Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Syrup :
Jeune diplômé en marketing, "Scat" (Shiloh Fernadez) est prêt à tout pour connaître le succès, et il est bien décidé à vendre son concept de boisson gazeuse, Fukk, à la compagnie phare du marché. Il rencontre alors "Six" (Amber Heard), responsable marketing de la compagnie, qui finit par être convaincue... et par tenter de lui voler le concept. Mais "Sneaky Pete" (Kellan Lutz), le colocataire de "Scat", les prend tous deux de vitesse, et leur vole leur idée. Malgré leurs différences, "Six" et "Scat" vont désormais s'associer afin de se venger de "Pete", et devenir multi-millionnaires par la même occasion...
Une comédie satirique que j'ai déjà vue, mais dont il ne me restait aucun souvenir. Et en revoyant le film, il n'est pas difficile de deviner pourquoi.
Stylistiquement parlant, cette adaptation d'un livre sur l'univers de la publicité et du marketing lorgne en effet tellement sur des films comme Fight Club, ou sur les adaptations de Bret Easton Ellis qu'on est constamment renvoyé à des oeuvres plus efficaces, plus stylisées, et plus impertinentes que ce Syrup.
Car si le film se veut initialement l'équivalent US de notre "99 francs", il finit progressivement par se transformer en semi-rom-com mollassonne à la conclusion très prévisible : pour résumer, ça tourne à vide au bout d'un moment, et la seconde partie du film n'est pas à la hauteur de sa première moitié.
Reste tout de même une Amber Heard excellente en exécutive glaciale et manipulatrice, et une ironie certaine dans le fait que toutes ces idées qui paraissent improbables et radicales aux personnages du film ont fini par être appliquées par Coca Cola IRL (Fukk, la version canette noire destinée aux hommes = Coke Bläk/Coke Zero ; l'idée des canettes personnalisées avec des noms...)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
The Escort :
Mitch (Michael Doneger), jeune journaliste de Los Angeles, est célibataire, sans un sou, et il passe le plus clair de son temps à avoir des rapports sexuels sans lendemain avec des femmes trouvées via une application de rencontres. Un jour, il croise le chemin de Natalie (Lyndsy Fonseca), une call-girl indépendante qui, après avoir fait la connaissance du jeune homme, lui propose un marché assez simple : il l'accompagne pendant sa journée et lui sert de garde-du-corps, et en échange, Natalie accepte de devenir le sujet de son nouvel article. Rapidement, cependant, les sentiments s'en mêlent...
Une comédie romantique pas désagréable, sans plus, mais qui se regarde très facilement, et fonctionne notamment en grande partie grâce à l'humour de certaines situations et dialogues, et grâce au charisme et au capital sympathie de sa distribution (excellent Bruce Campbell en père déglingué). Gentillet pour ce que c'est.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Teach Me Love (Some Kind of Beautiful / How To Make Love Like an Englishman) :
Professeur de littérature et de poésie à Cambridge, Richard Haig (Pierce Brosnan) est un séducteur qui enchaîne les conquêtes, et finit par faire (involontairement) un enfant à Kate (Jessica Alba), l'une de ses élèves. À l'initiative de la jeune femme, Haig part alors avec elle en Californie, pour y élever le bébé. Mais la vie en Amérique ne réussit pas à Richard, qui finit par être trompé par Kate, avec Brian (Ben McKenzie). Seul et titulaire d'un poste miteux, Richard se rapproche alors d'Olivia (Salma Hayek), la séduisante soeur aînée de Kate...
Une dramédie qui permet à Brosnan et Hayek de se retrouver après Coup d'éclat (2004), mais qui malheureusement met un certain temps à se mettre en place, et ne décolle jamais vraiment.
C'est loin d'être la faute de la distribution, plutôt bonne (même si Alba est étrangement antipathique, et que l'accent de Salma est étrangement aléatoire), mais le script prévisible, et l'histoire somme toute assez générique desservent vraiment les acteurs, et l'on finit par regarder le tout d'un oeil passif et guère impliqué.
