Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...
Bunker of the Dead (CERUSIT) :
Dans une petite ville de Bavière, deux compères, Markus (Patrick Jahns) et Thomas (Aciel Martinez Pol) sont bien décidés à mettre la main sur l'or de guerre des Nazis, qu'ils pensent dissimulé dans une base souterraine abandonnée, baptisée CERUSIT. Équipé d'une combinaison à caméra embarquée, et relié en permanence à Thomas, Markus s'aventure dans le dédale souterrain... un dédale où il va trouver militaires américains, extraterrestres, ovnis, et zombies nazis.
Une bouse totale made in Germany, qui dès sa première minute, façon in media res, laisse vraiment augurer du pire : zombies nazis mollassons, au maquillage basique, Hitler zombifié et stéroïdé, voix-off agaçante... et très rapidement, on s'aperçoit qu'il en est de même durant tout le reste du métrage.
Un métrage supposément conçu comme un found-footage (comme l'indique son carton titre pourri en ouverture), mais qui finit par n'être qu'un Wolfenstein 3D en prises de vue réelles, fauché au possible, avec musique de suspense, héros qui balance des punchlines à tout va, ennemis qui arrivent les uns après les autres, et combat de boss final, à mains nues contre un Hitler de pacotille.
Ce qui aurait pu être distrayant, si tout ne semblait pas écrit par un ado de 13-14 ans, dont le protagoniste principal semble être l'incarnation : c'est un pseudo-rebelle qui ne se tait jamais, fait constamment des remarques (supposément) sarcastiques et drôles (mais en fait très lourdes, et du niveau d'un collégien), est instantanément une bête de guerre sans avoir jamais touché à une arme de sa vie, et l'on n'a qu'une envie, qu'il se taise ou qu'il se fasse tuer au plus vite.
Malheureusement, ce n'est pas le cas, on le subit du début à la fin du film, qui est un véritable calvaire, jamais drôle, jamais tendu, jamais bien écrit ni réalisé, avec des costumes ridicules (l'alien... j'en ris encore), bref, un gros bordel qui part dans tous les sens, et devant lequel on passe plus de temps à se prendre la tête dans les mains qu'à être attentif.
D'un autre côté, un tel plantage n'est pas forcément très surprenant, quand on s'aperçoit que le réalisateur/scénariste est crédité sous deux pseudonymes différents au générique, sans raison, et que la page Imdb a clairement été remplie par l'équipe du film, qui s'excuse presque du bordel général dans un anglais approximatif, en expliquant que "nous voulions tourner un mockumentaire avec sous-titres, mais au montage, le distributeur en a fait un first person shooter avec des doublages, on n'est pas responsables".
Ce qui n'est pas du tout crédible vu l'écriture des personnages, et la manière dont le gros de l'action a été filmé. Mais bon, je suppose qu'on sauve les meubles comme on peut.
1/6
(pour une scène ou deux, amusantes, et parce que si on coupe le son, qu'on réécrit totalement les dialogues et qu'on refait le doublage, ça pourrait donner quelque chose de vaguement regardable)
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Marebito :
Journaliste indépendant à l'équilibre mental fragile, Takuyoshi Masuoka (Shin'ya Tsukamoto) est obsédé par le concept de la peur et de la terreur. Fasciné par l'effroi ressenti par un homme s'étant planté un couteau dans l'oeil dans le métro, il décide d'aller enquêter sur place, persuadé que la réponse à ses interrogations se trouve sous terre. Là, dans un dédale sinistre et étrange, il trouve une femme muette, F (Tomomi Miyashita), qu'il ramène bientôt chez lui, intrigué ; mais F cache en réalité un secret des plus sinistres...
Takashi Shimizu, le réalisateur des Ju-On et des The Grudge, profite apparemment de huit jours de pause entre deux tournages pour semi-improviser de film à petit budget, en grande partie filmé en vidéo/caméra portée, ce qui donne à ce Marebito une étrange nature hybride de semi-found footage, et de semi-film traditionnel.
Malgré l'image assez mauvaise, ce format permet de camoufler un peu le budget minimaliste du tout (les effets restent régulièrement fauchés au possible), et de jouer la carte de l'ambiguïté scénaristique, en utilisant le gimmick du narrateur incertain : le protagoniste est dépressif, déséquilibré, et c'est à partir du moment où il cesse de prendre ses médicaments qu'il sombre dans un monde improbable, fait de monstres, de fantômes, et d'une ex-femme qu'il ne semble pas reconnaître, et qui l'accuse d'avoir enlevé leur fille et de la maintenir captive.
Malheureusement, en tant que long-métrage, ce film ne fonctionne que trop occasionnellement à mon goût : c'est mal rythmé, c'est assez moyennement joué, il n'y a jamais aucune tension ni angoisse dans le film (paradoxal compte tenu de la quête du protagoniste), les personnages ont tendance à débiter des discours pompeux et/ou trop référentiels (qui donnent l'impression d'un copier-coller des lectures récentes du réalisateur), et au final, malgré quelques moments intéressants (notamment lorsque le film s'intéresse à la découverte du monde souterrain), le tout finit par tourner un peu trop à vide, par être particulièrement creux, et par manquer cruellement de rigueur formelle et structurelle.
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Crimson Peak :
Bien décidé à devenir romancière, Edith Cushing (Mia Wasikowska) lutte contre les habitudes oppressantes de la société victorienne. Un jour, elle croise le chemin de Thomas Sharpe (Tom Hiddleston), un noble ténébreux et sans le sou, qui la fait tomber sous son charme. À la mort de son père, après avoir hérité de toute sa fortune, Edith décide alors d'épouser Thomas, et d'aller vivre avec lui dans son manoir, Crimson Peak, perdu au milieu de la lande anglaise. Là, elle doit apprendre à composer avec Lucille (Jessica Chastain), la soeur possessive et sinistre de Thomas, qui partage avec eux l'immense bâtisse délabrée... mais bien vite, des esprits menaçants apparaissent à Edith, qui finit par découvrir les secrets de Crimson Peak...
Grosse déception.
J'en attendais beaucoup, de ce Crimson Peak, et ce même si j'avais revu à la baisse mes attentes après Pacific Rim... mais non. À force de jongler avec 35 projets de films et de séries en simultané, Guillermo finit par produire des scripts assez faibles, et surtout beaucoup trop référentiels.
C'est pourtant ici évident, dès le nom du personnage principal : Cushing. On devine aussitôt que tout le métrage va donner dans l'hommage et dans le fanservice au genre de l'horreur gothique, mais aussi qu'il va le faire sans la moindre finesse ou subtilité. Et donc on se retrouve, avec ce Crimson Peak, avec un superbe livre d'images (le film s'ouvre sur "Crimson Peak", un roman dont on tourne les pages) malheureusement totalement creux et cousu de fil blanc.
Superbe, car il est impossible de nier que la direction artistique est réussie : tout est chatoyant, chargé, travaillé, somptueux, avec des constrastes de couleurs et de textures particulièrement vibrantes, bref, c'est splendide, même si ça frôle régulièrement l'overdose... et que ça souligne d'autant plus le vide abyssal du récit.
Un récit qui, sous couvert d'hommage, accumule tous les poncifs du genre, et les ressert sans la moindre imagination, d'une manière particulièrement prévisible et télégraphiée (seul point original, l'utilisation de la glaise rouge sang comme d'un des éléments fondateurs du récit. Mais c'est peu).
C'est bien simple, le spectateur a toujours 30 minutes d'avance sur tous les rebondissements du récit ; pire encore : malgré sa volonté d'être un hommage à un genre que Del Toro adore, le film échoue à être un film d'horreur effrayant et/ou une romance gothique convaincante.
Ainsi, l'horreur ne fonctionne pas vraiment : les fantômes, s'ils sont très réussis visuellement, ne servent pas à grand chose, et n'apparaissent que trop rarement pour réussir à instaurer la moindre tension (d'autant plus que leur présence souligne un problème du récit : si tous les morts parlent à Edith pour la prévenir... pourquoi est-ce que son père n'apparaît pas pour lui révéler l'identité de son assassin ? Mais peu importe). On devine de toute façon très rapidement que ces "fantômes du passé" sont finalement assez inoffensifs, ce qui affaiblit considérablement le quota angoisse du film.
Quant à la romance... disons que Wasikowska est loin d'être une actrice très charismatique (déjà dans Alice, c'était le cas) et qu'elle a très peu d'alchimie avec Hiddleston (et encore moins avec Charlie Dunham, affreusement insipide). Résultat : on ne croit jamais vraiment à cette romance soudaine, et aux liens qui se tissent entre l'héroïne et le mystérieux Thomas Sharpe (pourtant, Hiddleston fait de son mieux).
