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Avengers : Infinity War, la conclusion de 10 années de films Marvel, arrive à grand pas, et le moment est donc idéal pour revoir tous les films du MCU, dans leur ordre de diffusion initial...

Après des débuts un peu faiblards, la Phase 2 a atteint sa vitesse de croisière avec les très bons Captain America - Le Soldat de l'Hiver et les Gardiens de la Galaxie. il est temps désormais pour cette Phase de se conclure...

Avengers 2 : Age of Ultron (2015) :

Lorsque Tony Stark (Robert Downey Jr.) et Bruce Banner (Mark Ruffalo) lancent prématurément un programme de défense planétaire globale à l'intelligence artificielle nommé Ultron (James Spader), celui-ci prend vie et devient une menace indépendante décidée à éradiquer la race humaine. Aux Avengers de se réunir et d'empêcher le pire de se produire, avec l'aide inattendue de deux humains aux pouvoirs improbables, Pietro (Aaron Taylor-Johnson) et Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen)...

J'ai déjà fait une critique détaillée de ce film, en long, en large et en travers (voir le lien juste en dessous de la note), expliquant pourquoi je n'étais pas le plus grand fan au monde de cet Avengers 2 signé Whedon.

Cette fois-ci, je vais donc résumer mes avis précédents, et faire bref : les qualités et les défauts de ce film sont peu ou prou les mêmes que ceux & celles du premier Avengers, exacerbés par la présence d'un méchant très faible et raté visuellement, ainsi que par la nécessité de lancer des pistes et de préparer le terrain pour toute la suite du MCU, de Thor à Infinity War en passant par Black Panther et Captain America 3.

Le tout s'avère finalement rythmé mais brouillon, spectaculaire mais plein de trous, intéressant mais décousu, et s'il n'y avait pas l'alchimie et la bonne humeur existant entre les membres de cette équipe pour donner de la substance et de l'homogénéité à tout ça, le métrage se rapprocherait dangereusement de ce qu'est devenue la Justice League, plus récemment (mais avec les mêmes Whedon et Elfman aux commandes).

Nul doute que les frères Russo parviendront à faire d'Avengers 3 et 4 quelque chose de plus structuré, et de plus convaincant.

Un petit 3/6

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2015, et mise à jour en 2017, à lire ici)

Ant-Man (2015) :

Dépossédé de sa propre compagnie par son ancien bras droit et protégé, Darren Cross (Corey Stoll), le Dr Hank Pym (Michael Douglas) recrute le cambrioleur Scott Lang (Paul Rudd) pour s'introduire dans les laboratoires Cross, saboter leurs archives, et empêcher qu'une technologie de pointe inspirée des travaux de Pym ne soit vendue à Hydra. Pour cela, Scott va devoir s'entendre avec Hope (Evangeline Lilly), la fille de Hank, apprendre à contrôler les fourmis, et à maîtriser les extraordinaires pouvoirs miniaturiseurs du costume d'Ant-man...

Une comédie fantastique sympathique, façon film de casse, avec une distribution plutôt bonne et attachante (mention spéciale à la petite qui joue la fille de Lang), des effets spéciaux convaincants, et un sens de l'humour qui fonctionne.

Quel dommage alors que la genèse compliquée du métrage (voir ma critique plus complète) se sente autant dans son exposition, et dans sa mise en place : le rattachement au reste du MCU, la présentation des personnages, le premier tiers du film, tout ça manque de finesse et d'énergie, pour enfin décoller une fois que les effets spéciaux (et les fourmis) entrent en jeu.

Le métrage s'avère néanmoins efficace dans les bases qu'il pose pour ses personnages, et s'il manque de la folie qu'Edgar Wright aurait pu lui insuffler, cet Ant-Man reste néanmoins tout à fait honorable.

3.75/6

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2015, et mise à jour en 2017, à lire ici)

On voit enfin le bout de la saison 1 de Star Trek Discovery, après un épisode se terminant par le retour du vaisseau dans son univers d'origine, et qui se concluait par ce moment inoubliable, symptomatique de l'écriture incompétente de la série :

​Star Trek Discovery 1x14 :

De retour dans leur univers d'origine, les membres d'équipage du Discovery font le point, et reçoivent la visite de Sarek et de l'Amirale Cornwell...

45 minutes d'exposition particulièrement bavarde, avec son quota de moments qui ne fonctionnent pas (le bilan de Ash et de Burnham sur leur relation), et d'autres gentiment WTF :

- Sarek qui arrive à bord et fait aussitôt un mind-meld à autrui sans lui demander son avis (d'ailleurs, toute la caractérisation de Sarek est complètement à l'ouest, comme lorsqu'il se met à parler d'amour et de sentiments à Burnham) ;

- Ash qui est laissé quasiment libre dans le vaisseau sans que personne ne sache comment il a été guéri, ou s'il a bien été guéri, mais qui en parallèle se fait opposer une fin de non-recevoir par quasiment tout le monde à bord (paradoxe, quand tu nous tiens) ;

- la terraformation d'une planète en quelques minutes, pour y refaire le plein de spores ;

- et bien entendu, le plan final du Discovery : télésporer directement le Discovery dans la planète Qo'onos, apparemment creuse (!?), scanner toutes les installations grâce aux spores magiques (!?), faire un carnage (!?), et gagner la guerre pour le compte d'une Fédération qui, même avec l'algorithme de détection des vaisseaux camouflés, mais avec seulement 1/3 de vaisseaux en moins, ne semble pas capable de vaincre ses adversaires (!?).

Ah, et j'oubliais : pour réussir tout cela, apparemment, il faut faire croire à l'équipage du Discovery que Giorgiou est toujours vivante (!?), et laisser le champ libre à Mirror Giorgiou, placée aux commandes du vaisseau (!?).

Je me doute bien que l'objectif des scénaristes et showrunners, c'est d'avoir une fin de saison qui reflète son ouverture, avec une Burnham qui se mutine contre une Giorgiou, et met ainsi un terme à la guerre qu'elle a déclenchée, mais bon... c'est écrit avec tellement peu de finesse et de fluidité qu'on sent qu'ils avaient l'idée de base, la conclusion de l'arc, mais rien d'autre entre deux, et qu'ils ont brodé au fur et à mesure.

Vraiment toujours aussi décevant, et je redoute le pire pour le grand final de la semaine prochaine.

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Red Trousers - Anthologie du cinéma de Hong Kong (Red Trousers : The Life of the Hong Kong Stuntmen) :

Un documentaire réalisé et narré par Robin Shou, et qui utilise le prétexte d'un court-métrage dont il est le héros pour revenir sur la base même de l'industrie cinématographique de Hong-Kong : les cascadeurs.

Des cascadeurs interviewés en long, en large et en travers par Shou, dans tout ce qu'ils ont de fascinant, mais aussi de vraiment embrigadés : bon nombre de cascadeurs ne rêvent que d'une chose, marcher dans les pas de Jackie Chan, Sammo Hung et compagnie, et parvenir à les égaler. Quitte à, pour cela, accepter une formation et un fonctionnement dans la lignée de l'Opéra de Pékin, où les brimades et les humiliations étaient monnaie courante, et où il n'y avait pas de place pour l'individualité, pour la douleur, et pour les plaintes.

Résultat : bon nombre de cascadeurs (mais aussi de jeunes étudiants des Écoles d'art, etc) ne fonctionnent qu'en se donnant corps et âme à leur métier, quitte à se briser physiquement et mentalement, et à se pousser au delà de leur limites.

Un état d'esprit et une vocation très particuliers, clairement inscrits dans les gènes des jeunes Chinois, et qui s'avère assez intéressants à découvrir, notamment dans ce jusqu'au-boutisme assez radical.

Cela dit, le documentaire n'est pas parfait pour autant, puisque le court-métrage de Shou est assez inintéressant (avance rapide !), et que, de manière générale, sa voix off, lorsqu'elle intervient (heureusement assez rarement) sonne franchement assez faux.