M'enfin ça reste techniquement compétent. Et puis Salma.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Big Stone Gap :
En 1978, dans la petite ville minière de Big Stone Gap, au coeur des montagnes de Virginie, vit Ave Maria Mulligan (Ashley Judd), une vieille fille de 40 ans vivant avec sa mère, et passant ses journées à servir des clients au guichet de la pharmacie locale. Mais la mort de sa mère déclenche toute une série d'événements dans la vie d'Ave, lorsque cette dernière se découvre des origines inattendues : bientôt, c'est toute la vie d'Ave qui bascule, alors qu'elle doit choisir en amour, famille, et liberté...
Un long-métrage adapté d'un roman populaire par son auteur (ici à la fois au script et à la réalisation), et qui, il faut bien l'avouer, n'aurait pas dépareillé au sein de la collection Hallmark Hall Of Fame, tant il en a tous les atours : très orienté nostalgie country/rurale, dans une petite ville aux environnements naturels assez agréables et esthétiques, ce film bénéficie d'une distribution prestigieuse-mais-pas-trop (Judd, Patrick Wilson, Whoopi Goldberg, Jenna Elfman, Anthony LaPaglia, Jane Krakowski...), d'un budget confortable-mais-pas-trop, et raconte une histoire de femme perdue et prisonnière d'elle-même, qui s'émancipe, et reprend goût à la vie, blablabla.
Seul problème : ce n'est pas un téléfilm Hallmark, mais un film de plus de 100 minutes, pas particulièrement bien rythmé, ni mémorable.
D'autant qu'Ashley Judd est probablement trop charmante et séduisante (elle ne fait pas son âge, en tout cas) pour être totalement crédible en vieille fille de 40 ans qui n'a jamais connu l'amour (ou alors, c'est que les hommes de la ville sont aveugles).
Néanmoins, elle porte tout de même le récit sur ses épaules, et en est le principal intérêt : le film n'est en effet pas très mouvementé (c'est plus une tranche de vie qu'autre chose), est très balisé, et parfois un peu tiré vers le bas par les excentricités de ses personnages secondaires (Whoopi est presque désagréable, et Elfman bascule régulièrement dans le surjeu caricatural).
En résumé, un film bien interprété (pour la plupart des acteurs), mais un peu trop sirupeux pour son propre bien, pas totalement maîtrisé par sa réalisatrice/scénariste, et surtout, pas du tout mémorable.
Un minuscule 3/6 (pour Ashley ; mais honnêtement, c'est le genre de film qui passe instantanément sous la moyenne en cas de revisionnage)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Self Control (Anger Management) :
Dave Buznik (Adam Sandler), un employé effacé et discret, est contraint de suivre une thérapie comportementale auprès du Dr. Buddy Rydell (Jack Nicholson), afin d'apprendre à contrôler sa colère. Mais Rydell est, lui-même, incontrôlable, et il s'avère particulièrement envahissant...
Nicholson a l'air de s'amuser, Sandler est en mode mineur, et Marisa Tomei est charmante comme toujours, mais le film est particulièrement pépère, oubliable, répétitif et longuet (en plus de souffrir d'une post-sychro assez moyenne), malgré quelques moments et caméos sympas (Woody Harrelson en travesti ! January Jones en porn-star !?).
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Adaline (The Age of Adaline) :
Après un accident de voiture étrange, Adaline Bowman (Blake Lively) a tout simplement cessé de vieillir, immortelle et éternellement séduisante à l'âge de 29 ans. Aujourd'hui âgée de plus de 100 ans, désenchantée, et après avoir changé à de nombreuses reprises d'identité, elle rencontre Ellis Jones (Michiel Huisman), un séduisant héritier, et pour la première fois depuis des décennies, Adaline s'autorise à tomber amoureuse. Mais lorsqu'elle rencontre le père d'Ellis, William (Harrison Ford), le secret d'Adaline s'effondre...
Un drame romantique fantastique qui donne l'impression d'être une adaptation d'un livre (on pense au Secret de Charlie, ou à Benjamin Button), mais qui en fait, est un scénario original.
Enfin, original, c'est vite dit, puisque cet Adaline rappelle beaucoup d'autres oeuvres similaires.
Beaucoup trop, d'ailleurs.