Le script ne fait d'ailleurs pas de cadeau à ces deux caractéristiques essentielles du film : en ouvrant par un flash-forward montrant la fin du métrage, tout suspense quand au sort d'Edith est aussitôt levé ; en enchaînant par une apparition fantômatique qui prévient Edith de ne pas se rendre à Crimson Peak, toute menace inhérente aux fantômes est levée ; et en continuant avec plus d'une demi-heure de mise en place avant d'arriver au manoir, toute tension narrative est anesthésiée, malgré un meurtre sanglant pas forcément désagréable, et qui insuffle enfin un peu de vie et de mouvement au récit.
Cette tendance de Crimson Peak à abattre ses cartes bien trop tôt téléphone par ailleurs d'autres rebondissements ultérieurs : les messes basses sinistres du frère et de la soeur, certaines allusions qui mettront la puce à l'oreille des spectacteurs avisés ("nous n'avions pas le droit de trainer dans le manoir, mon frère et moi ; nous étions confinés au grenier" = référence directe à V.C. Andrews et à ses Fleurs Captives), la symbolique assez pataude de certaines scènes...
Et puis il y a aussi le problème Jessica Chastain. Une Jessica Chastain, ici dans le rôle de la soeur étrange et possessive, qui dès sa première apparition est tout en regards sinistres et en biais, et en jalousie évidente. Un manque de subtilité dans l'interprétation qui, combiné à une coloration capillaire assez artificielle, place d'office le personnage dans le registre de la grosse caricature pas très convaincante d'une antagoniste louche et meurtrière.
Un registre dans lequel Chastain sombre totalement dans le dernier quart du film, lorsqu'elle bascule en mode psychopathe, avec un hachoir à viande géant dans les mains : pendant quelques minutes, le film en devient presque une comédie d'horreur, dans laquelle tout le monde se poignarde en surjouant affreusement.
Bref, un script prévisible au possible, qui peine à imposer une montée en puissance, un semblant de tension, ou même de la romance ; une distribution assez fade à mon goût ; un argument fantastique finalement superflu ; et une symbolique assez pataude. De quoi mériter une note assez calamiteuse... s'il n'y avait cet aspect technique et visuel, chatoyant et franchement réussi, qui sauve les meubles, et assure la moyenne.
Un petit 3/6 (malgré, encore une fois, une déception de taille ; resaisis-toi, Guillermo !)
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Paranormal Activity 1.5 - Tokyo Night :
Lors d'un séjour à San Diego, aux USA, Haruka Yamano (Noriko Aoyama) est victime d'un accident de voiture qui lui vaut une fracture des deux jambes, et l'oblige à rentrer au plus vite chez elle, à Tokyo. Là, elle est aidée par son frère Koichi (Aoi Nakamura), mais bien vite, d'étranges phénomènes se produisent autour d'eux, et le jeune homme décide de tout filmer...
Ouhlà, j'avais oublié à quel point le premier Paranormal Activity était soporifique : 45 minutes sur une porte qui claque, ce n'est tout simplement pas possible. Et là, avec ce Tokyo Night, on se retrouve donc avec un décalque total du film original, sous la forme d'un pseudo-spin-off/remake/suite alternative qui postule que Katie (la possédée du premier film, au coeur des évènements de la saga) a été tuée dans un accident de voiture, et que son démon a été transféré à l'héroïne de ce film.
Une héroïne un peu trop hystérique et à la limite du surjeu dès que les évènements paranormaux se déclenchent, et qu'elle se met à piailler énormément ; et des évènements insipides, qui n'apportent absolument rien à l'original (hormis un semblant d'environnement japonais), et ne font que souligner à quel point la formule Paranormal Activity ne reposait initialement que sur du vide, sans le moindre intérêt intrinsèque.
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Russian Yeti - The Killer Lives :
Un mockumentaire Discovery Channel qui revient sur l'Incident de la Passe de Dyaltov, en Russie, durant lequel neuf étudiants russes ont mystérieusement trouvé la mort à flanc de montagne, en 1959.
Un peu à l'instar de leurs mockumentaires sur les sirènes, les mégalodons et autres cryptides en tous genres, ce métrage, présenté et diffusé comme étant un véritable documentaire "scientifique", affirme avoir découvert une explication surnaturelle à ce mystère : les étudiants auraient été victimes d'un yéti sanguinaire qui hanterait les étendues sauvages de Sibérie.
Bon, je ne vais pas revenir sur les innombrables problèmes éthiques posés par la diffusion d'une telle oeuvre de fiction (qui exploite par ailleurs de véritables photos de cadavres) dans le cadre d'une série de documentaires sérieux et éducatifs : beaucoup d'autres personnes l'ont fait mieux que moi en ligne, et ça participe vraiment à l'abêtissement de la population américaine (et, par exportation, mondiale), déjà bien alimenté par les shows de chasse au fantôme, de chasse au bigfoot, d'anciens astronautes, et autres émissions de révisionnisme historique et antique qui passent sur History Channel et sur le reste du cable US.
Je vais plutôt me concentrer sur le documentaire en lui-même, et là, c'est un peu un carnage.
Dès ses premières minutes, n'importe qui avec un minimum de jugeotte comprend qu'il va avoir droit à un gros canular pas très finaud ou plausible : reconstitutions bancales, interventions face caméra très mal jouées (la "journaliste russe", notamment, n'est jamais juste), quatre ou cinq caméras simultanées pour filmer la moindre interview (comme si les documentaires télévisuels en avaient le budget ^^), des scènes risibles (les deux reporters qui arrivent dans le village d'une tribu locale hostile, supposément isolée et coupée du monde contemporain... mais le village est un village aux chalets modernes, éclairés à l'électricité, avec un camion enneigé garé dans un coin, et une architecture flambante neuve), etc.
Et plus le temps passe, plus ça empire, avec une histoire de conspiration gouvernementale & militaire en carton pâte, des vidéos et photos jamais crédibles (malgré les efforts de la voix off, les "preuves" visuelles de l'existence du yéti ont tendance à encore plus décrédibiliser le documentaire, puisque le yéti en question ressemble à un figurant vaguement déguisé et flouté, qui ne tient pas un seul instant la comparaison avec le film Patterson-Gimlin, utilisé en exemple... déjà que le Patterson-Gimlin... mwé), une exploration de grottes où l'on ne voit rien malgré l'agitation des deux héros, et pour finir, une reconstitution stupide de l'incident par les protagonistes, qui décident d'aller dans la forêt en pleine nuit, et de tout faire pour énerver le supposé yéti, afin de provoquer une attaque... moui.
Même si l'on croit à 100% au reste du métrage, c'est quand même d'une stupidité confondante, cette idée.
Mais bon, comme dans tout found footage, ça se finit dans les bois, de nuit, avec des bruits bizarres et une image tremblotante qui fait qu'on ne voit rien (ce qui tombe bien, puisqu'il n'y a rien à montrer).
En résumé, ce Russian Yeti est assez mal conçu, assez mal écrit, assez mal interprété, assez stupide, et d'un point de vue éthique, c'est particulièrement horripilant.
0.75/6 (pour avoir fait l'effort de rendre une copie technique assez honorable, et visiblement suffisamment maîtrisée pour faire illusion auprès des esprits les plus crédules)
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10 Cloverfield Lane :
Victime d'un accident de voiture, Michelle (Mary Elizabeth Winstead) revient à elle dans un bunker souterrain, où Howard (John Goodman), un inconnu, la maintient en captivité. Bien vite, cependant, il lui explique qu'une attaque biologique a eu lieu, là-haut, à la surface, et que seul ce bunker les maintient en vie, elle, lui, et Emmett (John Gallagher, Jr), un autre survivant. Méfiante, Michelle finit cependant par s'habituer à cette compagnie masculine... jusqu'à ce qu'elle ne supporte plus le comportement autoritaire et sinistre d'Howard. Un comportement qui pourrait bien cacher quelque chose de plus macabre encore...
Compétent, mais sans surprises.
Voilà comment je décrirais ce 10 Cloverfield Lane, sorte de version rallongée (pas forcément pour le meilleur) d'un épisode de la Quatrième Dimension ou d'Au-delà du Réel.
La réalisation ? Compétente, mais sans surprise. L'interprétation ? Compétente, mais sans surprise, les personnages et leur évolution ne laissant pas énormément de marge d'action aux interprètes pourtant très bons. Les décors et la direction artistique ? Compétents, mais sans surprises, et ils ne marqueront pas les esprits. La musique ? Compétente, mais sans surprise : Bear McCreary a recours à un thème principal assez inquiétant, mais malheureusement, il n'a fait que me rappeler le thème des Vulcains des Star Trek de Giacchino, tant dans ses sonorités très proches de l'ehru, que dans sa mélodie. Le rythme ? Compétent, mais sans surprises, puisqu'il déroule ses rebondissements de manière très prévisible et métronomique. Et cela découle très naturellement du script... compétent, mais absolument sans la moindre surprise.
