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La première saison de Miracle Workers, diffusée en 2019 et chroniquée il y a peu en ces pages, portait sur le quotidien d'un Dieu désabusé et fainéant (Steve Buscemi) et de ses anges responsables des petits miracles du quotidien (Daniel Radcliffe et Géraldine Viswanathan) ; deux anges qui, bien décidés à empêcher Dieu de détruire la Terre, faisaient tout pour unir un couple d'humains (John Bass, Sasha Compère) et prouver ainsi au Tout-puissant qu'il restait un peu d'espoir en ce bas-monde.

Une première cuvée un peu anecdotique (7 épisodes à peine), produite par Lorne Michaels du SNL, et moins rusée et intelligente que ce que l'on pouvait espérer sur la base de son pitch (ce n'est pas The Good Place, en somme).

Miracle Workers, saison 2 (2020) :

Au Moyen-Âge, les destins croisés d'Alexandra Shitshoveler (Geraldine Viswanathan), jeune femme intelligente, inventive et progressiste rêvant d'échapper à la vie de ramasseuse de défections que son père (Steve Buscemi) a prévu pour elle, et de Chauncley (Daniel Radcliffe), Prince du royaume local, qui n'a rien en commun avec son père, le terrifiant Roi Cragnoor (Peter Serafinowicz)...

Et pour cette saison 2, on prend les mêmes... et on fait quelque chose de totalement différent. Car apparemment, Miracle Workers a toujours été conçue comme une anthologie à la American Horror Story, à savoir des saisons sans aucun rapport, mais partageant une même distribution.

Là, cette saison 2 adapte à nouveau une nouvelle de Simon Rich, et envoie (presque) tous ses personnages au Moyen-Âge, pour un récit dont l'essentiel de l'humour repose sur le contraste entre l'univers primitif dans lequel évoluent les personnages, et leurs dialogues et attitudes parfois modernes et décalés.

On a ainsi un crieur local présenté face caméra comme un présentateur de journal, des nonnes (dont Lolly Adefope, de la saison 1) qui gèrent leur religion comme une méga-corporation, l'immigration incontrôlable de druides, un "gang" de Joyeux Compagnons, une vieille folle qui fait office de téléviseur, une convention avec présentation de nouvelle technologie façon Apple ("le trou dans le sol" !), le Thanksgiving local avec réunion familiale qui dégénère à cause de différends politiques, etc, etc.

Et à ma grande surprise, le tout fonctionne plutôt bien. Mieux, à mes yeux, que la saison 1, au concept plus ambitieux, mais au résultat finalement décevant.

Dans cette saison 2, malgré des ambitions revues à la baisse - les thèmes ici abordés sont assez classiques : le besoin d'épanouissement, le désir d'émancipation, le refus du status-quo, le poids des attentes d'autrui, etc -, les personnages deviennent rapidement nettement plus attachants que ces anges et créatures célestes de la s1.

La relation de Chauncley et d'Alex, notamment, toujours aussi chargée en romance impossible, fonctionne nettement mieux, avec une évolution plus naturelle et plausible. Et puis il y a la mise en images : c'est paradoxal à dire, mais ce petit village médiéval, son quotidien poisseux, les costumes et compagnie, tout cela est assez crédible à l'écran. Bien plus que nombre de séries américaines en costumes, en fait.

Alors certes, en tant que telle, la série n'a plus rien à voir avec son titre d'origine, et l'on se dit qu'il aurait peut-être fallu trouver un autre titre plus global à la saison 1, quitte à la sous-titrer Miracle Workers.

Mais dans l'ensemble, avec ses dix épisodes, MW saison 2 s'avère une bonne surprise. Moins précipitée que la saison 1, ses personnages ont le temps d'exister et le spectateur de s'y attacher, et le tout finit par être plus satisfaisant que le concept ambitieux de la saison 1, qui finissait par passer au second plan de la romance.

Malgré des audiences stables, une saison 3 n'a pas encore été annoncée au moment où j'écris ces lignes : si la série ne revient pas, elle se sera au moins terminée sur une note très sympathique.

(et mention spéciale à Daniel Radcliffe, excellent en Prince couard et névrosé)

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Sitcom Netflix en 8 x 25 minutes environ, coproduite par la WWE, et confiée à deux showrunners ayant travaillé sur Happy Endings et LA to Vegas, The Big Show Show se veut un programme ultra-calibré et rétro, aux rires enregistrés et aux décors de studio, comme on en trouve encore sur CBS et ailleurs...

Le show de Big Show, saison 1 (The Big Show Show, season 1 - 2020) :

Désormais retraité de sa carrière de catcheur, le Big Show découvre les joies de la vie de père famille, auprès de sa femme Cassy (Allison Munn), qui travaille dans l'immobilier, et de ses trois filles, Lola (Reylynn Caster), adolescente issue d'un premier mariage, Mandy (Lily Brooks O'Briant), studieuse et ambitieuse, et JJ (Juliet Donenfeld), précoce, géniale, mais très turbulente.

Et il est là, le problème : TBSS n'est rien de plus qu'une énième sitcom familiale de studio sans grand budget ni grande originalité, et surtout, bourrée de clichés et d'interprétation approximative.

Pourtant, je sais ne pas me montrer trop exigeant avec mes sitcoms, pour peu que la distribution soit charismatique ou talentueuse (je regarde toujours Fuller House, après tout). Mais là, le produit fini est trop inégal pour être convaincant.

À commencer par l'interprétation. Si Reylynn Caster est compétente, si Jaleel White (Steve Urkel) compose un personnage excentrique et magouilleur, et si Allison Munn s'avère la MVP de la série, dynamique, excentrique et juste, les deux autres fillettes sont assez brutes de décoffrage : occasionnellement un peu trop en mode récitation, occasionnellement en surjeu, occasionnellement à prendre des poses et des mimiques forcées dignes des années 80, on sent qu'elles débutent plus ou moins, et qu'elles s'amélioreront avec l'expérience.

Cela dit, elles n'ont pas la chance d'incarner autre chose que des clichés de sitcoms, à savoir la jeune adolescente prête à tout pour être présidente de sa classe, et la fillette précoce et surdouée (Max de Fuller House, en somme), qui fait constamment des bêtises et échafaude des plans toujours plus improbables (là aussi, un personnage habituel des sitcoms, notamment du côté de chez Disney et Nickelodeon).

Les actrices y mettent de l'énergie, mais ça n'aboutit donc pas toujours, et leurs sous-intrigues sont des plus clichées. Et il en va un peu de même avec Show : on sent que les épisodes ont été filmés dans le désordre, et qu'il s'est habitué au format sitcom au fur et à mesure de la saison, car à l'instar des fillettes, Show est très inégal. Dans certains épisodes, il s'avère plutôt naturel et à l'aise ; dans d'autres, il est raide, récitatif, et son jeu est caricatural. Heureusement, le bonhomme possède toujours un capital sympathie certain, même si au niveau de la forme physique, ce n'est plus tout à fait ça (l'âge et les blessures ont fait leur office).

Après, il n'y a vraiment pas grand chose à dire de plus sur ce programme : diffusé en plein confinement généralisé, le show n'a pas d'autre ambition que de vider l'esprit par tranches de 25 minutes de gags éventés et de bons sentiments.

Il n'a pas d'intrigue de fond (forcément), si ce n'est, vaguement, les problèmes rencontrés par la mère dans la vente d'une maison supposément hantée, et le rapprochement de Show avec sa fille aînée ; son écriture est assez faiblarde, avec notamment une tendance à finir les épisodes sur un gag ou une réplique trop plats pour être efficaces ; les quelques caméos sont peu mémorables - un présentateur de Queer Eye, le trio Mark Henry/Rikishi/Mick Foley, qui jouent mal - ; et le show présente la WWE comme un véritable sport de combat...

Bref, c'est vite regardé, vite oublié, et s'il ne fallait pas non plus s'attendre à grand chose de plus, on peut regretter tout de même que le tout ne soit pas plus intéressant à suivre.

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À l'occasion de la diffusion, à partir de janvier dernier, de la seconde saison de cette sitcom "céleste" adaptée des idées de Simon Rich (déjà créateur de la série décalée Man Seeking Woman), retour sur la première année de ces Miracle Workers, une année composée de 7 épisodes d'une vingtaine de minutes, constituant une sorte de compte à rebours de deux semaines avant la destruction de la Terre...

Miracle Workers, saison 1 (2019) :

Après des millénaires, Dieu (Steve Buscemi) en a assez. Décidé à chambouler un peu les choses, il a prévu de détruire la Terre, pour mettre fin à toute souffrance et se consacrer à un nouveau projet : un restaurant. Pour l'en empêcher, Craig (Daniel Radcliffe) et Eliza (Géraldine Viswanathan), deux employés du département "Prières exaucées" décident de jouer le tout pour le tout, et obtiennent un délai de deux semaines. S'ils parviennent à unir un couple (John Bass, Sasha Compère) cherchant l'âme sœur, la Terre sera sauvée ; dans le cas contraire, adieu l'humanité...

Une série reposant entièrement sur le concept d'action et de réaction, d'actes et de conséquences, de son générique d'ouverture (une machine à la Rube Goldberg, sur fond de plagiat de Ecstasy of Gold) aux actions de ses protagonistes, qui tentent d'influencer le destin et d'exaucer les souhaits des humains en intervenant à un niveau microscopique, et en appliquant le concept de l'effet papillon.

S'il est une chose que l'on ne peut retirer à cette série, c'est son dynamisme : 7x20 minutes, ça fait à peine un film de deux heures, et le rythme imposé par ce format permet à cette première saison de rester constamment sympathique, aidée par son duo de tête très agréable (Radcliffe est notamment excellent, bien que sous-exploité).

Et heureusement, puisqu'il faut bien avouer qu'il manque quelque chose à cette première saison pour être particulièrement mémorable. La vision du paradis comme une bureaucratie bancale est assez dérivative (et évoque forcément un peu The Good Place ou encore Dead Like Me), le tout manque un peu de folie, et Buscemi, en dieu stoner slacker glandeur analphabète désabusé, est amusant, mais tourne un peu en rond (on peut se demander ce qu'aurait fait Owen Wilson de ce rôle, dans lequel il était initialement casté).

Et puis il faut dire que très rapidement, la série s'installe dans un cadre de sitcom romantique, dont elle ne sort pas assez : un cadre qui repose essentiellement sur le couple Bass/Compère, pas forcément le plus attachant du lot, et manquant un peu d'alchimie (les scénaristes tentent bien d'établir un parallèle avec le semblant de rapprochement et de shipping entre Craig et Eliza, mais c'est tellement survolé que ça ne convainc jamais)

Ponctuellement, pourtant, le show fait preuve d'une fantaisie amusante : la recherche d'un nouveau prophète (Tim Meadows) façon Tinder, ou encore la visite de Dieu dans sa famille (Margaret Cho, Chris Parnell, Tituss Burgess...) afin qu'elle investisse dans son projet de restaurant... Et la manière dont l'équipe des Prières exaucées se complète, progressivement, de Sanjay (Karan Soni), le bras droit de Dieu, de Rosie (Lolly Adefope), la secrétaire de Dieu, et enfin de Dieu lui-même, et de tout le Paradis, est plutôt agréable à suivre.

Mais dans l'ensemble, le show reste anecdotique. C'est dommage : trop sage, trop classique, moins malin et original qu'elle ne pense l'être, la saison 1 de la série se regarde facilement, mais ne laisse pas beaucoup de traces dans la mémoire. Reste que les bases sont posées, et qu'il faut désormais voir dans quelle direction tout cela va évoluer en seconde année.

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Retrouvailles de Steve Carell avec Greg Daniels, l'un des deux producteurs/showrunners/scénaristes de The Office et de Parks & Recreation, pour ce qui est le deuxième nouveau programme de Daniels en 2020, après le mitigé Upload.

Un programme en 10 x 30 minutes, conçu pour Netflix, et qui adopte, pour postulat de départ, la création par le Président des États-Unis de la Space Force, une branche des forces armées sensée protéger l'espace américain...

