LES TÉLÉPHAGES ANONYMES

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Cruella (2021) :

Dans les années 70, à Londres, l'ascension d'Estella (Emma Stone), une orpheline jeune prodige de la mode aux dents longues, qui, pour faire tomber la Baronne (Emma Thompson), impératrice de la mode londonienne, se réinvente en Cruella, fière, ambitieuse et sans pitié...

S'il y a bien une tendance qui me laisse totalement perplexe, c'est cette volonté qu'ont les médias de raconter la genèse de ses grand(e)s méchant(e)s en les édulcorant, jusqu'à en faire des anti-héros et anti-héroïnes incompris aux origines tragiques (et fréquemment, au message pseudo-féministe). On peut citer Maléfique, chez Disney, le Joker, chez DC, ou encore, à l'origine de toute cette vague, la comédie musicale Wicked.

Maleficent, donc, est passée par là (sans me convaincre), et voilà Cruella, qui nous fait de la grande méchante assumée et canicide des 101 Dalmatiens un ersatz punk du personnage d'Anne Hathaway dans le Diable s'habille en Prada : ici, une jeune femme rebelle et iconoclaste née avec des cheveux bicolores (?) dont la mère a été poussée dans le vide par des Dalmatiens (!), qui est recueillie par des pickpockets au grand cœur (Joel Fry, Paul Walter Hauser), et qui, pour s'imposer dans le milieu de la mode, s'invente un alter-ego ambitieux et autoritaire, icône de la mode modelé sur sa patronne cruelle qu'elle veut faire tomber (parce que *SPOILER* c'est sa mère biologique, qui a tué sa mère d'adoption pour éviter un chantage... *soupir*).

Le tout avec une esthétique pseudo-gothico-punk supposée apporter un côté edgy et avant-garde au film, complémentée par un recours incessant à des morceaux rétros populaires (parfois vraiment trop évidents) pour illustrer le métrage.

Autant dire qu'il est difficile de vraiment prendre au sérieux ce film aux accents approximatifs, à l'interprétation caricaturale et qui pourtant est totalement premier degré, tentant désespérément de faire de Cruella un personnage aux multiples facettes sans grand rapport avec son incarnation classique des 101 Dalmatiens.

À trop vouloir humaniser Cruella et lui donner des motivations justes et sentimentales, voire même à essayer de justifier la bipolarité/personnalité double (et le style) d'Estella/Cruella en en faisant la fille d'une psychopathe narcissique sans scrupules (parce que tout le monde sait que la folie et le Mal, comme le talent, sont des défauts génétiques et héréditaires... :s), le film finit par tourner à vide, victime de sa pseudo-rebellion (alors qu'en fait, tout ce que veut Cruella, outre la vengeance, c'est la reconnaissance et l'acceptation publiques, la gloire, la célébrité et l'argent - on est loin du mouvement punk), d'un film bien trop long, et d'un personnage principal assez agaçant.

On pense à Joker (notamment parce que la réalisation de Craig Gillespie lorgne occasionnellement sur du sous-Scorsese, comme c'était déjà le cas sur Moi, Tonya, mais aussi parce que le script tente ce rebondissement maladroit sur les origines du personnage, qui renvoie à Arthur/Thomas Wayne), on pense à plein d'autres choses, on grince des dents en voyant les personnages secondaires quotas inutiles (tous au service volontaire de Cruella), on soupire en entendant cette bande originale incessante, qui enchaîne des dizaines de morceaux des années 60-80 parmi les plus évidents (Sympathy for the Devil, sérieusement ?), on lève les yeux au ciel, on ne croit jamais aux déclarations grandiloquentes et aux atermoiements de Cruella (la grande scène dramatique où elle annonce symboliquement à sa mère décédée qu'elle n'est plus Estella, mais Cruella, et qu'elle a toujours été méchante, supposément un point crucial du récit et du personnage, aussitôt saboté par un virage à 180° trois minutes plus tard, lorsqu'elle se montre à nouveau compatissante et sincère avec ses amis), on s'énerve en voyant le scénario se plier en quatre pour éviter de faire de Cruella la méchante que l'on connaît (elle ne tue pas de toutous pour faire des manteaux, voyons, ce n'est qu'une fake news !) et on finit par se demander à qui est destiné le film.

Trop long, bancal et sombre pour les enfants, trop creux pour les adultes, il n'y a bien que la reconstitution fantasmée de l'époque, les effets numériques des chiens et la direction artistique intéressante (les costumes !) pour emporter un peu l'adhésion - c'est déjà bien, et ça semble témoigner d'un semblant de vision artistique derrière le projet, mais le résultat final blanchit tellement le personnage de Cruella, et privilégie tellement la forme au fond que l'on ne peut que se demander : à quoi bon ?

2.5/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

  Trois saisons de Superstore passées en revue sur ce blog, pour le moment, et un gros problème qui m'a contraint à faire une vraie pause de plusieurs semaines dans mon intégrale : l'insistance des scénaristes à faire d'Amy et de Jonah le centre de la série, un shipping autour duquel gravite tout le programme. Au point d'en devenir envahissant au cours de la saison 3, une saison durant laquelle le couple a phagocyté tout le temps d'antenne de la série, reléguant la moitié des personnages secondaires au rang de faire-valoirs absents, et multipliant les obstacles gentiment forcés (grossesse imprévue, rivale amoureuse, etc).

Ce qui aurait pu passer si Jonah et Amy avaient le capital sympathie de Pam et Jim... mais non : autant Jonah est plus ou moins figé depuis trois saisons, autant Amy accumule de plus en plus de défauts, pour aboutir à une sorte de Michael Scott-bis assez antipathique. D'où mon sentiment de ras-le-bol, et ma pause de quelques semaines avant cette saison 4 qui annonce du changement, puisque le créateur/showrunner de Superstore a quitté le programme à la fin de ces 22 épisodes...

Superstore, saison 4 (2018) :

Alors que Jonah et Amy tentent de faire oublier leur relation et la diffusion publique de leur sex tape involontaire, la quotidien de Cloud 9 est chamboulé, lorsque Glenn décide de quitter son poste et de passer plus de temps avec son bébé. Ce qui laisse un poste vacant à la tête du magasin...

Paradoxe intrigant : alors que la majorité des spectateurs a trouvé la saison 4 de la série un bon cran en dessous des trois premières saisons de Superstore... j'ai plutôt apprécié le tout.

Probablement parce que les scénaristes font le choix très clair de prendre le contre-pied de la saison précédente, en faisant passer Amy/Jonah au second plan (ils sont en couple, tout le monde le sait, et c'est tout), et en s'intéressant de nouveau (pour le meilleur et pour le pire) aux personnages secondaires qui font tout le sel de la série.

Une vraie bouffée d'oxygène pour moi qui supporte difficilement le shipping Amy/Jonah, et j'ai accueilli avec un certain plaisir un retour à des sous-intrigues plus variées, centrées sur Cheyenne, Mateo, la relation Carol/Jerry/Sandra, Glenn, etc.

À l'identique, la production semble vouloir oublier certains éléments de la saison précédente : Kelly est rapidement kelleyrisée, la sex tape publique d'Amy et Jonah n'a aucune conséquence concrète, Myrtle revient au magasin, les deux grossesses sont rapidement expédiées et les bébés rarement mentionnés ensuite...

Quelque part, on sent un désir de retour au status-quo, voire même une volonté, pour Justin Spitzer, de développer un maximum de sous-intrigues avant son départ : Mateo et l'immigration, notamment, mais aussi le changement de carrière de Glenn, et la promotion d'Amy au poste de responsable du magasin.

Des sous-intrigues qui sont un peu catapultées et qui ne fonctionnent pas totalement sur un plan structurel et logique (les rouages narratifs grincent un peu), mais qui ont le mérite de faire avancer des personnages qui stagnent un peu trop (même Marcus, pourtant loin d'être mon favori, est ici écrit avec un peu plus de "subtilité", et acquiert un semblant d'épaisseur).

Malheureusement, cela s'accompagne aussi, dans le dernier tiers de la saison, d'une écriture parfois sommaire des personnages : constamment associée à Mateo, Cheyenne devient cassante et presque bitchy ; Glenn agit de manière peu cohérente (désormais simple employé, il se rebelle contre les règles, et tente notamment d'imposer son pasteur dans le magasin) ; et Amy, désormais à nouveau au centre de tout (à croire que c'est parce qu'America Ferrera est l'actrice la plus connue du show, et qu'elle a de l'influence sur la production), devient une patronne opportuniste et couarde, que tout le personnel déteste immédiatement.

C'est un peu dommage, d'autant que la série tente, en parallèle, de continuer ses messages sociaux (qui sont honnêtement survolés, mais ont le mérite d'exister), néanmoins affaiblis par l'empressement du show à atteindre certains objectifs narratifs : on s'étonnera ainsi de la manière dont Amy, jeune maman célibataire qui a déjà une adolescente à la maison, travaille toute la journée à Cloud 9 (Jonah aussi, d'ailleurs) et trouve tout de même le temps de se lancer dans une formation de responsable, de devenir manager, et de gérer le magasin, tout ça en six-huit mois à peine, et sans jamais que le bébé soit vraiment pris en compte - sans même parler du chiot que Glenn offre à Amy en début de saison.

Après, dans les deux premiers tiers de la saison, la série reste plus ou moins égale à elle-même : assez amusante, dans la droite lignée de ce qu'elle était avant, avec cependant certains épisodes qui font un peu redite (Halloween, la rivalité entre magasins, le laser tag, la Saint Valentin, la tempête de neige qui bloque tout le monde au magasin).

Certains personnages secondaires (ou plutôt tertiaires) disparaissent totalement ou presque (le pharmacien, Bo, Jerusha, Kelly, les bébés...), l'humour cringe est toujours moyennement bien dosé (et Amy en est toujours la victime principale), l'absurde apparaît toujours par petites touches (mais on sent que la série se refuse encore à vraiment aller jusqu'au bout de ses délires, comme Community pouvait le faire à l'époque) et il y a quelques problèmes de continuité entre la première moitié de la saison et la fin (Marcus sans-abri qui vit dans les tunnels d'entretien sous le magasin depuis des mois et des mois, alors que quelques épisodes plus tôt, on apprenait qu'il touchait 130 000 $ par an depuis des années)... mais ça se regarde.

Et je ne sais pas si c'est dû à la pause, ou à un véritable changement créatif, mais cette saison m'a vraiment été bien plus agréable à suivre que la précédente.

Après... la saison 5 est celle du grand changement, puisque Spitzer est remplacé à la tête du programme par Gabe Miller et Jonathan Green, deux scénaristes de longue date de la série, et que c'est cette saison 5 qui divise le plus les fans à ce jour.