J'ai presque envie de dire que le script est dérivatif au possible, tant il est entièrement prévisible de bout en bout ; pire, il grille l'une de ses cartouches principales (le doute du spectateur - et de l'héroïne - sur la réalité d'une catastrophe extérieure) avant même d'arriver à la moitié du récit, et se repose alors totalement sur le doute (franchement inexistant pour le spectateur, celui-là) éprouvé par Michelle au sujet d'Howard.
On se retrouve donc, pendant 75/80 minutes, avec un récit pas très palpitant, qui tourne un peu à vide en enchaînant les révélations et rebondissements évidents, tout en donnant l'impression de ne jamais oser passer la vitesse supérieure ni franchir le pas pour entrer de plein pied dans un film de genre qui serait moins grand public ; l'utilisation de l'acide en est un bon exemple : dans les années 80, les dégats causés par celui-ci auraient été montré face caméra, et auraient bénéficié d'un bon travail de prothèses en latex, joliment écoeurant (idem pour les plaies de la contaminée) ; ici, PG-13 oblige, on ne voit rien, quasiment tout est hors-champ, ce qui enlève aux scènes un impact certain, et donne un sentiment de demi-mesure assez agaçant.
Et quand arrive la fin (elle aussi télégraphiée), on a tout de même l'impression que celle-ci a été rajoutée de manière gratuite, pour apporter un peu de spectaculaire au métrage. Pourquoi pas, mais une fois de plus, c'est compétent, mais sans surprises. Décidément.
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Cult (Karuto) :
Trois actrices japonaises (Yû Abiru, Mari Iriki, Mayuko Iwasa) sont incitées par leurs managers respectifs à participer au tournage d'un documentaire sur l'exorcisme de la demeure de la famille Kaneda, hantée par un phénomène de plus en plus menaçant...
Après le plantage Shirome (1/6), je n'étais pas très enthousiaste à l'idée de remettre le couvert pour un autre mockumentaire/found footage signé Kōji Shiraishi et mettant en scène des Idols japonaises interprétant leur propre rôle.
Depuis Noroi (2005), le réalisateur semblait en effet perdre lentement la main et décliner sans inspiration ses mêmes gimmicks et thématiques, au service d'un genre pas trop compliqué ou coûteux à tourner... Et puis là, j'ai été très agréablement surpris.
Si les bases du récit ne sont pas très différentes de Shirome (des Idols, envoyées par leur agent pour tourner un documentaire tv sur le paranormal), ici, l'intention est tout autre. Pas de pseudo-caméras cachées/canular, pas de promo abusive, on est ici dans un film assez classique de la catégorie found footage, avec trois actrices qui jouent plus ou moins une version fictionnalisée d'elles-mêmes. Les trois demoiselles, assez sympathiques, ont aussi l'avantage d'être nettement plus âgées que les gamines piailleuses de Shirome, ce qui, tout de suite, les rend plus supportables... d'autant qu'elles ne sont pas constamment au centre de l'action et des caméras, et que le récit ne s'intéresse finalement pas trop à elles.
On passe en effet rapidement d'un pseudo-documentaire sur un exorciste à quelque chose de nettement plus sympathique, et d'encore une fois assez lovecraftien, puisqu'à mesure des manifestations surnaturelles (encore des vers démoniaques et tentaculaires, décidément !), des exorcismes ratés, et des appels à l'aide de chacun des prêtres (qui n'ont d'autre choix que de se tourner vers des exorcistes toujours plus puissants pour tenter de contrer la menace), on se retrouve tout simplement dans une bonne vieille partie de L'Appel de Cthulhu, avec un médium/exorciste athée et cynique, aux pouvoirs mystiques, qui lutte contre un troupeau de cultistes tentant d'invoquer leur déité tentaculaire et destructrice !
De quoi satisfaire le spectateur dubitatif qui s'attendait à une bête histoire de possession, d'autant qu'ici, contrairement à la fin d'Occult, les effets restent subtils et maîtrisés, voire même assez glauques (on fermera tout de même les yeux sur les quelques plans clairement filmés en marche arrière, qui partaient d'une bonne intention, mais qui ne fonctionnent pas vraiment).
Autre point positif, un certain sens de l'humour, qui accompagne tout le récit, des réactions parfois outrées des Idols, au caractère du super-médium à la chevelure décolorée, qui demande à se faire appeler Neo (!) : distant, badass, ne portant qu'un seul gant, à la fois arrogant, poseur et nonchalant, un peu désabusé et cynique, mordant, mais aussi avec des hormones le travaillant particulièrement en présence de l'une des Idols... bref, un personnage qu'on dirait tout droit sorti d'un manga, et qui contraste parfois un peu brutalement avec le reste du film, mais qui finalement participe agréablement à ce ton semi-sérieux qui caractérise le récit.
Un récit qui, en fin de compte, verse plus dans le film fantastique que dans de l'horreur pure et dure... et franchement, ce n'est pas plus mal.
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Before I Wake :
Parents d'un enfant récemment décédé dans un accident domestique, Jessie (Kate Bosworth) et Mark (Thomas Jane) tentent de se remettre de ce drame, et finissent par adopter le petit Cody (Jacob Tremblay), un garçonnet adorable et fasciné par les papillons. Mais rapidement, les deux adultes découvrent que les rêves de Cody deviennent réalité lorsqu'il dort... ses rêves, mais aussi ses cauchemars, hantés par une créature squelettique qu'il a baptisée Kankerman...
Rah là là quel dommage que ce film soit vendu comme un film d'horreur intense et palpitant, quand en fait, il s'agit, au mieux, d'un conte fantastique doux-amer qui, uniquement dans ses dernières 20 minutes, s'essaie un peu à l'horreur.
Troisième film de Mike Flanagan après Absentia et Oculus (et avant Hush), ce Before I Wake (initialement baptisé Somnia) est resté inédit depuis la fin de son tournage, en 2013, suite à la faillite de son distributeur.
Et c'est bien dommage, car bien qu'il ne soit pas sans défauts, ce petit film est une fois de plus relativement sympathique (et dans la droite continuité qualitative des trois autres films de Flanagan) ; pendant une grosse partie du métrage, le scénariste/réalisateur sait ménager son pitch (très Quatrième Dimension dans l'esprit), rendre Cody attachant (sa passion pour les lépidoptères, sa tendance à toujours s'excuser, et son amitié avec sa copine de classe y sont pour beaucoup) et réserve des moments assez poétiques grâce aux manifestations des pouvoirs de Cody : des papillons multicolores qui virevoltent en tous sens, et un peu plus tard, une reconstruction féérique d'un matin de Noël improbable, avec ces mêmes papillons qui se changent en boules lumineuses volantes et qui se posent sur un sapin.
Pour faire simple, j'ai vraiment adhéré à toute cette partie du film (sa première heure), et ce malgré une caractérisation assez discutable du personnage de Kate Bosworth, limite manipulatrice et assez détestable dans la manière dont elle choisit d'abuser égoïstement des pouvoirs de son fils adoptif (je comprends pourquoi Flanagan l'a écrite comme ça, et ça met en place une sorte de rédemption finale du personnage, mais ça participe de cette tendance à décrire les mères en deuil comme des créatures égocentriques dévorées par le chagrin, prêtes à tout pour retrouver leur enfant, et qui blâment leur mari pour tout et pour rien, comme dans The Door, par exemple).
Et puis arrive progressivement le boogeyman, une sorte de mélange du Slenderman et de Mr. Jack, assez réussi visuellement, notamment lorsque la scène de Noël vire au cauchemar, et qu'il s'extirpe d'un paquet cadeau pourrissant. À partir de là, le script s'engage sur un chemin nettement plus balisé, qui lorgne fortement sur un Freddy : Les Griffes de la Nuit(et ses suites) : les médecins forcent Cody à dormir, Jessie est seule contre le boogeyman, elle doit lui faire face, elle pénètre plus ou moins dans le monde des rêves, et elle doit sauver Cody, faisant ainsi pour de bon le deuil de son fils précédent en cessant de ne penser qu'à son trauma, et en accueillant sincèrement cet enfant adoptif dans son coeur. Assez convenu, dans l'absolu, et manquant un peu de punch et d'angoisse, mais je ne pense pas que l'horreur soit vraiment ce que Flanagan cherchait à accomplir.