Space Force, saison 1 (2020) :

Ancien pilote à la carrière exemplaire, le général Mark Naird (Steve Carell) rêve de diriger l'Air Force, mais reçoit, à la place, le commandement de la Space Force, fraîchement créée. Avec sa fille Erin (Diana Silvers), il part donc s'installer dans le Colorado, où se trouve la base de la Space Force et, aux côtés de scientifiques menés par le Dr. Mallory (John Malkovich), il va alors tenter de remettre sur pieds le programme spatial américain, afin de prendre de vitesse les Russes et les Chinois...

Une série satirique plus proche d'un Veep que d'un Office ou d'un Parks & Rec dans la forme comme dans le ton, Space Force est à cheval entre comédie et drame. Et, un peu comme Upload, le mélange des tons est un peu trop bancal pour son propre bien.

En s'essayant à la satire façon Docteur Folamour, Daniels semble ne pas vraiment savoir dans quelle direction vraiment forcer le trait, et se retrouve ainsi parfois le postérieur entre plusieurs chaises : ici, la série se veut une workplace comedy dans le milieu de la conquête spatiale. Là, quelque chose de plus sérieux sur un militaire rigide et distant, qui tente de se reconstruire avec sa fille, et sans sa femme (une Lisa Kudrow qui passe la saison emprisonnée pour un acte mystérieux dont on ne saura rien).

Ailleurs, on est dans une parodie grotesque et outrancière, où Naird devient un abruti fini.  Ailleurs encore, une comédie romantique dans laquelle Carell flirte avec Jessica St. Clair. Sans oublier les moments de satire politique sur l'administration Trump et sur les membres du Congrès, une satire trop superficielle, peu inspirée et qui semble avoir été ajoutée sans grande motivation.

En fait, c'est bien simple, j'ai fréquemment eu l'impression que Space Force était une série sous-développée. Ce ne serait pas forcément une surprise, compte tenu des conditions très particulières de la genèse du programme (et son tournage achevé mi-janvier - ce qui, pandémie oblige, n'a pas laissé beaucoup de temps pour la post-production et pour d'éventuels reshoots), mais il semble toujours manquer un ingrédient ou deux pour que la mayonnaise prenne vraiment.

À l'image de la caractérisation de Naird, qui, en fonction des épisodes et des scénaristes, passe de soldat psycho-rigide hanté par son stress post-traumatique et dépassé par la situation dans laquelle il se retrouve, à bouffon balbutiant qui donne des ordres à un chimpanzé cosmonaute comme si ce dernier le comprenait.

À l'image de Ben Schwartz, qui nous refait Jean Ralphio.

À l'image de cette réalisation constamment en légère contre-plongée et en plans serrés, pour accentuer inutilement le grotesque des situations et des personnages.

À l'image aussi de tout ce qui tourne autour du personnage d'Erin, adolescente en crise assez clichée, parvenant à être ponctuellement intéressante au travers de son amitié avec la pilote Angela Ali (Tawny Newsome, probablement le personnage le plus attachant de la saison), mais perdant rapidement tout intérêt lorsqu'elle décide de se rebeller et de suivre des inconnus (une sous-intrigue forcée au possible, uniquement là pour que son père ait droit à un moment héroïque) ou de sortir avec un espion russe.

On peut aussi s'interroger sur toute la fin de saison, avec les Chinois érigés en grands méchants manipulateurs caricaturaux au possible, et les Américains stupides qui vont démonter la base lunaire chinoise avec des clés à molette... la plausibilité et la temporalité de la saison sont ainsi joyeusement capillotractées, et cela se fait au détriment des relations des personnages et de leur évolution.

Pourtant, il y a là de bons moments, comme cet épisode improbable dans une simulation de l'habitat lunaire, lorsque Naird revit son PTSD et finit par trouver là un moyen de sympathiser avec ses collègues. L'épisode du singe dans l'espace, le plus ouvertement comique et parodique du lot (peut-être même trop, d'ailleurs, en comparaison du reste), est amusant. Ou encore toute la montée en puissance de la fin de saison, ambitieuse à défaut d'être totalement maîtrisée.

Mais dans l'ensemble, encore une fois, Space Force semble inaboutie, comme s'il manquait quelques mois de développement des personnages et de la série pour que le tout soit vraiment convaincant, drôle et à la hauteur de ses ambitions (et de son budget).

Ce n'est pas mauvais (le duo Carell/Malkovich fonctionne très bien), mais ça pourrait (et ça aurait dû) être meilleur. Peut-être en saison 2 ?

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Série en 10 x 25-30 minutes de Greg Daniels, l'une des deux têtes pensantes de The Office et de Parks & Recreation (avec Michael Schur parti créer The Good Place), ce programme diffusé sur Amazon Prime se propose de nous présenter un futur proche, dans lequel la mort n'est plus qu'un transfert de conscience vers un monde virtuel géré par des entreprises privées...

Upload, saison 1 (2020) :

Dans un monde où, moyennant finances, la conscience des mourants peut être transférée dans un univers virtuel pour y mener une seconde vie, Nathan (Robbie Amell), arrive à Lakeview, une résidence virtuelle de luxe, après avoir trouvé la mort dans un accident impossible. Là, il s'attache rapidement à Nora (Andy Allo), son "ange-gardien" - la responsable clientèle en charge de son dossier dans le monde réel - et le duo va commencer à se rapprocher, malgré les interdits et malgré les souvenirs manquants de Nathan, qui semblent cacher une mort suspecte...

Une satire SF un peu étrange, en cela qu'elle semble souvent être au carrefour de plusieurs autres séries déjà existantes, tentant d'en mêler les thématiques et les approches pour former un tout cohérent, sans jamais y parvenir de manière totalement satisfaisante.

De The Good Place, on a tout un propos sur la mort, l'après-vie, le changement et la rédemption, ainsi qu'une romance entre l'un des protagonistes et son assistante virtuelle. De The Office, on a la comédie de bureau et la relation "impossible", pleine de regards alanguis, entre les deux personnages principaux. De Weird City, l'anthologie d'anticipation de Peele, on a l'opposition des classes face à la technologie et le futur proche hypra-connecté, ainsi que le ton global du programme.

On pourrait aussi citer Altered Carbon, avec laquelle Upload flirte brièvement (le temps d'un caméo explosif de Creed Bratton), ou encore tout le côté enquête et conspiration technologique, premier degré, et qui prend de plus en plus de place au fil de la saison... et puis bien sûr, Black Mirror, et en particulier son épisode San Junipero, qui traitait d'une histoire d'amour improbable dans un au-delà virtuel.

Attention : je ne dis pas que Upload manque d'idées. Au contraire, même, la série déborde d'idées plus ou moins improbables et décalées, qui sont mises en image de manière convaincante et amusante. Malheureusement (et malgré le fait que le projet soit en gestation dans l'esprit de Daniels depuis les années 90), le tout paraît trop souvent dérivatif et familier.

Pris épisode par épisode, ce n'est pas trop gênant, principalement parce que la distribution est attachante et sympathique (Andy Allo, l'ex-guitariste de Prince, est une excellente découverte), avec de nombreux visages familiers dans les seconds rôles (Kevin Bigley, William B. Davis, Teryl Rothery, Chris Williams, Chloe Coleman...), et que le format du tout est suffisamment maîtrisé pour que l'on ne s'ennuie pas.

Mais dans sa globalité, les différents angles de la série se parasitent gentiment, l'enquête sur la conspiration n'ayant vraiment qu'un intérêt très limité, et certains personnages finissant par être assez lassants (je pense notamment à Ingrid, trop souvent une caricature insupportable, ou encore Aleesha, la collègue de Nora, jamais particulièrement intéressante ou drôle).

Dans l'ensemble, Upload se regarde sans problème : Greg Daniels est un professionnel qui maîtrise bien son domaine, et il sait généralement comment y faire pour impliquer le spectateur dans ses séries. Cependant, il manque tout de même quelque chose pour parvenir à véritablement imposer une identité propre à cet Upload, dont la triple orientation de comédie romantique, de satire d'anticipation et de techno-thriller est trop déséquilibrée pour vraiment convaincre.

À voir si la saison 2 parviendra à une meilleure harmonie tonale, ou, au contraire, continuera dans une direction trop sérieuse et dramatique pour son propre bien.

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Pour son ultime saison sur Netflix, Fuller House n'avait pas forcément commencé sous les meilleurs auspices : sortie en décembre dernier, la première moitié de cette saison rallongée pour atteindre les 18 épisodes donnait ainsi l'impression d'un show faisant du surplace, et ne sachant plus trop quoi raconter.

Du moins, si l'on excepte les préparatifs du triple mariage des sœurs Tanner et de Kimmy, un triple mariage pas forcément des plus intéressants, et qui devrait constituer l'essentiel de cette demi-saison à venir...

La Fête à la Maison, 20 ans après - saison 5, suite et fin (Fuller House, season 5.2 - 2020) :

DJ (Candace Cameron Bure), Stephanie (Jodie Sweetin) et Kimmy (Andrea Barber) n'ont plus quelques mois pour préparer leur triple mariage...

Un véritable paradoxe que cette ultime demi-saison de la sitcom Netflix, puisque après une première partie prenant largement son temps, et amenant divers nouveaux éléments à l'utilité discutable (la carrière musicale de Steph avec Lisa Loeb, l'achat de la sandwicherie, le petit-ami de Ramona), cette dernière fournée d'épisodes connaît le problème inverse : elle oublie presque totalement tous ces éléments (la tournée de Steph avec Loeb se déroule hors-champ, entre deux épisodes, et n'est quasiment pas mentionnée - ni n'a la moindre incidence sur la vie de la jeune femme et sur son couple ; la sandwicherie apparaît dans deux scènes et demi, et n'est quasiment pas mentionnée ; le petit-ami de Ramona apparaît dans un épisode ou deux, sans rien apporter) et semble paniquer au dernier moment, incapable de gérer à l'écran tout ce qu'elle a amené comme nouveaux éléments.

Systématiquement, on a ainsi l'impression que Fuller House trébuche, prise de court par cette fin de série pourtant annoncée : divers développements, comme Jackson qui se découvre une vocation pour la comédie musicale, font l'objet d'un demi-épisode, et se déroulent ensuite totalement hors-champ (alors qu'autrefois, la série aurait probablement consacré un épisode entier au spectacle, d'autant que deux des enfants de la famille y participent) ; il y a un semblant de sous-intrigue sur l'intégration de Steve dans la famille Fuller, mais c'est rapidement oublié, et il repasse rapidement à l'arrière-plan ; d'autres sous-intrigues, elles, sont amenés de manière totalement artificielle et forcée, comme cette annonce qui arrive dans l'avant-dernier épisode : la sandwicherie fonctionne tellement bien (ah bon ?) que Kimmy et Fernando vont ouvrir une succursale à 30 kilomètres de là, et doivent donc quitter la maison Fuller... juste au moment où Steph et Jimmy annoncent faire de même pour d'autres raisons.

Le tout en pleins préparatifs de mariage, et avec moins d'une semaine de délai avant la cérémonie et le double déménagement : on ne croit jamais vraiment à cet artifice narratif bancal, uniquement là pour apporter des larmes et des bons sentiments sirupeux... et donc forcément, quand le grand final fait marche arrière sur ce développement peu inspiré, personne n'est surpris, ni réellement touché par l'émotion que les scénaristes pensent injecter là.

C'est un peu tout le problème de cette demi-saison, à la fois creuse et précipitée : on a droit à une convention pour futures mariées, à un épisode de Thanksgiving, aux parents Gibbler qui ne viennent pas, à une visite universitaire et à la rentrée scolaire de Max (qui ont lieu, étrangement, après l'épisode de Thanksgiving - la chronologie de cette demi-saison est bordélique au possible), à un concours d'alimentation sportive, à un remake des Z'amours, et, donc, au triple mariage, mais rien ne semble vraiment développé de manière correcte.

Un peu comme si les scénaristes s'étaient contenté de jeter en vrac, à l'écran, toutes les bribes d'idées qui leur restaient pour la série et ses personnages...