4/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien....

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

Mascots :

Alors qu'approche le grand concours international annuel des Mascottes, qui se tient à Anaheim, en Californie, un groupe de mascottes sportives en provenance des quatre coins de la planète se prépare à l'événement, espérant chacune décrocher l'ultime récompense de leur discipline...

Un nouveau mockumentaire de Christopher Guest (Spinal Tap, A Mighty Wind, Waiting for Guffman, Bêtes de Scène, For Your Consideration), qui suit naturellement une troupe de personnages totalement décalés et improbables (allant de Chris O'Dowd à Jane Lynch, en passant par Parker Posey, Fred Willard, Susan Yeagley, Bob Balaban, Jennifer Coolidge, John Michael Higgins, Oscar Nunez, Zach Woods, Don Lake, Christopher Moynihan, Sarah Brown, Tom Bennett etc, etc, etc) durant la préparation de la compétition, puis, dans sa dernière demi-heure, durant la compétition en elle-même.

Malheureusement, l'intérêt du métrage s'arrête à son postulat, puisque pour une fois, Guest peine à vraiment intéresser le spectateur à cette galerie de névrosés incapables (trop de personnages et d'acteurs sont sous-exploités dans ce métrage), et à leurs numéros finalement assez médiocres.

On finit par trouver le temps long entre deux scènes ou moments amusants, et le tout paraît un peu creux et plat sur la longueur, ce qui est bien dommage pour du Christopher Guest.

Un minuscule 3/6

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Batman - Gotham by Gaslight :

À Gotham City, la terreur règne, alors que Jack l'Éventreur profite du brouillard ambiant pour massacrer, une à une, les femmes de la ville. Malgré les efforts de l'Inspecteur Gordon (Scott Patterson), le tueur reste introuvable... jusqu'à ce que le mystérieux Batman (Bruce Greenwood) ne se lance sur la piste du tueur sanguinaire.

Une excellente surprise que ce métrage adapté du comic-book du même nom, un titre unitaire de la collection Elseworlds, illustré par Mike Mignola, et qui transpose Batman à l'époque victorienne pour l'opposer à Jack l'Éventreur.

La direction artistique, le doublage et la musique sont convaincants, l'intrigue est suffisamment bien menée pour qu'on se laisse porter, l'ambiance est là, l'action est efficace, bref, je n'ai vraiment rien de négatif à dire sur ce métrage.

J'ai notamment vraiment apprécié le fait que Batman n'y soit pas un justicier invulnérable et tout-puissant, ainsi que les nombreux clins d'oeil à Sherlock Holmes (entre autres), et (chose assez rare dans le cas de ces films d'animation DC), j'ai vraiment apprécié le character design, en particulier celui de Bruce Wayne.

Pour une fois, c'est réussi.

4.5/6

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La Planète des Singes - Suprématie (War For The Planet of the Apes) :

Lorsqu'un Colonel fanatique (Woody Harrelson) mène un assaut sur le campement de César (Andy Serkis) et tue sa femme et son fils, César décide de partir en quête de vengeance en compagnie d'une poignée de ses alliés les plus fidèles (Terry Notary, Karin Konovam, Michael Adamthwaite). En chemin, ils recueillent une fillette humaine muette, un singe décrépi sorti d'un zoo (Steve Zahn) et finissent dans un camp de prisonniers, où va se décider l'avenir des deux races qui se partagent la Terre...

J'ai un peu l'impression de me répéter, avec chaque film de cette trilogie de reboots/remakes de la Planète des Singes. En effet, ce n'est pas nouveau, je n'ai jamais été particulièrement convaincu par ceux-ci, malgré les nombreuses louanges critiques, et les deux films précédents m'avaient ainsi laissé plus ou moins de marbre (le premier plus que le second).

Et ici, c'est plus ou moins la même chose : certes, visuellement, c'est très réussi, et Matt Reeves se permet des cadrages et des images vraiment superbes, aidé par des équipes exceptionnelles aux effets spéciaux. Mais je pourrais littéralement recopier la quasi-intégralité de la critique que j'avais faite pour le deuxième épisode, tant elle s'applique mot pour mot à cet ultime chapitre.

À nouveau, ici, le scénario et les réactions des protagonistes sont cousus de fil blanc, avec des rebondissements attendus, et de grosses ficelles manquant clairement de subtilité (l'avalanche, le camp de prisonniers non surveillés, le sort du Colonel, la pseudo-tentative de suspense sur la véritable nature de Bad Ape lorsqu'il apparaît masqué pour la première fois, le sort de César, le geste final du gorille-donkey) ; les humains sont tous, pour la plupart, toujours insipides et dénués de personnalité ; le rythme est toujours très inégal (2h20, encore plus long que le précédent) ; et une nouvelle fois, le paradoxe de l'uncanny monkey valley est bien présent.

J'ai même envie de dire qu'il est plus présent que jamais, puisque la technologie continue d'évoluer, les singes continuent d'atteindre un degré de photoréalisme frappant, et pourtant, César continue de poser problème. Il est ainsi tellement humanisé physiquement (posture, visage) et par ses dialogues qu'il n'est plus convaincant en tant que singe, puisque la moitié du temps, il donne l'impression d'être un composite bancal du regard d'Andy Serkis, sur un singe numérique.

Trop humanisé, César tranche beaucoup trop avec tous ses congénères photo-réalistes, y compris avec Bad Ape, parfait malgré son rôle très comique.

Ajoutez à ces problèmes un script jouant un peu trop la carte de la référence cinématographique (Apocalypse Now, La Grande Évasion, Le Pont de la Rivière Kwaï) et biblique (grosse fascination du scénario pour le côté père/fils, l'Exode, Ben-Hur, etc), une bande originale très réussie, mais qui en fait un peu trop sur l'émotion et le larmoyant, quelques problèmes récurrents à ces films (pauvres chevaux qui se trimballent près de 250 kilos de singes sur le dos ; pauvres singes et primates qui sont, visiblement, tous physiquement asexués ; et d'ailleurs, la féminisation des primates femelles, à base de tresses et de bijoux, est assez peu inspirée), et l'on se retrouve avec un film qui ne capitalise pas vraiment sur ses acquis, et manque d'un vrai bon scénario pour transcender la démonstration technique de Weta Digital.

Ce n'est pas catastrophique (ça se regarde très bien, c'est très bien produit, etc), mais ce n'est pas non plus une réussite incontestable, comme le laissaient penser les critiques.

3.75/6

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Flock of Dudes :

Trentenaire immature et lourd, Adam (Chris D'Elia) passe tout son temps à faire la fête avec ses amis de toujours (Eric André, Brett Gelman, Bryan Greenberg). Jusqu'au jour où son ex-petite amie (Jamie Chung) commence à fréquenter Mario Lopez : Adam comprend qu'il doit changer de vie et se séparer de ses amis s'il veut avancer dans la vie ; son frère David (Skylar Astin) établit alors un contrat aux enjeux légaux inattendus...

Une bro-comedie romantique insipide et assez désagréable, aux personnages lourds, vulgaires et antipathiques, et aux clichés innombrables et agaçants.

La seule chose qui sauve le métrage de la nullité la plus totale, c'est sa distribution qui, malgré tout, s'avère plutôt intéressante : Jamie Chung, Hannah Simone, Hilary Duff, Melissa Rauch, Marc Maron, Kumail Nanjiani, Hannibal Buress, Jeffrey Ross, Ray Liotta, etc...

Autant de visages familiers qui redonnent un peu d'énergie et d'intérêt au film, alors qu'il sombre dans sa routine particulièrement creuse et dans son émotion forcée.

1.75/6

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Avengers : Infinity War, la conclusion de 10 années de films Marvel, arrive à grand pas, et le moment est donc idéal pour revoir tous les films du MCU, dans leur ordre de diffusion initial...

