué de conscience et réceptacle de toutes ses connaissances, qui sera ainsi capable de s'occuper, à la mort de Finch, de son chien Goodyear.
Un film post-apocalyptique produit par Amblin pour Apple Tv, ce Finch ressemble un peu à un Je suis une Légende sans le côté cool de Will Smith, et sans les vampires. À la place, on a un Tom Hanks comme toujours efficace et sympathique, un chien attachant, et un robot à la motion capture probablement un peu trop humaine pour convaincre (ce qui se marie cependant assez bien à son doublage, qui oscille entre voix robotique, accent de Borat, et intonations jeunes et décontractées).
Le tout, dans un métrage qui peine à établir sa propre identité, piochant à droite et à gauche dans diverses sources du genre, pour aboutir à un film aux ficelles assez voyantes, mais qui se laisse plutôt bien regarder néanmoins : ça ne révolutionne rien, c'est gentillet, mais c'est techniquement compétent, et ça reste tout à fait honorable. Sans plus.
3.75/6
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Les Héritiers affamés (Greedy - 1994) :
Parce qu'il est richissime, vieillissant et malade, les héritiers de l'Oncle Joe (Kirk Douglas) sont prêts à tout pour entrer dans ses bonnes grâces, quitte à magouiller, à mentir et à se manipuler mutuellement. Pour l'anniversaire de Joe, ils retrouvent même Daniel (Michael J. Fox), son neveu préféré, un joueur de bowling professionnel à la carrière au point mort. Rapidement, Daniel réalise cependant qu'il n'est qu'un pion dans les manipulations de Joe, de ses héritiers potentiels et de Molly (Olivia d'Abo), sa jeune infirmière sexy...
Une comédie américaine un peu bizarre, en cela qu'elle n'est jamais vraiment drôle ou rythmée, et finit donc par tomber assez à plat, malgré un postulat de départ ouvrant la porte à de la comédie noire et satirique, et une distribution bourrée de comédiens éprouvés (Jere Burns, Phil Hartman, Ed Begley Jr, Bob Balaban, etc).
Mais non, la mayonnaise ne prend jamais vraiment, malgré les efforts de tout le monde : le film est assez bavard, dure près de deux heures, et si ça fait toujours plaisir de voir Michael J. Fox, Kirk Douglas ou encore Olivia d'Abo, aucun des personnages n'est particulièrement intéressant ou amusant.
Finalement, le tout se retrouve le postérieur entre deux chaises, jamais suffisamment déjanté pour fonctionner en tant que comédie, jamais suffisamment mordant pour être une satire, et jamais assez touchant ou sincère pour être une comédie dramatique plus sentimentale et touchante.
2.25/6 (pour la distribution)
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Brian Wilson - Long Promised Road (2021) :
Un peu comme en écho au Love & Mercy de 2014, passé en revue dans ces pages, voici Long Promised Road, un documentaire consacré à Brian Wilson, la tête pensante des Beach Boys, rattrapé en plein succès par ses problèmes psychologiques et par ses dépendances à diverses substances.
Ici, on suit donc une sorte de road-trip de Brian Wilson, quasi-octogénaire frêle, tremblant, anxieux et touchant, revisite les lieux marquants de ses jeunes années, au rythme de ses hits d'antan, et conduit dans ce périple par Jason Fine, un ami journaliste qui l'aide à se reconstruire depuis des années.
Et l'on ne peut qu'être ému par ce vieux monsieur hanté par son passé, rongé par ses peurs et ses phobies, et qui ne vit plus qu'au travers de la musique de ses jeunes années, toujours au bord des larmes lorsqu'il songe à ses frères décédés, ou lorsque Fine, par mégarde, lui apprend qu'un de ses anciens collaborateurs est mort depuis quelques années.
Difficile de ne pas compatir avec un musicien de génie (comme en attestent dans le documentaire de nombreuses célébrités - Elton John, Bruce Springsteen, etc), qui n'est plus aujourd'hui que l'ombre de lui-même (il faut le voir en concert, tenter de chanter ses hits d'autrefois d'une voix chevrotante et mal articulées), mais qui malgré tout semble avoir trouvé une certaine paix intérieure, ou du moins, un peu de bonheur au sein de sa famille.