C'est ponctuellement amusant et ponctuellement touchant, principalement grâce au capital sympathie des personnages, mais in fine, la série s'éteint donc comme elle est revenue, sans grande inspiration, sans jamais parvenir à réunir toute la distribution de la série originale (Becky est à peine mentionnée dans cette demi-saison, son absence reste inexpliquée à l'écran, et il en va de même pour Michelle, hormis un bref moment "si elle n'est pas venue avant, elle ne viendra plus"), et sans jamais dépasser le stade d'un comfort food nostalgique vantant les mérites des familles recomposées.

En soi, c'est toujours ça de pris et ça suffira à de nombreux spectateurs... mais ça n'en fait pas pour autant un revival particulièrement convaincant. 

(en espérant que Jodie Sweetin profitera du succès modéré de ces 5 saisons pour relancer sa carrière, elle le mériterait...)

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Retour exceptionnel de la sitcom Apple Tv chapeautée par l'équipe de It's Always Sunny in Phialdelphia, après une première saison sympatoche, et à l'occasion du confinement qui touche toute la planète.

Mythic Quest - Quarantaine (Mythic Quest : Quarantine - 2020) :

Contraints de travailler à domicile par le confinement, toute l'équipe de Mythic Quest s'adapte tant bien que mal à cette situation : Poppy le prend assez mal, Brad et David s'affrontent aux jeux vidéo, et Jo tente d'expliquer la visioconférence à CW...

Une bonne surprise en ces temps de coronavirus, ce Mythic Quest : Quarantine s'avère un épisode totalement produit à distance, mais qui n'a rien à envier aux épisodes produits plus traditionnellement : tout le monde bénéficie d'une qualité d'image et de son professionnelle (merci les iPhones), le rythme est bon, le montage aussi, et le tout couvre de manière assez compétente tous les aspects du confinement.

Certains dépriment, certains galèrent à se mettre à la visioconférence, certains en profitent pour s'improviser influenceurs et s'exhiber, d'autres se lancent des défis débiles et jouent aux jeux vidéo et enfin, en guise de travail collaboratif, l'ensemble du staff monte une machine façon Rube Goldberg, avec transitions entre les différents écrans vidéos, le tout monté sur le thème de Rocky/Creed.

Rien de forcément inédit ou original, mais puisque les personnages sont sympathiques et que l'ensemble est bien mené, ça fonctionne.

Ajoutez à cela le fait que l'épisode a réuni plus de 600 000 $ pour des œuvres caritatives, et il devient une bouffée d'oxygène assez rafraîchissante en ces temps compliqués. Bien joué.

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Sitcom en 9 x 25 minutes environ diffusée sur Apple Tv + et chapeautée par Rob McElhenney, Megan Ganz et Charlie Day (l'équipe derrière - et devant - It's Always Sunny in Philadelphia), Mythic Quest se veut une comédie de bureau prenant place dans un studio de développement de jeu vidéo lançant son dernier projet...

Mythic Quest - Le festin du corbeau, saison 1 (Mythic Quest : Raven's Banquet, season 1 - 2020) :

Alors que son studio est sur le point de lancer Reaven's Banquet, une extension capitale du MMO Mythic Quest, Ian Grimm (Rob McElhenney), directeur créatif excentrique et égocentrique, mène la vie dure à ses collègues : David (David Hornsby), producteur exécutif, Poppy (Charlotte Nicdao), programmatrice en chef, Brad (Danny Pudi), responsable de la monétisation, C.W. Longbottom (F. Murray Abraham), auteur de fantasy réputé responsable du scénario, Jo (Jessie Ennis), l'assistante sociopathe de David, et les testeuses, Dana et Rachel (Ashly Burch, Imani Hakim)...

Je n'avais pas été particulièrement convaincu par les premières images de la série qui avaient été présentées dans le cadre de l'E3 (il me semble), et qui laissaient présager d'un projet assez basique, une workplace comedy générique prenant place dans le monde des jeux vidéo, produite en collaboration avec Ubisoft, et avec un rendu visuel plus ou moins inégal.

Et dans les faits c'est plus ou moins le cas : comme souvent dès que Hollywood s'attaque au monde des jeux vidéo, le produit présenté à l'écran (ici, comme le MMO le plus populaire de sa génération - alors qu'honnêtement, ces temps-ci, les MMO de type World of Warcraft ont plus ou moins été remplacés dans le cœur des streamers par les Fortnite et autres shooters de type battle royale), la représentation du jeu en elle-même est assez peu convaincante et très générique. Elle n'est pas aidée, honnêtement, par l'utilisation régulière de cut-scenes des jeux Ubisoft (Assassin's Creed, For Honor, etc) en guise d'illustration, cinématiques tellement facilement identifiables (et tellement plus abouties que le rendu du jeu ou que les animations des live-streams) qu'on en vient à regretter leur inclusion.

Après, une fois cet aspect de la série mis de côté, le programme en lui-même est plutôt divertissant. Ça reste une comédie de bureau assez classique, avec ses archétypes (l'égocentrique, la sociopathe, le névrosé, la personne qui n'est pas reconnue à sa juste valeur, l'excentrique, la romance impossible, le businessman, etc), ses clichés (la romance impossible, justement, qui ici cumule en plus un gros quota de diversité bien voyant, puisque c'est une romance inavouée entre deux filles, dont une afro-américaine), ses épisodes consacrés aux thématiques en vogue dans le monde des jeux vidéo (on ne pourra pas leur reprocher de ne pas avoir fait leur travail sur le sujet, puisqu'on a le droit aux thèmes du crunch, de la syndicalisation des studios, des micro-transactions, de la misogynie des gamers, du pouvoir des streamers, la présence de l'alt-right, le doxxing, etc)...

Le tout s'avère assez sympathique à suivre, malgré quelques errances çà et là : tout ce qui a trait à Pootie Shoe, une parodie de PewDiePie, ne fonctionne pas totalement (en dépit du fait que ce soit intrinsèquement lié à l'intrigue saisonnière de l'Homme masqué, et au personnage de Grimm) ; certaines thématiques virent parfois à la leçon de morale l'espace d'une scène ou deux ; la romance et les personnages des deux testeuses ne sont pas très intéressants ; Longbottom est sous-exploité et sous-développé...

Paradoxalement, cependant, un épisode se démarque totalement du reste de la saison, tant il se trouve un bon niveau au dessus du reste : l'épisode 5, réalisé par McElhenney et écrit par sa sœur. Un épisode totalement indépendant du reste de la série, un stand-alone consacré à Jake Johnson et Cristin Milioti, deux développeurs de jeu qui se rencontrent dans les années 90, tombent amoureux, et lancent ainsi une franchise à succès.

Une histoire douce-amère à la conclusion malheureuse, une variation sur le thème de "l'argent ne fait pas le bonheur" et sur l'opposition entre art et commerce, qui parlera beaucoup aux amateurs du genre, et qui est principalement là pour apporter une motivation aux personnages habituels de la série, une résonance thématique qui ressurgit dans l'ultime épisode de la saison... Cela reste cependant un changement de ton particulièrement bienvenu, une pause agréable et plus sérieuse, très bien interprétée et dirigée.

En résumé, Mythic Quest s'avère une sitcom agréable à suivre, mais qui ne révolutionnera rien : un peu trop classique dans sa forme, dans son écriture et dans son propos, elle a cependant le mérite de présenter des personnages attachants (notamment Poppy, la protagoniste), et un univers sans les clichés habituels dont "les jeux vidéo" sont habituellement affublés dans la fiction.

La série conserve heureusement un certain potentiel : si le programme prend un peu plus de risques en saison 2 (comme avec cet épisode 5), le tout pourrait s'avérer des plus intéressants.

Sinon... *haussement d'épaules*

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Une comédie spatiale crée par Armando Iannucci, de Veep, et avec une distribution de qualité, le tout sur HBO : forcément, un chef d'œuvre instantané, et un show capable de faire la leçon à The Orville sur comment bien mêler comédie, science-fiction et propos social ? En théorie, peut-être... mais dans la pratique, on en est loin.

Avenue 5, saison 1 (2020) :

Lorsqu'un incident technique rallonge leur croisière spatiale de trois ans, les milliers de passagers de l'Avenue 5 paniquent. Face à eux, l'équipage - Ryan Clark (Hugh Laurie), le capitaine, Billie McEvoy (Lenora Crichlow), une ingénieure, Matt Spencer (Zach Woods), responsable des relations clientèle, ou encore Herman Judd (Josh Gad), le milliardaire capricieux possédant le navire, et son bras droit Iris Kimura (Suzy Nakamura), froide et calculatrice. Seul problème : le vaisseau est totalement automatisé, et l'immense majorité de son équipage, capitaine inclus, est composée d'acteurs. Des acteurs qui vont devoir désormais gérer une crise bien réelle...

Avec ses 9 épisodes de 25-30 minutes et le CV de ses créateurs et acteurs, Avenue 5 avait tout pour plaire. Le produit fini, cependant, est assez laborieux et plat, une impression que l'on ressent dès le pilote, et qui ne fait que se confirmer à mesure que la saison avance.

Jamais particulièrement drôle, jamais particulièrement rythmée, jamais particulièrement pertinente dans sa critique sociale ou politique, jamais particulièrement bien structurée, Avenue 5 semble constamment se chercher, n'osant aller frontalement ni dans un Lord of the Flies spatial, ni dans une sitcom futuriste, ni dans une satire noire et semi-dramatique.

Le résultat est un programme hésitant, aux ruptures de ton bancales, et qui souffre - en ce qui me concerne - d'un problème de taille : des personnages délibérément tous antipathiques, que ce soit au niveau des clients - le couple au bord du divorce (Jessica St. Clair et Kyle Bornheimer), tout droit sorti d'une mauvaise sitcom, en passant par un comédien de stand-up (Himesh Patel) qui n'apporte rien à la série, un ex-astronaute en rut (Ethan Phillips), une cliente envahissante (Rebecca Front) et son mari effacé (Andy Buckley), la spécialiste en effets spéciaux, etc, etc, etc - que de l'équipage - Matt le nihiliste et son humour très noir, Judd qui est écrit comme un mini-Trump gueulard...

Des personnages qui agacent, et qui, malheureusement, souffrent quasiment tous du syndrome de la Flanderisation précoce - un syndrome qui, généralement, ne touche les personnages d'une sitcom qu'au fil du temps, aux alentours de la troisième ou quatrième saison, et qui les réduit progressivement à leurs traits de caractère principaux, toujours plus grossis et mis en avant de manière caricaturale (par exemple, Joey dans Friends, qui perd 30 points de QI supplémentaires à chaque saison). Ici, tous les personnages sont déjà réduits à des traits de personnalités caricaturaux, exprimés de manière intempestive et hystérique, et ils sont tous plus bêtes que leurs pieds.

On ne peut donc pas s'attacher au moindre d'entre eux, pas même aux plus "normaux", à savoir Hugh Laurie (par ailleurs excellent), Suzy Nakamura et Lenora Crichlow.

Pourtant, çà et là, on trouve dans Avenue 5 des idées amusantes, ou des répliques qui font mouche. Mais le tout fait tellement du surplace, à l'image du navire, que finalement, on les oublie aussitôt. Les seuls moments où la série semble décoller un peu, c'est quand elle crée un peu de tension et de suspense : la fin de l'épisode 4, par exemple, voit le capitaine effectuer une sortie extravéhiculaire pour réparer quelque chose.

Un cliffhanger de fin d'épisode... malheureusement réglé en trois minutes dans l'épisode suivant, qui retombe dans quelque chose d'assez peu intéressant (notamment centré sur le comédien de stand-up). Idem pour l'épisode suivant, consacré à un bip récurrent qui rend tout le monde fou, et qui semble annoncer une pénurie d'oxygène : de quoi rajouter une dose de stress et des moments amusants... qui retombent rapidement en fin d'épisode, lorsque l'explication de ce bip tombe totalement à plat (notamment pour des raisons de logique : le bip est censé avertir l'équipage de la nécessité urgente de recalibrer les systèmes de survie du vaisseau pour prendre en compte une naissance à bord... mais quand, dans les épisodes précédents ou suivants, les corps des passagers passés de vie à trépas ont été expulsés dans le vide, personne n'a pris la peine de recalibrer le vaisseau un seul instant).