J'attends de voir.

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Première saison de cette série d'animation Netflix canonique à l'univers des films Jurassic Park/Jurassic World, ces 8 premiers épisodes de 25 minutes, chapeautés par Colin Trevorrow en personne, s'inscrivent en parallèle du Jurassic World de 2015.

Au programme, une série jeunesse évoquant par moments un Breakfast Club avec des dinosaures, et qui ne faillit pas à la tradition d'incompétence caractérisée des employés du Parc, telle qu'illustrée dans chacun des films de la franchise...

Jurassic World - La Colo du Crétacé, saison 1 (Jurassic World : Camp Cretaceous, season 1 - 2020) :

Un groupe d'adolescents issus d'horizons divers arrive à Jurassic World pour participer à un camp de vacances unique en son genre : Darius (Paul-Mikél Williams), passionné de dinosaures, qui a gagné sa place en jouant à un jeu vidéo ; Kenji (Ryan Potter), riche et arrogant ; Brooklynn (Jenna Ortega), une YouTubeuse populaire qui filme tout le séjour ; Yazmin (Kausar Mohammed), une sportive sponsorisée par le parc ; Sammy (Raini Rodriguez), une jeune fermière enthousiaste et un peu ronde ; et Ben (Sean Giambrone), un nerd angoissé. Pour les superviser, Roxy (Jameela Jamil) et Dave (Glen Powell), deux moniteurs pas très compétents, et qui vont perdre tout contrôle lorsque le parc sombre dans le chaos...

C'est sans rien en attendre, sur la simple base de ma sympathie pour les dinosaures et pour la franchise de Spielberg, que je me suis lancé dans cette première saison animée... et bien m'en a pris, puisque le tout est somme toute plutôt sympathique.

Alors oui, les personnages font clairement simili-Breakfast Club - le gamer, l'asthmatique, la sportive, la rurale, l'ultra-connectée, le bourge - et oui, on reste dans du dessin animé pour enfants (comprendre : il y a de grosses ficelles scénaristiques, le danger reste tout relatif, et les dinosaures ont beau dévorer un ou deux personnages secondaires de passage, le spectateur ne croit jamais vraiment que les protagonistes pourraient y passer eux aussi - même si les scénaristes tentent une feinte de ce type dans le final saisonnier, et que ça fonctionne presque), mais le tout s'intègre plutôt bien au récit du film de 2015, tout en adoptant un point de vue un peu plus distant sur ses événements.

Le doublage est bon, l'animation et la direction artistique sont polarisants (on aime ou pas), les reprises des thèmes de John Williams plutôt correctes (sauf celle, synthétique, du générique de fin) et comme l'investissement en temps s'est avéré finalement assez minime, je ne regrette pas d'avoir tenté l'expérience.

Le rythme du tout est soutenu, ça fait plaisir de voir passer de multiples dinosaures en tous genres, les employés du parc sont incompétents (comme toujours dans Jurassic Park/World), et chacun des enfants a droit à un peu de développement qui lui permet d'avoir des failles et une certaine épaisseur émotionnelle, parfois directement liée aux événements qui touchent le parc ; si Sammy est là, par exemple, c'est parce que la ferme de sa famille est en banqueroute, et qu'une entreprise de biotechnologie rivale d'InGen/Masrani lui a proposé de la renflouer financièrement en échange d'informations collectées par Sammy durant son séjour dans le parc - de l'espionnage industriel par le biais d'une adolescente, en somme, pas forcément des plus réalistes et plausibles, mais qui a le mérite de toutélier un peu tout ça aux problèmes plus généraux du parc, et qui crée des moments de tension entre les membres du groupe.

D'ailleurs, on sent que c'est un scénariste éprouvé (ancien de Marvel Studios, entre autres) qui a créé et développé la série, puisque celle-ci parvient à conserver un fragile équilibre entre passages obligés de la franchise, moments plus posés et contemplatifs, action nerveuse et développement des personnages.

Ce n'est pas parfait, ça n'entrera pas forcément dans l'histoire des dessins animés pour son audace, mais pour ce qui n'est, à la base, qu'une série dérivée visant à établir une synergie entre divers produits franchisés, c'est plutôt agréable à suivre. Et puis Bumpy est adorable.

J'attends de voir si les saisons 2 et 3 confirment l'essai, maintenant que les adolescents sont pris au piège d'une île évacuée, et totalement livrés à eux-mêmes.

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Arnaque à Hollywood (The Comeback Trail - 2021) :

Dans les années 70, Max Barber (Robert De Niro), un producteur de cinéma à la dérive et endetté jusqu'au cou auprès du criminel Reggie Fontaine (Morgan Freeman), a l'idée de mettre en chantier le tournage d'un western mettant en vedette Duke Montana (Tommy Lee Jones), vedette décatie et suicidaire du grand écran. Son objectif : tuer Montana en plein tournage, lors d'une cascade ratée, et toucher l'assurance du studio. Mais rapidement, Montana va s'avérer difficile à éliminer...

Un remake d'un film de 1982 qui, déjà, évoquait fortement Les Producteurs de Mel Brooks, et qui réunit ici George Gallo (derrière la caméra) et De Niro, entouré d'un Tommy Lee Jones qui vieillit notablement, et de seconds rôles efficaces (Zach Braff, Emile Hirsch) finissant, malheureusement, par être sous-exploités.

C'est d'ailleurs un peu le mot d'ordre général du métrage, prévisible de bout en bout et assez générique : on voit tout venir avec 20 kilomètres d'avance, au point que le récit finisse par tourner à vide, jamais suffisamment rythmé pour ne pas être mollasson ou pour faire oublier qu'on a déjà vu peu ou prou la même histoire ailleurs, en mieux.

Mais bon, Morgan Freeman semble s'éclater à jouer les méchants cinéphiles, donc ça se regarde vaguement.

2.5/6

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Fast & Furious 9 (F9 - 2021) :

Lorsqu'un message de détresse de Mr Nobody (Kurt Russell) oblige Dom (Vin Diesel) et son équipe à reprendre du service, ils découvrent que le super-espion Jakob (John Cena), le frère de Dom, est derrière tout cela, et qu'il tente de réunir les différentes pièces d'Aries, un dispositif technologique au potentiel dévastateur...

Je le disais déjà lors de Fast 8 : j'ai de moins en moins de patience vis à vis de la franchise Fast and Furious et, hormis le spin-off Hobbs et Shaw, qui fonctionnait en grande partie sur son côté actioner décomplexé porté par le charisme de ses acteurs principaux, les derniers F&F sombrent de plus en plus dans un grand n'importe quoi de scènes d'action numériques jamais plausibles, de personnages monolithiques invulnérables, et de péripéties improbables de film d'espionnage.

Ici, donc, on prend donc les mêmes, et on recommence. Ou presque, puisque The Rock n'est plus au rendez-vous, ayant trop éclipsé Baboulinet de son charisme : qu'à cela ne tienne, Diesel se rabat sur un autre acteur-catcheur, John Cena, et en fait son frère caché, un super-espion invulnérable qui fait tout aussi bien que son frangin, y compris serrer la mâchoire. Aussi bien, mais pas mieux, car Vin Diesel s'est assuré, cette fois-ci, de ne pas se faire éclipser par son partenaire de jeu, et il conserve toujours le dessus sur ce dernier... y compris lors de poursuites au dessus des toits, qui se finissent dans une destruction générale des intérieurs de certains appartements, sans la moindre égratignure pour les deux hommes.

Après, c'est toujours la même rengaine : un scénario capillotracté avec des enjeux internationaux et une planète à sauver, des cascades inventives mais jamais crédibles une seule seconde, des effets spéciaux très inégaux, de l'humour faiblard, et de la rétrocontinuité à gogo, qui réécrit des pans entiers de la franchise pour ramener tel ou tel acteur de manière bien forcée...

Sauf qu'ici, on atteint des sommets, en envoyant Ludacris et Tyrese Gibson dans l'espace, et en faisant des personnages des véritables superhéros de cartoon indestructibles, qui savent tous se battre comme des artistes martiaux, et qui se moquent même de leurs super-compétences au cours d'une scène ou deux.

À partir de là, quel intérêt ? Diesel est toujours en sous-jeu monolithique (et Cena est plus expressif que lui dans bien des scènes), Ludacris et Gibson sont toujours inutiles en comic-relief basique, et les flashbacks sur la famille de Dom, tout ça, ne sont qu'un prétexte pour une fin de métrage en mode "la famille, c'est plus important que tout, il faut pardonner", qui évite à Cena de finir en grand méchant.

Comme d'habitude, du bigger louder dumber qui se prend à la fois trop au sérieux pour paraître sincère, et pas assez pour impliquer le spectateur.

2/6

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Batman - Un Long Halloween, deuxième partie (2021) :

Alors que le tueur en série Holiday continue d'abattre un à un les membres de la famille Falcone, son identité reste mystérieuse... mais Batman a peut-être une idée de qui se cache derrière ces meurtres.

Après une première partie m'ayant laissé relativement dubitatif - plus pour des raisons inhérentes au récit en lui-même qu'à son adaptation animée somme toute assez honorable, voici la suite de ce Long Halloween, un long-métrage d'animation qui est, effectivement, assez... long.

Forcément, adapter 13 numéros de comic-book en deux films de 90 minutes, ça donne un résultat qui prend ses aises, et qui, naturellement, a un peu tendance à traine en longueur pour peu que, comme moi, on n'accroche pas trop au récit de base.

Cela dit, cette seconde partie, après un premier tiers exclusivement en mode "Batman est un peu un incapable qui se fait avoir par tout le monde, et doit systématiquement être sauvé par Catwoman", reprend du poil de la bête, et finit par être plus maîtrisée que le métrage précédent.

Il y a toujours un peu trop de manigances mafieuses quelconques, la genèse de Double Face prend toujours un peu trop de temps, et le grand combat final de Bat & Cat vs toute la Rogue's Gallery reste assez forcé (on voit mal le Joker jouer les sous-fifres comme ça, par exemple)... mais ça reste agréable à regarder.

Loin d'être mon récit préféré de Batman, mais c'était plus sympathique que le premier opus.

3.5/6

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Hitman & Bodyguard 2 (Hitman's Wife's Bodyguard - 2021) :

Lorsque Sonia Kincaid (Salma Hayek), la femme de Darius Kincaid (Samuel L. Jackson), vient chercher Michael Bryce (Ryan Reynolds) pour qu'il l'aide à secourir son mari pris en otage, le garde du corps rechigne - toujours traumatisé par ses expériences préalables, Bryce refuse désormais toute violence... Mais lorsque le sort de l'Europe toute entière est en jeu, menacée par un richissime terroriste (Antonio Banderas), le trio doit prendre les choses en mains, bon gré mal gré.