Un documentaire qui, malgré sa forme assez simple et le côté superficiel et amical des questions posées par Fine, est plutôt poignant.
4.25/6
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L'Histoire sans fin 3 : Retour à Fantasia (The NeverEnding Story III : Escape From Fantasia - 1994) :
Parce que l'Histoire sans fin est tombée entre les mains d'un gang de bullies mené par Slip (Jack Black), Bastian (Jason James Richter) doit sauver Fantasia des transformations imposées par ceux-ci... quitte à ramener dans le monde réel un groupe d'habitants de Fantasia, mettant par là-même en péril sa nouvelle famille recomposée
Contrairement aux deux films précédents de la franchise, dont je ne gardais aucun souvenir, j'avais en tête une image bien précise de cette Histoire sans fin 3, précise et assez pitoyable : celle du Rockbiter en train de faire de la moto en beuglant une reprise de Born to be Wild.
Et effectivement, en revoyant ce troisième volet... c'est bel et bien déplorable.
Entre le ton nettement plus comique et caricatural, pour ne pas dire puéril, du film ; sa tendance à rester dans la réalité où sévit un gang de high school bullies pseudo-punks menés par Jack Black (et où un groupe de créatures de Fantasia se retrouve coincé) ; son personnage principal assez peu sympathique à la famille encore moins intéressante (la demi-sœur rebelle) ; ses nombreuses créatures made in Jim Henson, pas honteuses, mais qui sont tirées vers le bas par le doublage outré, la post-synchro bancale, et par certaines décisions douteuses, comme le relooking de Falkor ; sa bande originale bourrée de chansons à la mode ; son rythme bordélique ; et son humour pas très éloigné du Au Temps de la Guerre des Étoiles de 1978 (la famille de Rockbiter, déjà pas très inspirée dans le deuxième film, empire considérablement)... C'est mauvais. Très mauvais.
1/6
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L'Histoire sans fin 2 - Un nouveau chapitre (The NeverEnding Story II : The Next Chapter - 1990) :
Parce qu'il estime manquer de courage, et n'ose pas sauter du plongeoir à la piscine, Bastian (Jonathan Brandis) retourne voir Mr. Coreander, et lui emprunte à nouveau l'Histoire sans fin. Rapidement, il se retrouve transporté dans l'univers magique de Fantasia, cette fois-ci en proie au Vide, que la maléfique sorcière Xayide (Clarissa Burt) utilise pour prendre le pouvoir : Bastian doit apprendre à conquérir ses peurs, pour sauver Fantasia aux côtés d'Atreyu (Kenny Morrisson) et de tous leurs alliés...
On prend les mêmes, et on recommence... ou plutôt non. Parce que cette suite ne conserve, du premier volet, que l'interprète du libraire, quelques créatures, et la chanson-titre devenue un tube : tout le reste change, des acteurs au réalisateur, en passant par la scénariste.
Parfois pour le meilleur, parfois pour le pire, ce qui fait que cette suite, si elle n'est pas aussi désastreuse que ce à quoi je m'attendais, reste tout de même un bon cran en dessous du premier volet.
Au rayon des points positifs, on peut citer le nouveau casting, bien souvent plus attachant et compétent (pas convaincu par la nouvelle Impératrice, par contre), ou la finition globale du tout, sans vrai problème de post-synchronisation, d'interprétation, de rythme ou de structure ; à l'inverse, les effets spéciaux sont un peu plus approximatifs que dans le premier film (les arrière-plans, notamment), le bestiaire moins probant, et il y a un côté kitsch dans la direction artistique qui n'aide pas (la méchante avec sa robe en lamé rouge, les danseurs vénitiens de la Silver City, la ville en elle-même façon papier alu).
Et puis le film perd totalement cette sensibilité européenne/allemande qui faisait du premier quelque chose d'un peu mélancolique, et donnait le sentiment d'un monde partant en morceaux. À la place, on a droit à une histoire de souhaits assez casse-gueule, dont les enjeux auraient pu être résolus en trois secondes avec un protagoniste plus débrouillard.
Dans l'ensemble, donc, une expérience très mitigée, nettement plus que le premier volet, mais pas non plus aussi désastreuse que les critiques voulaient bien l'entendre.