Et c'est ainsi tout au long de la saison, un enchaînement d'idées sous-exploitées et de mollesse globale, une mayonnaise qui ne prend pas vraiment (même si le tout s'améliore un peu à mesure que la saison progresse) et ne s'élève jamais au dessus d'une certaine médiocrité frustrante, surtout en regard des moyens et des talents impliqués.

Assez dommage, je dois dire, d'autant que le tout a du potentiel, dans cette illustration de la bêtise absolue du genre humain, mais les scénaristes semblent encore avancer à l'aveugle, incertains de ce qu'ils veulent faire de leur série. À voir si la suite saura redresser la barre de l'Avenue 5...

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Au terme de la saison 3 de The Good Place, chroniquée en ces pages, j'étais resté particulièrement dubitatif, assez frustré par l'engouement critique autour du programme, alors même que les problèmes d'écriture de ce dernier se faisaient à mon sens de plus en plus notables et évidents.

Néanmoins (et de manière assez logique, compte tenu de sa popularité critique et sur les réseaux sociaux), la série est revenue pour une quatrième et ultime saison, une saison de 14 épisodes à la diffusion commencée à l'automne 2019, et terminée en janvier dernier.

The Good Place, saison 4 (2019-2020) :

Désormais aux commandes de la Good Place, Eleanor (Kristen Bell), Chidi (William Jackson Harper), Jason (Manny Jacinto), Tahani (Jameela Jamil), Janet (D'Arcy Carden) et Michael (Ted Danson) doivent prouver à la Juge (Maya Rudolph) que l'humanité mérite d'être sauvée...

Je suis bien embêté par cette dernière saison de The Good Place. Une dernière saison dont la conclusion a vu le web fondre en larmes, parler de meilleure fin de série de tous les temps, de chef d’œuvre d'émotion et de profondeur, et de réussite absolue.

Personnellement, j'ai trouvé ça gentil. Sans plus. Et cela est sans nul doute directement lié aux problèmes récurrents que j'ai avec le show : suite à sa première saison et à son twist tonitruant, The Good Place a lentement évolué, passant de comédie décalée saupoudrée de philosophie et d'existentialisme à fable philosophique à message saupoudrée d'humour. À un moment ou un autre, la bigger picture a un peu pris le pas sur le reste, à mesure que la série s'est prise au jeu de la hype critique.

Ce qui a amené le programme à tenter plusieurs approches, tout d'abord en tentant de renouveler ses effets de surprise et ses rebondissements improbables (jamais aussi percutants ou surprenants qu'en saison 1), puis en mettant fortement l'accent sur la romance de Chidi et Eleanor (là non plus jamais vraiment probante, faute de véritable alchimie entre les acteurs). Et puis, enfin, en renversant totalement la donne, et en partant toujours plus loin dans l'excentricité théologique et philosophique, avec des exposés sur le destin, le libre-arbitre, la bonté, etc, parfois digne d'un étudiant en première année de philosophie trop heureux à l'idée de répéter aux néophytes ce qu'il a appris.

Je ne m'en cache pas, malgré le capital sympathie de la série et de ses acteurs, aucune de ces directions ne m'a jamais vraiment convaincu. Certes, on ne pourra jamais dire que la série n'a pas fait preuve d'ambition, ou qu'elle n'est pas bien interprétée par ses acteurs. Mais à l'image de cette saison 4, je n'ai jamais pu me défaire de l'impression que la production n'avait rien prévu après sa saison 1, et que depuis lors, elle navigue un peu à vue d'année en année.

Ici, c'est assez perceptible dans la structure de cette quatrième année. Une quatrième année dans l'ensemble assez précipitée, cahotique, et qui commence par un arc narratif centré sur les quatre humains devant servir de cobayes à la nouvelle Good Place : Brent l'avatar trumpien égocentrique et chauviniste, Linda la vieille femme indifférente, Simone (l'ex de Chidi) l'incrédule, et John, un journaliste people flamboyant et mesquin.

Quatre personnages (enfin, trois, puisque Linda s'avère être un démon déguisé, retournement de situation révélé de manière expédiée dès la première moitié de l'épisode de reprise) qui, pendant une bonne moitié de cette première saison, évoluent au second plan, artifices scénaristiques permettant, en théorie, de séparer un peu le groupe de base, de donner quelque chose à faire à tous les protagonistes, et d'apporter un éclairage différent sur ces derniers.

Dans les faits, malheureusement, ce n'est pas le cas. Les trois nouveaux sont globalement transparents (voire antipathiques) et pas très intéressants, et si la série tente des choses en parallèle, elles semblent souvent approximatives et/ou télégraphiées (le double maléfique de Janet, c'était évident, tout comme ce qui lui arrive par la suite après lecture du manifeste de Michael). Sans compter sur certains personnages secondaires qui ne m'ont jamais plu, comme Derek.

D'ailleurs, en parlant de personnage secondaire déplaisant... la Juge. Alors, oui, je sais, Maya Rudolph, SNL, formidable, hilarante, tout ça... mais la Juge n'a jamais vraiment fonctionné sur moi, ni dans ses références à la pop culture (Tim Olyphant), ni dans la façon dont elle est écrite.

Et quand, à mi-saison, elle revient rendre son verdict sur "l'expérience", tout s'emballe. En l'espace de 6 ou 7 épisodes, l'humanité est condamnée, les Janets se rebellent, la série repart dans le shipping en revenant sur la vie de Chidi et sa relation avec Eleanor, toute la bande réinvente l'au-delà, le tout freine des quatre fers, la bande part au Paradis, la bande réinvente le Paradis, et pour finir, on a droit aux adieux de chaque personnage qui met un terme à son existence éternelle.

De toute cette demi-saison, il émane donc vraiment une impression de précipitation, comme si la série jetait en vrac toutes ses idées dans la série avant son annulation, de manière condensée : c'est compréhensible, et l'on peut supposer que toutes ces idées auraient potentiellement été développées dans une saison supplémentaire, mais structurellement parlant, ce n'est pas forcément la solution la plus judicieuse.

Le season finale, notamment, est assez frustrant (bien que tout à fait logique). Après avoir passé des millénaires (hors champ) dans la Good Place, Jason est le premier à partir (ou presque), Tahani devient Architecte après avoir pris des cours de menuiserie avec Nick Offerman, Chidi et Eleanor ont droit à des adieux sentimentaux (avec tournage en Grèce et en France), Michael devient humain (et prend des cours de guitare auprès de Mary Steenburgen, la compagne de Ted Danson), et la série se termine ainsi, d'une manière qui se veut une happy end sans l'être.

Alors j'ai bien conscience d'être dans la minorité : l'immense majorité des spectateurs de la série adorent le couple Chidi/Eleanor, ont été bouleversés par ces adieux, trouvent la série d'une profondeur philosophique exemplaire, et estiment que le show est un quasi-sans-faute (tout en reconnaissant des petits coups de mou et des errances çà et là).

Mais privé de cet attachement émotionnel aux protagonistes (mon personnage préféré est Jason, et l'on ne peut pas vraiment dire que le destin de son couple soit particulièrement joyeux, du point de vue de Janet), et peu impressionné par le propos de la série (louable, mais souvent maladroit dans sa forme), je suis toujours resté sur ma faim (notamment quand le programme a commencé à privilégier la réflexion à l'humour).

Pour finir sur une note positive, j'admets sans problème que The Good Place est une série de qualité à la distribution attachante et à l'ambition remarquable. Je lui suis simplement resté nettement plus insensible que d'autres spectateurs et critiques.

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Après une saison 4 plus sage et calme, dans le sillon de l'éviction #MeToo du showrunner de la série depuis sa création, il y a vingt ans, Fuller House revient sur Netflix pour une ultime année. Une dernière saison qui, malheureusement, revient à 2 x 9 épisodes, au risque de traîner en longueur, et de souffrir de gros passages à vide, faute de contenu...

La Fête à la Maison, 20 ans après - saison 5, première partie (Fuller House, season 5.1 - 2019) :

Kimmy Gibler (Andrea Barber) a enfin accouché du bébé de Stephanie (Jodie Sweetin) et de Jimmy (Adam Hagenbuch), qui arrive à la maison. Mais c'est la relation de DJ (Candace Cameron Bure) et de Steve (Scott Weinger) qui concentre l'intérêt de tout le monde...

Une première demi-saison qui se cherche, un peu à l'image de ses personnages. Si elle s'ouvre sur l'arrivée dans le foyer de la fille de Stephanie et de Jimmy, le bébé disparaît très rapidement de la série, pour être même souvent oublié par les scénaristes, comme par exemple lorsque tous les adultes doivent partir précipitamment de la maison pour une raison X ou Y, ou que tout le monde, enfants y compris, se retrouve à la sandwicherie. Qui s'occupe du bébé dans ces moments-là, mystère...

À l'identique, cette saison, Steph est supposée apprendre à être maman et ne plus avoir de temps pour elle (une excuse pour l'habiller en vieux jogging moche, tandis que CCB, elle, bizarrement, passe son temps à porter des tenues de plus en plus moulantes et courtes, bizarre) - très logiquement (!), Steph décide de se lancer dans une carrière musicale, et de faire la première partie de Lisa Loeb en tournée, avec des chansons qu'elle a écrites pour le bébé : on ne va même pas tenter d'évaluer la vraisemblance de tout ça, on est dans du grand n'importe quoi, et encore une fois se pose la question : oui, d'accord, mais qui s'occupe du bébé ? ^^

Pas Jimmy, en tout cas, puisqu'il décide de racheter sur un coup de tête, avec Fernando et Steve, une vieille sandwicherie de quartier, qui devient ainsi un nouveau point de chute pour toute la bande (y compris les enfants, qui y travaillent sans être payés ^^) ; et... euh, c'est à peu près tout ce qui se passe pour l'instant dans la série.

Dans ces neuf épisodes, s'il y a bien un semblant de progression en direction d'un triple mariage combiné (le dernier épisode de cette demi-saison est l'occasion d'une flash mob aboutissant sur la demande en mariage de Steve à CCB - un moment assez sympathique, et joliment chorégraphié), il règne surtout un sentiment de navigation à vue, sans réelle vision d'ensemble.

Tous les enfants sont ainsi plus ou moins au point mort : Jackson, toujours idiot, se réconcilie vaguement avec Rocki ; Max, de plus en plus maniéré, ne bouge pas d'un pouce ; Ramona flirte avec un jeune livreur... et c'est tout.

DJ et Steve sont heureux en couple (et font de la cuisine française) ; Fernando et Kimmy se rapprochent de nouveau après la grossesse de cette dernière ; les anciens font une très brève apparition (Saget, principalement, mais aussi Coulier et Stamos à l'occasion du dernier épisode de la demi-saison - Lori Loughlin, sans surprise, n'est pas de la fête) ; le détestable Kirk Cameron fait un caméo ; et dans l'ensemble, il n'y a pas grand chose de mémorable à se mettre sous la dent.

Alors certes, comme d'habitude, la distribution se fait plaisir avec une parodie de Footloose dansée par tout le monde, et avec cette flash mob finale, et dans l'ensemble, cette demi-saison semble un peu plus décomplexée que la saison précédente, mais la perspective d'une fin de série sur un triple mariage (et sur des problèmes de sandwicherie) n'est pas des plus intéressantes, surtout compte tenu du manque d'idées actuel, et des nombreux membres du casting qui risquent bien d'être absents (Loughlin, Olsen, et probablement d'autres)...

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Noël approche, et chez les Téléphages Anonymes, c'est donc l'heure de la Christmas Yulefest, et de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...

The Moodys, saison 1 (The Moodys Christmas - 2019) :

À l'occasion des fêtes de Noël, Dan (François Arnaud), récemment plaqué par sa petite-amie, rentre seul à Chicago pour y retrouver les siens. Sa famille est en effet réunie pour les fêtes, mais comme toujours, la situation est compliquée : Ann (Elizabeth Perkins), la mère, est agacée par la rénovation inachevée de sa salle de bain ; Sean Sr. (Denis Leary), le père sarcastique, est atteint d'un cancer bénin qu'il cache cependant à tout le monde ; Sean Jr. (Jay Baruchel), son fils bon à rien, vit toujours à domicile, auto-entrepreneur aux projets improbables ; Bridget (Chelsea Frei), la fille, a trompé son mari ; et lorsque le cousin de Dan arrive avec sa nouvelle petite amie Cora (Maria Gabriela De Faria), Dan s'éprend aussitôt d'elle...