Alors honnêtement, je ne garde absolument aucun souvenir du premier Hitman & Bodyguard, pourtant chroniqué en ces pages, et qui était tellement générique et oubliable qu'on se demande bien comment une suite a pu voir le jour.

Surtout qu'au visionnage, cette suite nettement plus courte (dans les 90 minutes tout compris) et montée au hachoir (c'est bien simple, les transitions, on ne connaît pas ici, et tout s'enchaîne à un rythme effréné) semble plutôt partir dans la direction du grand foutoir portnawak, où tout le monde beugle, tire, tue, jure, etc, dans une atmosphère de cartoon live où l'on peut être frappé de plein fouet par une voiture à plusieurs reprises durant le film (un running gag) et s'en relever sans un bleu après un triple lutz piqué tête la première sur le bitume.

Et cette énergie trashouille, pas si éloignée que ça des films de Neveldine/Taylor (Hyper Tension, etc), aurait pu donner quelque chose d'amusant et de décomplexé à regarder, si elle n'était pas à ce point bâclée par la production : le récit est à peine cohérent (une sorte de parodie goguenarde de James Bond aux enjeux débiles et périmés - un terroriste grec voulant se venger de sanctions économiques européennes contre son pays), tout le monde cabotine affreusement, les montages musicaux se succèdent, et on a vraiment l'impression d'un film plus long (probablement à la durée similaire au premier film) raboté au montage et dégraissé de toutes ses scènes de transition.

Les acteurs semblent s'amuser et profiter de leurs vacances en Europe tout en faisant les cons, mais le spectateur, beaucoup moins.

2/6

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MillenniuM After the MillenniuM (2019) :

Un documentaire qui revient, plus de vingt ans après sa diffusion, sur la série MillenniuM, l'autre bébé de Chris Carter, un objet télévisuel improbable à la photographie cinématographique et au ton tellement sombre et apocalyptique qu'il préfigurait, en ce sens, toutes les séries du câble arrivées bien plus tard.

Trois saisons toutes plus différentes les unes des autres, des conflits entre Chris Carter et ses scénaristes, des showrunners aux approches radicalement opposées (Chris Carter, showrunner malgré lui en saison 1, voulait une série de profiler extrême mais réaliste ; Morgan et Wong, en saison 2, ont poussé l'apocalypse dans ses derniers retranchements, en développant la touche de fantastique sous-entendue par Carter et en poussant toujours plus loin la crise existentielle du personnage principal et de la série ; Chip Johannessen, en saison 3, a tenté de sauver les meubles de cette série en conciliant les deux approches préalables et en revenant à une formule plus procédurale, avec un binôme Mulder et Scully), une série qui n'a jamais trouvé son audience sur la Fox, aux interventions constantes car à la recherche d'un hit à la hauteur des X-files, bref, MillenniuM, malgré toutes ses qualités (et dieu sait que la série en avait), était une série difficile à aborder, et clairement digne de l'appellation "culte".

Dommage alors que ce documentaire, s'il couvre toute la gestation de la série, son côté sombre et dépressif, les difficultés de Lance à s'adapter aux méthodes de travail du monde de la télévision, le crossover raté avec X-files, etc, passe un peu sous silence tout un pan de la série : Morgan et Wong (et Kristen Cloke) sont (sans surprise) absents du documentaire, représentés par deux de leurs scénaristes (à part eux et, bizarrement, Terry O'Quinn, quasiment tout le monde est présent dans ce métrage), et leurs décisions créatives présentées comme polarisantes et ne faisant clairement pas l'unanimité - Thomas J. Wright, réalisateur aux lunettes d'aviateur, n'est pas fan du virage mythologique et crépusculaire de la saison 2, alors que Chip Johannessen, lui, regrette d'avoir tenté de passer cette saison 2 sous le tapis au début de la troisième année, persuadé, à l'époque et à tort, que Morgan et Wong avaient alors sacrifié la série et brûlé tous les ponts pour se venger de leurs conflits avec Carter et la Fox.

Une erreur d'appréciation (aujourd'hui, Carter, Morgan, Wong et compagnie sont tous réconciliés) qui trahit bien le manque flagrant de communication entre Carter et son équipe, occupés sur X-files, et Morgan et Wong, en charge de MillenniuM, au point que Carter n'avait aucune idée de ce qui se déroulait dans l'autre série, alors même qu'il devait en écrire des scénarios.

Bref, beaucoup de regrets, tant vis à vis de la production chaotique du programme, que de ce documentaire sympathique mais incomplet.

Cela dit, rien que pour l'interview avec Lance, qui a notamment de très bons souvenirs de Sarah-Jane Redmont/Lucy Butler, MillenniuM after the MillenniuM mérite un coup d'œil.

4/6

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  Juillet 2021 : de la chaleur, de la fatigue, du coronavirus toujours présent, et un référencement Overblog toujours au fond du trou... mais les Téléphages Anonymes persévèrent, avec des films, des séries, et beaucoup de courage. 

#1476 : Spectral (2016) - 3/6

#1477 : Secret Zoo (2020) - 2/6

#1478 : The Mad Ones (2017) - 1.5/6

#1479 : Luca (2021) - 4/6

#1480 : Unlucky Stars (2016) - 3/6

#1481 : SEMAINE FRANÇAISE - Brutus vs César (2020) - 2.25/6

#1482 : SEMAINE FRANÇAISE - 30 Jours Max (2020) - 2.25/6

#1483 : SEMAINE FRANÇAISE - Tout simplement noir (2020) - 4/6

#1484 : SEMAINE FRANÇAISE - Terrible Jungle (2020) - 4/6

#1485 : SEMAINE FRANÇAISE - Divorce Club (2020) - 3/6

#1486 : Black Widow (2021) - 3.75/6

#1487 : Dragon - L'histoire de Bruce Lee (1993) - 3.5/6

#1488 : La Naissance du Dragon (2016) - 2.5/6

#1489 : Le Dragon-Génie (2021) - 2.5/6

#1490 : The Misfits (2021) - 2/6

#1491 : Space Jam (1996) - 2.5/6

#1492 : Space Jam - Nouvelle Ère (2021) - 2.5/6

#1493 : The Tomorrow War (2021) - 2.75/6

#1494 : Un Homme en colère (2021) - 2.75/6

#1495 : Batman - Un Long Halloween, première partie (2021) - 3/6

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# Bilan :

Pas un mois très mémorable sur le blog, avec une industrie cinématographique qui peine à relancer la machine post-pandémie, et se retrouve à hésiter entre sorties en salles ou en VOD. Résultat : des sorties assez médiocres (The Tomorrow War, Space Jam 2, Un Homme en colère), des films sympathiques mais inégaux (Black Widow, Luca), et pas mal de DTV quelconques...

La semaine Comédie française n'a pas non plus été très marquante, même si Terrible Jungle et Tout simplement noir ont su se démarquer du tout-venant de la production française habituelle. Je n'ai malheureusement pas eu l'occasion de voir Kaamelott en salles - ce sera pour plus tard.

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# Film(s) du mois :

Luca, mignon comme tout à défaut d'être un Pixar qui fera date, à égalité avec les deux comédies françaises mentionnées ci-dessus (Terrible Jungle et Tout simplement noir). J'en suis le premier surpris, à vrai dire.

# Flop(s) du mois :

The Mad Ones, une comédie indépendante américaine nombriliste et insupportable ; The Misfits, un film de casse très approximatif et bourré de clichés en tous genres ; et Secret Zoo, une comédie familiale coréenne qui m'a étrangement brossé dans le sens inverse du poil...

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# Petit écran :

Ce mois-ci, j'ai entamé une intégrale Superstore qui, à ma grande surprise et malgré ses multiples qualités, m'a rapidement énervé de par son obstination à se concentrer sur son couple principal, guère attachant ou intéressant. Ce qui m'a profondément agacé, au point de devoir mettre cette intégrale en suspens pour ne pas me dégoûter totalement du programme... je vais reprendre très bientôt, pour les trois dernières saisons.

En parallèle, j'ai passé en revue la saison 2 de Mythic Quest (pas désagréable, mais ça m'a semblé un demi-ton en dessous de ce qui venait avant), ainsi que le second téléfilm tiré de la série Psych (à nouveau, résultat en demi-teinte).

Sans oublier la très sympathique Loki, dernière déclinaison télévisée en date du MCU, une série amusante et astucieuse, qui ouvre de nombreuses portes au reste de son univers.

Et puis Sygbab est revenu, courageusement, pour reprendre (et bientôt terminer) son intégrale Andromeda.

Retrouvez aussi les bilans de toutes les séries critiquées jusqu'à présent en ces pages depuis l'index Séries alphabétique qui leur est consacré.

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# À venir :

En août, rythme normal pour le blog, qui va tenter de couvrir tous les genres et tous les styles : de l'action (Hitman & Bodyguard 2, Fast & Furious 9), de l'aventure (Jungle Cruise), de la science-fiction (Infinite), du film pour enfants (Cruella), de l'animation, de la comédie, etc...

Niveau petit écran, au programme, la fin des intégrales Andromeda et Superstore, et les trois saisons de Jurassic World : Camp Cretaceous.

Enfin, pour conclure l'été et le mois d'août, une semaine Swashbuckling, consacrée aux films de pirates.

Et comme toujours, vous pouvez retrouver toutes les mises à jour du blog sur la page Updates, ainsi que la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

Malgré un gros manque de motivation après une saison 3 n'allant pas forcément dans le bon sens, Sygbab s'accroche, bien décidé à terminer son intégrale Andromeda...

Andromeda, saison 4 (2003) :

Point d’orgue de la conclusion de la saison 3, la trahison prévisible de Tyr apporte son lot de changements : outre le fait qu’il se soit auto-proclamé leader des Nietszchéens en sa qualité de réincarnation de Drago Museveni et que cela amène un nouveau conflit entre son peuple et tous les autres, il se présente désormais en tant que l’un des antagonistes principaux.

Ce qui n’est pas forcément une bonne idée car son interprète est toujours aussi médiocre, et cela nuit au personnage, qui ne s’inscrit pas dans la lignée des méchants les plus charismatiques.

Il est remplacé numériquement par Rhade au sein de l’équipage de l’Andromeda. Telemachus n’est autre que la réincarnation génétique de Gatheris, l’ancien second de Dylan qui l’avait lui aussi trahi 300 ans auparavant (malgré une tentative tardive de relecture des évènements pour le réhabiliter dans la saison précédente).