La Phase 2 du MCU a commencé avec les faiblards Iron Man 3 et Thor 2 : Le Monde des Ténèbres ; heureusement, Marvel est rapidement passé à la vitesse supérieure, avec les deux productions suivantes...

Captain America 2 - The Winter Soldier (2014) :

Désormais installé à Washington après la Bataille de New York, Steve Rogers (Chris Evans) est contraint de se rebeller contre le SHIELD, aux côtés de la Veuve Noire (Scarlett Johansson), de Nick Fury (Samuel L. Jackson) et du Faucon (Anthony Mackie). Car l'organisation est en réalité corrompue de l'intérieur par HYDRA, sous la direction du machiavélique Alexander Pierce (Robert Redford), qui commande le dangereux Soldat de l'Hiver (Sebastian Stan)...

Le meilleur film de la Phase 1 du MCU, c'était Captain America. Sans surprise, le meilleur film de la Phase 2, c'est aussi Captain America. Un Captain America bien différent de son aîné, puisque nettement plus moderne et sérieux, en mode thriller politico-conspirationniste, pour un film qui chamboule radicalement la donne de l'univers Marvel cinématographique.

Fini le Shield tout puissant, place à un duo Cap/Widow traqué par leurs anciens collègues, et à une ambiance paranoïaque qui fonctionne très bien, renforcée par de l'action tendue et mémorable (Fury en voiture, notamment), par un Falcon qui est très bien choisi et par un Robert Redford convaincant en bad guy (spoilers !).

Alors tout n'est pas parfait : la réalisation de l'action est parfois un peu tremblotante, le nouveau look de Scarlett est discutable, et la bande originale de Henry Jackman est relativement quelconque (et pas aidée par le fait que le bonhomme a, depuis, recyclé les mêmes sonorités militaires dans bon nombre de ses béos), mais dans l'ensemble, c'est un succès... et ça fait vraiment plaisir de retrouver l'uniforme vintage du Captain.

4.5/6

Guardians of the Galaxy (2014) :

Après avoir mis la main sur une sphère étrange à l'importance insoupçonnée, l'aventurier humain Peter Quill (Chris Pratt) se trouve contraint de faire équipe avec la tueuse Gamora (Zoe Saldana), Drax le Destructeur (David Bautista), Rocket le raton-laveur inventeur (Bradley Cooper), et Groot l'arbre bipède (Vin Diesel), pour affronter les forces du maléfique Ronan l'accusateur (Lee Pace), sbire de Thanos...

Autre prise de risques pour le MCU, avec ce space opera déjanté et décalé mettant en scène des personnages de seconde (voire de troisième) zone. Et pourtant, avec du recul, ce Guardians of the Galaxy s'avère une pièce essentielle de la construction du MCU, qu'elle ouvre vers des perspectives galactiques, tout en rajoutant des pierres à l'édifice de l'Infinity War à venir, en faisant apparaître Thanos et ses enfants.

Confié à l'esprit corrosif de James Gunn, GotG est donc tour à tour prenant, spectaculaire, et surtout drôle, baignant ses personnages attachants dans un univers baroque et multicolore, aux effets spéciaux convaincants, et à l'illustration musicale rétro-pop.

Le film plonge directement ses spectateurs dans ce monde, sans le prendre par la main, et ça fonctionne, malgré quelques faiblesses de rythme, çà et là : rien de rédhibitoire, quand bien même on ressentirait les limites du formatage Marvel, notamment dans ce Ronan gentiment sacrifié, ou dans cette ébauche de romance forcée et pas forcément convaincante entre Peter et Gamora (en même temps, je me répète, mais Zoe Saldana, bof ; j'aurais largement préféré Olivia Wilde dans le rôle, comme prévu).

Reste que ce pari improbable est réussi, et les Gardiens ont fini par donner une nouvelle impulsion à l'univers Marvel, l'envoyant dans une direction plus humoristique, mais aussi plus spectaculaire et spatiale.

4.25/6

(critique originale publiée sur ce blog en 2014, à lire ici)

Star Trek Discovery continue son arc narratif de l'Univers-Miroir, enchaînant les rebondissements creux et sans inspiration, et après les 33 minutes d'épisode de la semaine dernière, on boucle enfin les pérégrinations de Burnham en massacrant allègrement le personnage de Lorca...

​Star Trek Discovery 1x13 :

À bord du Charon, Giorgiou et Burnham tentent de repousser la rébellion de Lorca, tandis qu'à bord du Discovery, l'équipage tente de trouver un moyen de sauver l'univers...

Là, je crois que j'arrive à court de patience. Heureusement qu'il ne reste qu'une poignée d'épisodes, et que la saison touche à sa fin, parce que si la saison avait été de 22 épisodes (ou plus), je crois que j'aurais choisi de jeter l'éponge dès maintenant.

Entre le sacrifice honteux du personnage de Lorca sur l'autel du rebondissement foireux et manichéen ("Hé, Jason Isaacs est excellent, en Lorca... si on transformait son personnage en psychopathe raciste et basique, qui veut conquérir le monde, et qui paraphrase Donald Trump, avant de mourir en cours d'épisode !?"), l'arc de l'Univers Miroir qui se conclue par un bon gros "tout ça pour ça ?", les raccourcis narratifs en tous genres, les problèmes évidents de production (SMG qui tient son phaseur à l'envers face à Lorca, le temps d'un plan), les idées foireuses (le grand combat de Giorgiou + Burnham qui font du kung-fu mal filmé contre l'équipe de Lorca), l'inspiration très clairement puisée du côté de Star Wars, les scènes de dialogues insipides, et l'insistance des scénaristes à aller toujours de l'avant, en enchaînant les twists, les événements, l'action, les batailles, sans jamais permettre le moindre développement pertinent ou le moindre moment de calme permettant de faire vivre les personnages et leur univers*... je n'en peux plus.

Je finis la saison, et on n'en parle plus, hein.

(à moins que Fuller ne décide de revenir en cours de route)

Et je ne peux m'empêcher de me demander si les scénaristes n'ont pas tout simplement changé de cap à mi-parcours, lorsque les premiers retours des spectateurs sont arrivés, et que tous les rebondissements prévus par la production ont commencé à être devinés et éventés les uns après les autres...

* en même temps, ce n'est pas plus mal, parce qu'un moment de calme permettrait aux spectateurs de réfléchir aux grandes lignes de la saison, et ça, ça ferait beaucoup de mal à la série, je pense, tant les motivations des personnages principaux ne semblent avoir aucun sens... il est clair que ce rythme effréné permet de cacher bon nombre des rustines qui colmatent vaguement le script, et de faire illusion auprès des spectateurs les moins exigeants., à en juger par l'hostilité générale (à base de "si tu n'aimes pas, arrête de regarder" ou de "arrêtez de vous plaindre de la série, elle est géniale et moderne, c'est plein d'action !") qui se manifeste de plus en plus sur le web dès que l'on ose émettre une critique (professionnelle ou non) sur la série.

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​ 

Coco :

En dépit de l'interdiction formelle de jouer de la musique imposée par sa famille, Miguel (Anthony Gonzalez), un jeune garçon, a appris à jouer de la guitare en secret en s'inspirant de son idôle, Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt). Jusqu'au jour où il découvre qu'Ernesto est son ancêtre : il décide alors de profiter du Jour des Morts, lorsque le monde des vivants et celui des morts se rejoignent, pour retrouver Ernesto avec l'aide d'Héctor (Gael García Bernal), un squelette bon à rien et magouilleur rencontré en chemin...

Le tout dernier Pixar, une ode à la famille, au souvenir et au Mexique, et qui s'avère visuellement particulièrement chatoyant et bigarré : un régal pour les yeux, malgré un petit ventre mou avant le gros rebondissement lançant le dernier tiers du film.