Décidément, après Merry Happy Whatever, les projets de mini-série comique de Noël semblent se multiplier, cette année... et les résultats sont toujours aussi peu probants. Pour cette adaptation d'une série australienne, la Fox a opté pour un ton nettement plus sérieux que la sitcom de studio de Netflix : ici, on est dans la dramédie à la Showtime ou HBO, avec six épisodes de 25 minutes où on crie, on pleure, et on passe ensemble la semaine d'avant les fêtes.

Le problème, en fait, c'est qu'un peu comme Fox (qui a changé trois fois le projet de nom, et tente désormais de faire passer cette mini-série festive unitaire pour une "saison 1" d'une hypothétique série récurrente), le programme ne semble pas savoir ce qu'il veut être : jamais particulièrement drôle, jamais particulièrement touchant ou dramatique, jamais suffisamment développé pour que les relations des personnages aient suffisamment de poids, bourré de protagonistes assez classiques, de situations déjà vues et de rebondissements prévisibles, ce Moody Christmas finit par ne laisser aucune impression.

Pire : le personnage de Dan s'avère étrangement antipathique. Clairement voulu comme un lead romantique placé dans une situation impossible, il apparaît en fait comme un lâche qui vole la fiancée de son cousin, prend systématiquement des décisions qui sont au mieux mal avisées, et au pire détestables... et a pourtant droit à une happy end.

D'ailleurs, en parlant de fin... de multiples sous-intrigues sont laissées en suspens, clairement pour amener une suite potentielle à ce programme. Pas sûr qu'elle voie le jour, vu le manque de succès de cette mini-série, et son caractère éminemment oubliable.

The Moodys, ce n'est pas forcément mauvais, c'est assez bien interprété (Baruchel est, comme toujours, assez attachant), mais c'est totalement quelconque et insipide.

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Noël approche, et chez les Téléphages Anonymes, c'est donc l'heure de la Christmas Yulefest, et de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...

Merry Happy Whatever, saison 1 (2019) :

À l'occasion des fêtes de fin d'année, Emmy Quinn (Bridgit Mendler), cadre à Los Angeles, revient dans sa famille, à Philadelphie, pour lui présenter son compagnon, Matt (Brent Morin), un musicien à la carrière médiocre. Mais la famille Quinn est des plus atypiques : il y a Don (Dennis Quaid), le patriarche officier de police, veuf strict et austère, mais qui a des vues sur une infirmière (Garcelle Beauvais) ; Sean (Hayes MacArthur), le frère d'Emmy, son épouse Joy (Elizabeth Ho) et leurs nombreux enfants ; Kayla (Ashley Tisdale), récemment séparée de son époux, et qui remet en question sa sexualité ; et Patsy (Siobhan Murphy), psycho-rigide mariée à Todd (Adam Rose), dont le judaïsme se marie mal avec le catholicisme des Quinn...

Sitcom de studio en huit épisodes de 25 minutes produite pour Netflix par Tucker Cawley, vétéran du petit écran et du format sitcom, ayant oeuvré sur Tout le Monde aime Raymond, Out of Practice, Parks and Recreation, Men of a Certain Age, Up All Night, The Mindy Project, The Odd Couple, et bien d'autres encore.

Un CV long comme le bras (et assez inégal) pour ce showrunner, qui se traduit ici par une mini-série que l'on aurait aussi bien pu voir sur CBS ou sur l'un des principaux networks américains : c'est en effet tellement générique et inoffensif que cela ne pourra choquer ou braquer personne, avec son casting United Colors of Benetton, ses archétypes, ses problématiques basiques, sa romance éventée avec rebondissements à la Friends, etc.

Le tout dans un enrobage Mon beau-père et moi là aussi très basique, avec un protagoniste (Brent Morin, déjà avec Bridgit Mendler dans la sitcom Undateable) cliché au possible : musicien raté, mal rasé, typiquement "schlubby" (glandeur, négligé, etc), comme disent nos amis Américains, et forcément en couple avec une fille "trop bien pour lui" (Mendler), intelligente, jolie, avec une carrière, etc. Le père de cette dernière est forcément ultra-austère et exigeant, ses sœurs forcément déjantées (notamment une Ashley Tisdale en surjeu total façon Sharpay, au point d'en être parfois insupportable, surtout qu'elle a une sous-intrigue de coming-out qui aurait pu se montrer touchante), et dans l'ensemble, cette réunion festive de famille est forcément compliquée, à défaut d'être un seul instant originale.

Alors pour peu que l'on ne soit pas allergique au genre de la sitcom de studio (et surtout aux rires enregistrés), ça reste regardable et professionnel. Mais soyons francs : autant un show comme La Fête à la Maison - 20 ans après peut justifier son existence sur la base de son potentiel nostalgique, autant ici, la série n'a pas vraiment de capital sympathie suffisant pour emporter l'adhésion : le seul personnage vraiment mémorable et attachant est ainsi Joy (Elizabeth Ho), la belle-sœur sarcastique au timing comique impeccable, qui mériterait une série plus intéressante pour exposer son talent.

En l'état, Merry Happy Whatever est simplement une sitcom familiale générique au possible (qui évoque un peu un succédané du Christmas Special de la série anglaise La Pire Semaine de ma Vie), et si l'on me disait qu'elle a été refusée par les networks avant d'être récupérée par Netflix pour pas cher, je ne serais pas surpris : c'est globalement insipide, ça sous-développe ses personnages et ses sous-intrigues, et ce n'est pas à la hauteur de sa distribution. Un bon gros bof, donc, qui plaira cependant peut-être aux amateurs des sitcoms façon CBS plus indulgents que moi envers les clichés et les grosses ficelles de ce type de programme.

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Ultime saison de ce programme chapeauté par Samantha Bee et Jason Jones, une sitcom TBS qui, au fil des saisons, a connu un parcours assez compliqué : une saison 1 sympathique, une saison 2 nettement plus mitigée, car (très) décomplexée et (trop) caricaturale, une saison 3 gentiment décousue et chaotique... et cette dernière saison, donc, pas vraiment conçue comme telle, et qui continue de n'avoir plus grand chose à voir avec son postulat de départ - le détour sur la route des vacances.

The Detour, saison 4 (2019) :

Séparés de leur fille Delilah (Ashley Gerasimovich) depuis que cette dernière s'est enfuie, les Parker (Jason Jones, Natalie Zea, Liam Carroll) parcourent le monde pour tenter de la retrouver, mais ils finissent à Syracuse, où ils croisent le chemin de la sœur jumelle de Robin...

Et donc, sans surprise, cette quatrième saison s'inscrit dans la continuité directe du reste de la série : c'est un peu peu brouillon et décousu, ce n'est pas toujours du meilleur goût (les moments scatologiques et graveleux lassent plus qu'ils n'amusent), c'est bourré de slapstick (Jason Jones passe toujours son temps à se prendre des coups, à se vautrer, et à être humilié, encore et encore), c'est surjoué (Gerasimovich est souvent en roue libre, malgré son temps de présence limité à l'écran), et les tangentes inutiles ou pas très abouties du scénario sont assez frustrantes.

Pourtant, cette année dispose d'un fil conducteur plus affirmé que dans les saisons précédentes : les recherches internationales des Parker pour tenter de retrouver leur fille. L'occasion pour la famille de visiter le Tibet, le Paraguay, la Nouvelle Zélande, la Russie, et le Japon - et pour les scénaristes, de confronter brièvement les Parker aux clichés récurrents sur ces pays.

C'est notamment vrai pour le Japon, qui donne lieu, après une demi-saison de teasing, à un épisode totalement gratuit, façon game show à la japonaise, avec générique, cartons-titres et sous-titres appropriés, dans lequel Jones est une fois de plus humilié en public (se faisant notamment masturber en direct par un clown caché dans une boîte... amis du bon goût, bonsoir). Idem pour la Russie, d'ailleurs, puisque toute la fin de saison s'y déroule, et place Jones dans la position de l'Américain dont s'est entichée la fille d'un magnat russe : encore une fois, Jones déguste, en slip rose pendant le plus clair de cette aventure, tandis que le reste de sa famille est quasi-absent de ces épisodes.

On a ainsi souvent l'impression que la production a tout un tas d'idées et de gags en stock, mais qu'elle ne sait pas bien comment les organiser pour donner un tout narratif cohérent : la saison passe ainsi d'un séjour à l'étranger, à une visite à Syracuse, dans une maison de retraite où vit la mère de Nate (épisode assez raté, d'ailleurs, car reposant sur des gags particulièrement téléphonés et prévisibles), puis s'attarde, pendant deux épisodes, sur la sœur jumelle de Robin. Une sœur sortie de nulle part, (forcément) maléfique, psychopathe et manipulatrice, et qui tente (forcément) de dérober Nate à Robin. Parce que Nate est clairement irrésistible, dans son genre (mouais), et que Natalie Zea voulait apparemment montrer ses talents de pole dancer à l'écran.

Et puis on part pour deux épisodes en flashback, un sur Delilah, qui raconte son année de cavale, et donc l'épisode japonais. Avant de rebasculer sur les fausses funérailles de Nate, qui voient toute sa famille se réunir, et son père, interprété par Jere Burns, ressurgir à cette occasion (encore un épisode qui ne fonctionne pas, toutes les vannes autour de Burns étant clairement trop canadiennes pour être vraiment drôles et percutantes). Enfin, on aborde la Russie, et tous les clichés qui vont avec.

Je vais être franc : il était temps que ça s'arrête. Sans vraie direction, The Detour semblait avancer à tâtons, en roue libre, en fonction des inspirations et des vannes passant par l'esprit des scénaristes à un moment donné, sans jamais vraiment se remettre en questions.

C'est bien simple, en quatre saisons (voire même moins, puisque c'était déjà perceptible en saison 2), la série a atteint un point que la majorité des sitcoms n'atteignent qu'après 6 ou 7 ans : le moment où les personnages ne sont plus que des caricatures d'eux-mêmes, où le trait est tellement forcé qu'ils passent de mésaventures en mésaventures toujours plus improbables sans être particulièrement affectés, où la production fait un peu tout et n'importe quoi sans se soucier de la cohérence ou de la concision, et où le spectateur finit par se désintéresser du tout.

Là, c'était clairement mon cas, et je quitte donc la famille Parker sans regrets.

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Suite de cette série comique diffusée sur Comedy Central (saison 1 passée en revue ici), et qui relate, avec beaucoup d'humour noir et de cynisme, le quotidien d'une grande corporation clairement maléfique dirigée par l'impitoyable Christian Deville (Lance Reddick)...

Corporate, saison 2 (2019) :

Alors que Christian DeVille décide de lancer Hampton DeVille dans le monde des chaines d'information en continu, ses subordonnés s'humanisent un peu, cependant toujours lobotomisés par leur travail et par la vie au sein d'une entreprise cruelle et sans pitié...

Une deuxième saison dans la droite lignée de la première, et qui continue d'aborder des thèmes comme le vieillissement, les romances professionnelles, la guerre des sexes, la pression du groupe, la manipulation des médias, etc, sous un angle particulièrement corrosif, décalé et toujours très inventif.

On pourra notamment citer, cette année, l'épisode façon Usual Suspects, dans lequel Jake, Matt, John et Kate tentent de justifier de frais professionnels considérables en inventant une rencontre avec une Kyra Sedgwick très trumpienne ; la mise en place d'un système de surveillance de tous les employés, qui dégénère en dictature supervisée par Matt ; les vacances improbables de Matt dans un pays méditerranéen ; ou encore, l'épisode quasi-slasher, dans lequel Matt et Jake se croient seuls au bureau à l'occasion de la Fête du Travail, et en profitent pour fouiller dans les affaires de leurs collègues... jusqu'à l'arrivée de Christian DeVille.