L’apport est intéressant car sa philosophie diffère quelque peu de ses congénères et il instaure un sentiment de confiance non négligeable pour son capitaine, au point que ce dernier mette en danger sa position au sein du Commonwealth pour le libérer d’un emprisonnement qu’il considère injuste.

Son rêve de reconstruire la plus grande civilisation ayant existé s’est en effet réalisé bien plus vite qu’il aurait pu l’imaginer : non seulement elle s’est reconstruite sur ses ruines en l’espace de quelques années, mais elle bénéficie désormais de structures politiques avec un triumvirat bien établi qui est déjà en mesure de lui donner des ordres.

C’est peu crédible, mais l’intention de développer cet aspect n’est pas dénué d’intérêt. Du moins, au départ, car la situation tourne rapidement au vinaigre quand Dylan est accusé de trahison... un sujet qui est étrangement abandonné en cours de route.

C’est d’ailleurs le défaut des scénaristes depuis le début : ils ne savent pas se focaliser sur une idée, et n’exploitent jamais le potentiel quand ils en ont de bonnes - ce qui n’arrive pas très souvent en réalité, mais c’est un autre débat.

Pour étayer ce propos, il suffit de prendre l’exemple de Rev, qui refait surface dans un épisode où il cède aux plus bas instincts de son espèce alors qu’il les pensait réprimés, ce qui ébranle une fois de plus sa foi. Le fait qu’il souhaite rejoindre ses anciens camarades donne l’espoir que le sujet soit traité, mais il disparaît à nouveau sans qu’aucune explication soit donnée.

Mais ça ne s’arrête pas là : quand tout l’équipage se retrouve dans la dimension parallèle qui abrite The Abyss et que Tyr conclue un pacte avec l’entité pour qu’elle possède Beka et qu’elle serve ainsi d’espion, cela ouvre de belles perspectives.

Malheureusement, ils loupent une fois de plus le coche en ne s’appuyant jamais sur ce statut pour rendre le personnage ambigu, autrement que dans l’épisode où Dylan réussit à la libérer de cette emprise avec l’aide précieuse de Trance.

Si ce n’était pas suffisant, deux nouveaux éléments sont introduits. En premier lieu, l’existence d’une caste d’individus qui collectionnent des archives de tout ce qui se déroulent dans l’univers, ce qui est bien pratique pour revenir sur certains évènements en mode clip-show. Bien entendu, leurs intérêts sont souvent divergents : certains traitent avec Tyr, d’autres pensent que Dylan est investi d’une mission sacrée et qu’il est le seul à pouvoir sauver l’univers - voire toutes les dimensions parce qu’il faut bien renforcer les enjeux - des Magogs.

C’est un peu la surprise du chef : Dylan ferait en réalité partie des Paradine, soit des Vedrans évolués qui sont probablement les premiers êtres conscients à avoir existé. C’est exactement l’écueil qu’il fallait éviter : lui conférer un statut mystique modifie la perception liée à la réalisation de son objectif initial. Cela apparaît désormais banal car probablement prédestiné (de manière cynique, on pourrait dire que ça explique pourquoi tout est allé si vite) alors que c’était un accomplissement phénoménal de la part d’un simple mortel uniquement doté d’une détermination sans faille.

Tout s’accélère, car le vaisseau monde des Magogs dont tout le monde parlait avec tant d’appréhension est enfin là. La première bataille qui s’engage est un fiasco, et Dylan se voit contraint d’abandonner tout le monde dans un final qui laisse un peu perplexe.

À force de se dédire et de partir dans toutes les directions, la série perd l’intérêt poli qu’elle peinait déjà à susciter et entame fortement le capital sympathie de Kevin Sorbo. Cela laisse craindre le pire pour la saison finale…

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Victime d'une production chamboulée par l'accident vasculaire cérébral de Tim Omundson au début du tournage, et ayant amené une réécriture complète, à la dernière minute, de son script, le premier long-métrage adapté de la série Psych : Enquêteur Malgré Lui (2017) était sympathique, mais relativement brouillon, et un peu frustrant - on était en effet plus proche d'un épisode XXL de la série, aux longueurs laissées intactes, que d'un véritable film conçu et rythmé comme tel.

3 ans plus tard, toute l'équipe remet cependant le couvert, avec cette fois-ci un Omundson en bien meilleure forme...

Psych 2 - Lassie Come Home (2020) :

Abattu de plusieurs balles et victime d'une rupture d'anévrisme, Lassiter (Tim Omundson) se remet lentement dans une clinique spécialisée. Mais rapidement, il affirme y être le témoin d'événements étranges : parce que personne ne le croit, il se tourne vers Shawn (James Roday) et Gus (Dulé Hill), trop contents de pouvoir mener l'enquête...

Et c'est ainsi autour d'Omundson que s'articule l'intrigue de ce second téléfilm, une intrigue finalement assez anecdotique et prévisible, qui passe un peu au second plan de l'émotion suscitée par le sort de Lassie.

En effet, un peu comme lors du premier film, on retrouve ici des problèmes récurrents au Psych version XXL, dépourvu d'un véritable cadre narratif et des limites imposées par le format télévisuel court de 45 minutes : libérée de ce cahier des charges imposant une structure policière plus rigoureuse, la production se fait plaisir, pour le meilleur et pour le pire, quitte à s'éparpiller.

Au niveau des guests, notamment, avec entre autres Sarah Chalke en infirmière, Joel McHale dans le rôle du père de Lassiter (jolie réinvention du gimmick des flashbacks sur l'enfance, d'ailleurs, qui voit ici ces souvenirs se centrer sur Lassie et son paternel), Allison Miller (qui joue avec Roday dans A Million Little Things) dans un petit rôle anecdotique, et Richard Schiff en chef de clinique. Des apparitions, y compris des habitués de la série (Jimmy Simpson, Kirsten Nelson, Sage Brocklebank, Kristy Swanson, Kurt Fuller, Corbin Bernsen), qui sont fréquemment de l'ordre du caméo éclair, uniquement là pour plaire aux fans...

Mais c'est surtout au niveau de l'intrigue que l'on sent un manque de rigueur assez clair : du postulat de "Lassie est en convalescence et nous fait une variation - potentiellement surnaturelle - de Fenêtre sur cour", le téléfilm ne fait pas grand chose, probablement limité par l'état d'Omundson. En effet, même si celui-ci s'est déjà bien remis, et que son interprétation est tout à fait honorable, on le sent parfois fatigué ou ralenti, et il est compréhensible que les scénaristes aient préféré l'épargner.

Ce qui se traduit, cependant, par une multiplication de sous-intrigues parallèles séparant les personnages : Shawn et Gus chez les Norvégiens, l'enquête de Jules, la petite-amie de Gus qui est jalouse, la promotion de Vick, etc, etc, etc., autant de sous-intrigues qui auraient probablement occupé une scène ou deux dans un épisode normal, mais qui ici, sont délayées jusqu'à casser le rythme global.

Ajoutez à cela une certaine prédictibilité dans les divers rebondissements de ces intrigues (la grossesse, notamment), et une enquête finalement pas très intéressante, et voilà, un scénario qui ne restera pas dans les mémoires.

Et pourtant, difficile d'en vouloir à la série lorsque le programme nous offre, en guise de conclusion, une scène touchante de Lassie retrouvant sa compagne : on comprend alors que ce qui a motivé l'existence de ce Psych 2 n'était pas tant une envie de raconter une nouvelle enquête de la bande qu'un besoin d'exorciser l'accident vasculaire cérébral de Tim Omundson (tous les dialogues de Lassiter ont ainsi un second degré de lecture poignant, IRL), et de fêter publiquement son retour à l'écran au sein de la famille Psych.

De quoi se rassurer, rassurer Omundson, et rassurer les fans. Et rien que pour ça (et parce que malgré tout, ça reste très sympathique à suivre), ce Psych 2 vaut le coup d'œil.

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Batman - Un Long Halloween, première partie (2021) :

Alors que Batman (Jensen Ackles) tente toujours de s'habituer à sa nouvelle carrière de vigilante, il doit faire équipe avec James Gordon (Billy Burke) et le procureur Harvey Dent (Josh Duhamel) pour s'en prendre à la pègre de Gotham. Mais bien vite, un mystérieux tueur en série frappe le monde mafieux, en éliminant ses membres à des dates bien précises du calendrier, lors de chaque fête importante...

J'avoue ne pas être le plus grand fan du Long Halloween de Tim Sale et de Jeph Loeb, un classique des comic-books Batman, mais qui ne m'a jamais particulièrement convaincu, entre l'écriture assez étirée et parfois simpliste (notamment dans la caractérisation des méchants et dans le mystère global) de Loeb, et le style très particulier de Tim Sale.

Donc forcément, une adaptation avait de quoi m'inquiéter, même si... premier soulagement, le métrage ne tente pas vraiment d'imiter le style graphique de Sale, optant pour un mélange de rétro-noir et du style des précédents films DC (Superman, Justice Society...), pour un résultat qui n'est pas si loin, niveau ambiance et style, de la série animée de Timm et Dini. On regrettera tout de même que les personnages masculins manquent un peu de style, justement, et soient assez génériques.

Mais dans l'ensemble, sur le plan visuel, ça fonctionne plutôt bien, c'est joli, et tout et tout. Après... ça reste Un long Halloween : ça lorgne fortement sur Le Parrain, ça prend très largement son temps, ça n'est pas forcément très captivant et, découpé en deux chapitres, ça peine à maintenir un suspense probant quand à l'identité du tueur.

Et puis honnêtement, ça arrive un peu trop tard, avec son origin story de Double Face (un Josh Duhamel qui surjoue un peu), son Batman semi-débutant, et son propos ("avant Batman, la pègre contrôlait la ville, maintenant, ce sont des cinglés en costume qui font la loi") dans lesquels Nolan a bien pioché pour sa trilogie - ce qui donne un air de déjà vu au fond du récit.

Après, ça reste compétent, mais dans l'absolu, ça ne restera pas beaucoup plus dans ma mémoire que la bande dessinée d'origine.

3/6

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Un Homme en colère (Wrath of Man - 2021) :

Lorsque Patrick Hill (Jason Statham) rejoint Fortico Security, une entreprise de convoi de fonds, il ne fait pas grande impression sur ses collègues : taciturne, silencieux, il réussit de justesse les tests d'admission et ne se fait pas d'amis. Mais bien vite, lorsque son camion est braqué et qu'il élimine sans efforts tous les assaillants, ses collègues commencent à se demander ce que "H" cache vraiment...

Adaptation très libre du Convoyeur français (avec Dupontel), Un Homme en colère est réalisé par Guy Ritchie, après son Aladdin et The Gentlemen : une manière pour lui de remettre le pied à l'étrier sans trop se fouler, en produisant un thriller mettant Statham en vedette... sauf qu'en transposant le film original aux USA, Ritchie se prive d'une grande partie de ce qui fait habituellement son charme, à savoir le bagout et l'ambiance typiquement british de ses personnages.