3/6
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Princess Bride (The Princess Bride - 1987) :
Pour occuper son petit-fils malade (Fred Savage), un grand-père (Peter Falk) lui raconte un conte de fées décalé : les aventures de Westley (Cary Elwes), un jeune fermier devenu pirate, qui tente de tirer l'élue de son cœur, Buttercup (Robin Wright), des griffes de son fiancé, le maléfique Prince Humperdinck (Chris Sarandon) et de son sbire le Comte Rugen (Christopher Guest)...
Film culte du genre, s'il en est, The Princess Bride est une adaptation de 1987, par Rob Reiner et Williams Goldman, du roman original de Goldman, et cette comédie romantico-fantastique a visiblement marqué des générations de jeunes spectateurs, qui aujourd'hui encore vénèrent ce métrage emblématique.
Personnellement... j'ai probablement dû voir le film durant mon enfance, mais je n'en gardais pas le moindre souvenir. C'est donc avec une certaine curiosité que j'ai revu ce métrage, un métrage loin d'être désagréable, mais qui n'est pas non plus dénué de défauts depuis éclipsés par la nostalgie entourant le film.
Déjà, sa structure un peu bancale, entre l'introduction et la conclusion abruptes, les retours occasionnels à la réalité qui cassent l'immersion, ou encore un rythme en dents de scie, qui se partage entre moments mémorables, scènes plates, et numéros d'acteurs cabotins qui durent un peu trop longtemps (le passage chez Billy Crystal ressemble à du Mel Brooks).
Ensuite, la bande originale de Mark Knopfler, qui ne pas m'a laissé le moindre souvenir. Et puis aussi, une certaine qualité artificielle qui m'a toujours dérangé dans ce film : les décors, les costumes, les postiches, les intérieurs, la mise en images, l'éclairage, tout fait... un peu toc, faute d'un autre terme.
Après, il faut bien avouer que l'écriture des dialogues est assez efficace, avec d'innombrables répliques mémorables, et que la distribution est de qualité, tout le monde ayant l'occasion de briller (surtout Elwes et Mandy Patinkin ; Robin Wright, un peu falote, nettement moins). Malgré ses défauts, le film reste donc amusant, à mi-chemin entre un conte de fées premier degré et une parodie goguenarde... de là à en faire le classique qu'il est devenu aujourd'hui ? Je ne sais pas.
4/6
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Legend - Director's Cut (1985) :
Pour empêcher Darkness (Tim Curry), incarnation du Mal et de la noirceur, de tuer la dernière licorne et de faire sien la Princesse Lili (Mia Sara), Jack (Tom Cruise), un jeune homme vivant dans la forêt, doit partir à l'aventure avec l'aide de créatures magiques, et s'enfoncer au cœur des ténèbres...
Version Director's Cut de ce film de fantasy très mal reçu à sa sortie en salles (en version courte et simplifiée, avec musique de Tangerine Dream aux USA - les Américains continuent, à ce jour, d'affirmer que leur version du film et de la musique est la meilleure), une version revue à la hausse par bon nombre de critiques et de spectateurs, comme souvent avec les films de Ridley Scott (du moins, ceux de l'époque).
Un conte de fées dans le plus pure sens du terme, sincère, premier degré et naïf, dans des décors stylisés, somptueux et féériques, mis en valeur de bien belle manière par Scott et son équipe technique (notamment au niveau des effets spéciaux et des maquillages).
Certes, par certains aspects, le film est un peu daté techniquement (post-synchronisation approximative, distorsion d'image, certains bruitages), mais il y a quelque chose de fascinant et d'enchanteur dans cette vision onirique et éthérée d'un monde fantastique pas si manichéen qu'on ne le pense généralement (jardin d'Eden, corruption de l'innocence, tout ça), et qui, dans cette version, ne se conclut pas vraiment par un "ils vécurent heureux et eurent beaucoup d'enfants".
Personnellement, j'apprécie toujours autant.
5/6
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L'Histoire sans fin (The NeverEnding Story - 1984) :
Orphelin de mère et harcelé à l'école, Bastian Bux (Brrett Oliver) se réfugie dans une vieille librairie, où il dérobe un livre étrange que lisait Mr. Coreander (Thomas Hill), le propriétaire des lieux. Bastian se cache alors dans le grenier de l'école pour y lire cette Histoire sans fin, une Histoire racontant les aventures d'Atreyu (Noah Hathaway), un jeune guerrier à cheval, qui doit sauver le pays magique de Fantasia du Néant l'envahissant progressivement...