Forcément, puisqu'au coeur de ce récit se trouve l'équation immortalité = souffrance émotionnelle qu'on avait déjà dans Button, ou dans Highlander. D'ailleurs, continuons ce petit jeu... si l'on prend Highlander, que l'on retire l'action et les combats à l'épée, que l'on retire la musique envoûtante, que l'on retire l'émotion, que l'on retire le charisme des acteurs, que l'on retire la fresque historique (ici, la vie d'Adaline ne couvre qu'à peine une centaine d'années, et le côté historique ne débouche sur rien), et que l'on change le sexe du protagoniste, on se retrouve avec Adaline : une romance insipide au possible, à la distribution terne et transparente (mention spéciale à Huisman, inexistant alors qu'il est sensé être suffisamment charmant pour tirer Adaline de sa torpeur), à la narration occasionnelle en voix-off inutile et génante, au rythme mollasson, aux personnages secondaires jamais développés, et à la fin convenue, banale, et affreusement prévisible.
Attention, ce n'est pas forcément un mauvais film (Harrison Ford est notamment assez bon, et son doppleganger jeune est assez bluffant), et je ne doute pas que certain(e)s y trouveront leur compte... mais les thématiques abordées l'ont déjà été ailleurs, en nettement mieux, et il y a plus d'émotion dans une scène d'Highlander que dans tout ce métrage inabouti et sans personnalité.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Gambit - Arnaque à l'Anglaise :
Timide, maladroit et balbutiant, l'expert en art Harry Deane (Colin Firth) est bien décidé à donner une leçon à son employeur, un arrogant et richissime homme d'affaires anglais (Alan Rickman). Pour cela, il conçoit une arnaque de taille, et recrute une Texane exubérante (Cameron Diaz), afin de rendre crédible l'échange d'un tableau hors-de-prix contre une contrefaçon experte. Mais ce plan complexe tourne rapidement au cauchemar, puisque rien ne se déroule comme prévu...
Remake (assez libre) du film "Un Hold-Up Extraordinaire" (1966, avec Shirley MacLaine et Michael Caine) écrit par les frères Coen, cette comédie outrée ne fonctionne jamais vraiment : tout est prévisible, forcé, ça manque cruellement de punch et de mordant, et ça finit par n'être qu'un numéro de trois acteurs laissés en roue libre avec des personnages caricaturaux.
Pas vraiment intéressant, malgré les efforts de tout le monde, et notamment de Firth, qui fait de son mieux pour singer l'Inspecteur Clouseau (mais n'est pas franchement fait pour une telle farce sans subtilité).
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Mise à l'épreuve 2 (Ride Along 2) :
Apprenti policier, Ben Barber (Kevin Hart) est sur le point d'épouser la soeur de James Payton (Ice Cube), l'inspecteur inflexible et menaçant avec qui il fait équipe. Les deux hommes ne s'entendent donc toujours pas, mais lorsqu'ils doivent partir en mission à Miami, pour enquêter sur un réseau de trafiquants de drogues, voilà qu'ils marchent sur les plates-bandes d'un officier de police local (Olivia Munn), et sur celles d'un baron du crime (Benjamin Bratt), trahi par AJ (Ken Jeong)...
Pour faire simple : je n'ai absolument aucun souvenir du premier film, que j'ai pourtant vu... ce qui est généralement assez mauvais signe.
D'autant que cette suite est exactement la même chose que le premier épisode, mais visiblement en encore moins inspiré ou drôle.
Autant dire que le tout est particulièrement médiocre, et que tous les acteurs sont en pilotage automatique : Kevin Hart fait son numéro habituel, Cube se contente de froncer les sourcils, Jeong fait du Jeong (mais en mode mineur, ce qui est toujours appréciable), et Olivia Munn fait de la figuration, totalement sous-exploitée.
En résumé, une comédie policière inutile, au rythme mollasson, à la réalisation plate, et qui n'a ni idées ni humour en stock. Reste Miami, qui fait toujours un environnement très cinégénique et intéressant.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Limitless :
Dépressif, abandonné par sa compagne, et en panne d'inspiration, l'auteur Eddie Morra (Bradley Cooper) découvre soudain l'existence du NZT, une drogue révolutionnaire qui débloque toutes les capacités inexploitées du cerveau humain. Dès la première dose, la vie de Morra est bouleversée, et il se lance alors dans une carrière dans la finance, sous la supervision de Carl Van Loon (Robert De Niro), un caïd de ce domaine, qui compte bien utiliser les capacités improbables de Morra pour faire fortune. Mais progressivement, à mesure que Morra devient riche et célèbre, des problèmes inattendus se posent à lui, parmi lesquels celui de son approvisionnement en NZT...