Ici, on se retrouve avec un thriller à l'américaine, relativement compétent, mais aussi bien trop long pour son propre bien : frôlant les deux heures, le film souffre d'un ventre mou conséquent, et ne parvient jamais à surprendre, surtout dans sa dernière ligne droite.

Entre ses personnages sous-développés, son Statham monolithique qui ne desserre pas les dents de tout le film et son récit déstructuré qui n'est pas toujours utile, on reste un peu sur sa faim, surtout durant les flashbacks, qui ronronnent gentiment.

2.5 + 0.25 pour le générique d'ouverture et son thème musical très années 70 = un petit 2.75/6

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The Tomorrow War (2021) :

En 2022, en pleine Coupe du monde, un groupe de soldats venus du futur se matérialise devant les caméras de tous les médias, pour annoncer une apocalypse imminente : en 2051, l'humanité perd la guerre contre une race extraterrestre qui a envahi la Terre, et le seul moyen d'empêcher l'extinction de notre race est d'envoyer dans le futur d'innombrables recrues venues du passé. Parmi celles-ci, Dan Forester (Chris Pratt) ancien militaire et père de famille aux nombreux talents... 

Bon, on va dire que pour vraiment apprécier ce Tomorrow War, il faut débrancher son cerveau, et surtout ne pas tenter de réfléchir aux tenants et aux aboutissants de cette histoire capillotractée, aux nombreuses coïncidences et grosses ficelles assez voyantes ; assez logique, somme toute, puisqu'à trop lorgner sur du Michael Bay (sans en avoir l'énergie ni le sens de la décomplexion WTF), ce Tomorrow War finit par être au même niveau de logique et d'intellect.

Ce n'est pas faute de tenter de brouiller les pistes, en rajoutant çà et là des personnages et des répliques tentant de poser les mêmes questions que celles que le spectateur attentif a en tête (notamment sur les règles arbitraires et le pourquoi du comment de ce voyage dans le temps) ; mais le lampshading ne fonctionne pas vraiment, dès lors qu'on lui répond "ta gueule, c'est magique c'est comme ça".

Le résultat, c'est que le spectateur finit par émettre tellement d'objections logiques à cette histoire d'enrôlement temporel qu'il peine à accrocher au récit, et ne s'implique pas vraiment. D'autant que ce qui intéresse le scénariste et le réalisateur, c'est le concept de père absent, traité sur plusieurs générations.

Ce qui aurait pu fonctionner, si le personnage de Chris Pratt n'était pas un tel super-héros en puissance : super-militaire, super-scientifique, super-papa, super-intelligent, capable de se battre à mains nues contre une reine alien, Dan est tellement parfait qu'il en devient insipide, malgré un Pratt qui fait son numéro habituel.

D'ailleurs les acteurs s'en sortent plutôt bien (Yvonne Strahovski se donne à fond dans des séquences émotion™ certes gentiment forcées par le script, mais qui restent efficaces grâce à elle), et s'il faut bien admettre quelque chose, c'est que les effets spéciaux des créatures et des affrontements sont très réussis (sauf les rafales piteuses des armes à feu).

Mais dans l'ensemble, la mayonnaise reste assez fade, pas aidée par une dernière partie (après le retour de Dan dans le présent) à rallonge, pas très bien structurée et avec un ton qui tranche par rapport au mélodrame apocalyptique de ce qui précédait.

Dans l'ensemble, donc, malgré un postulat de départ qui aurait pu être intéressant s'il avait été bien traité, le tout reste très moyen à tendance faiblard, évoquant constamment d'autres métrages similaires, sans rien apporter de vraiment probant au genre. Comme je le disais, ça se regarde, pour peu qu'on éteigne son cerveau...

3 - 0.25 pour la voix off finale clairement enregistrée à l'arrache et mixée avec les pieds = 2.75/6

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Space Jam - Nouvelle Ère (Space Jam : A New Legacy - 2021) :

Lorsque le basketteur LeBron James refuse une idée promotionnelle proposée par Al-G Rhythm (Don Cheadle), algorithme informatique définissant la stratégie commerciale des studios Warner, ce dernier s'emporte et décide de se venger. Il enlève le fils de LeBron, Dom (Cedric Joe), apprenti programmateur, et oblige LeBron à constituer une équipe de Looney Tunes pour se battre contre sa propre équipe, menée par son fils, afin de déterminer l'avenir du monde virtuel Warner, et de la famille James...

Mouais.

Difficile de critiquer ce Space Jam 2.0 sans tomber dans une liste de comparaisons avec l'original... D'autant que le schéma narratif global reste le même, alourdi d'une relation Lebron/Dom assez cousue de fil blanc.

Mais pour faire court, Space Jam 2021 est peu ou prou du même niveau que Space Jam 1996, une sorte de Ready Player One à la gloire de toutes les franchises Warner Bros, et qui utilise ces dernières n'importe comment, au point que l'on se demande à qui s'adresse le film : bourrer les arrières-plans de références à Casablanca, à Ça, au Magicien d'Oz, à Mad Max - Fury Road, à Matrix ou à Austin Powers, ça ne donne pas particulièrement l'impression que le film s'adresse vraiment aux enfants, mais plus à leur parents nostalgiques ayant grandi avec l'original (et encore, pas sûr que beaucoup de trentenaires ou quadras connaissent un film comme Les Diables de Ken Russell)...

D'ailleurs, se pose là un problème évident : Oui, LeBron est meilleur acteur que Jordan en son temps (il était déjà plutôt correct dans Trainwreck)... mais il n'en a pas le charisme et l'aura légendaire dans la conscience collective. Sans surprise, le moment où les Tunes annoncent qu'ils ont trouvé Jordan pour se joindre à l'équipe (ce qui débouche sur une feinte et un gag assez prévisibles, mais amusants), le film passe un autre palier... avant de retomber aussitôt.

Sans Jordan et son aura de légende, le côté humain du film peine à intéresser, avec la cellule familiale qui fait de la figuration. On peine aussi à croire au leadership de Lebron vis à vis des Tunes, et il est totalement éclipsé par Don Cheadle, qui s'éclate vraiment dans le rôle du grand méchant et vole la vedette aux autres humains du film.

Les Tunes, eux, s'en sortent un peu mieux que dans le film original : il faut dire qu'avec un film frôlant les deux heures, et un match de basket (enfin, pas vraiment, puisque c'est du basket 2.0, aux règles jamais énoncées clairement, et qui sabote donc sa propre tension et ses enjeux au profit d'un déluge d'effets spéciaux) occupant les dernières 45 minutes, les personnages animés ont plus le temps d'exister et de faire leur numéro.

Reste que scénaristiquement, on est dans un calque de l'original, un calque plus long, plus mou, plus chargé encore en placement produit Warner cynique et forcé, mais pas forcément plus honteux ou mauvais.

Ça se regarde, en somme, malgré quelques passages qui font grincer des dents (la parodie de 8 Mile avec Porkey), quelques fausses bonnes idées (la foule de caméos en arrière plan, pendant tout le match, n'a non seulement ni queue ni tête, mais en plus les figurants en font généralement trois tonnes dans des maquillages approximatifs, malheureusement trop visibles à l'écran ; la fausse mort de Bugs Bunny) et une vision assez dépassée du monde numérique.

3/6 pour les plus jeunes (2.5/6 pour les adultes)

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Space Jam (1996) :

Lorsque le monde des Looney Tunes est envahi par les Morons, sbires de Mr Swackhammer (Danny DeVito), ceux-ci s'en tirent de justesse en obligeant les aliens minuscules à les affronter dans un match de basketball. Mais les Morons vont sur Terre, et dérobent le talent des meilleurs joueurs de la NBA... ce qui ne laisse d'autres choix aux Tunes que de demander l'aider de Michael Jordan, fraîchement retraité.

Étrangement, à en croire les réactions du web lors de la diffusion de la bande-annonce de la suite, Space Jam serait devenu un film culte pour toute une génération - de quoi me laisser perplexe, puisque le film ne m'a jamais marqué, et que je n'en gardais, à ce jour, absolument aucun souvenir.

Par conséquent, avant de regarder la cuvée 2021, piqure de rappel, et revisionnage de l'original, histoire de vérifier que je ne serais pas passé à côté d'un classique du septième art...

... et la réponse est non. Tout au plus pourrait-on dire que Space Jam, premier du nom, est anecdotique, avec un mélange d'animation et d'images en prises de vue réelles plutôt réussi, et un Michael Jordan qui, s'il ne gagnera jamais d'Oscar pour sa performance, s'en tire plutôt bien face à des toons virtuels.

Après... malgré ses 90 minutes et quelques, Space Jam n'est pas particulièrement bien rythmé, pas particulièrement dynamique, pas particulièrement drôle, et pas particulièrement bien écrit, donc : difficile de s'enthousiasmer pour ce qui ressemble clairement à une opération commerciale assez cynique (en même temps, le film est né du succès de deux publicités Nike mêlant Bugs Bunny et Michael Jordan), surtout sans bénéficier la nostalgie que certains éprouvent apparemment pour ce métrage.

Comme je le disais, c'est regardable en tant que film pour enfants, mais c'est totalement anecdotique (et honnêtement, la bande originale r'n'b 90's a un peu vieilli).

Un petit 3/6 pour les plus jeunes, moins pour les adultes (2.5/6).

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Après une saison 1 agréable, marquée par un épisode unitaire clairement un bon niveau au-dessus du reste, et deux épisodes pandémiques assez réussis, la série d'Apple TV+ revient pour 9 épisodes de 25 minutes, diffusés en mai et juin derniers...

Mythic Quest, saison 2 (2021) :

Lorsque Ian (Rob McElhenney) décide de prendre un congé sabbatique, il laisse à Poppy (Charlotte Nicdao) la charge de développer la nouvelle extension de Mythic Quest... ce qui va rapidement mener à des complications et à des divisions au sein du studio.

Et je ne sais pas si c'est moi, mais la série m'a semblé différente, cette année. Après une saison 1 axée sur la sortie d'une grosse expansion au jeu, et sur la montée en puissance de Poppy, passée de simple programmeuse à co-directrice créative du jeu, voilà qu'on se retrouve avec une saison 2... centrée sur la sortie d'une grosse expansion au jeu, et sur une Poppy au pouvoir, quasi-flanderisée.