Cela dit, bien que le rebondissement en question soit effectivement assez classique et prévisible, tout ce qui suit est diablement efficace et touchant, et il est difficile de résister à l'émotion lorsque Coco et Miguel se retrouvent enfin.

Pas parfait, mais néanmoins une réussite de plus à mettre au compte de Pixar.

4.25/6 (nettement au dessus de La Légende de Manolo, en ce qui me concerne)

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En janvier, le blog des Téléphages Anonymes a mis de côté les festivités de fin d'année, pour revenir à sa rubrique quotidienne Un film, un jour... ou presque ! Au programme, un petit mois, mais place au bilan...

#622 : Exporting Raymond 2.5/6

#623 : The Layover 1.5/6

#624 : The House 1.25/6

#625 : Justice League 1.5/6

#626 : Le Monde Secret Des Emojis 1/6

#627 : The Source Family 3/6

#628 : Opening Night 3.5/6

#629 : Valérian et la Cité des Mille Planètes 1.5/6

#630 : Nobody Walks 1/6

#631 : La Tour Sombre 2/6

#632 : Tickled (2016) & The Tickle King 4.75/6

#633 : Kingsman 2 - Le Cercle Doré 3/6

#634 : Hollywoo 2.5/6

#635 : Star Wars - Épisode VIII : Les Derniers Jedis 3/6

#636 : Schlock ! - The Secret History of American Movies 3/6

#637 : Mécanique Amoureuse 2/6

#638 : Jumanji - Bienvenue dans la Jungle 3.5/6

#639 : American Grindhouse 4.25/6

#640 : Table 19 3/6

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Au programme, pour ce mois de janvier, des documentaires, quelques comédies quelconques, et pas mal de grosses sorties que j'ai rattrapées un peu tardivement... le tout pour un résultat des plus mitigés.

Si, sur le front des documentaires, on s'en sort assez honorablement - Exporting Raymond étant probablement le plus faible des documentaires visionnés ce mois, et Tickled le plus réussi (et le plus WTF) -, les grosses sorties déçoivent clairement.

Au point de faire de Jumanji 2017, pourtant pas forcément exceptionnel, la meilleure sortie blockbuster vue ce mois-ci, devant un Star Wars trop polarisant et bancal pour convaincre, et d'innombrables plantages comme Justice League et Valerian.

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Film du mois : clairement Tickled, un documentaire tellement improbable qu'il en est presque incroyable, et construit comme un thriller prenant et passionnant.

Flop du mois : comme dirait South Park, c'est un combat d'infirmes entre Valerian, la Justice League et la Tour Sombre, trois plantages créatifs et artistiques retentissants...

Au niveau des séries, un mois plutôt inégal, entre un Young Pope polarisant, un Great Fire anémique, et un Wet Hot American Summer : 10 ans après toujours aussi sympathique... et puis, bien entendu, Star Trek : Discovery, qui n'en finit pas de décevoir le fan de Trek que je suis.

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En février, on continue sur notre lancée, avec en prime un bref détour par la case romance à l'occasion de la Saint Valentin !

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Table 19 :

Enceinte et plaquée par son petit-ami, le témoin de la mariée (Wyatt Russell) dont elle était la demoiselle d'honneur, Eloise (Anna Kendrick) se retrouve assise à la table 19 lors du dîner suivant la cérémonie. Avec elle, Jerry et Bina (Craig Robinson & Lisa Kudrow), un couple marié passant son temps à se disputer, Renzo (Tony Revolori), un ado maladroit aux hormones en ébullition, Jo (June Squibb), une nounou oubliée, et Walter (Stephen Merchant), un criminel en col blanc : tous malheureux, tous mécontents, tous mis au rebut, mais qui pourtant vont trouver ensemble un moyen de transformer cette sinistre soirée en expérience positive.

Une comédie dramatique écrite par les créateurs de la série Togetherness, et qui est nettement plus axé drame, pathos et personnages tous malheureux, que comédie (l'humour se résume à un peu de slapstick, et à de la cringe comedy).

Il y a bien quelques moments amusants (Merchant est très à l'aise, forcément), un semblant d'esprit Breakfast Club dans la manière dont tous ces misfits se rassemblent et s'entraident, et toute cette distribution plutôt sympathique fait que l'on ne voit pas les 87 minutes du film passer, mais difficile de s'attacher à tous ces personnages qui passent leur temps à s'apitoyer sur leur sort, à geindre, à se disputer, etc..., ou encore d'être satisfait par les nombreuses pistes et sous-intrigues qui restent le plus souvent à l'état d'ébauche.

Sans compter que lorsque le film s'essaie à la comédie romantique (pour le personnage de Kendrick), ça ne fonctionne pas du tout, tant les deux personnages qui finissent ensemble n'ont aucune alchimie, et finissent en couple presque par défaut (en dépit de ce que le script tente de faire croire au spectateur).

Un généreux (mais minuscule) 3/6, pour le cast

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American Grindhouse :

Documentaire américain qui revient en détail sur l'histoire du cinéma d'exploitation américain, un peu à l'instar de Schlock, mais qui s'avère nettement plus complet et satisfaisant à regarder.

En effet, là où Schlock s'attardait longuement sur les années 50-70, négligeant fortement l'avant, et l'après, ici, on a droit à un passage en revue de toute l'histoire du cinéma d'exploitation, moins pointu et limité que Schlock, mais plus intéressant et instructif.

Le film retrace ainsi toute la genèse du genre de l'exploitation, depuis Edison, jusqu'aux cinémas grindhouse (qui ne fermaient jamais), en passant par le Code Hays, son application, et ce que la fin du Code Hays a signifié pour les films d'exploitation : une évolution, à mesure que les thèmes qui étaient jusque là limités aux films d'exploitation racoleurs étaient intégrés dans les longs-métrages de studio. 

De là, on passe pas les teen movies, les beach movies, les nudie cuties, les roughies, puis (comme détaillé dans Schlock), le gore, avec Hershell Gordon Lewis, puis Corman, la contre culture des années 70, etc.

Et là où Schlock s'arrêtait, cet American Grindhouse continue, en nous parlant de l'horreur produite dans les années 70, de la blaxploitation, du genre des femmes en prison, de la nazisploitation, et bien entendu, aboutissement logique de tout cela, du porno.

Une histoire mouvementée, qui, à nouveau, aboutit sur une récupération des genres du cinéma d'exploitation par les grands studios (comme par exemple avec Les Dents de la Mer).

Bref, un documentaire à peu près complet, ludique, avec beaucoup de témoignages et de commentaires apportés par des noms réputés (John Landis, Joe Dante, Larry Cohen, etc), et énormément d'images et d'extraits, qui permettent d'avoir un bon aperçu de tous ces sous-genres mentionnés par les intervenants.

Un quart d'heure de plus n'aurait pas forcément été de refus.

4.25/6

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Jumanji - Bienvenue dans la Jungle (Jumanji : Welcome to the Jungle) :

Lorsque quatre adolescents - Spencer (Alex Wolff), Martha (Morgan Turner), Fridge (Ser'Darius Blain) et Bethany (Madison Iseman) - découvre une vieille console de jeux oubliée, équipée de Jumanji, un mystérieux jeu d'aventures, ils se retrouvent propulsés dans ce monde virtuel où, possédant les pouvoirs et l'apparence de leurs personnages (Dwayne Johnson, Karen Gillan, Kevin Hart & Jack Black), ils doivent sauver le monde du maléfique Van Pelt (Bobby Cannavale).

Pour une raison que je ne m'explique guère, Jumanji - le métrage original de 1995, une comédie fantastique familiale inégale, à 3.5/6, aux effets spéciaux déjà gentiment datés à l'époque de sa sortie (je sais qu'ILM est assez fier de son travail, mais certaines des créatures - les singes, notamment - sont franchement ratées), et au Robin Williams sortant tout juste de Hook, Toys, Mme Doubtfire et Being Human, ouch - jouit désormais d'une réputation de film excellent et incontournable, un classique cinématographique des années 90.