Mais l'épisode le plus marquant est sans nul doute l'épisode "catastrophe nationale", qui souligne l'hypocrisie complète des entreprises, des célébrités et des particuliers lors d'une tragédie : tout le monde (sauf Jake) s'y révèle plus préoccupé par la course à la charité et aux likes que par la tragédie, tout le monde veut se faire bien voir en publiant des messages compatissants et creux, tout le monde gagne de l'argent et de la popularité sur le dos des victimes... avec en prime, un caméo d'Andy Richter en pseudo-victime de la tragédie (ayant un film à promouvoir), et une Anna Akana toujours impeccable en manipulatrice "voleuse de publication".

Sans oublier le season finale, qui voit Hampton DeVille pousser sa chaîne d'informations dans une direction toujours plus catastrophiste, façon Fox News, pour promouvoir une apocalypse fictive, et décupler les rentrées d'argent des autres départements de l'entreprise. Un marketing de la peur qui se termine par un message très désabusé de "les rêves et les espoirs, ça ne sert à rien, résous-toi à la médiocrité de ton quotidien, et soumets-toi à ton sort", finalement totalement cohérent avec le reste de la série.

Comme l'année dernière, la saison 2 de Corporate est une saison particulièrement glauque et cynique, tout en étant très amusante à suivre dans son refus de prendre des gants, et dans son sens de l'humour très noir.

Vivement conseillé, donc, pour peu qu'on accroche à ce style d'humour.

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Série comique de 10 épisodes co-créée par l'un des responsables de la sitcom Happy Endings, chapeautée par Seth Rogen et Evan Goldberg, Black Monday se veut une relecture des années 80 et de l'univers de Wall Street, au travers d'un prisme décalé et pourtant assez dramatique...

Black Monday, saison 1 (2019) :

En 1987, le quotidien du cabinet de trading boursier Jammer Group, 11è meilleure firme de Wall Street, dirigée par le flamboyant Mo (Don Cheadle), qui accueille en son sein Blair Pfaff (Andrew Rannells), un jeune programmateur de génie... sans savoir qu'un an plus tard, ils seront responsables du fameux crash boursier de Wall Street.

Une série qui, dans un premier temps, semble vouloir traiter l'univers de Wall Street (et tous les clichés qui lui sont associés, via par exemple Le Loup de Wall Street ou Wall Street d'Oliver Stone) à la manière de Childrens Hospital/Drunk History/Comedy Central : de la grosse déconne bien baveuse et absurde, dont on retrouve une grande partie des habitués - Paul Scheer, Casey Wilson, Ken Marino, Kurt Braunohler, Tim Heidecker, et bon nombre d'autres visages familiers du genre, de Melissa Rauch à Regina Hall, dans oublier, bien sûr, Don Cheadle.

L'humour est décalé, parfois graveleux, souvent politiquement incorrect, et on se dit qu'on voit à quoi s'attendre : une bande de bras cassés qui va, sans le vouloir, détruire l'économie américaine à cause de leur incompétence.

Et en fait, plus la série avance, plus l'on s'aperçoit que le programme a d'autres ambitions : étrangement sérieux et dramatique par moments, la série aborde la vie sentimentale de ses protagonistes de manière très premier degré et sincère ; des protagonistes qui, justement, ne sont pas si incompétents que ça.

On se retrouve ainsi avec un triangle amoureux entre les trois premiers rôles, avec des moments estampillés émotion^™©® ; la relation de Paul Scheer, homosexuel in the closet, s'avère paradoxalement touchante sans être parodique ; et plus la saison avance, plus les choses se compliquent sur le fond, tous les participants tentant de trahir leurs collègues pour parvenir à leurs fins, avec à peine quelques pointes d'humour çà et là.

Ce qui laisse le spectateur mitigé : l'humour et la parodie avouée de toute un genre et de toute une époque fonctionnent à peu près, mais sont souvent ramenés au sol par des moments plus sérieux, et vice-versa. Le mélange n'est pas toujours bien dosé, et, notamment vers la fin de saison, l'aspect dramatique prend le pas sur la parodie : cela résulte en des épisodes parfois déséquilibrés, ou qui ratent par exemple leur cible lorsque les scénaristes tentent de retracer le parcours de Mo en flashbacks en noir et blanc, à l'époque des Black Panthers.

Heureusement, dans l'ensemble, la reconstitution de l'époque est plutôt réussie et amusante, entre musique, drogues à gogo, mode improbable, et retournements de situation en tous genres.

C'est loin d'être parfait, ça se prend parfois un peu les pieds dans le tapis, et ça peut paraître un peu creux et brouillon (ça ne l'est pas vraiment, en réalité) mais le format court, ainsi que la distribution qui se donne totalement à cette histoire, font que Black Monday s'avère un divertissement tout à fait honorable.

À voir, pour les amateurs des années 80 et/ou des autres œuvres de la bande.

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Comédie dramatique franco-américaine en huit épisodes d'une petite demi-heure, ce Huge in France marche directement dans les pas de séries telles que HBO ou Showtime pouvaient en diffuser il y a une dizaine d'années : le portrait semi-satirique d'un mec égocentrique, arrogant et paumé, qui tente de se reconstruire... la seule différence étant que le mec en question, c'est Gad Elmaleh.

Huge in France, saison 1 (2019) :

Gad Elmaleh, superstar de l'humour en France, est épuisé, et las de ce succès incontesté. Il part donc pour les USA, à la rencontre de son ex-compagne Vivian (Erinn Hayes), influenceuse web, et de leur fils adolescent Luke (Jordan Ver Hoeve). Rapidement, cependant, il va découvrir qu'entre Jason (Matthew Del Negro), l'actuel compagnon de Vivian, un ex-acteur aux méthodes intenses, la carrière de mannequin de Luke, et son anonymat complet sur le territoire américain, cette visite va être plus compliquée que prévue, et ce malgré l'aide de Brian (Scott Keiji Takeda), son nouvel assistant...

Et rapidement, les limites de ce programme, chapeauté par Gad et par les créateurs de The Grinder, deviennent évidentes : la série tente en effet tellement de concilier le mélodrame avec l'humour, de faire du personnage de Gad un loser pathétique et paumé las de sa célébrité, tout en étant un père absent au grand cœur tentant de renouer avec son fils mannequin, qu'elle ne parvient à accomplir ni l'un ni l'autre.

Déjà, parce que la série n'est pas particulièrement drôle. On est un peu dans la cringe comedy façon Merchant/Gervais, un peu dans l'observation façon Seinfeld, un peu dans l'humour façon Curb Your Enthusiasm, un peu dans quelque chose de plus proche des dramédies Showtime, mais au final, tout cela est assez répétitif et plat, ancré autour d'un Gad globalement antipathique, qui s'avère probablement le personnage le moins intéressant de la série.

En effet, tant son fils, que son ex, le compagnon de celle-ci, ou encore l'assistant de Gad aux USA ont des personnalités et une présence plus affirmée que celle du protagoniste principal du show : à trop vouloir être à la fois une caricature arrogante et mesquine de Gad (caricature malheureusement jamais assez poussée et corrosive) et un personnage sincère et authentique dans ses émotions (les moments "j'en ai assez d'être un comique superstar, je suis torturé et en burnout, je me passe la main sur le visage d'un air las" sont légion), ce Gad n'est ni l'un ni l'autre, et finit éclipsé par tout le monde (d'autant plus que Del Negro et Ver Hoeve ne font pas dans la nuance et le réalisme, et interprètent volontairement des personnalités improbables et exubérantes).

Ajoutez à cela des rebondissements téléphonés (à partir du moment où Jason apprend qu'il est stérile, tout le reste se voit venir avec deux épisodes d'avance, au moins), quelques caméos inconséquents (John Stamos, Jerry Seinfeld, Jean-Paul Gaultier, Cyril Hanouna...), et un côté brosse à reluire un peu lassant à la longue (oui, Gad est sans cesse remis à sa place aux USA, mais non seulement il ne change pas beaucoup, mais en plus, dès son retour à Paris, il est à nouveau en position de superstar adulée de tous) et l'on se retrouve avec une série qui ne convainc guère, pas forcément désastreuse, mais instantanément oubliable, et dont le final, forcé, artificiellement sombre et en suspens, agace plus qu'il n'intrigue...

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Avec sa saison 1 de 8 x 25 minutes (critique ici), Ryan Hansen Solves Crimes on Television avait de quoi surprendre : une parodie particulièrement méta des séries policières façon Castle, chapeautée par Rawson Marshall Thurber, réalisateur et scénariste de Dodgeball, d'Agents Presque Secrets, et de Skyscraper, et qui mélangeait les genres, les formats, les caméos, les styles d'humour, etc, pour un tout très inégal, mais pas forcément antipathique.

Contre toute attente (YouTube Red est devenu YouTube Premium, une grande partie de ses programmes originaux a été annulée), la série revient donc pour une seconde saison, et  les personnages du programme en sont aussi surpris que nous...

Ryan Hansen Solves Crimes on Television, saison 2 :

Alors que Mathers (Samira Wiley) est victime d'une fusillade, et dans le coma, Ryan Hansen se retrouve à faire équipe avec un officier de police rebelle et solitaire, Vince Vincente (Wood Harris), et tente d'identifier les responsables de ce crime...

Nouvelle saison, mais toujours la même décontraction et le même décalage : plus que jamais, Ryan Hansen et son équipe assument leur impertinence, et tout au long de la saison, ce sont d'innombrables piques et vannes en tous genres que les scénaristes et l'acteur adressent à YouTube (notamment au travers du personnage de la nouvelle chef de la police/ex-cadre de chaîne de télévision, interprétée par Jessica St. Clair), que ce soit au sujet de leur service premium, de son nom, de la qualité des programmes de ce dernier, des tarifs du service, de l'audience, ou du fait que les acteurs de la série aimeraient être ailleurs (comme Samira Wiley, placée dans le coma et recouverte de bandages pour cause de rôle récurrent dans The Handmaid's Tale, ce qui devient un running gag saisonnier).

À l'identique, l'écriture se moque très sérieusement de la culture américaine actuelle : depuis Black Panther - The Musical, jusqu'au trafic de screeners de longs-métrages au moment des cérémonies de récompenses, en passant par la mode des reboots télévisuels (ici, Party Down, avec caméo de Ken Marino), le succès de Cobra Kai, le milieu des vineurs devenus YouTubeurs, le fitness à la californienne, et la tendance à imposer par la force une certaine idée de la diversité "woke" (ici illustrée par le remplacement, le temps d'un épisode, de Ryan et Vince par deux femmes, Lucy Hale et Jillian Bell, et par le remplacement constant des interprètes des parents de Ryan par des minorités).

Et puis, bien entendu, ces fins d'épisodes façon sitcom de studio, toujours plus décalées, méta et jouant avec les codes du genre : de quoi s'amuser dans cette saison qui, consciente de son annulation imminente, semble n'avoir plus rien à perdre, et tire donc toutes ses cartouches.

Ainsi que tous ses guests : Stephen Merchant, Ken Marino, Karen David, Rhys Darby, Rob Corddry, Lucy Hale, Jillian Bell, Thomas Lennon, Jane Lynch, Jon Cryer, Donald Faison, Dax Shepard (assez marrant en gay vivant confortablement dans le mensonge de son mariage avec Kristen Bell), Ben Schwartz...

Tout ça pour un monologue de fin doux-amer, qui conclut joliment une saison plus sérialisée que la précédente, et plus efficace à mon goût.

Désormais annulée par YouTube, Ryan Hansen Solves Crimes on Television ne connaîtra donc pas de suite, mais au moins, elle aura eu la bonne idée de partir en beauté, et selon ses propres termes : toutes les séries télévisées ne peuvent pas en dire autant.

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Mini-série de 6 épisodes d'une vingtaine de minutes, adaptés du livre d'une journaliste de Seattle et du site Jezebel, Shrill est diffusé par Hulu, et met en scène Aidy Bryant, qui appartient à la troupe du SNL.

Shrill, saison 1 :

Le quotidien d'Annie (Aidy Bryant), apprentie journaliste dans un magazine alternatif de Portland, qui tente de concilier sa carrière naissante, sa relation compliquée avec Ryan (Luka Jones), son compagnon, et son surpoids notable, qu'elle n'assume pas.

Un show d'une durée de 2h30-3h00 au total, et qui raconte l'évolution psychologique et sociale de son héroïne, une évolution qui, par certains aspects, peut évoquer un Girls en plus léger et humoristique.