La résolution du film, ainsi, sous forme de conte de fées à la conclusion douce-amère, renforce les intentions du scénariste/réalisateur : tenter de combiner peurs et insécurités infantiles à celles d'un couple frappé par le deuil, en lui rajoutant une couche de fantastique et de surnaturel qui, par la force des choses et du monde commercial du cinéma, a donné cet hybride de conte et de film d'horreur assez inégal.
Un métrage très imparfait, qui aurait bénéficié à partir encore plus ouvertement dans le fantastique et dans le conte irréel, plutôt que dans le film de monstres, mais aussi un film globalement attachant, bien joué (malgré un Jane parfois un peu trop en intériorisation) et qui bénéfie de quelques très belles images dont Flanagan n'a pas à rougir.
(Je vois cependant que son prochain film est OuiJa 2... mwé. Il mérite mieux que ça)
3.5/6 (une note dans la droite lignée de ses films précédents, tous solides sans être exceptionnels)
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The Curse of Sleeping Beauty :
Lorsqu'il hérite soudain d'un vieux manoir poussiéreux, Thomas Kaiser (Ethan Peck) découvre qu'il est le porteur d'une malédiction ancestrale, qui se traduit chez lui par des visions étranges, et qui le lie à la bâtisse. Dans ses rêves, il rencontre alors la belle Briar Rose (India Eisley), belle-au-bois-dormant assoupie, qui lui explique qu'il doit la trouver dans le monde réel, et la réveiller, s'il veut éviter que des démons maléfiques s'emparent de sa demeure. Avec l'aide de Linda (Natalie Hall), agente immobilière, et de Richard (Bruce Davison), spécialiste en paranormal, Thomas va alors s'aventurer dans les entrailles souterraines de la maison, avant qu'il ne soit trop tard...
Pearry Teo, réalisateur asiatico-américain, s'est fait une spécialité des films d'horreur (plus ou moins courts) au visuel particulièrement travaillé et original, comme par exemple Necromentia.
Ici, ce Curse of Sleeping Beauty ne déroge pas à la règle, et c'est bien ce qui fait que ce long-métrage DTV n'est pas un ratage complet : la direction artistique, les images, les visuels, les décors, tout est très travaillé, nettement plus que la moyenne, et allant jusqu'à évoquer, çà et là, le travail de Tarsem Singh.
Seul problème : un peu comme chez Singh, si l'esthétique du métrage est une réussite incontestable, on ne peut pas en dire autant du reste. Le script, en effet, tente de manger à tous les râteliers : le conte de fées (Sleeping Beauty, le baiser, la sorcière, etc), le film de hantise (la maison, les esprits, etc), les Weeping Angels (ici des mannequins qui bougent et attaquent dès qu'on ne les regarde pas), des démons bibliques et arabes, de la possession, de vieux grimoires déchiffrés par un techno-geek asiatique, un trio de héros de récit d'aventure occulte, du steampunk mécanique et des instruments de torture médiévaux... bref, ça part dans toutes les directions, ce n'est pas très fluide et très homogène, et malheureusement, ça ne peut pas vraiment s'appuyer sur les deux acteurs au coeur du récit - Peck et Eisley - pour élever l'oeuvre, puisque ce sont deux talents aux limites évidentes (Peck manque d'expressivité, Eisley adopte un accent anglais forcé au possible).
Sans oublier un rebondissement final prévisible au possible, qui achève le film de manière précipitée et un peu baclée, comme s'il manquait une dizaine de pages au scénario.
Et pourtant... je n'ai pas détesté. Je m'attendais tellement à un navet sans la moindre originalité ni personnalité que, finalement, l'ambition du script ne m'a pas déplu. Ça reste très très bordélique, et très très inégal... mais au moins, ça en jette un minimum, et ça fonctionne épisodiquement.
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Shirome :
Les six membres du groupe d'idols japonaises Momoiro Clover Z ont la chance, pour une opération promotionnelle, de faire équipe avec Kōji Shiraishi ; celui-ci leur propose d'aller explorer, devant ses caméras, une école abandonnée, lieu de nombreux suicides, et repaire supposé d'une entité toute-puissante, capable d'exaucer les voeux des personnes au coeur pur, et de dévorer les individus emplis de mensonges...
Un ratage assez complet, dans lequel Shiraishi tente de combiner un long-métrage semi-promotionnel sur les MomoClo, une opération de caméra cachée/canular (bien qu'elles ne soient pas cachées, les caméras étaient là pour - en théorie - tourner un show de type Ghost Hunters avec les MomoClo qui pensaient - apparemment - que tout était réel, jusqu'à ce qu'on leur explique la supercherie), un found footage utilisant les mêmes ficelles que les autresmockumentaires du réalisateur, et, en prime, une touche de satire sur la surexploitation de ces idol girls (il faut les voir en train d'acquiescer obséquieusement à tout ce qu'on leur dit, y compris à la notion de vendre leurs âmes au diable pour réussir, ou encore à l'idée de faire un numéro musical avec chorégraphie devant l'autel dédié à l'entité).
Mais à trop tenter de cumuler les genres, rien ne fonctionne vraiment, et l'on ne croit jamais à ce que l'on a sous les yeux : ni à la sincérité du postulat de départ, ni aux effets très limités, ni aux réactions des chanteuses, ni à la supposée angoisse que le film voudrait générer.
Et comme en plus les demoiselles (qui ont toutes entre 13 et 16 ans) piaillent vraiment énormément, le film devient rapidement pénible à suivre, et ne suscite que de bon gros soupirs d'agacement.
1/6 (pour la brève silhouette Cthulhuesque qui apparaît sur la fin du métrage, et qui avait du potentiel)
Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...
The Darkness :
Après un séjour touristique dans le Grand Canyon, durant lequel Michael (David Mazouz), le jeune fils autiste de la famille Taylor, a exploré seul une cave indienne étrange, la demeure familiale devient soudain l'épicentre de phénomènes paranormaux inexpliqués. Paniqués, Peter (Kevin Bacon), Bronny (Radha Mitchell) et leur fille Stephanie (Lucy Fry) doivent alors lutter contre des forces qui les dépassent.
Malheureusement pas un biopic du groupe anglais culte de Justin Hawkins & co, mais plutôt un succédané insipide et particulièrement médiocre de Poltergeist, dirigé par un Greg McLean (pourtant à l'origine du sympatoche Wolf Creek) à la réalisation totalement insipide et anonyme.
Pire : McLean est aussi co-responsable du script de cette production Blumhouse, et on a du mal à croire qu'il y a eu trois scénaristes à l'écriture de cette compilation de clichés honteux et particulièrement dépassés : les empreintes sur le miroir embué, le jump scare juste après la fermeture d'une porte de réfrigérateur, le gamin étrange et son ami(e) imaginaire, les personnages féminins menacés sous la douche ou dans le bain, la famille en crise qui s'unit face aux difficultés, l'adolescente rebelle, l'utilisation d'un moteur de recherche libre de droits pour trouver toutes les réponses aux mystères surnaturels qui envahissent la maison, la voyante/médium étrangère que l'on consulte, qui est accompagnée de sa petite-fille qui traduit, et qui exorcise la maison, etc, etc, etc. Ne manquait qu'un chat sorti de nulle part (ici remplacé par un chien, et par un coyote/loup).
On a l'impression d'avoir tout vu des dizaines, voire des centaines de fois, et comme il n'y a ici pas la moindre originalité (ni le moindre sentiment d'angoisse ou de peur du noir, ce qui fait tâche pour un film appelé The Darkness), on s'ennuie rapidement, et on finit par compter les seconds rôles improbables (Jennifer Morrison, Ming-Na Wen, Paul Reiser, Matt Walsh) qui cachetonnent le temps d'une scène et ne reparaissent pour la plupart jamais, et la caractérisation à la truelle des personnages principaux (il est infidèle, elle est alcoolique, l'enfant est autiste, la fille boulimique...) porbablement uniquement là pour convaincre les acteurs, lors de la signature de leur contrat, qu'ils ne vont pas jouer dans un navet digne d'une sortie vidéo.
Bon, et puis la récupération banale et générique des traditions indiennes, mwé...
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The Door (The Other Side of The Door) :
Américaine vivant confortablement en Inde avec son mari (Jeremy Sisto), Maria (Sarah Wayne Callies) a une vie tranquille, et deux enfants qu'elle fait garder par sa gouvernante indienne (Suchitra Pillai-Malik). Mais au cours d'un accident de voiture survenu alors qu'elle était au volant, Maria a dû choisir entre sauver son fils ou sa fille, et elle a laissé son enfant (Logan Creran) se noyer ; depuis, rongée par le désespoir et le remords, elle est en pleine dépression, et son comportement devient déséquilibré et agressif. Sa gouvernante lui parle alors d'une tradition de son peuple, qui pourrait lui permettre de parler une dernière fois à son fils décédé ; mais cette tradition a des règles très strictes, que Maria ne respecte pas, et la mère de famille déclenche alors des forces surnaturelles qui menacent bien vite son foyer.