De quoi susciter une levée de boucliers à l'annonce de cette suite/remake, comme si ce nouveau volet allait ternir l'image de la franchise Jumanji. D'autant plus amusant que ce Jumanji 2017 s'avère une bonne surprise, un film d'aventures familial assez rythmé et amusant, au casting impeccable, qui joue totalement le jeu et parvient à rendre crédibles ces personnages adolescents coincés dans des corps qui ne sont pas les leurs.

Ce n'est pas pour autant un chef d’œuvre - le script est assez basique, la réalisation est fonctionnelle, ça manque de singes, c'est prévisible, trop sage et certains effets spéciaux risquent de mal vieillir - , mais en tant que divertissement familial de fin d'année, ça tient suffisamment la route pour ne jamais ennuyer, et pour distraire pendant moins de 2 heures.

3.75/6

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Mécanique Amoureuse (Mechanics of Love) :

De retour dans sa ville natale à l'occasion du mariage de sa soeur Clare (Emily Tennant), Mattilynn Dupree (Shenae Grimes-Beech) passe rendre visite à son père (Lochlyn Munro) dans le garage automobile dont il s'occupe. Là, elle retrouve Jake (Tyler Hynes), un ami d'enfance au charme duquel elle n'est pas insensible, et qui songe à racheter l'affaire de son géniteur...

Une comédie romantique PixL affreusement insipide, terne et manquant cruellement de rythme et de fantaisie : on passe plus de temps à s'attarder sur les problèmes du mariage à venir de la soeur de l'héroïne que sur cette dernière, les personnages masculins ont un charisme inexistant, et ça fait toujours un peu mal de voir Lochlyn Munro en semi-retraité père de deux vingtenaires.

2/6

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Wet Hot American Summer, sorti en 2001, est une comédie culte que tout amateur d'absurde et d'improbable se doit d'avoir vue : parodie des summer camps movies américains, ce métrage signé de la troupe de The State est désormais un incontournable du genre, et possède, dans sa distribution, d'innombrables visages familiers et autres piliers de la comédie américaine actuelle.

Wet Hot American Summer : First Day of Camp, mini-série diffusée sur Netflix  en 2015, s'inscrivait directement dans la continuité du long-métrage... en se posant en préquelle à celui-ci, et ce quand bien même les acteurs avaient tous clairement pris 15 ans depuis le tournage du film : pas de problème, David Wain, Michael Ian Black et Michael Showalter avaient intégré cette différence d'âge et de physiques au décalage humoristique, pour une suite à la hauteur de son modèle, malgré quelques petits problèmes de rythme, inhérents à ce nouveau format.

Et donc, en 2017, toute cette petite bande de joyeux lurons a remis le couvert une fois de plus, s'inspirant des pistes laissées dans le film et dans la série, et promettant de découvrir le destin de ces personnages, dix ans plus tard.

Wet Hot American Summer : Dix ans plus tard (Wet Hot American Summer : Ten Years Later) :

En 1991, dix ans exactement après leur dernier été au Camp Firewood, tous les moniteurs et responsables de ce dernier se retrouvent sur place, pour faire le point sur leurs vies, leurs romances, et sur l'avenir du camp, que Beth (Janeane Garofalo) songe à fermer... Mais dans l'ombre, une sombre conspiration présidentielle se trame, et celle-ci pourrait bien mener à la destruction totale  du camp de vacances et de tous ses pensionnaires.

Difficile de faire un vrai bilan d'une telle saison, une saison marquée par un changement de cible évident pour la team Showalter/Wain/Black, et par des difficultés toujours plus importantes à réunir chaque année tout le cast de la série... D'autant plus que la distribution de WHAS gagne de nouveaux membres supplémentaires avec chaque nouvelle saison !

Le changement de sujet était inévitable, compte tenu de la période temporelle à laquelle se déroule cette saison : les années 90. Exit donc la parodie des camps de vacances (elle reste néanmoins présente en filigrane pendant toute la saison) et place aux parodies des métrages à la mode à la fin des années 80 et au début des années 90 : les thrillers géopolitiques à tendance nucléaire, les triangles amoureux impossibles façon Ross/Rachel/Emily, les comédies générationnelles à la Singles ou Reality Bites/Generation 90, les thrillers domestiques façon La Main Sur Le Berceau, et bien sûr, les films de "retrouvailles" centrés sur les "10-year reunions" - voire même, pour être encore plus dans le ton du camp de vacances, Indian Summer (1993), avec ses anciens campeurs qui se retrouvent des années plus tard et découvrent que le camp où ils ont passé leurs étés va bientôt fermer ses portes...

Ça donne donc de quoi faire aux scénaristes, qui nous concoctent ainsi huit épisodes improbables, pour une mini-saison à mi-chemin entre le ton du film original, et celui de la précédente déclinaison télévisuelle. En effet, cette année, compte tenu de la cible des parodies de la bande, l'accent est mis de manière assez prononcée sur le relationnel, pour le meilleur et pour le pire : s'il est toujours amusant de voir évoluer la romance impossible de Coop et de Katie, d'autres sous-intrigues de ce type (Mark et Claire, ou encore Jay Courtney - très drôle - et Amy Poehler) ne fonctionnent vraiment pas aussi bien, et semblent parfois n'être là que pour donner quelque chose à faire aux acteurs impliqués.

On regrettera aussi l'éclatement de la distribution, au fil des ans : si le remplacement de Bradley Cooper par Adam Scott fonctionne (principalement parce que c'est totalement dans l'esprit du Dj Ski Mask de la saison précédente, et que tout le monde trouve ça normal dans le cadre de la série), que l'absence de Joe Lo Truglio (qui fait la sieste pendant une grosse partie de la saison) passe inaperçue, et que le bref caméo de David Hyde Pierce (improvisé, filmé à la webcam avec une fausse moustache, devant l'étagère à Emmys de l'acteur), est tout simplement parfait, l'enquête d'Elizabeth Banks (séparée du reste de l'équipe jusqu'à la toute fin) tombe un peu à plat, et les mésaventures de Chris Pine, Jason Schwartzman et Chris Meloni (encore une fois génial) semblent toujours un peu détachées des problèmes du camp.

Et pourtant, il s'y passe de ces choses improbables !

La série monte ainsi progressivement en puissance, comme le film, pour verser dans le grand n'importe quoi jouissif et hilarant, à la conclusion métadiscursive plutôt définitive : et si la seule explication à tous ces étés improbables et à ces runnings-gags, avec conspirations présidentielles, boîte de conserve parlante, et cadavres ressuscités, c'était l'imagination hyperactive de Coop ?

Le show botte ainsi en touche d'une manière parodique - après tout, difficile de prendre au sérieux cette hypothèse, surtout compte de tenu de la réalité fantaisiste de la série... Quoiqu'il en soit, si elle donne quelques signes d'essoufflement, la saison fonctionne tout de même globalement, et si elle doit être la conclusion des mésaventures des personnages du camp Firewood, soit : ce fut un baroud d'honneur bien sympathique.

Avengers : Infinity War, la conclusion de 10 années de films Marvel, arrive à grand pas, et le moment est donc idéal pour revoir tous les films du MCU, dans leur ordre de diffusion initial...

La Phase 1 du MCU s'est conclue avec l'explosif Avengers : place à la Phase 2, l'ère des suites un peu creuses, du chamboulement, et des nouveaux héros...

Iron Man 3 (2013) :

Traumatisé par l'invasion de New York, Tony Stark (Robert Downey Jr.) est devenu dépendant de ses armures, et commence à perdre pied. Mais lorsque le Mandarin (Ben Kingsley), meneur d'une organisation terroriste, décide de s'en prendre à Stark, et détruit tout ce qui lui appartient, ce dernier, présumé mort, ne peut plus compter que sur son ingéniosité, son instinct et sur l'aide du jeune Harley (Ty Simpkins) pour se tirer d'affaire...