Production germano-américaine de 1984 signée Wolfgang Petersen, l'Histoire sans Fin a marqué toute une génération de jeunes spectateurs, avec son message sur le pouvoir de l'imagination et de la lecture, son bestiaire improbable et sa chanson-titre mémorable. Malgré tout cela, j'avoue n'en garder quasiment aucun souvenir, à l'exception de quelques vagues images, des grandes lignes de l'intrigue, des noms et des créatures ; ce revisionnage est donc pour moi une expérience intrigante : est-ce que, détaché de toute nostalgie réelle, l'Histoire sans fin tient toujours la route, et est un film cohérent ?
La réponse est mitigée. Si le bestiaire est toujours remarquable et inventif, les effets spéciaux intéressants, et qu'il se dégage clairement du métrage une certaine poésie et dépression mélancolie très européenne (pour ne pas dire allemande), il faut bien reconnaître aussi que, d'un point de vue filmique, le film est un peu brouillon.
La post-synchro semble souvent approximative, le rythme est étrangement épisodique, le jeu des allers-retours Fantasia/réalité est sympathique mais un peu sous-utilisé, l'interprétation est inégale (même si la jeune Impératrice est un bon niveau au-dessus des autres enfants) et il y a une certaine précipitation dans le tout, comme dans la conclusion du film et dans la mort d'Artax (qui a traumatisé d'innombrables enfants, mais arrive un peu comme un cheveu sur la soupe).
Revoir ce film aujourd'hui est donc un peu frustrant, puisqu'il est vraiment symptomatique d'un certain cinéma fantastique des années 80, bourré d'idées, d'ambitions, mais pas forcément des moyens ou du savoir-faire pour les concrétiser. Ça reste très imaginatif et intéressant à analyser, cela dit, et les enfants n'auront probablement que faire du côté technique du film ; en tant qu'adulte, je suis toutefois curieux de voir si les deux suites, dans mes souvenirs déjà un bon cran en dessous de l'original, ont mieux vieilli.
3.75/6
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La Dernière licorne (The Last Unicorn - 1982) :
Un jour, une licorne (Mia Farrow) apprend qu'elle est la dernière de son espèce, exterminée par le Taureau de feu. Elle s'engage alors dans une quête épique jusqu'au château du Roi Haggard (Christopher Lee), maître du Taureau, et est rejointe au passage par Schmendrick (Alan Arkin), un sorcier pas très doué, et par Molly Grue (Tammy Grimes), qui a toujours rêvé de voir une licorne...
Adaptation du roman de Peter S. Beagle par Rankin-Bass, ce métrage animé devenu culte m'avait jusqu'à présent totalement échappé, probablement rebuté par l'esthétique très particulière des productions Rankin-Bass de l'époque, et notamment par le graphisme ultra-girly de la licorne.
J'ignorais donc que le métrage était, dans la lignée d'un Disney, une semi-comédie musicale avec de multiples passages chantés qui, il faut bien l'avouer, sont aujourd'hui assez datés et insipides, en mode folk rock typiquement 70s/80s. À l'identique, malgré les multiples talents réunis au doublage, ce dernier paraît parfois très inégal, certains acteurs manquant occasionnellement de motivation et d'énergie.
Au final, si le film est assez abouti pour l'époque, techniquement et visuellement parlant, je mentirais en disant que j'ai accroché à cette histoire à la narration et à la structure assez déséquilibrées, qui se lance parfois dans des échanges très littéraires et philosophiques teintés d'ennui et de mélancolie, louables sans forcément être très marquants ou indispensables.
Un film culte, peut-être, mais qui m'a laissé de marbre.
3.25/6
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Le Dragon du Lac de feu (Dragonslayer - 1981) :
Parce qu'un dragon sanguinaire dévaste le royaume d'Urland, obligeant le Roi Casiodorus (Peter Eyre) à lui sacrifier régulièrement une vierge pour apaiser sa colère, Galen (Peter MacNicol), apprenti de feu Ulrich (Ralph Richardson), ultime sorcier du Royaume, est contraint de partir à l'aventure en compagnie de "Valerian" (Caitlin Clarke), venu lui demander son aide...