Moui.
Une production Alexandre Aja, réalisée et écrite par le scénariste/réalisatrice anglais des très médiocres F (2010) et Roadkill (2011), ce long-métrage d'horreur réussit l'exploit d'être un paradoxe involontaire.
D'un côté, il est particulièrement cliché et discutable dans sa dépiction de l'Inde : les Indiens sont alternativement montrés comme une présence sinistre et menaçante (que ce soit les cannibales primitifs aux rituels barbares, les travailleurs aux regards en biais, les bazars bruyants et sombres, les mendiants qui se jettent sur votre voiture en hurlant, etc) ou comme un cliché façon "Magical Negro Indian", avec la gouvernante (pourtant initialement introduite dans le récit par le biais de plans inquiétants, toujours dans l'ombre, ou avec un éclairage uniquement posé sur son regard) sage et détentrice d'un savoir magique, qui lui vaut de mourir alors qu'elle tente d'aider sa patronne blanche et privilégiée. Le tout, donc, en opposition avec cette parfaite famille WASP qui habite dans une maison immense et luxueuse, avec un piano, une bibliothèque bien remplie, du personnel de maison, etc...
Et de l'autre, cette même famille WASP n'est pas vraiment présentée sous un jour favorable, du moins en ce qui concerne le personnage de Sarah Wayne Callies : déjà que la demoiselle ne bénéficie pas d'un capital-sympathie très élevé depuis The Walking Dead, ici, elle n'est vraiment pas gâtée.
Elle déprime, elle tente de se suicider, elle traite son mari comme quantité négligeable (la nuit, lorsqu'il ose dormir alors qu'elle est rongée par le chagrin, elle le frappe violemment pour le réveiller ; elle est indifférente à ses sentiments au sujet de la mort de son fils ; elle quitte le domicile familial pendant plusieurs jours pour aller parler à l'esprit de son fils, sans prévenir son mari ou sa fille de son départ ou de sa destination ; elle cache le retour de son fils, comme si un tel évènement ne concernait pas son mari ; bref : le père de famille est tout simplement inexistant dans cette histoire, et finit poignardé comme un malpropre après un temps de présence à l'écran minimal), elle ne parle visiblement pas la langue locale, elle ne savait pas que sa gouvernante avait perdu une fille, elle n'en fait qu'à sa tête et n'obéit pas à la seule règle qu'on lui fixe, et bien sûr, sur la fin, elle perd les pédales.
Autrement dit, on se retrouve avec un personnage principal antipathique au possible, qui évolue dans un récit qui enquille les clichés les plus dérivatifs du genre (on pense constamment à un Simetierre enrobé d'un exotisme de pacotille), filmé de manière assez pataude (la scène de SWC qui s'effondre, clairement filmée à l'envers), écrit sans guère plus de finesse, recouvert d'un vernis "ethnique" douteux, et qui se termine d'une manière qui fait dire au spectateur "bah finalement, ces abrutis ont bien mérité ce qui leur arrive".
Autant dire qu'il n'y a pas grand chose à apprécier dans ce film, au final.
2/6 (dont 1 point pour les paysages assez joliment filmés)
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Noroi :
Masafumi Kobayashi (Jin Muraki), un journaliste d'investigation, est spécialisé dans l'étude des phénomènes paranormaux inexpliqués ; un jour, il commence à remarquer des liens étranges entre plusieurs évènements bizarres et surnaturels qui font la une des médias sensationnalistes, et des quotidiens régionaux du Japon ; mais cette enquête va l'emmener au plus profond d'une tradition ancestrale et sinistre, et va finir par lui coûter très cher...
Premier found-footage/mockumentaire japonais de Kōji Shiraishi, dont j'ai chroniqué le Occult il y a quelques jours, un Occult qui était un film inégal, et dont on retrouve ici le format, la mise en scène, et quelques similarités thématiques, comme cette mention de vers ectoplasmiques, ou encore ce mélange de tradition japonaise et de terreur plus ancestrale, inexplicable et universelle, etc.
Un long métrage visuellement très crédible, qui prend son temps sans jamais être ennuyeux, et qui parvient à susciter une impression de menace diffuse par de simples jeux de suggestion, nettement plus efficaces et subtils que les images beaucoup plus démonstratives et grotesques d'Occult. Une réussite, dans le genre.
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Le Village des Damnés (John Carpenter's Village of the Damned) :
Dix mois après que la petite ville californienne de Midwich ait été plongée dans un coma généralisé et temporaire totalement inexplicable, dix femmes locales donnent naissance à des enfants étranges, tous pâles, blonds, froids et distants. Rapidement, Alan Chaffee (Christopher Reeve), un médecin de Midwich, et Susan Verner (Kirstie Alley), qui travaille pour le gouvernement, comprennent que ces enfants viennent d'ailleurs, et qu'ils possèdent des pouvoirs incroyables...
Un remake du film du même nom datant de 1960, ici signé John Carpenter, qui exécutait là un travail de commande écrit par un scénariste dont la carrière se résume à cinq films... et malheureusement, le manque d'enthousiasme et d'intérêt de Carpenter pour ce projet se ressent totalement, tant ce remake fait clairement partie des oeuvres mineures de sa carrière, pour ne pas dire des ratages.
Les problèmes de ce Village des Damnés sont nombreux : le rythme est laborieux, la structure du script est bancale, le casting est assez générique et peu inspiré (Christopher Reeve mis à part), la musique est quelconque, et le tout finit par se transformer en fusillade généralisée durant sa dernière partie, sans que ce ne soit jamais particulièrement intéressant.
Un bon gros bof, en somme.
2.25/6 (pour Reeves, qui y croit, et parce que Carpenter reste un bon technicien)
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Hôtel Transylvania 2 :
Maintenant que Dracula (Adam Sandler) a ouvert les portes de l'Hôtel Transylvania aux humains, et que sa fille Mavis (Selena Gomez) est mariée à l'humain Jonathan (Andy Samberg), tout va pour le mieux au royaumes des monstres. Tout, ou presque, puisque Dennis, le fils de Mavis et de Johnny, tarde à montrer les crocs, et que Dracula est prêt à tout pour s'assurer qu'il est bien un vampire.. mais lorsque Vlad (Mel Brooks), le père traditionnaliste de Dracula, s'en mêle, les choses tournent vite à la catastrophe.
En 2012, lors de mon premier visionnage d'Hôtel Transylvania, je lui avais mis un 3/6 : le film regorgeait d'idées et de trouvailles visuelles, le bestiaire, l'univers et les personnages étaient particulièrement attachants, la direction artistique impeccable, mais le rythme était très inégal, et le récit finalement assez creux et convenu, même s'il avait bon fond.
En 2014, lors de mon revisionnage du film, celui-ci était un peu mieux passé, mais les défauts étant toujours les mêmes, je n'étais monté qu'à 3.25/6.
Et aujourd'hui, en 2016, j'ai bien envie de lui rajouter encore un quart de point, pour atteindre les 3.5/6 ; néanmoins, j'ai enfin fini par comprendre ce qui me posait vraiment problème dans ce premier opus : le personnage de Jonathan. Dès qu'il arrive dans le récit, mon intérêt pour ce métrage retombe. Il est terne, transparent, générique, son apparence est basique, et malgré toute mon affection pour Samberg, son doublage est peu mémorable.
Alors en voyant arriver cette suite, et sa promesse de placer le bébé de Mavis et Johnny au coeur de l'intrigue, j'ai eu très peur.
J'ai redouté toujours plus de Jonathan, mais heureusement, il n'en est rien. Mieux encore : le personnage de Johnny passe plus ou moins au second plan, puisque le film se structure en deux intrigues parallèles. D'un côté, Dracula et ses amis, qui partent à l'aventure avec le petit Dennis, pour tenter de réveiller son côté vampirique ; et de l'autre Mavis et Jonathan, qui vont en Californie chez les parents de Johnny.
La première intrigue est assez sympathique, les personnages sont bien exploités, les environnements pas désagréables, bien que l'on retrouve çà et là certains des rouages habituels des films familiaux de Sandler (ici passé à la co-écriture) ; l'autre intrigue, malgré la présence de Jonathan, s'avère tout aussi regardable, bénéficiant de personnages secondaires improbables (et bien doublés), et d'une Mavis qui devient le point focal de cette sous-intrigue. Jonathan s'efface ainsi, et avec lui, bon nombre de mes problèmes.