Et quand je dis certains aspects, j'entends que c'est une série très connotée millennials/hipsters de la côte ouest, ne serait-ce que par sa situation géographique.

On se retrouve donc avec des personnages très wokes (tout le show est porteur d'un message body-positive/fat-positive très prononcé) et clichés (le rédacteur en chef gay et son boyfriend asiatique et artiste ; le petit ami barbu, glandeur, immature, podcasteur et joueur de frisbee ; la meilleure copine noire lesbienne ; la mère ultra-critique...), des événements assez typiquement exclusifs au milieu de Portland et d'autres villes wokes (la pool party "spéciale grosses"), et une écriture qui force volontairement le trait sur la misogynie et le fat shaming ambiant, pour bien insister sur son propos (certaines des tirades des personnages semblent effectivement sortir tout droit des colonnes de Jezebel, ou des commentaires qu'on peut y lire habituellement).

Le vrai problème, techniquement, c'est que tout cela, ce n'est pas vraiment ma tasse de thé, et que si Aidy Bryant est excellent, les autres personnages sont un peu trop caricaturaux/anitpathiques pour être intéressants (d'accord, j'ai bien compris que le petit-ami glandeur loser était là pour montrer à quel point Annie manquait d'estime de soi, mais ça n'en fait pas un personnage pour autant plaisant ou drôle).

Pour faire simple, je suis resté de marbre devant le tout. Je ne suis clairement pas la cible du programme, et je reconnais que c'est suffisamment bien rythmé et interprété pour ne pas être un calvaire, mais ce n'est pas pour autant que je reviendrai en seconde saison, si seconde saison il y a.

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

The Gilligan Manifesto :

Tournée un an après la crise des missiles cubains, la sitcom Gilligan's Island racontait les mésaventures d'un groupe de naufragés sur une île déserte, contraints de rebâtir une société loin de tout et de toute règle. Une société qui, à en croire la thèse de Cevin Soling, ferait en réalité l'apologie du communisme soviétique, dissimulé derrière un vernis de comédie destiné à brouiller les pistes...

Un documentaire basé sur un article publié dans un magazine d'études culturelles, et qui, pour faire simple, évoque très fortement Room 237 : en effet, en assimilant Gilligan's Island à une apologie cachée d'un mode de vie communiste et marxiste, le réalisateur/scénariste de ce métrage (Cevin Soling, auteur de l'article en question) développe une thèse improbable, et passe près de 85 minutes dessus.

Le problème étant que ce qui peut passer en vidéo de 15-20 minutes sur YouTube (Game/FilmTheory en sont deux bons exemples) devient rapidement soûlant et montre clairement ses limites plus le métrage s'éternise.

Pour remplir son documentaire vraiment peu convaincant, Soling s'appuie en effet sur d'interminables montages d'images d'archive et de films de l'époque (censés illustrer la peur de la menace atomique), sur des extraits d'interviews subtilement génériques, et sur des scènes entières de Gilligan's Island, prises hors contexte. Le tout narré par ses soins, avec une voix off monotone vraiment peu captivante.

Autrement dit, comme pour Room 237, le produit fini ressemble à la thèse conspirationniste d'un esprit obsédé par son sujet, impossible à prendre au sérieux, ou à une thèse approximative et capillotractée d'un étudiant en communication, qui présenterait quelques idées intéressantes, noyées dans un manque de preuves, et dans des raccourcis problématiques assignant un sens précis et délibéré à des thématiques générales alors dans l'air du temps.

Faible tant de par sa forme, que par son fond.

1.5/6

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Après sa brève première saison, peu convaincante, Marley's Ghosts est revenue sur Gold pour une seconde année de 6 épisodes d'une demi-heure, toujours écrits par Daniel Peacock, acteur, réalisateur et scénariste officiant à la télévision britannique depuis la fin des années 70...

Marley's Ghosts, saison 2 (2015) :

Une seconde saison dans la droite lignée de la première : malgré un nombre d'épisodes deux fois plus important, il reste une désagréable impression de brouillon, et un manque de rythme notable dans la plupart des épisodes de la saison.

Systématiquement, on a l'impression que chaque épisode a une vingtaine de minutes de contenu, tout au plus, délayé pour en remplir 35, et que tout est terminé aux 2/3 de chaque script... sans oublier le fait que l'ensemble reste très décousu (une impression régulièrement renforcée par des ellipses "XXXX heures/mois plus tard" assez abruptes) : sur des postulats basiques, le show peine à développer ses personnages, qu'ils soient principaux ou secondaires.

Si la vanité et l'égocentrisme de Marley restent amusants, ainsi que son désir de séduire, c'est Adam qui reste le plus développé, et se taille la part du lion, principalement grâce au charisme de John Hannah. La vicaire, elle, semble toujours jouer la même partition (tout au plus devient-elle un peu plus intéressante quand elle traverse une brève crise existentielle, dans un épisode), et Michael, de son côté, semble régulièrement faire de la figuration, présent au second plan, sans rien apporter de vraiment indispensable au programme.

À ces personnages principaux, le scénariste ajoute la nièce de Marley (Ella Rae-Smith), une adolescente rebelle assez clichée, et sa mère (Juliet Cowan), une alcoolique affreusement surjouée et insupportable. Sans oublier la nouvelle voisine de Marley (Elizabeth Berrington, qui disparaît de la série après quelques épisodes), et les divers prétendants de l'héroïne, des prétendants qui systématiquement suscitent la jalousie de l'un ou l'autre des esprits, et repartent aussi vite qu'ils sont venus.

Et puis, bien entendu, le côté très prévisible du tout n'aide pas à se débarrasser de cette sensation de remplissage qui hante (sans mauvais jeu de mots) toute la série : lorsque, dans le premier épisode de la saison, Michael tente de convaincre Marley de contacter son ex-compagne probablement bouleversée par sa mort, on se doute bien que cette dernière n'en a rien à faire. Quand le scénario se met à parler de Noël et de Nativité en plein été, et qu'on apprend ensuite que Marley est enceinte, on voit venir de très loin toute la dernière partie de l'épisode...

Je pourrais aussi revenir sur la répétition de certaines idées (personnages qui meurent soudainement et reviennent sous forme de fantômes, les hommes séduisants qui s'avèrent tous des menteurs à un degré ou un autre, etc), ou sur la tentative de jouer sur la carte sensible, çà et là, mais bon : pas la peine de s'éterniser.

Marley's Ghosts est une sitcom britannique inaboutie, qui semble peiner à trouver son rythme et son énergie, qui manque de folie, mais qui reste regardable. Pas sûr, cependant, qu'elle me laissera le moindre souvenir.

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Série comique anglaise diffusée en 2015 et en 2016 sur la chaîne Gold, Marley's Ghosts a connu deux saisons, pour un total de neuf épisodes d'une petite demi-heure, tous écrits par Daniel Peacock, acteur, réalisateur et scénariste officiant à la télévision britannique depuis la fin des années 70...

Marley's Ghosts, saison 1 (2015) :

La vie de Marley Wise (Sarah Alexander), une quadragénaire magistrate, n'est pas des plus tranquilles, entre un mariage malheureux avec Adam (John Hannah), et une relation extraconjugale compliquée avec Michael (Nicholas Burns). Et la situation ne s'arrange pas lorsque Adam s'étouffe, le jour même où Michael a un accident de voiture fatal avec une vicaire (Jo Joyner)... d'autant que les fantômes de ces trois morts décident de s'installer chez Marley et de la hanter !

Une première saison qui n'atteint même pas les 90 minutes d'un long-métrage, et qui s'avère, par conséquent, assez superficielle, et finalement peu convaincante. Après un premier épisode de mise en place, la série tente rapidement d'exploiter son postulat de départ, en faisant venir une exorciste excentrique (Cariad Lloyd) et une cambrioleuse (Sydney Rae White) puis, dans le dernier épisode, en allant dans une direction plus mélodramatique, avec Beth (Beattie Edmondson), la fille cachée d'Adam, qui débarque et cherche à connaître son père.

En soi, pourquoi pas... mais le souci principal de la série, c'est son rythme. La série manque ainsi cruellement de dynamisme, de timing comique et d'énergie, et cela se ressent dans chaque épisode : sur les 35 minutes de ces derniers, on a souvent l'impression que l'épisode est terminé au bout d'une vingtaine de minutes, et que les dix dernières servent de remplissage.

À l'identique, malgré des acteurs attachants (Hannah, Alexander, Mina Anwar dans le rôle de la voisine ; les autres personnages, je suis moins convaincu, notamment Nicholas Burns, qu'on a un peu de mal à prendre au sérieux en tant qu'amant séduisant de l'héroïne), les dialogues ne pétillent que trop rarement, et les moments vraiment amusants sont rares, alors même que la série semble régulièrement vouloir adopter les codes du théâtre de boulevard.

Bref, ça ne fonctionne pas réellement, malheureusement, à tel point que j'ai fréquemment eu l'envie, au fil de ces trois épisodes, d'arrêter là sans passer à la seconde saison.

Cela dit, le tout dernier épisode donne lieu à quelques échanges assez touchants entre Adam et sa fille, et cela m'a donné envie de voir si, oui ou non, la série allait trouver son ton en saison 2. Une saison 2 composée de six épisodes, que j'espère plus maîtrisés, et moins éparpillés...

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Avec déjà deux saisons au compteur, Santa Clarita Diet faisait, début 2019, figure d'outsider parmi les nombreuses séries exclusives à Netflix. Discrète et passant totalement sous le radar de la plupart des critiques, cette comédie signée Victor Fresco (Earl, Better off Ted, Andy Richter, etc...) continuait de surfer sur la vague de popularité (pourtant quasi-agonisante) des zombies, en proposant une sitcom familiale un peu décousue, pas toujours maîtrisée, et pourtant assez sympathique, portée par l'interprétation décomplexée de Drew Barrymore et de Timothy Olyphant....

Santa Clarita, saison 3 :

Influencée par Anne (Natalie Morales), qui s'invite de plus en plus dans leur vie, Sheila (Drew Barrymore) remet son existence en question, et se cherche une vocation. Pendant ce temps, les Chevaliers de Serbie se rapprochent de Santa Clarita, à la recherche de morts-vivants, alors que les autorités, elles, mènent l'enquête sur l'acte écoterroriste causé par Abby (Liv Hewson) et Eric (Skyler Gisondo)...

À la fin de la saison 2 de SCD, j'avais un avis un peu mitigé sur la série. La faute à une saison pleine de pistes inexploitées - ou mal exploitées - séparant les Hammond du duo de jeunes pendant toute la saison, s'éparpillant dans des directions pas toujours convaincantes, et peinant à équilibrer le mélange sitcom familiale et fil conducteur surnaturel.

Au vu de la saison 3, je pense qu'on peut dire que Fresco & compagnie n'avaient tout simplement pas vraiment eu le temps de planifier leur seconde saison, et l'avaient peut-être écrite dans la précipitation. En troisième année, ils corrigent bon nombre de ces erreurs, et structurent nettement mieux le tout : les éléments délaissés de la saison précédente reviennent sur le devant de la scène (Mr Ball-Legs, la tête de Nathan Fillion - désormais décomposée et méconnaissable, ce qui permet à la production de remplacer l'acteur par Alan Tudyk - , les Chevaliers de Serbie, Anne, Ramona), Abby finit par réintégrer la cellule familiale, la maladie zombiesque se propage... bref, ça évolue dans une direction intéressante.

Cela ne se fait cependant pas sans quelques heurts : les traits sont toujours plus gros et forcés, au point de donner parfois l'impression que tous les personnages féminins de la série sont impulsifs, autoritaires et castrateurs (et, réciproquement, que les personnages masculins sont tous émasculés, incapables et névrosés) : ce n'est pas forcément délibéré de la part de la série, mais c'est parfois assez agaçant, notamment au niveau de Sheila, de plus en plus égocentrique et énervante.

À l'identique, on retrouve certains des défauts des saisons précédentes : Anne disparaît tout simplement de la série après quelques épisodes (pour permettre à Natalie Morales de tourner sa sitcom ?), les adolescents passent encore la moitié de la saison à se tourner autour, embarqués dans une sous-intrigue totalement détachée des autres personnages, et les trois Serbes (menés par Goran Visnjic) font à peine plus que de la figuration dans cette saison, dont ils étaient pourtant présentés comme les méchants.