Une co-production Disney/Paramount de 1981 que j'ai peut-être vue dans mon enfance, mais dont je ne gardais absolument aucun souvenir, ce Dragon du Lac de feu a su me séduire par son ton mi-sérieux mi-amusé : c'est sombre, c'est poussiéreux, c'est héroïque, mais ça conserve constamment un certain second degré, un recul sur les événements, à commencer par son vieux sorcier décati et son apprenti pas très doué.
Ce n'est pas pour autant la grande rigolade ni une avalanche de blagues et de bons mots, mais le ton sympathique du tout (la manière dont la religion et le Roi capitalisent sur la victoire de Galen sur le dragon, à la fin, est très amusante) permet de faire habilement passer les quelques longueurs du métrage, et de faire oublier le côté un peu Star Wars du tout, dans la relation apprenti/maître qui meurt et revient pour le guider, etc.
Dans l'ensemble, donc, un film plutôt réussi (j'ai quelques réserves sur la bande originale d'Alex North, pourtant nommé aux Oscars pour ce film, et recyclant pour l'occasion des morceaux de sa bande originale composée pour 2001 et rejetée par Kubrick), qui bénéficie d'un superbe dragon et d'effets spéciaux made in ILM et Phil Tippett.
4/6
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Un mois d'avril plutôt éclectique sur le blog des Téléphages Anonymes, avec un peu de tout, mais paradoxalement, pas énormément de métrages mémorables...
Comme je le disais, un mois assez éclectique, mêlant nouveautés 2022 (Morbius, Treize à la douzaine, Metal Lords, Le Secret de la cité perdue, 355, Sonic 2...), quelques films plus anciens (Vacances très mouvementées, L'Homme qui en savait trop peu, Evolution), des documentaires en tous genres (The Great Hip Hop Hoax, Big Fur, Catnip Nation, Lemmings), de l'animation (DC Showcase - Constantine, 100 % Loup, Teen Titans Go ! See Space Jam), et un petit week-end spécial Pâques...
Le tout, pour un résultat assez mitigé, puisque rien ne m'a paru être très mémorable, certainement pas les nouveautés 2022. Pas forcément surprenant, en soi, mais assez décevant, et tout cela donne lieu à un mois très anecdotique, aussi vite vu qu'oublié.
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# Film(s) du mois :
Pas grand chose à signaler, ce mois-ci : The Great Hip-Hop Hoax, un documentaire improbable sur un pseudo-groupe de hip hop californien venant en réalité d'Angleterre ; Metal Lords, une teen comedy Netflix plutôt agréable à suivre ; et Max et Emmy : Mission Pâques, un dessin animé festif approprié à la saison...
# Flop(s) du mois :
Malgré ma sympathie pour la série et les personnages, Teen Titans Go ! See Space Jam n'a pas grand intérêt ; 355, un pseudo film d'action/espionnagegirl power ; et surtout Black Easter, un film de science-fiction religieux qui gâche tout son potentiel en se consacrant tout entier à un message prosélyte typiquement américain...
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# Petit écran :
Ce mois-ci, la suite de la saison 2 de Picard (toujours très décevante), la saison 3 de Miracle Workers (assez amusante même si totalement aléatoire), la première saison du Cuphead Show (qui m'a étrangement déçu), la première saison de Heels (je n'ai pas non plus été particulièrement convaincu, malgré mes affinités avec la distribution et le sujet) et The Boys - Diabolical, une déclinaison animée amusante de la franchise The Boys.
Retrouvez aussi les bilans de toutes les séries critiquées jusqu'à présent en ces pages depuis l'index Séries alphabétique qui leur est consacré.
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# À venir :
Le mois de mai commence, et avec lui, une semaine Fantasy rétro, consacrée à une série de films de fantasy familiale 80s et 90s ; pour le reste du mois, comme toujours, du cinéma plus ou moins récent (The Batman, Finch, La Bulle...), des documentaires, de l'animation, etc, etc, etc.
Et bien entendu, des séries tv, entre la fin de Picard, la saison 1 de Moon Knight, La légende de Vox Machina, et quelques autres surprises...
Dans l'intervalle, toutes les mises à jour du blog sont disponibles sur la page Updates, et la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog est accessible dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...
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