C'est peut-être ma mémoire qui me joue des tours (et je ne dis pas que Poppy était un ange en saison 1), mais j'ai eu un peu de mal à reconnaître le personnage workhaholique et manquant d'assurance de la première année et des épisodes spéciaux, la quasi-straight woman au sein d'un studio de fous, qui ici semble avoir été mis au diapason du reste du cast : en tant que boss, elle est ultra-autoritaire, capricieuse, bitchy, excentrique, méprisante, et, comme souvent, la transition est tellement brutale qu'on se demande si c'est un souci d'écriture.

Certes, c'est partiellement voulu, afin d'illustrer l'adage "le pouvoir corrompt", mais aussi de souligner le fait que toutes les insécurités de Poppy prennent le dessus sur elle lorsqu'elle est en position de grand stress... mais la transition reste très brusque, et fait immédiatement basculer le personnage dans le camp des antipathiques.

L'écriture, d'ailleurs, fait des choix intrigants, qui ne paient pas toujours : Ian (et donc Rob McElhenney, acteur, showrunner, scénariste) est mis en retrait, tant dans ses caprices que dans ses folies, et se retrouve à remettre à leur place Poppy et Rachel en leur disant leurs quatre vérités (on est parfois à deux doigts du mansplaining de Gen X-er, notamment lorsqu'il explique la vie à Rachel la SJW clichée) ; la relation de Rachel (Ashly Burch) et de Dana (Imani Hakim) passe au premier plan, tentant de jouer la carte du shipping LGBTQ+ mais (comme le soulignent les autres personnages) tout le monde s'en contrefiche... y compris le spectateur ; et Brad (Danny Pudi) prend (inévitablement) plus de place, associé à Jo (Jessie Ennis) dans une relation mentor/protégée qui dégénère rapidement en rivalité sans pitié.

De quoi développer certains des personnages secondaires, ce qui est l'objectif de toute saison 2. Mais tout est une question de dosage : l'opposition artistique et la séparation créative de Ian et Poppy, traitée sur le mode du divorce amical, n'est pas un fil conducteur forcément assez fort pour tenir toute la saison, d'autant qu'il se déroule de manière très prévisible.

Un sentiment encore plus renforcé par l'épisode "spécial" de la saison, l'équivalent de l'excellent A Dark Quiet Death de la saison 1 : ici consacré à CW Longbottom, le scénariste du jeu Mythic Quest habituellement interprété par F. Murray Abraham, l'épisode décrit une rivalité créative entre trois jeunes auteurs (Josh Brener, Shelley Hennig, Michael Cassidy), dans les années 70, rivalité finissant par mener à leur séparation, et à une réconciliation, cinquante ans plus tard, dans l'épisode suivant.

Pas désagréable, en soi, mais assez convenu et redondant, et n'ayant pas l'efficacité de l'épisode "spécial" de la saison 1, ce Backstory a le mérite d'éclairer un peu le parcours de CW (d'une manière finalement très Lostienne), et de donner de quoi s'amuser à William Hurt et à F. Murray Abraham, dans l'épisode suivant.

Mais ça téléphone aussi largement la conclusion de l'arc Ian/Poppy, déjà très prévisible, et qui suit alors son petit bonhomme de chemin (en passant par la case "Ian est à l'hôpital, tout le monde s'inquiète", assez facile).

Un peu faible créativement, la série reste cependant agréable à regarder, est assez ludique. On pourra reprocher, comme toujours, les inserts de jeux Ubi Soft et autres (Horizon Zero Dawn) pour illustrer le jeu Mythic Quest, ou encore un David globalement inexistant...

Et puis il y a cette fin de saison, qui voit Poppy et Ian quitter le studio de Mythic Quest pour aller créer un autre jeu ailleurs. Une fin qui sonne très fin de série, qui arrive un peu comme un cheveu sur la soupe, et qui manque d'un véritable crescendo probant.

Après... ça reste Mythic Quest, c'est (comme je le disais plus haut) toujours agréable à suivre, et de toute façon je suis clairement minoritaire à penser que cette saison 2 manquait de cohésion et de véritable direction : la majorité des critiques et des fans (qui viennent souvent du public d'It's Always Sunny... dont je ne faisais pas partie) ont apprécié cette nouvelle fournée d'épisodes, et sont nettement plus attachés aux personnages que je ne le suis actuellement.

Néanmoins, certains des choix créatifs de cette saison ne m'ont pas vraiment convaincu, et j'en ressors donc globalement mitigé.

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 Après ses deux premiers épisodes, et les deux suivants, la série Loki continue de partir, bon gré mal gré, dans des directions intrigantes... reste à voir si le programme va réussir son atterrissage.

Loki, saison 1 :

- 1x05 : Exilé avec les autres Loki dans le Néant, un endroit au bout du temps et de l'espace, Loki doit faire face, à l'aide de ses variants (Richard Grant, Jack Veal, DeObia Oparei), à Alioth, un nuage dévorant le Vide et ses occupants... mais la nature même des Loki menace de tout faire capoter.

Un avant-dernier épisode saisonnier plutôt intéressant et bien rythmé, au risque de paraître décousu et un peu précipité (on sent que certains moments ont été coupé au montage, comme certaines explications et transitions), mais ces facilités ne gâchent pas vraiment un épisode riche en spectacle et en effets spéciaux, qui voit Richard E. Grant voler la vedette à tout le monde dans un grand final aux accents Wagnériens, Marvel multiplier les clins d'œil aux comics (Throg ! le Thanoscopter !), Loki et Sylvie se rapprocher de manière touchante, et le scénario ouvrir une porte difficile à refermer avec cette forteresse mystérieuse, qui abrite le véritable cerveau derrière la TVA.

À ce stade de la série, il ne reste pas beaucoup de possibilités : tous les indices semés par le scénariste mènent logiquement à Kang le Conquérant, dans l'une ou l'autre de ses incarnations... mais on sait ce que ça donne de se laisser emporter par les spéculations.

Pour des raisons thématiques, Marvel pourrait aussi bien opter pour un variant Loki maléfique, ou pour une gigantesque manipulation de Sylvie (ou même de Miss Minutes, IA ayant décidé de suivre sa programmation à la lettre, par exemple).

On devrait rapidement être fixés dès la semaine prochaine, en tout cas.

- 1x06 : Les Loki entrent dans la forteresse se trouvant dans le Néant, et y confrontent le créateur de la TVA...

Fin de partie pour Loki, avec un épisode final chargé en exposition, et qui nous présente enfin le big bad de sa série... Kang le Conquérant.

Pas forcément une surprise pour l'amateur de comic-books avisé, mais une apparition qui fait plaisir, portée par un Jonathan Majors assez exubérant en "Celui qui demeure", une incarnation de Kang ayant choisi de faire régner la loi et l'ordre dans l'univers, pour éviter une guerre multidimensionnelle entre ses divers variants.

Une manière intéressante de réinterpréter le personnage de Kang et ses multiples versions, et qui laisse la porte ouverte à son retour, encore et encore, dans diverses incarnations à l'avenir (notamment dans le prochain Ant-man).

Après, je ne dirais pas non plus que j'ai été particulièrement surpris par la décision finale des deux Loki, et leur affrontement : cette histoire ne pouvait pas connaître de fin heureuse, et voir Loki expulsé sans hésitation par Sylvie dans une autre réalité est finalement assez logique (tout en évitant une séparation dans le sang et la douleur).

Reste que la porte est finalement grande ouverte pour une saison 2 qui, peut-être verra encore plus de mondes parallèles et de variants de Loki toujours plus déglingués...

- Bilan saisonnier -

Probablement, à mon goût, la série la plus réussie et homogène du MCU. Ou du moins, la mieux maîtrisée par ses scénaristes et sa production. Ce n'est pas parfait, et comme souvent, on sent que la COVID est passée par là, mais le tout m'a paru moins décousu que Falcon..., et mieux rythmé que Wandavision.

Et puis, bien entendu, il y a cette porte vers le Multivers, qui a été largement défoncée par la série, et qui devrait être explorée en long, en large et en travers dans les films à venir, et dans la saison 2 de Loki. Car oui, contrairement aux deux mini-séries précédentes, le récit de Loki se poursuivra dans une prochaine saison... ce qui est particulièrement intrigant, surtout compte tenu des événements de ce final, qui laissent beaucoup de choses en suspens.

Dans l'ensemble, donc, une série plutôt agréable et excentrique, qui a osé partir dans des directions intéressantes, et s'établir comme une charnière importante du MCU à venir (enfin, du Marvel Cinematic Multiverse, MCM, devrait-on dire désormais).

Reste à Marvel à mieux structurer ses saisons : actuellement, les séries sont écrites et produites comme des longs-métrages de 5 ou 6 heures, ensuite découpés au format hebdomadaire pour donner des épisodes plus ou moins longs. Ce qui coince parfois, et donne lieu à des passages mous ou de remplissage. Et sans surprise, c'est le scénariste habitué à la télévision qui s'en est sorti le mieux pour rythmer le tout, et donner envie de revenir de semaine en semaine.

Espérons que la tendance ira en se confirmant, pour que les productions télévisées du MCM soient de plus en plus homogènes dans leur production...

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

The Misfits (2021) :

Richard Pace (Pierce Brosnan), voleur international, parvient à échapper de justesse à une victime mécontente lorsqu'il tombe entre les mains d'un groupe de robins des bois modernes, les Misfits : Violet (Jamie Chung), spécialiste en arts martiaux ; le Prince (Rami Jaber), aux origines mystérieuses ; Wick (Mike Angelo), expert en explosifs ; et Ringo (Nick Cannon), leur leader excentrique. Ensemble, et avec l'aide de Hope (Hermione Corfield), la fille de Pace, le groupe va tenter des lingots d'une valeur de plusieurs millions de dollars, dissimulés dans une prison d'Abou Dabi par Warner Schultz (Tim Roth), pour le compte de dangereux terroristes...

Un film de casse écrit par Kurt Wimmer (Equilibrium) et réalisé par Renny Harlin (que l'on ne présente plus), qui associent leurs "forces" pour produire ce qui se voulait clairement être un thriller international léger et déconneur (comme Brett Rattner a pu en produire avec Brosnan, justement), mais qui n'en a ni l'énergie, ni le style, ni le rythme.

Ce n'est pas faute d'essayer, reconnaissons-le : dès le début, avec sa narration goguenarde en voix-off de Nick Cannon, ses ralentis, son montage déstructuré, etc, le film tente d'être cool et fun, mais le script ne suit pas, et la distribution non plus. Brosnan fait du Brosnan (et semble un bon niveau au dessus du lot, notamment dans les rapports de son personnage avec sa fille), Cannon fait le con, les autres sont rarement mémorables, et l'écriture de Wimmer, ultra-basique et frôlant parfois les clichés racistes/islamophobes, tire fréquemment le tout vers le bas.