Heureusement, la série multiplie les idées excentriques, les guest stars motivées (Ethan Suplee de Earl, qui prend la succession de Zachary Knighton ; Malcolm Barrett, de Better Off Ted...), et finit par placer Sheila à la tête d'une armée grandissante de "disciples" voués à la protéger.

Au terme de cette saison 3 , il y avait donc là le potentiel d'une quatrième année intéressante, partant dans une direction intrigante... pour peu que la série réussisse à ne pas trop partir dans la caricature grossière et forcée, et à conserver un certain équilibre qu'elle peine pourtant déjà trop souvent à atteindre.

Cependant, avec l'annulation du programme, la question ne se posera pas vraiment. Ce que l'on peut se demander, par contre, c'est si la série manquera vraiment dans le paysage audiovisuel des séries tv/en streaming.

Pas sûr, car en plus d'arriver un peu après la bataille des séries de zombies, et malgré son approche plus légère et caricaturale du genre, Santa Clarita Diet n'a jamais semblé trouver son rythme de croisière, tiraillée entre un format sitcom, un désir de continuité et d'intrigues de fond, et une diffusion en mode binge watching, qui s’accommodent mal les uns des autres.

In fine, SCD n'est guère plus qu'une série amusante et divertissante, qui se regarde d'un oeil, mais qui manque un peu trop de rigueur, de structure et de direction pour être vraiment convaincante. Sympathique, mais loin d'être indispensable.

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Lors de sa diffusion sur Netflix, l'année dernière, j'étais resté étrangement mitigé devant la première moitié de la saison 4 de Kimmy Schmidt. Une ultime saison qui surfait de manière prononcée sur le mouvement #MeToo pour "confronter Kimmy aux horreurs de la société moderne et du genre masculin", comme je le disais alors, afin de tenter de faire mûrir et évoluer ses personnages... malheureusement, un manque certain de finesse et de subtilité dans cette approche rendait le tout un peu laborieux, et surtout, privait le show de son optimisme et de sa positivité habituels, inhérents à son personnage principal.

Unbreakable Kimmy Schmidt, saison 4 - deuxième partie (2019) :

Et dans un premier temps, la série semble décidée à continuer dans la même direction que lors de la première moitié de la saison : entre Jacqueline confrontée aux millenials (présentés comme trop apeurés par le politiquement correct de la société actuelle pour oser séduire les femmes de leur âge, mais s'avérant tous être de gros porcs profitant des cougars en manque d'amour et de sexe), Titus emporté par le #MeToo/scandale Weinstein des marionnettes (avec caméo de Ronan Farrow et de Jon Bernthal en prime) et le retour de Bobby Moynihan, l'incel MRA désormais amoureux, qui veut se démarquer du reste de son mouvement, la saison a de nouveau recours aux mêmes ficelles un peu grosses, et un peu trop pataudes.

Et puis, à mi parcours, arrive un double épisode, façon réalité alternative : et si Kimmy, dans ses jeunes années, n'était pas montée dans le van du Révérend ?

Un double épisode longuet et un peu vain, qui présente une Kimmy arrogante, ambitieuse et vaniteuse, qui finit par épouser un Titus superstar, homosexuel refoulé ayant rejoint une pseudo-Scientologie. Jacqueline, elle, y est une mère de famille white trash ayant épousé un Mikey lui aussi refoulé, et qui finit par séduire (un temps) Donald Trump (une caricature médiocre, pour un caméo médiocre) ; et enfin, Lillian, qui devient chef de gang latino dans son quartier... avec, pour conclusion, la mort de Kimmy et Titus aux mains d'un tueur en série. Certes.

Après ce double épisode peu convaincant (trop long, mal rythmé, manquant d'idées), la série n'a plus que trois épisodes pour se conclure : les scénaristes précipitent alors un peu le tout, en amenant Zachary Quinto en agent tout droit sorti d'Entourage (un personnage qui sert de love interest à Jacqueline, désormais agente - presque - à succès), en ramenant Xan pour un bref caméo, Sheba pour une leçon de vie, en faisant décrocher à Titus un rôle dans le Roi Lion, et en rebellant Kimmy contre sa startup, forcément maléfique.

La conclusion de la série arrive alors, malheureusement trop prévisible et facile : tout le monde a droit à son happy end grâce à Kimmy, qui renforce là le fait qu'elle trouve le bonheur en aidant autrui heureux.

Kimmy publie son livre, devient un succès d'édition, et renoue avec sa mère ; Titus est devenu une star de Broadway, et a fondé une famille avec Mikey ; Jacqueline file le parfait amour avec son collègue ; et Lillian, après s'être faite remarquer en manquant d'exploser avec son appartement, est devenue une célébrité new-yorkaise. Tout va bien dans le meilleur des mondes, en fait.

Je l'avoue, je n'ai pas été particulièrement convaincu par cette demi-saison de conclusion. Ce n'est pas mauvais, ça reste amusant, et ponctuellement, c'est même hilarant (j'ai bien aimé le passage sur Cats, notamment), mais dans l'ensemble, il se dégage tout de même de cette fin de série une impression de facilité et de précipitation.

Loin de moi l'idée de vouloir qu'une sitcom légère et optimiste se termine de manière sombre et triste, mais tout de même : j'en attendais plus qu'un simple "et ils vécurent tous heureux et eurent beaucoup d'enfants..." un peu maladroit et forcé, surtout après une saison assez inégale dominée par le #MeToo et un engagement parfois quasi-militant.

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Retrouvez aussi sur ce blog les bilans de la saison 1, de la saison 2 et de la saison 3, ainsi que toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici et ici.

J'ai déjà parlé dans ces pages (ici, et là) de la série The Good Place, diffusée simultanément sur NBC et, dans le reste du monde, sur Netflix. Et j'ai donc déjà dit tout le bien (et le mal) que je pensais de cette sitcom chapeautée par un ancien de The Office et de Parks and Recreation.

Depuis sa première saison, et son succès critique, la série est devenue "à la mode" (du moins, parmi les milieux informés). Parce que c'est une série un peu plus ambitieuse que la norme, et qu'elle aborde des thématiques philosophiques sous de faux airs de sitcom décalée, The Good Place est rapidement devenu la coqueluche du web, et des geeks en tous genres, trop contents d'avoir, après Community et Rick et Morty, une série "trop intelligente pour toi" sur laquelle s'étaler en longueur, théoriser et écrire des pages entières sur la nature du bien, du mal, et sur des concepts "clairement trop pointus pour le grand public". 

The Good Place, saison 3 (2018-2019) :

Bien décidé à sauver les âmes d'Eleanor, de Chidi, de Jason et de Tahani, Michael tente de naviguer les eaux troubles de l'administration post-existence, et de prouver à la Juge (Maya Rudolph) que ses protégés méritent d'entrer dans la véritable Good Place...

Si les mots de mon introduction vous semblent un peu désabusés, c'est le cas. Et c'est dû au fait que l'adoration critique pour la série (encore accentuée par sa diffusion sur Netflix, désormais la maison des séries qui font le buzz) fait que bien souvent, The Good Place est considérée comme une série intouchable.

Pourtant, comme je l'ai déjà mentionné dans ma critique de la saison 2, elle est loin d'être sans défaut : entre ses abus de twists en tous genres pour épater la galerie et imposer un rythme artificiel au programme, ses multiples scènes relationnelles/romantiques dont l'intérêt dépend fortement de votre sympathie pour le couple principal (c'est là mon plus gros problème avec le programme, je l'avoue), et le fait que la série semble se chercher depuis sa saison 1 au twist mémorable (un peu comme si le showrunner n'avait pas réellement envisagé de suite à cette saison 1, et qu'il peine à se réorganiser au terme de celle-ci),  il y a aussi de quoi être moyennement convaincu. C'est mon cas, et j'ai un peu peur qu'avec cette saison 3, TGP continue à se prendre à son propre jeu.

Au fur et à mesure de sa progression, la série a effectué un glissement évident au niveau de ses protagonistes : alors qu'initialement, Kristen Bell était présentée comme la vedette de la série, le show s'est rapidement imposé comme une série chorale... et puis, petit à petit, il a fait passer Michael au premier plan.

Clairement plus intéressés par la métamorphose et l'humanisation de leur Démon Architecte que par certains de leurs autres protagonistes (Tahani est la moins bien servie, à ce titre), les scénaristes ont ainsi axé la série sur Michael, et ce n'est jamais plus évident qu'au fil de cette saison 3 : pendant son premier tiers, qui voit le quatuor relégué sur Terre, tandis que Michael et Janet les surveillent, le point de vue adopté est clairement celui de Michael et de son assistante, avec les quatre autres personnages retrouvant le statut de pions dans ces jeux cosmiques.

Puis, le temps de deux épisodes, TGP prend étrangement de faux airs de Les Anges du Bonheur, avec le quatuor qui part faire des bonnes actions, en sauvant l'âme de leurs proches : ventre mou très clair, ce passage de la saison ne convainc pas vraiment, d'autant qu'il sépare les quatre personnages en deux groupes distincts.

En parallèle, Maya Rudolph continue d'en faire trois tonnes (je ne suis pas fan), les moments "philosophie pour les nuls" se succèdent, et la romance continue de prendre une part importante de la série, entre Chidi/Eleanor, Chidi/Simone (parce que forcément, il fallait bien mettre des bâtons dans les roues de Chidi/Eleanor), Janet/Jason, etc.

Il faut attendre le dernier quart de la saison pour voir la série repartir dans des directions cosmiques (et comiques) déjantées, et pour voir l'intrigue de fond avancer, avec une visite à la comptabilité céleste (Stephen Merchant), puis le centre de correspondance, le conseil suprême (supervisé par Paul Scheer), et la conclusion que le système de points utilisé depuis la nuit des temps n'est plus vraiment applicable à la réalité humaine actuelle.

De quoi rebooter la Good Place, avec de nouveaux arrivants, et une Eleanor qui endosse, un peu malgré elle, le rôle d'architecte aux yeux des nouveaux venus.

Seulement voilà, ce qui ressemblait très fortement à une saison de transition et de mise en place, un peu hésitante, mais pas forcément désagréable, se conclut à nouveau en se centrant totalement sur Chibi/Eleanor, qui se voient contraints une nouvelle fois de se séparer (avec montage larmoyant et amnésie à la clef).

Et là je dis non. J'ai bien conscience que mon manque d'affection ou d'intérêt pour le couple principal de la série handicape clairement mon appréciation de TGP, mais la solution n'est pas de les séparer, de les réunir, de les séparer, de les réunir, encore, encore et encore. Ça me fatiguait déjà à l'époque de Ross/Rachel, et ici, il n'y a même pas November Rain des Guns pour donner un surplus d'émotion au tout.

Alors j'ai beau me montrer assez négatif tout au long de cette critique un peu trop décousue, mais soyons francs : The Good Place, saison 3, c'est toujours sympathique, c'est toujours relativement bien mené, et ça se regarde toujours très facilement.

Néanmoins, il m'est de moins en moins facile de fermer les yeux sur le côté romance de la série, un côté envahissant, et vraiment pas convaincant (je n'y peux rien, je ne trouve pas que Kristen Bell et William Jackson Harper aient la moindre alchimie, ou la moindre tension sexuelle). À l'identique, les tours et détours du scénario ne m'ont pas forcément plus séduit, cette année, que l'année dernière, et les passages philosophiques m'apparaissent de plus en plus laborieux, un peu comme si les scénaristes s'étaient persuadés d'avoir des choses très profondes à dire sur la condition humaine après avoir fait un an ou deux de cours introductifs à la philosophie...

Effectivement, les défauts qui me dérangent ne sont pas rédhibitoires pour peu que l'on accroche aux relations présentées dans la série, ou que son approche très Douglas Adams/Neil Gaiman de l'au-delà suffise pour vous séduire.

Si, à contrario, les clichés habituels des romances impossibles de sitcom, et les velléités pseudo-philosophiques de scénaristes un peu dépassés par leur série vous fatiguent, ça risque peut-être de coincer un peu plus...

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