Mouais. Probablement l'Iron Man que j'aime le moins, et que je n'avais jamais eu envie de revoir depuis sa sortie. Le problème, en fait, c'est que Shane Black est aux commandes, et qu'il fait un peu ce qu'il veut, à savoir : il ne fait pas un Iron Man 3, il fait Tony Stark 3, un film plus intéressé par Tony sans armure, indestructible et qui survit en débardeur à des scènes d'action pétaradantes, en faisant des vannes constantes, et accompagné d'un faire-valoir enfantin ou d'un partenaire black (lui aussi sans armure), le tout dans un environnement enneigé, à Noël...

En résumé, Shane Black fait du Shane Black, et ça ne passe pas vraiment, tant au point de vue du rythme que de la structure décousue, des raccourcis du récit, de la voix off narrative, des placements produits, et de nombreux choix créatifs aberrants (le pilotage d'armures à distance, qui enlève tout intérêt et tout danger, puisque Tony peut désormais tout faire depuis son canapé ; Guy Pearce en nerd à lunettes boiteux ; la mise en avant forcée et maladroite de Super Pepper Potts ; et bien sûr toute la conclusion façon "retour à la normale/nouveau départ" à nouveau en voix off, et bâclée).

C'est dommage, parce qu'il y a du bon : le stress post-traumatique de Tony, le côté "les extraterrestres existent, tout le monde le sait désormais", certaines idées de mise en scène des affrontements, la relation de Tony et de Harley (qui préfigure celle de Tony avec Peter Parker), ou encore la feinte du Mandarin. Et dans l'ensemble, ça reste divertissant et spectaculaire, mais... le film semble tout de même trop bordélique et inabouti, voire même un peu creux, pour vraiment fonctionner.

2.5 + 0.5 pour l'excellent thème de Brian Tyler, malheureusement sous-exploité puisque Iron Man est absent de la moitié du film = un très petit 3/6

Thor 2 - The Dark World (2013) :

Lorsqu'elle découvre l'Aether, une arme destructrice conçue par Malekith (Christopher Eccleston), le meneur des Elfes Noirs, Jane Foster (Natalie Portman) devient la cible de ce dernier. Elle ne peut désormais compter que sur l'assistance de Thor (Chris Hemsworth) et de ses alliés pour survivre, et empêcher la fin de l'univers.

Après un premier Thor très sérieux, Marvel tente de décomplexer un peu son Asgardien, en faisant notamment appel aux talents de script-doctor de Joss Whedon, pour bricoler un scénario pas tout à fait abouti. Le résultat est très inégal, hésitant entre la comédie, l'action faiblarde et la romance, et surtout, il perd énormément en intérêt et en énergie une fois sa première heure écoulée.

À nouveau, le métrage souffre d'un méchant assez quelconque, de décors extra-terrestres bien trop ternes et insipides, de scènes d'action plates, brouillonnes et sommaires, et pour couronner le tout, d'une Natalie Portman qui finit en pilotage automatique, malgré sa présence au cœur du récit.

Bref, un métrage très peu mémorable, qui a des bonnes idées, ici ou là, mais ne décolle jamais vraiment, et s'essouffle progressivement jusqu'à finir sur les rotules.

2.5 + 0.5 pour la bande originale de Brian Tyler = un minuscule 3/6

(critique plus détaillée publiée sur ce blog en 2017, à lire ici)

Désormais dans l'univers-miroir, Star Trek Discovery continue d'enchaîner les rebondissements téléphonés, dans une course vers l'avant qui ne laisse pas beaucoup de place au développement des personnages autres que l'insipide Michael Burnham...

​Star Trek Discovery 1x12 :

Dans l'Univers Miroir, Burnham rencontre l'Imperatrice, tandis que Stamets rencontre son double, et que Lorca est toujours dans une cabine d'agonie... 

Franchement, je ne sais plus vraiment quoi écrire, chaque semaine, sur Discovery. C'est probablement la faute de ces épisodes au rythme tellement bancal qu'ils paraissent à la fois trop denses, à la limite du bâclage, mais aussi particulièrement soporifiques et bavards.

C'est ainsi le cas cette semaine, avec un épisode qui ne propose, après décompte, que 33 minutes de récit. À peine plus d'une demi-heure d'épisode, donc, pour un programme qui est payant aux USA, c'est à la limite du foutage de gue*le. Mais soit, à la limite, si quelque chose d'intéressant ou de surprenant s'y déroulait, cela pourrait passer.

Malheureusement, ce n'est pas le cas.

33 minutes de contenu, et pourtant, l'épisode parvient à paraître bavard et mollasson, à sacrifier platement des sous-intrigues (adieu Voq, rebonjour Stamets), à placer des rebondissements éventés (Lorca), à faire de la rétrocontinuité ("tous les humains de l'univers-miroir sont sensibles à la lumière"... parce que c'est un univers plus dark & gritty, je suppose :soupir:) et à encore et encore faire du personnage de Burnham le nombril de l'univers (maîtresse de Mirror-Lorca, fille adoptive de Mirror-Giorgiou, future héritière du trône de l'Empire, blablabla).

(ah, et Burnham qui prend l’Impératrice au mot parce que cette dernière lui dit "mon double était digne de ta confiance dans ton monde, alors je le suis forcément"... euh...)

Bref, une fois de plus, cet arc de l'Univers-Miroir ne fonctionne pas du tout pour moi, pas aidé par le jeu inégal de SMG, et par ces scénaristes qui semblent ne fonctionner qu'à base de twists inattendus, sans avoir nécessairement la finesse, l'inspiration ou le talent de les faire fonctionner.

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Schlock ! - The Secret History of American Movies :

Documentaire américain qui retrace l'histoire du cinéma d'exploitation US dans ses moindres détails, à l'aide de nombreux extraits et images d'archive, et d'interviews de leurs participants encore en vie.

On y apprend comment, dès le baby boom d'après guerre, période débordant d'une énergie euphorique et sexuelle réprimée, le studio AIP a compris qu'il fallait s'adresser à la jeunesse de l'époque, une jeunesse méfiante de ses parents et du gouvernement... et ce quitte à vendre d'innombrables projets sur la simple base d'une affiche et d'un titre.

Malgré quelques perles devenues mémorables (Le Carnaval des âmes, Un Baquet de sang), et quelques films plus ambitieux (en couleur, avec un plus gros budget, etc), ces producteurs malins ont rapidement basculé dans la sexploitation, avec notamment toute une série de films de nudistes ; puis viennent Hershell Gordon Lewis et Russ Meyer, porte-étendards de deux sous-genres, le gore et les nudie-cuties ; le cinéma d'exploitation prend alors un tour plus sombre, avec les roughies (violence et femmes maltraitées), reflétant une société progressivement plus sombre et désabusée : celle-là même qui, dans les années 60-70, voit l'ascension de Roger Corman, et de toute une génération de talents - Bogdanovich, Coppola, Fonda, Nicholson, etc - sous son aile...

Un documentaire intéressant et instructif, mais parfois un peu austère dans son propos, notamment lorsqu'il rentre vraiment dans les profondeurs des sous-genres et de leurs auteurs... tout en ignorant volontairement plusieurs pans du cinéma d'exploitation (blaxploitation, kung fu, etc).

D'autant plus que le métrage tente d'adopter une étrange posture bâtarde, avec un propos et un commentaire intellectuel et universitaire tentant de souligner l'importance et la signification profonde de ce cinéma d'exploitation... tandis qu'en parallèle, tous les intervenants responsables de ces mêmes films en rigolent, et affirment encore et encore qu'ils ne prenaient pas le moins du monde leur production au sérieux, et qu'il ne faut pas y chercher le moindre sens.