Le métrage est par ailleurs mieux rythmé, l'alternance des intrigues permettant une structure mieux articulée : malheureusement, tout ça a un peu tendance à vaciller lorsqu'arrive le dernier quart du film, en même temps que Papy Vlad et son armée de chauves-souris stéroïdées. Là, le film commence à patauger un peu, ces nouveaux personnages sont un peu baclés, ils sont survolés, n'ont pas grande substance, et le film opte alors pour une conclusion prenant la forme d'une grosse scène de combat mettant en scène tous les personnages, scène amusante et bien réalisée, certes, mais finalement assez creuse, et au dénouement très prévisible.
Reste que, malgré tout, j'ai trouvé ce second opus plus agréable et réussi que le premier (ce qui n'est pas une opinion partagée par beaucoup de monde, visiblement).
Par conséquent, zou, un 3.75/6, et je serai là pour l'épisode 3 (2018), voire même pour la série animée (2017).
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La Nurse (The Guardian) :
Jeune couple optimiste et heureux, Kate (Carey Lowell) et Phil (Dwier Brown) engagent la jeune Camilla (Jenny Seagrove) en tant que nourrice pour leur jeune bébé, afin de les assister au quotidien, lorsqu'ils travaillent. Mais rapidement, il apparaît que Camilla détient des pouvoirs étranges, et qu'elle vénère une entité malfaisante vivant au coeur de la forêt...
Un film de 1990 signé Friedkin, et qui, dès son ouverture pataude sur du texte t'expliquant ce que sont les druides, puis enchaînant sur un générique inutilement grandiloquent, et sur un prologue aux effets vieillots (la bonne vieille forêt de studio !), semble indiquer que si le métrage est considéré comme étant "mineur" dans la carrière du réalisateur de l'Exorciste, ce n'est pas sans raisons.
Le reste du métrage est à l'identique, entre un script assez creux et cousu de fil blanc, une distribution très moyenne, et une photographie très générique, qui peinent à instaurer la moindre ambiance ou la moindre angoisse.
Résultat : le tout tombe franchement à plat, voire même est involontairement drôle lors d'une tentative de viol forestier organisée par trois loubards clichés au possible, façon "on a pris trois figurants qui passaient par là, on leur a mis des gants cloutés et des vestes en cuir, et on leur a dit de jouer les gros durs".
Autant dire qu'à part quelques scènes intéressantes, sur la fin (ainsi que l'idée des visages des nourrissons sacrifiés qui sont incrustés dans le tronc de l'arbre maléfique), il n'y a pas grand chose à retenir de ce film finalement regardable, mais très médiocre.
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Régression :
Durant les années 90, dans le Minnesota, l'Inspecteur Bruce Kenner (Ethan Hawke) enquête sur une affaire des plus étranges : une adolescente (Emma Watson) accuse son père (David Dencik) d'avoir abusé sexuellement d'elle, mais celui-ci n'a aucun souvenir des évènements. Les autorités se tournent alors vers le Professeur Raines (David Thewlis), un expert en régression hypnotique, qui utilise ses talents sur les personnes impliquées, et découvre une sombre histoire de conspiration sataniste...
Un thriller psychologique pseudo-horrifique, réalisé par Alejandro Amenabar, et qui s'avère particulièrement médiocre, car reposant sur un pivot très précis, à savoir Emma Watson.
Une Emma Watson dont les témoignages soutiennent toute cette histoire, ce qui pose un problème de taille (ATTENTION SPOILERS) ; dès le début du film, le spectateur sceptique se posera ainsi naturellement des questions : pourquoi l'hypnotiseur manipule et dirige à ce point les témoignages ? Pourquoi personne ne remet en question cette technique ? Pourquoi Emma Watson semble ne plus savoir jouer ? Pourquoi faire un film sur l'une de ces histoires de crimes satanistes qui, IRL, se sont avérées n'être que des manifestations sans fondement de l'hystérie collective des Américains ? Pourquoi le tout semble parfois plus proche d'un téléfilm Lifetime cousu de fil blanc et retraçant mollement une histoire vraie, plutôt que d'un long-métrage signé Amenabar ?
Certaines de ces questions trouvent une réponse : le film n'est effectivement qu'une illustration mollassonne et sans intéret de cette hystérie collective, et si Emma Watson joue aussi faux, c'est (peut-être) parce que son personnage est supposé mentir et jouer la comédie (espérons que ce soit la raison de cette interprétation, même si j'ai de très gros doutes à ce sujet).
À part ça ? C'est un bon gros néant. Il ne se passe rien, c'est terne, sans énergie, c'est longuet, on a constamment vingt longueurs d'avance sur le script, et même le talent de réalisateur d'Amenabar finit par être insuffisant pour maintenir un semblant d'intérêt.
Franchement, quitte à passer deux heures sur une histoire de chasse aux sorcières satanistes imaginaires dans l'Amérique des 90s, autant directement regarder le documentaire Paradise Lost (1996) - et enchaîner sur ses suites et sur West of Memphis (2012), tous nettement plus captivants, surprenants et intéressants ; par contre, leur dramatisation, Devil's Knot : Les 3 crimes de West Memphis (2013), est à éviter.
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Closet Space :
À la recherche de leur professeur, disparu depuis un moment, un groupe de six thésards (Melanie Donihoo, Jovan Jackson, James LaMarr, Morgan McCarthy, Evan Scott & Peyton Wetzel) arrive dans une maison reculée, où se trouve l'objet des recherches du scientifique : un placard étrange qui, lorsqu'il est ouvert, débouche sur une dimension lointaine et parallèle. Les étudiants s'y aventurent alors, mais ils découvrent bien vite que ce vide ténébreux est occupé par une race d'entités tentaculaires et sanguinaires...
La définition même du film frustrant, plein d'idées, mais totalement sabordé par son exécution et son manque absolu de budget.
Et par manque absolu de budget, je veux dire que c'est un film quasi-amateur, filmé sans budget, avec des acteurs très médiocres et inégaux, une réalisation assez bancale, de la post-synchro calamiteuse, des figurants tous piochés dans les proches de l'équipe, et une image dégueulasse, qui tente de cacher l'absence d'argent en plongeant la dimension parallèle dans une obscurité totale, et derrière des filtres colorés très laids.
Sur le papier, et à l'écran, donc, ce film mériterait un 0/6...
... et pourtant, si je n'ai clairement pas aimé, et si j'ai régulièrement regardé ma montre... je n'ai pas détesté.
C'est bizarre, mais ce petit côté Prince des Ténèbres m'a intéressé. Ces créatures lovecraftiennes toutes en tentacules, en vagina dentatas, en protubérances immondes, assez indescriptibles car plongées dans l'obscurité... ça m'a plu. L'ambiance sonore assez pesante et minimaliste, idem. Les morts sanglantes étaient assez sympathiques, elles aussi.
En fait, c'est plus pour son potentiel que pour le produit fini que je me refuse à mettre un 0 à ce Closet Space. Pour son potentiel, mais aussi pour la générosité, l'énergie et les efforts clairement mis dans le produit (les effets spéciaux pratiques sont étrangement réussis, et semblent tout droit sortis - toute proportions gardées - d'un certain ciné d'horreur des années 80).
J'aurais adoré voir un Brian Yuzna, un Stuart Gordon, ou un Guillermo Del Toro s'attaquer à ce même script (en le réécrivant une bonne fois, tout de même), avec un budget un peu plus conséquent...
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Stan Helsing :
Stan Helsing (Steve Howey), un slacker employé de vidéo-club, a prévu de passer la soirée d'Halloween à faire la fête avec son compère Teddy (Kenan Thompson), son ex-petite amie Nadine (Diora Baird), et Mia (Desi Lydic), une masseuse/call-girl/strip-teaseuse pas très vive d'esprit... mais son supérieur lui confie une mission de dernière minute : livrer des vidéos à la mère de leur patron. Ce qui oblige le petit groupe à faire un détour des plus sinistres, et à affonter des entités particulièrement menaçantes.
L'un des producteurs de l'un des premiers Scary Movie s'est échappé un instant de son enfer personnel pour écrire ce film, qui narre la lutte entre Stan Helsing, employé de video club un peu teubé, descendant de Van Helsing, et tous les monstres du cinéma des 80s, juste suffisamment modifiés pour éviter le procès.
Pour être franc, c'est probablement dans le haut du panier des spoofs movies sortis ces 20 dernières années... ce qui ne veut pas dire grand chose, on en conviendra.