Ne reste alors de ces 95-100 minutes de film qu'un gros spot publicitaire pour l'office du tourisme d'Abou Dabi, plutôt joliment filmé, mais mou, générique et prévisible au possible, et qui, au moins, aura permis aux acteurs d'arrondir leurs fins de mois.

2/6

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Le Dragon-Génie (Wish Dragon - 2021) :

Jeune livreur de Shangai sans le sou, Din (Jimmy Wong) rêve de renouer avec son amie d'enfance, Li Na (Natasha Liu Bordizzo), issue d'une famille riche et devenue une superstar de la mode. Un jour, il met la main sur une théière magique, d'où émerge Long (John Cho), un dragon-génie, qui lui offre trois vœux : Din décide alors de tout faire pour entrer en contact avec Li Na, en demandant à Long de faire de lui un riche jet-setteur...

Franchement, j'ai eu du mal, pendant et après tout le visionnage de ce métrage d'animation Netflix co-produit par la Chine et par Sony, à ne pas parler de ce film comme du Dragon Wish... tant le récit ressemble fréquemment à une version Wish de l'Aladdin de Disney : une copie clinquante et peu inspirée, qui n'arrive pas à la cheville de l'original.

Après, ce n'est pas forcément surprenant : le conte d'Aladin est, à l'origine, un conte se déroulant en Chine, et, un peu comme avec Voyage vers la Lune, Netflix tente de séduire les marchés asiatiques avec ses films d'animation (ce métrage a d'ailleurs été produit par un studio spécialement créé pour l'occasion et pour séduire le marché chinois, avec Jackie Chan à la production et au doublage chinois de Long).

Bref : on est donc dans du Aladdin modernisé, où tous les éléments du récit original sont transposés dans la Chine moderne (de quoi donner lieu à des scènes plates durant lesquelles Long découvre le monde moderne), et où l'on aurait ajouté une bonne dose de kung-fu, Asie oblige, en la personne de trois méchants (enfin, du méchant principal et de deux sbires idiots) assez insipides qui poursuivent Din pour mettre la main sur la théière magique.

Rien de particulièrement intéressant à signaler, donc, le film souffrant d'un manque flagrant d'originalité, d'un rythme mollasson et d'une direction artistique très générique. Il faut attendre la dernière ligne droite du récit pour que le film se détache un peu de ses influences Disney, en développant un peu les états d'âme du génie cynique, et le panthéon chinois.

Un bon gros bof, en ce qui me concerne, et j'ai presque envie de dire que malgré ses intentions de "cinéma fait en Chine, pour les Chinois... et le reste du monde", on sent que le réalisateur et scénariste de ce Wish Dragon est un Américain tout ce qu'il y a de plus formaté.

2.5/6

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La Naissance du Dragon (Birth of the Dragon - 2016) :

En 1964, alors qu'il enseigne à San Francisco, Bruce Lee (Philip Wan-Lung Ng) apprend que Wong Jack-man (Xia Yu), un artiste martial rival, est arrivé en ville. Persuadé qu'il est l'envoyé des grands maîtres chinois qui s'opposent à sa volonté d'enseigner le kung-fu aux occidentaux, Bruce défie alors Wong Jack-man en duel singulier, sous le regard désapprobateur de Steve McKee (Billy Magnussen), l'un de ses élèves. Car Steve est intéressé par la philosophie de Wong Jack-man, et commence à être déçu par celle, plus agressive, de Bruce Lee. Pire : l'élue de son cœur est aux mains de la pègre locale, et pour la sauver, il doit convaincre un Wong Jack-man réticent d'affronter Bruce....

J'en parlais hier après mon visionnage de Dragon : j'étais curieux de voir ce Birth of the Dragon de 2016, réalisé par George Nolfi (L'Agence, Spectral), et produit par Blumhouse et la WWE (aïe), afin de savoir s'il allait être plus fidèle à la réalité et plus abouti que le Dragon de Rob Cohen.

Pas de chance, c'est tout l'inverse.

Le problème, en fait, c'est que ce métrage, écrit par le scénariste de Nixon, de Ali et de Gemini Man, prétend faire de Bruce Lee son personnage principal, alors qu'en réalité, il en est l'antagoniste : ici, Bruce Lee est arrogant, vantard, jaloux et abrasif, un bully brutal et mesquin qui ne deviendra la légende et le philosophe pacifique que l'on connaît que grâce à l'influence de l'un de ses élèves, inventé pour l'occasion, un white saviour caucasien blond aux yeux bleus qui s'éprend d'une jeune immigrante retenue prisonnière de la pègre locale.

Une approche qui fait gentiment grincer des dents, et place ce personnage au carrefour de l'évolution de Bruce Lee, et de la rédemption de Wong Jack-man, le célèbre maître qui a affronté Lee en duel singulier, et que le film semble bien décidé à présenter sous le meilleur possible, faisant de lui un combattant supérieur à Bruce Lee, plus sage, plus doué, qui laisse Bruce gagner pour lui apprendre une leçon de vie (et ayant, in fine, contribué à faire voir la lumière à ce dernier).

En soi, pourquoi pas, un film évitant de déifier Bruce Lee aurait pu avoir du bon. Mais en faisant tout tourner autour de "Steve McKee" et de Wong Jack-man, le métrage se retrouve presque à mentir sur la marchandise. Oui, Bruce Lee fait partie du film, mais il n'en est qu'un personnage secondaire, limité à ses traits négatifs, et sa "naissance" est en fait une renaissance philosophique dont les deux autres personnages sont à l'origine.

On est donc loin d'un biopic, et ce qui n'aide pas les choses, c'est que les affrontements (notamment le grand duel Lee/Jack-man) sont filmés à l'aide de multiples gimmicks de réalisation : ralentis matrixiens, angles de caméra improbables, accélérés et floutages, effet "je prédis les coups à venir de mon adversaire en surimposition", sauts câblés à la pseudo-signification métaphorique, etc.

Ça gâche parfois gentiment le spectacle, ce qui est d'autant plus dommage que les acteurs sont plutôt bons, martialement parlant, et que les chorégraphies de Corey Yuen ne sont pas mauvaises.

Et puis je ne parle même pas de la structure globale "film de superhéros", qui voit les héros s'affronter aux 2/3 du film, parvenir à un status quo, et faire ensuite équipe pour aller botter le cul des méchants dans un dernier quart cheesy au possible, façon buddy movie, avec one-liners faiblards, et musique symphonico-électronico-rock (qui vire au métal hors-sujet dans le générique de fin).

Un film bancal ne semble donc pas savoir sur quel pied danser : buddy movie léger et humoristique, biopic sérieux et profond, film d'exploitation, etc.

2.5/6 (pour la chorégraphie des combats, principalement)

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Dragon - L'histoire de Bruce Lee (Dragon : The Bruce Lee Story - 1993) :

La vie et la carrière de Bruce Lee (Jason Scott Lee), qui de ses débuts de garçon de cuisine à sa célébrité mondiale en tant qu'acteur, a sur bouleverser la perception occidentale des arts martiaux et de leurs pratiquants asiatiques...

Un vieux biopic de 1993 signé Rob Cohen (Cœur de Dragon, le premier Fast and Furious, xXx, La Momie 3) qui, passionné par ce projet et par la vie de Bruce Lee, a opté pour une approche délibérément très dramatisée et métaphorique de son sujet : séquences de visions fantastiques qui voient Bruce hanté par ses démons, combats volontairement mis en scène de manière cinématographique (avec bruitages et postures outrées, ainsi qu'une action ponctuellement accélérée), événements réinventés pour être plus mémorables... il est difficile de juger vraiment le film sur des bases d'authenticité biographique, tant les libertés prises avec le sujet sont conséquentes.

Cela dit, on peut aborder ce Dragon sous d'autres angles, et là, ça fonctionne plus ou moins bien. Jason Scott Lee est plutôt bon dans le rôle, crédible physiquement, même si son interprétation frôle ponctuellement l'imitation et la copie un peu trop appuyées ; le rythme du film est suffisamment soutenu pour qu'on ne s'ennuie pas ; le film souligne l'importance de la relation de Bruce avec sa femme, la manière dont Lee a été confronté à un racisme systématique aux USA, l'impact de son succès sur sa vie de famille...

Il y a donc du bon, mais aussi du mauvais : la bande originale de Randy Edelman est gentiment cheapouille et basique, il y a des scènes totalement gratuites et/ou cheesy (dont les scènes de sexe entre Bruce et sa femme), les scènes d'action auraient parfois mérité un peu plus de maîtrise dans la réalisation, et de manière globale, le tout aurait nécessité un peu plus subtilité dans son écriture et dans sa mise en images.

Cela dit, pour peu que l'on adhère aux partis-pris du film, notamment du point de vue biographique, ce Dragon se regarde tranquillement. C'est loin d'être un chef d'œuvre, ça a un peu vieilli (surtout si, comme moi, on ne l'a pas revu depuis 25 ans), certaines périodes de la vie de Bruce sont trop survolées (toute sa carrière cinématographique, notamment, ce qui a tendance à affaiblir la progression de la dégradation de son état mental/physique) et c'est formellement parfois plus proche d'un biopic télévisé que d'un film de cinéma, mais ça se regarde.

(maintenant, je suis curieux de voir ce que vaut le film Birth of the Dragon, de 2016)

3.5/6

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Black Widow (2021) :

En 2016, peu de temps après la guerre civile ayant divisé les Avengers et leurs alliés, Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) part en urgence pour Budapest après être entrée en possession d'un antidote au lavage de cerveau subi par les espionnes de la Chambre Rouge dans leur jeunesse. Là, traquée par le mystérieux Taskmaster, elle retrouve Yelena Belova (Florence Pugh), sa sœur d'adoption, qui lui a fait parvenir l'antidote, et qui lui explique que la Chambre Rouge est toujours active, sous le contrôle du sinistre Dreykov (Ray Winstone)...

Après des années d'attente, le voilà enfin ce film solo consacré à Black Widow, un film ma foi assez sympathique, à défaut d'être parfait, et qui penche nettement plus vers le côté actioner sérieux du MCU que vers ses métrages plus légers.

Cela le rendra certainement moins accessible que d'autres films du MCU, puisque ce Black Widow s'oriente fréquemment dans une direction très Bondienne, avec un méchant mégalomaniaque qui vit dans une base volante, entouré d'une armée de femmes espionnes lobotomisées... on accroche ou pas à ce délire, et à la bande originale assez terne de Lorne Balfe (sans surprise).

Pour les moins portés sur l'action décomplexé, spectaculaire et (parfois trop) numérique, heureusement, le script se permet des écart façon famille dysfonctionnelle, entre David Harbour (excellent en homologue russe bedonnant du Capitaine America), Rachel Weisz, Scarlett et Florence Pugh, qui compose un personnage de petite sœur dure à cuire et sarcastique assez amusant.