Cette position s'avère assez frustrante, en fin de compte, d'autant que s'il y a une chose que l'on ne peut pas nier, c'est bien le fait que ces "exploiteurs" ont tout simplement ouvert la porte au cinéma indépendant des années 70, qui n'a fait que rendre "acceptable" bien des audaces impensables de ces films d'exploitation plus confidentiels...

3/6

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Star Wars - Épisode VIII : Les Derniers Jedi (The Last Jedi) :

Tandis que Luke Skywalker (Mark Hamill), traumatisé par l'échec de la formation de Ben Solo/Kylo Ren (Adam Driver), refuse d'entraîner Rey (Daisy Ridley), la Résistance est traquée par le Premier Ordre, qui les domine de toute sa puissance de feu. Afin de leur échapper, Finn (John Boyega) et Rose (Kelly Marie Tran) partent pour Canto Bight, à la recherche d'un pirate informatique de génie...

Voilà voilà. "Le meilleur Star Wars depuis l'Empire Contre Attaque !" selon la majorité des critiques cinématographiques, à propos de... L'Attaque des Clones, en 2002... puis à propos de La Revanche des Sith, en 2005... puis à propos du Réveil de la Force, en 2015... puis à propos de Rogue One, l'année dernière... et maintenant, cette année à propos de The Last Jedi.

Ah, mince. Désolé, je viens de remarquer que j'avais déjà fait une introduction similaire l'année dernière, pour Rogue One.

En plus, cette fois-ci, ça ne marche qu'à moitié, puisque le retour de flamme reçu par l'Épisode VII et Rogue One, six-huit mois après leur sortie, a déjà eu lieu pour ce nouvel opus.

Forcément, en même temps : cet Épisode VIII est un film polarisant. Tout simplement parce que c'est un film bipolaire.

Pour chaque bonne idée, plan réussi, dialogue convaincant, scène d'action impressionnante, personnage intéressant, gag amusant, créature originale, il y a en effet une idée foireuse, un plan laid, des dialogues maladroits, une scène d'action trop chorégraphiée, un personnage insipide, une vanne qui tombe à plat, ou une bestiole inutile.

C'en est vraiment frustrant.

De plus, c'est bien simple, au final, cet Épisode VIII, c'est 40% de recyclage de la trilogie originale (la plupart des points du scénario et des idées du métrage sont des variations - visuelles, structurelles ou thématiques - de ceux et celles des épisodes V et VI), 10% de Battlestar Galactica (tout le concept de la flotte poursuivie en hyperespace, à cours de carburant, et perdant ses vaisseaux un à un), 25% de remplissage (toute l'intrigue de Canto Bight ne sert absolument à rien), 5% de placement jouets (toutes ces créatures trop kawaii qui ne servent à rien) et 20% de pseudo-déconstruction irrévérencieuse de la franchise.

Mais quand je dis "déconstruction irrévérencieuse", j'entends par là qu'on peut très bien imaginer Rian Johnson (le scénariste/réalisateur) en jeune rebelle déboulant dans le bac à sable de JJ Abrams et Lucas, voyant le château de sable plus ou moins branlant construit avec les sept premiers épisodes, et décidant de donner un bon gros coup de pied dedans, parce qu'il est "anticonformiste", et que "f*ck les vieux !! Vive la jeunesse !".

Certes, il y a bien là une tentative de contextualiser le tout, en faisant passer la totale inefficacité de tous les protagonistes, et les obstacles artificiels placés sur leur chemin, comme un propos sur l'importance de l'échec en tant que leçon de vie. Et certes, on peut tout à fait trouver que cette volonté de destruction des acquis, de table rase, est osée, courageuse, audacieuse, et qu'elle prend toutes les attentes du public à contre-pied.

Mais détruire sans reconstruire n'a pas grand intérêt, et pour l'instant, tout ce que cette nouvelle trilogie a fait, c'est faire place nette, au détriment de tout ce qui avait déjà été établi, afin de laisser le champ libre à ses protagonistes. Malheureusement, ces protagonistes sont toujours assez creux, sans réelle direction, et ne font que répéter des figures imposées par leurs aînés...

Bref, un épisode qui prétend casser les codes de la saga, mais qui en réalité se contente de leur donner un ravalement de façade et de faire du surplace (si le prochain épisode était intitulé "Un nouvel espoir (bis)", cela ne me surprendrait pas le moins du monde).

De plus, de par sa volonté de se détacher du travail de JJ sur le précédent volet, l'Épisode VIII finit par affaiblir rétroactivement ce dernier, qui redescend provisoirement à 3/6, en attendant de voir comment l'Épisode IX sauvera - ou non - les meubles. Car de toute façon, comme JJ & Johnson ne se sont nullement concertés lors de la conception de cette nouvelle trilogie (ce qui explique bien des choses), il est probable que le prochain épisode reparte à nouveau de zéro, et remette en question les nouveaux acquis de ces Derniers Jedis.

Bon courage, Abrams...

Un 3/6 provisoire, car si la franchise continue en ce sens, les notes de cette nouvelle trilogie risquent bien de baisser à nouveau une fois l'Épisode IX sorti...

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Hollywoo :

Lorsqu'elle apprend que Jennifer Marshall (Nikki DeLoach), l'actrice américaine à succès qu'elle double en France, a décidé de tout quitter, mettant ainsi sa propre carrière en danger, Jeanne (Florence Foresti) décide de partir pour Los Angeles. Son objectif : rencontrer son idole, et la convaincre de changer d'avis avant qu'il ne soit trop tard. Et en chemin, elle rencontre Farres (Jamel Debbouze), un petit arnaqueur français bien intégré dans le petit monde hollywoodien...

Comédie à cheval entre les USA et la France, co-écrite par Foresti, et qui malheureusement perd très rapidement en efficacité, malgré un postulat de départ sympatoche.

Le problème, finalement, c'est que le film ressemble trop souvent à une succession de scénettes assez caricaturales, certaines déjà vues, d'autres assez prévisibles, et que le tout ne décolle jamais vraiment, en plus de tirer vraiment en longueur, avec près d'une heure cinquante au compteur (rien que tout le début, établissant Foresti à Paris, aurait pu être réduit à quelques scènes à peine, et aurait évité de donner une première impression négative de Foresti, avec son personnage de Française arrogante, gueularde et agaçante, et en surjeu).

Bref, c'est longuet, ça ne fonctionne que ponctuellement (généralement quand Jamel est à l'écran), et ça manque de punch. Pas catastrophique, mais trop quelconque pour rester dans les mémoires.

2.5/6 (dont 0.5 pour DeLoach, comme toujours attachante)

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Kingsman 2 - Le Cercle Doré (The Golden Circle) :

Lorsque l'agence Kingsman est anéantie par la maléfique Poppy Adams (Julianne Moore), seuls Eggsy (Taron Egerton) et "Merlin" (Mark Strong) en réchappent. Ils sont alors contraints de se tourner vers l'agence Statesman, l'équivalent américain de Kingsman, pour tenter d'arrêter la criminelle... et ils découvrent, en chemin, que "Galahad" (Colin Firth) est toujours en vie, mais amnésique.

Le premier Kingsman était une comédie d'espionnage un peu sale gosse et rebelle, adaptée avec énergie et second degré par Matthew Vaughn, à partir d'un comic-book de Mark Millar : rien d'excellent, et souffrant de défauts inhérents aux travaux des deux hommes, mais avec suffisamment de bonne humeur pour emporter l'adhésion, notamment grâce à sa distribution dynamique et enthousiaste.

Suite au succès du premier opus, voici donc la suite. Et ici, le mot d'ordre est bigger, louder... mais pas better. C'est plus bordélique, plus caricatural, plus bourrin, plus parodique, mais ça n'a jamais la matière, les personnages ou l'intrigue nécessaires pour justifier ce "plus".