C'est très graveleux, particulièrement bas de plafond, assez fauché (notamment dans ses effets, et dans son générique d'ouverture), mal rythmé, avec de nombreuses scènes totalement inutiles qui auraient mérité d'être coupées, et un Leslie Nielsen travesti qui fait un peu pitié... mais paradoxalement, il y a tout de même du bon dans tout ça : il y a un semblant d'histoire (et de thématique) auquel adhère le script, les références people/à la pop culture jetable qui empoisonnaient les (xxxx) Movies de Friedberg et Seltzer sont ici quasi-totalement absentes, ce n'est pas trop mal référencé (avec quelques clins d'oeil assez pointus), certaines vannes font tout de même mouche, et les quatre interprètes principaux sont globalement solides et attachants (Howie et Kenan sont à fond dans leurs registres habituels, Diora est convaincante, et Desi est adorable en bimbo décérébrée).
Il y a donc un semblant de film sympathique dans ce Stan Helsing... mais les défauts restent vraiment beaucoup trop importants pour faire preuve d'indulgence envers l'ensemble, donc...
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Society :
Dans le Beverly Hills clinquant des années 80, Bill Whitney (Billy Warlock) est un adolescent adopté par une famille richissime. D'extraction populaire, il souffre cependant d'un complexe évident, et ne se sent pas parmi les siens. Un sentiment qui se renforce encore lorsque Billy croit remarquer d'étranges phénomènes parmi la Haute Société de Beverly Hills, qui lui paraît de moins en moins humaine...
Une satire horrifique culte de la fin des années 80, signée Brian Yuzna (dont c'était la première réalisation) et à la réputation très élogieuse.
Malheureusement, cette réputation a fait que j'en attendais probablement beaucoup trop, car si j'ai trouvé le tout sympathique, amusant, et relativement bien mené, je suis tout de même sérieusement resté sur ma faim.
Je m'attendais un peu à de la satire mordante, à des scènes malsaines, à du gore, de l'écoeurant, ou à quelque chose de dérangeant (autrement dit, quelque chose à la hauteur de sa réputation), et en fait, la satire est assez pataude, et surtout, certains effets ont assez mal vieilli (à aucun moment on a l'impression de voir de la peau se déformer, tant tout est caoutchouteux et pas toujours raccord, au niveau de la couleur, avec la peau des acteurs/actrices), et font désormais beaucoup plus rire qu'autre chose.
Ajoutez à cela une bande originale assez datée, un script qui aurait bénéficié d'être un peu restructuré et resserré, et on se retrouve devant une satire horrifique plus grotesque et absurde que troublante, et en fin de compte, devant quelque chose de beaucoup plus anecdotique que prévu.
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666 Road (Southbound) :
Une partie de l'équipe créative derrière les anthologies V/H/S remet ici le couvert, pour un film à sketches narrant les événements surnaturels qui touchent divers personnages voyageant sur une autoroute désertique...
# The Way Out :Mitch (Chad Villella) et Jack (Matt Bettinelli-Olpin) sont en fuite, couverts de sang, et traumatisés par ce qu'ils viennent de faire. À leurs trousses sur cette route désertique, des entités étranges et squelettiques, qui flottent dans les airs. Le duo décide alors de s'arrêter dans un motel de bord de route... mais ils n'en repartiront jamais.
Un premier segment réalisé par Radio Silence, le collectif déjà à l'oeuvre sur The Baby et sur le dernier segment de V/H/S (10/31/98). Ici, leur segment d'ouverture est un quasi-succès : toute l'entrée en matière, les entités, le motel/diner/station service étrange, et les effets sont très réussis, aidé par une jolie musique carpenterienne, qui permet d'instaurer un sentiment de malaise en moins de dix minutes. Malheureusement, la dernière partie, en intérieur et sur les lieux supposés de leur crime, est un peu plus faible. 4.5/6
# Siren : Au motel, dans la chambre voisine, trois jeunes musiciennes (Fabianne Therese, Hannah Marks & Nathalie Love) se réveillent et reprennent la route, mais une crevaison finit par les amener au domicile d'un couple étrange (Susan Burke & Davey Johnson), un peu vieillot, et aux invités tout aussi bizarres...
Un segment co-écrit par Susan Burke et Roxanne Benjamin (par ailleurs derrière la caméra), l'une des productrices des V/H/S. Pas désagréable du tout, assez efficace, mais un cran en dessous du segment précédent. 4/6
# The Accident : Alors qu'elle tente de s'enfuir, l'une des musiciennes est heurtée de plein fouet par Lucas (Mather Zickel), un businessman, au téléphone avec sa compagne. Paniqué, l'homme appelle aussitôt les urgences, mais est contraint d'emmener lui-même sa victime à l'hôpital le plus proche... un hôpital désert, dans une ville déserte, où il doit la soigner seul, guidé par les voix des "secours" dans son oreillette.
Bien joué, réalisé et écrit par le réalisateur de The Signal et du segment Amateur Night de V/H/S, ce segment s'avère un peu moins réussi que les précédents, la faute à des effets gores qui sont parfois plus comiques qu'effrayants (la jambe cassée) et à un script finalement assez prévisible (sur le mode boucle temporelle). 3.5/6
# Jailbreak :Dans un bar situé en face de l'hôpital, Danny (David Yow), un vieil homme armé d'un fusil à pompe, s'en prend aux clients et au tenancier, exigeant de ces derniers qu'ils lui expliquent où se trouve sa soeur disparue, Jesse (Tipper Newton). Mais rapidement, il apparaît que les habitants de cette ville étrange ne sont pas humains, et que Jesse est ravie de s'y trouver...
Réalisé par le réalisateur de Le Pacte 2, un segment qui souffre d'être beaucoup trop explicite, révélant la nature démoniaque de ses protagonistes de manière très peu subtile. Dommage, parce que sinon, c'était une version intéressante d'Orphée aux Enfers, et le retour de la musique carpenterienne faisait plaisir. 3/6
# The Way In :Cait, Daryl (Kate Beahan & Gerald Downey) et leur fille adolescente Jem (Hassie Harrison) arrivent au motel, où ils s'installent dans une suite pour passer le weekend. Mais rapidement, un trio d'hommes masqués s'en prend à eux, apparemment décidés à régler leurs comptes avec Daryl...
On rattrape donc le premier segment, avec la même équipe aux commandes, et dans la même suite du motel. Ici, on est dans du survival/home invasion nettement plus classique et basique, pas trop mal mené, mais sans rien de révolutionnaire. Ça explique cependant certains détails du premier segment, ainsi que le crime des deux malfrats qui y étaient en fuite. Mais à part ça, bof. 3/6 + 0.5 point pour le déluge final d'effets spéciaux = 3.5/6
Voilà, la boucle est bouclée, et comme on pouvait s'en douter dès le début, cette section de l'autoroute est une sorte de purgatoire ou d'enfer personnel où tous les personnages de cette anthologie sont pris au piège.
Rien de vraiment surprenant, donc, ni de particulièrement effrayant ou original, mais le tout s'avère assez efficace, en fin de compte, notamment au niveau des transitions entre segments (assez homogènes malgré la variété de ces derniers), de l'interprétation, et des effets spéciaux, avec des créatures en CGI vraiment réussies.
On regrettera cependant que les segments perdent progressivement de leur fraîcheur et de leur intérêt, devenant de plus en plus prévisibles et évidents. Pas forcément quoi que ce soit de rédhibitoire, mais tout de même dommage, tout comme le fait que le métrage abatte ses cartes un peu trop rapidement, avec une présence du film Le Carnaval des Âmes sur les écrans tv des personnages, qui spoile aussitôt le pourquoi du comment de tout le film.
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Dark :
Mannequin trentenaire, Kate (Whitney Able) est à la dérive malgré les efforts de sa compagne Leah (Alexandra Breckenridge), photographe de mode, propriétaire de l'appartement new-yorkais dans lequel elles viennent de s'installer. Mal dans sa peau, Kate se retrouve alors seule pour un week-end dans ce loft, alors même que la ville connaît un blackout spectaculaire, et que quelqu'un semble la traquer...
Manière dont le film semble vendu, par son affiche, sa promo, etc : une lesbienne top modèle ultra-sexy est traquée par un psychopathe alors que la ville est plongée dans le noir, dans ce thriller nerveux produit par Joe Dante, à la tension à couper le souffle !
Réalité : une ex-mannequin bisexuel dépressive, suicidaire, agressive, antipathique, qui a cessé de se maintenir en forme, et dont le couple bat de l'aile, passe une nuit de débauche alcoolique, qui finit par auto-alimenter sa paranoïa alors qu'elle s'est enfermée dans son loft luxueux éclairé par des bougies, dans ce pseudo-drame psychologique nonchalant et plat (il n'y a ni horreur ni thriller dans ce métrage, malheureusement), qui lorgne très fortement sur le cinéma des années 70 façon Répulsion, mais sans en avoir la maîtrise, l'intérêt, ou le charisme de son interprète principale.