L'équilibre entre l'action, les dialogues sérieux et l'humour n'est donc pas parfait, comme je le disais, mais dans l'ensemble, on ne s'ennuie pas, le scénario comble bon nombre des trous laissés par le mystère planant sur la vie de Natasha, et au final, le tout se rattache assez bien à la fin de Falcon et le Soldat de l'Hiver, ainsi qu'avec la série Hawkeye à venir.

Quelle note donner à ce métrage ? Sa nature de flashback en fait quelque chose qui n'est pas indispensable, mais il reste globalement efficace ; il y a plein de petits détails techniques un peu agaçants (certains effets moins bien finalisés, un recours un peu trop insistant au numérique, une ellipse frustrante quand arrive le Général Ross) mais dans l'ensemble, ça reste bien mené, l'action est assez sèche (plus que dans d'autres Marvel), c'est bien interprété, donc...

3.75 - 0.25 pour la reprise de Nirvana pseudo-dark qui m'a agacé = 3.5/6

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  Sympathique mais se cherchant un peu, la première saison de Superstore bénéficiait d'un format assez court de 11 épisodes ; en doublant ce nombre d'épisodes, la saison 2 faisait le choix inverse : utiliser tout ce temps d'antenne supplémentaire pour développer ses personnages secondaires, leurs relations... et malheureusement, pour accentuer le shipping entre Jonah et Amy, ses deux personnages principaux.

Et la saison 3, elle aussi constituée de 22 épisodes, continue (à mon grand dam) dans cette direction...

Superstore, saison 3 (2017) :

Après la tornade qui a ravagé le magasin, les employés du Cloud 9 se serrent les coudes et sont plus soudés que jamais - ou pas. Car Amy, fraîchement divorcée, tente de se reconstruire, alors même que Jonah, lui, trouve l'amour dans les bras de Kelly (Kelly Stables), une nouvelle employée. Et puis il y a Glenn, ébranlé par les événements qui ont détruit son magasin, et qui décide qu'il veut un enfant biologique... quitte à ce que Dina en soit la mère porteuse.

Superstore saison 3 ou, pour moi, la saison du malaise.

Je ne sais pas ce qui s'est passé, et j'ai pleinement conscience qu'encore une fois, mon avis est largement minoritaire (il suffit de voir l'enthousiasme critique global, au fil des ans, pour le programme et ses rebondissements sentimentaux), mais j'ai totalement décroché pendant une grosse partie de la saison, et j'ai eu bien du mal à rester présent jusqu'au bout.

Pourtant, les deux précédentes saisons avaient su rester amusantes et plaisantes, malgré des défauts récurrents qui me gênaient (dont le shipping Amy/Jonah, qui ne m'a jamais convaincu). Mais là, à plusieurs reprises, j'ai eu l'impression d'assister à une série en pilotage automatique, parvenant à peine à m'arracher plus qu'un sourire çà et là, et bien en deçà des saisons précédentes.

À commencer par la première dizaine d'épisodes, des épisodes qui, malgré des moments amusants (Mateo en Sal pour Halloween, Sandra et sa rivale Carol, les séquences de réunion toujours déjantées, l'épisode de Noël alcoolisé), finissent toujours par se prendre les pieds dans le tapis à un moment ou un autre, lestés par un besoin étrange des scénaristes de faire d'Amy la protagoniste principale de la série.

Et cette tendance ne fait que se confirmer au gré de la saison : manque de structure globale (on retrouve quelques épisodes thématiques - Halloween, Noël - mais c'est tout), manque de conséquences de la saison précédente (Dina souffre de PTSD pendant un épisode et demi, et c'est oublié), intrigues quelconques (Glenn qui demande à Dina de porter son bébé, ça a provoqué chez moi de mauvais flashbacks de Phoebe dans Friends ; la grossesse surprise d'Amy, ce n'est guère mieux) ou sous-développées (la grossesse de Dina, le renvoi de Myrtle, Jonah et Garrett colocataires, autant d'éléments que les scénaristes n'utilisent qu'une fois ou deux, avant de les ranger dans un placard, pour les ressortir bien plus tard au moment de leur apporter une conclusion sommaire), le show conserve des scènes ou des sous-intrigues qui fonctionnent, mais qui toutes s'effacent derrière Amy, sa vie amoureuse, et son quotidien pathétique.

Parce qu'en effet, non contents de passer Amy au premier plan de la plupart des épisodes, les scénaristes ont commencé à forcer le trait, à deux doigts de la flanderisation : Amy est tour à tout jalouse, autoritaire, manipulatrice, menteuse, stridente, gaffeuse, maladroite, arrogante, etc, elle frôle fréquemment le niveau Michael Scott de l'embourbement spontané dans des situations improbables, et elle ne supporte absolument pas le couple que Jonah forme désormais avec Kelly (un personnage assez quelconque et au brushing improbable, qui aurait pu fonctionner avec quelqu'un d'autre dans le rôle, peut-être une Dreama Walker, ou quelqu'un du genre).

Résultat, le plus clair de la saison est centré sur Amy et ses rapports avec les autres personnages (Cheyenne, Tate, Dina, Glenn, le livreur de boissons, Kelly), ainsi que sur sa relation pseudo-sentimentale avec Jonah. Une relation qui culmine malheureusement dans la seconde moitié de saison, et se conclue de manière prévisible, par une combo je suis enceinte de mon ex/je te déteste/en fait je t'aime/couchons ensemble des plus horripilantes si, comme moi, on n'adhère pas particulièrement à ce couple.

Et donc, forcément, la saison passe très lentement, particulièrement axée sur cette relation qui fait beaucoup de surplace, laissant tellement de place à Amy qu'elle en oublie certains autres personnages (Cheyenne, notamment, mais aussi Garrett, plus en retrait, Myrtle, qui disparaît logiquement...) et délaissant un peu trop sa fibre sociale (même si elle ressurgit ponctuellement autour de Myrtle - notamment dans le final -, de la sécurité sociale des employés, et de Cheyenne, qui travaille à mi-temps pour Target, la concurrence de Cloud 9 - l'occasion d'un épisode sponsorisé un peu honteux).

Je ne dirais pas que j'ai détesté le programme, il lui reste (ainsi qu'à sa distribution) suffisamment de capital-sympathie pour que le tout se regarde facilement, mais j'ai tout de même plus souvent grimacé devant mon écran qu'éclaté de rire.

Encore une fois, je sais pertinemment que c'est un avis très minoritaire, et que la romance Jonah/Amy plaît à la plus grande partie des spectateurs du show.

Néanmoins, je pense qu'une pause dans ma rétrospective s'impose, si je ne veux pas être "dégoûté" de la série - d'autant que c'est à partir de la saison 4 que le programme semble commencer à muter et à diviser les fans : la quatrième année du programme est aussi la dernière de son showrunner et créateur, Justin Spitzer, et apparemment, son départ va laisser des traces sur le ton et l'écriture du show.

Donc pour l'instant, pendant quelques semaines, je laisse la série en pause, exactement à la moitié de cette rétrospective.

Je reprendrai probablement début août...

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 Avec ses deux premiers épisodes, la série Loki a réussi a se créer une place bien à elle dans cette phase 4 du MCU : une sorte de bulle temporelle étrange, au sens de l'humour bien particulier, et qui remet en question tout ce que le spectateur pense savoir du fonctionnement de l'univers Marvel...

Loki, saison 1 :

- 1x03 : Bien décidé à ne pas se laisser reprendre par la TVA, Loki (Tom Hiddleston) suit son variant, Sylvie (Sophia Di Martino), au travers d'un portail, et se retrouve coincé avec elle sur Lamentis 1, une planète sur le point d'être détruite...

Un épisode de transition assez bref (moins de 40 minutes, tout compris) qui consiste essentiellement en un tête à tête entre Loki et Sylvie, deux incarnations d'un même personnage aux parcours bien différents. De quoi comparer leurs vies, leurs familles, leurs expériences, et apprendre à dépasser le stade de simples ennemis - même s'il semble évident qu'ils se trahiront à la moindre occasion.

Les deux acteurs principaux s'amusent clairement beaucoup, et l'épisode est plutôt réussi sur ce front, bien qu'un peu bavard pour les plus impatients : on sent que cet épisode a été remanié en post-production au niveau du rythme, de manière assez inégale, d'autant que le tout débouche sur une grosse scène d'action spectaculaire assez gratuite (façon "on filme tout en une prise avec la caméra portée qui navigue autour des acteurs").

Un peu frustrante, d'ailleurs, cette scène finale, puisqu'elle manque non seulement de raison d'être (les gardes qui retrouvent les Lokis au milieu de l'apocalypse, mwébof), mais aussi un peu de punch et de nervosité dans sa chorégraphie et sa mise en images.

Cela dit, au détour de ses dialogues, l'épisode se permet de semer quelques indices sur la véritable nature de la TVA, composé de variants issus de diverses lignes temporelles, et pas créés ex-nihilo par les Gardiens du Temps ; autrement dit, ces derniers ont clairement reformaté l'esprit de leurs employés... si tant est qu'ils existent réellement.

- 1x04 : Retrouvés in extremis par la TVA alors qu'ils étaient sur le point d'être détruits, Loki et Sylvie redeviennent les captifs de l'organisation. Mais les mensonges de cette dernière commencent à refaire surface, suscitant le doute chez certains des employés de l'agence...

Un épisode charnière dans la saison, qui confirme un certain nombre de suspicions du spectateur, tout en développant un peu plus le personnage de Loki, sa relation avec Sylvie, et sa place dans l'univers Marvel.

Et c'est plutôt sympathique, à vrai dire : toujours un peu bavard (mais c'est le personnage qui veut ça), l'épisode entérine le côté Magicien d'Oz des Gardiens du Temps (des animatroniques créés par... ?), confirme que Loki ne peut tomber amoureux que de lui-même (dans une version féminine, certes), que l'on devrait avoir des réponses très rapidement, et que, plutôt que d'être désintégrés, les variants Loki sont en fait expédié sur un plan d'existence ressemblant étrangement à un New York en ruines, peuplé de leurs semblables (en l'occurrence, le vieux Loki dans son costume en spandex jaune et vert, Kid Loki, un Loki noir maniant un marteau asgardien, et Lokicodile, adorable avec sa petite couronne).

Ajoutez à cela un caméo amusant de Sif, et voilà, un épisode plutôt agréable, que j'ai clairement préféré au précédent, et qui annonce une fin de saison spectaculaire (tous les Lokis contre la TVA ?).

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