En résumé, le problème de ce Kingsman 2, c'est qu'il n'a pas grand chose à raconter.

Son intrigue est assez basique ; ses personnages sont survolés ; les choix créatifs laissent souvent perplexes car semblant inaboutis (la romance d'Eggsy et de sa princesse, on s'en contrefiche ; la mort de tous les autres Kingsmen et Kingswomen ; les Statesmen n'apportent absolument rien au récit, si ce n'est des caméos gratuits et des accents forcés, et font presque de la figuration ; tout ce qui tourne autour de Julianne Moore et de ses sbires en carton-pâte frôle le Austin Powers ; le passage dans le festival musical, superflu), et si le film répond toujours présent au niveau de l'action (les scènes de combat et de fusillades sont toujours ébouriffantes, malgré des effets numériques très inégaux, et on se dit régulièrement que James Bond a pris un bon coup de vieux), son rythme accuse sérieusement le coup à mi-parcours, au point de rendre le tout franchement mollasson (pas aidé par un score de Henry Jackman en pilotage totalement automatique, et qui recycle les mêmes sonorités depuis les Captain America)

Et au moment où j'écris ces lignes, quelques heures après avoir vu le film, quelle est la seule chose dont je me rappelle avec un certain plaisir ? Elton John. Elton John qui jure, Elton John qui fait du kung fu numérique, Elton John ex Machina qui sauve un personnage des chiens robots (assez ratés, d'ailleurs), Elton John qui drague Colin Firth...

Bref, 3/6... pour Elton.

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Tickled & The Tickle King :

Journaliste néo-zélandais spécialisé dans les sujets légers et insolites, David Farrier pense avoir touché le jackpot lorsqu'il découvre en ligne des vidéos montrant de jeunes éphèbes athlétiques participant à des "compétitions d'endurance aux chatouilles". Amusé et intrigué par le caractère homo-érotique voilé de ces productions, il prend contact avec la maison de production... mais bien vite, il devient la cible d'innombrables menaces légales, de harcèlement téléphonique et physique, et d'insultes homophobes.

Car ces vidéos de chatouilles ne sont que la partie émergée d'un iceberg improbable remontant à plusieurs décennies, et menant à un homme mystérieux aux fonds apparemment illimités, qui entretient un réseau entier à la limite de la légalité, consacré à son fétiche sexuel préféré...

Un documentaire roublard qui a fait le buzz à sa sortie, puisqu'il commence comme un métrage semi-racoleur classique s'intéressant à une niche sexuelle et fétichiste, et se transforme rapidement en enquête passionnante de ce documentariste clairement dépassé par l'ampleur de ce sur quoi il a mis le doigt.

Le documentaire retrace donc son enquête, et le suit alors qu'il se confronte, un peu à la manière de Louis Theroux, aux victimes de ce réseau (des hommes souvent jeunes, naïfs, défavorisés, et se retrouvant confrontés à un outing sauvage dès qu'ils commencent à se poser des questions ou à se montrer difficiles), aux anciens collaborateurs, et aux journalistes ayant enquêté sur le sujet, il y a plus d'une dizaine d'années.

Sans spoiler le documentaire (qui mérite vraiment le coup d’œil), le personnage qui finit par émerger à la tête de ce réseau ne surprendra pas vraiment le spectateur, tant il correspond exactement à ce que l'on s'imagine : riche, intouchable (ou presque), bourré de problèmes psychologiques, n'assumant pas sa sexualité, déjà condamné à une peine négligeable, récidiviste, etc...

Et ce n'est pas son apparition dans The Tickle King (court-métrage d'une vingtaine de minutes servant de conclusion au documentaire, et retraçant la sortie du film en salles/en festival, et les réactions provoquées par celui-ci chez les personnes impliquées) qui change l'image donnée par ce Roi des Chatouilles.

Cela ne retire rien au documentaire, construit de manière solide et surprenante : on se demande bien par moments si tout cela n'est pas de la fiction, tant c'en est grotesque et improbable, et on pourra toujours reprocher une certaine mise en scène du tout début du documentaire, mais dans l'ensemble, Tickled est une vrai bonne surprise dans le registre journalisme d'investigation.

4.75/6

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Mini-série anglaise en 4 épisodes d'une heure, diffusés sur ITV, et qui racontent, au rythme d'un épisode/une journée, une version dramatisée du Grand Incendie de Londres ayant ravagé la ville début Septembre 1966.

1666, Londres en Flammes (The Great Fire) :

Écrite par un journaliste politique et romancier, cette mini série suit plusieurs couches sociales et de multiples protagonistes durant ces événements tragiques, tentant de mêler lutte des classes, romance, complots politiques, et guerres de religion protestants vs catholiques dans une grande fresque historique façon Les Piliers de la Terre.

Je dis "tentant", car, on s'en aperçoit rapidement, le tout est globalement assez brouillon, et pas forcément à la hauteur de l'événement.

On y suit donc le parcours de Thomas Farriner (Andrew Buchan), boulanger pour la Navy et pour le Roi, veuf et père de deux filles ; il est épris (sans oser passer à l'acte) de Sarah (Rose Leslie), sa belle-soeur, seule depuis la disparition de son mari durant une bataille. Cette même Sarah travaille pour un noble suspecté d'être catholique, et sous la surveillance de Lord Denton (Charles Dance), responsable de la sécurité du Roi Charles II (Jack Huston).

Un Roi plus préoccupé par la bagatelle que par son Royaume, et qui est conseillé par Samuel Pepys (Daniel Mays), l'un de ses administrateurs. Pepys, lui, a des problèmes de couple : il soupçonne sa femme (Perdita Weeks) de le tromper, et se réfugie dans les bras d'une Londonienne de basse extraction, dont le mari est jaloux. Ajoutez à tout cela l'incendie de Londres ; Sarah qui devient un pion dans les jeux politiques de Lord Denton ; James, le frère du Roi, qui complote contre ce dernier ; des romances de cour ; etc... etc... etc...

Bref, on le voit en prenant connaissance de ce simple résumé, Tom Bradby, le scénariste, a probablement vu un peu trop gros pour son propre bien, en tentant de faire de ce Grand Incendie une sorte de thriller politico-religieux impliquant toute la société anglaise, sur fond de catastrophe nationale. Pas forcément aidé par une réalisation et une photographie très inégales, le récit peine à captiver, ou à développer suffisamment l'un ou l'autre des axes qu'il semble vouloir aborder.

Au point qu'on regarde le tout de manière très passive, malgré le capital sympathie pourtant très clair de la distribution : c'est notamment assez amusant de retrouver plusieurs membres de la distribution du Trône de Fer, ainsi que d'autres visages familiers, quand bien même ils finissent par être sous-exploités (Perdita Weeks, notamment).

Jack Huston, par exemple, s'en sort très bien dans le rôle du Roi, et parvient à donner de l'épaisseur à son monarque apeuré et indécis (malgré un discours final improbable façon Roosevelt), mais Rose Leslie, elle, interprète toutes ses scènes en mode fébrile et essoufflé, faute d'avoir autre chose à jouer.

Plus gênant, cette surabondance de personnages et de sous-intrigues finit par confiner au toutéliage abusif : tous les personnages ayant une importance dans cet Incendie sont liés, ils se connaissent tous directement ou indirectement, et on a souvent l'impression que Londres fait 1 ou 2 kilomètres carrés, tant les protagonistes passent leur temps à se croiser, par "pure coïncidence".

Par pure charité chrétienne (ou protestante, c'est selon), on passera donc sur ces innombrables facilités scénaristiques vraiment honteuses, ou encore sur cette fin bâclée, en deux minutes chrono, et on conclura que The Great Fire, ça s'éparpille, ça ne passionne pas vraiment, et c'est à la fois trop dense et pas assez pour convaincre ou se montrer à la hauteur de ses ambitions.

Dommage.