Alors certes, Whitney Able se donne complètement (pour le meilleur et régulièrement pour le pire) à son personnage, mélange de Jennifer Jason Leigh et de Malin Akerman qui se laisserait aller, mais son personnage, justement, est totalement antipathique et énervant, ce qui est problématique puisque le film repose entièrement sur ses épaules.
Ensuite, au niveau du rythme, il ne se passe absolument rien pendant plus d'une heure, et ce qui se produit alors est tout simplement inintéressant (en plus d'être ultra-prévisible) ; et puis le script n'exploite jamais son postulat de départ - le blackout, qui ne survient donc que très tardivement, et n'a aucun impact direct sur l'héroïne -, préférant perdre du temps sur une scène de sexe sapphique qui ouvre le film, supposément pour permettre de mieux comprendre les relations de ce couple... mais en fin de compte, cela ne ressemble qu'à du racolage inutile et gratuit.
Très décevant en regard du potentiel de l'histoire, mais je suppose que ça trouvera un public parmi les amateurs de cinéma arty et/ou autres hipsters new-yorkais...
1.5/6 (parce que Breckenridge est sympathique et convaincante dans ses quelques scènes)
Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...
Lake Eerie :
Kate (Meredith Majors), jeune veuve, emménage dans une maison au bord du lac Erie, pour se remettre de la mort de son mari. Là, elle fait la connaissance d'Eliza (Betsy Baker), une voisine excentrique, et de sa nièce Autumn (Anne Leigh Cooper), une universitaire fascinée par la maison où vit Kate : celle-ci, en effet, appartenait autrefois à un archéologue disparu dans des circonstances mystérieuses...
J'aurais dû me méfier, et écouter mes instincts de vieux routard cinéphile : au premier abord, ce film a une affiche réussie, blindée de citations élogieuses et de récompenses reçues en festival ; le nom de Lance Henriksen sur l'affiche ; Al Snow dans un petit rôle ; une note imdb honorable, et des critiques imdb enthousiastes... bref, de quoi laisser présager quelque chose d'un minimum intéressant.
Mais malheureusement, c'est un bon gros piège. Les citations et les récompenses de l'affiche n'ont aucune valeur, le poster en lui-même n'a pas grand rapport avec le métrage, Lance fait de la figuration dans une poignée de scènes, et toutes les critiques imdb (ou presque) sont étrangement élogieuses, façon "on a de la famille qui a travaillé sur le film, donc on crée un compte imdb spécialement pour lui mettre une bonne critique".
Parce que franchement, ce métrage est particulièrement raté et amateur. Premier film du couple Chris et Meredith Majors (cette dernière est à la fois scénariste et actrice principale), Lake Eerie souffre d'un budget microscopique (dès les cartons-titres d'ouverture, en police Papyrus, on comprend que le tout tourne à l'économie), d'une musique totalement déplacée, d'une réalisation bancale (littéralement : la caméra ne parvient pas à rester stable et droite), d'une prise de son aléatoire, d'un script alambiqué et brouillon, d'un racolage évident (avec figurante dénudée en prime) et, pire que tout, d'une interprétation médiocre au possible, notamment de Meredith Majors, qui tire tout le film vers le bas.
Pas grand chose à sauver, ici, si ce n'est le jeu enthousiaste et enjoué de Betsy Baker, qui n'en est pas à son premier film d'horreur, ce qui évite que l'on s'endorme durant ses scènes.
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Occult (Okaruto) :
Quelques années après qu'un fou ait poignardé plusieurs inconnus en lisière d'une station balnéaire et touristique japonaise, une équipe de tournage menée par Kôji Shiraishi enquête sur l'incident, et sur un jeune trentenaire SDF (Shôhei Uno), qui a survécu au drame. Désormais marqué par des cicatrices aux motifs étranges, et persuadé que son attaquant lui a transmis un don surnaturel (et une mission divine) au moment de l'assaut, le vagabond prétend être quotidiennement témoin de phénomènes surnaturels, et accepte de les filmer pour le compte de Shiraishi. Mais bien vite, ce dernier comprend que la situation est bien plus complexe qu'il n'y paraît, et il se laisse embarquer dans les délires du SDF...
Je ne suis habituellement pas très client de j-horror, et comme je l'ai répété à maintes reprises, le genre found footage/mockumentaire m'agace plus qu'autre chose, désormais, tant il est surexploité et insipide.
Et pourtant, cet Occult a été pour moi une bouffée d'air frais.
Avec son rythme globalement mesuré et maîtrisé, sa réalisation appropriée et subtile, son interprétation compétente, son histoire intrigante et imprévisible, sa montée en tension réussie (aidée par une musique grinçante assez déstabilisante), et sa sensibilité tellement nipponne, ce mélange d'ovnis, de terrorisme/fanatisme et de tradition orientale, agrémenté de quelques touches d'horreur cosmique indicible, a totalement fonctionné sur moi.
En somme, je n'aurais pas hésité à lui mettre un bon 4/6 immédiat, voire même plus, si affinités... du moins, en théorie, car malheureusement, si j'ai réussi à ignorer, durant le cours du film, les quelques moments un peu ratés et fauchés (certaines images des entités, ou encore la tête en plastique dans la rue, après l'attentat), impossible de fermer les yeux sur le plan final absolument risible.
Un plan final qui, en quelques secondes, fait totalement s'effondrer le château de cartes fragile que la suggestion et la menace avaient construit durant tout le reste du métrage, et qui annihile ainsi instantanément toute tension, tout malaise, et tout mystère.
On termine donc cet Occult sur une très mauvaise impression (voire en secouant tristement la tête et en se moquant de ce final), ce qui ne pardonne pas, et plombe d'office la note globale du tout.
3/6, en étant généreux.
(cela dit, je vais tout de suite m'intéresser aux autres films de Kôji Shiraishi, comme par exemple Noroi, car le potentiel est là)
Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...
Motivational Growth :
Ian Folivor (Adrian DiGiovanni), un trentenaire dépressif, asocial et reclus, vit depuis des semaines dans son appartement minuscule, cloîtré devant son vieux poste de télévision hérité de ses parents. Lorsque celui-ci tombe en panne, cependant, c'est le drame, et Ian décide d'en finir... mais il se rate, et découvre alors qu'une moisissure murale, dans sa salle de bains, lui parle. Suivant les conseils de cette étrange créature à la voix suave (Jeffrey Combs), Ian se reprend en main, et fait alors la connaissance de Leah (Danielle Doetsch), une charmante voisine un peu excentrique. Mais la Moisissure a ses propres plans, et Leah n'en ait pas forcément partie.
Assez amusant d'enchaîner ce métrage juste après un Deep Dark qui m'a paru affreusement sage, puisque malgré un postulat de base pas si différent que ça, ce Motivational Growth en est l'opposé complet dans son exécution... jusqu'à l'excès.
Là où Deep Dark donnait plus dans la comédie satirique pas particulièrement drôle, et sous-exploitait son idée de base, ici, ce métrage au budget minimaliste (mais très bien utilisé) n'hésite pas à donner dans le bizarre et l'improbable, et ce dès sa première minute.
Tout est très stylisé et décalé, de la musique (à base de chiptunes) aux visuels (volontairement intemporels et crasseux) en passant par la structure (ça va et vient entre monde onirique animé à la manière d'une cinématique pixélisée, réalité, et divers degrés d'hallucinations télévisuelles), par les choix du script (le héros s'adresse régulièrement au spectateur, face caméra), par l'écriture des personnages (jamais vraiment crédibles en tant qu'êtres humains, mais étrangement sympathiques) et par l'interprétation, inégale, mais appropriée aux personnages, et participant à l'étrangeté globale du film.
Un film qui repose en grande partie sur le doublage décontracté et peu sérieux de "The Mold" par Jeffrey Combs, excellent comme toujours, surtout lorsqu'il parle de lui-même à la troisième personne.
J'ai donc bel et bien trouvé ici tout ce qui me manquait dans Deep Dark... et bien plus encore.
C'est d'ailleurs probablement là le problème de ce Motivational Growth : pendant un bon moment, malgré ses errances psychédéliques et irréalistes, le métrage conserve une structure et une certaine logique interne, qui font que le spectateur n'est pas trop perdu.
Dans sa dernière partie, cependant, à mesure que le héros et Leah se rapprochent d'une manière particulièrement forcée et étrange, le film déraille un peu, et laisse libre court à bon nombre de délires pas toujours très pertinents ou intéressants.
La fin, ainsi, laisse clairement libre court aux interprétations les plus diverses et variées, et le spectateur reste un peu le bec dans l'eau, insatisfait.
Néanmoins, le film est globalement un joli tour de force compte tenu de son budget (170000$), et il a le courage d'aller jusqu'au bout de son délire, quitte à laisser une partie des spectateurs sur le bas côté, et rien que ça, c'est à saluer.
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