Second visionnage de ce thriller fantastique très Dickien, bien mené/interprété, et finalement assez sympatoche, notamment à l'aune de la série tv qui poursuit ses intrigues.
Bon, ce n'est pas parfait, et il faut bien admettre que le tout est assez convenu dans son déroulement, ainsi qu'un peu trop démonstratif, tant scénaristiquement que visuellement parlant... mais dans l'ensemble, c'est agréable, et ça va au bout de son propos, avec une fin qui évite le politiquement correct moralisateur.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Ave César ! (Hail Caesar !) :
Au début des années 50, Eddie Mannix (Josh Brolin) travaille pour les studios Capitol Pictures, au sein desquels il officie en tant que "fixer", celui qui règle les problèmes posés par les acteurs, et évite les scandales publics. Et en ce moment, il a de quoi faire, puisqu'il foit mener de front le mécontentement d'un réalisateur (Ralph Fiennes), la reconversion d'un jeune cowboy (Alden Ehrenreich), une starlette enceinte (Scarlett Johansson), et la double vie d'un danseur séduisant (Channing Tatum). Sans oublier le kidnapping de Baird Whitlock (George Clooney), une superstar du grand écran, par un groupe de scénaristes communistes, et une proposition de contrat juteux faite à Mannix par Lockheed, et qui amène Eddie à remettre sa carrière en question...
Comédie très sympathique des frères Coen, au casting cinq étoiles, mais malheureusement trop décousue pour son propre bien : s'il est très réussi visuellement (la reconstitution est impeccable) et très bien joué, le film semble constamment hésiter entre déclaration d'amour au cinéma de cette période, parodie décalée de ce même cinéma et de cette époque, discours sur le cinéma, la foi aveugle, le communisme, reconstitution travaillée des genres de films de l'époque...
Résultat, on se retrouve avec un métrage qui manque de structure et de liant (l'enquête de Mannix n'est qu'un fil conducteur très ténu, alourdi par une narration inutile de Michael Gambon), qui semble plus chercher à se faire plaisir qu'à captiver et à convaincre le spectateur, et qui aurait bénéficié d'avoir un peu plus de punch. Dommage.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
This Is Where I Leave You :
À la mort de leur père, les quatre enfants Altman (Jason Bateman, Adam Driver, Corey Stoll et Tina Fey), désabusés et meurtris par la vie, retrouvent leur mère Hillary (Jane Fonda) et sont contraints de passer une semaine en famille, pour faire leur deuil. L'occasion pour eux de renouer avec leurs amis et leurs amours de jeunesse, et de remettre en question leurs situations respectives...
Une distribution remarquable pour une chronique familiale assez classique, prévisible et dérivative, mais globalement bien menée et interprétée (Tina Fey est parfois un poil limite au niveau émotion, mais ça passe tout de même).
Quelques moments sont même assez drôles, principalement grâce aux acteurs, mais sinon, ça reste relativement oubliable.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Donne-moi ta main (Leap Year) :
Exigeante, volontaire, et bien décidée à se marier avec son compagnon Jeremy (Adam Scott) qui fait traîner les choses depuis des années, Anna (Amy Adams) choisit de partir pour Dublin, où il se trouve pour raisons professionnelles. Là, chaque 29 février, une tradition fait qu'une femme peut demander à son compagnon de l'épouser, sans que ce dernier ne puisse refuser. Mais l'avion d'Anna se pose au Pays de Galles, et la jeune femme doit traverser ensuite toute l'Irlande en compagnie de Declan (Matthew Goode), un aubergiste-taxi séduisant, mais au caractère détestable et abrasif.
Sans Amy Adams, adorable comme toujours, et sans Adam Scott, qui fait pourtant de la figuration dans le rôle ingrat du mec carriériste qui se fait plaquer, cette rom-com ultra-générique et inoffensive (quoique, les clichés envahissants sur l'Irlande et les Irlandais sont vraiment basiques et caricaturaux) ne récolterait (au mieux) qu'un 2/6, tant elle est vraiment quelconque, prévisible de bout en bout, mal rythmée et peu inspirée.
En somme, c'est du niveau d'un téléfilm Hallmark lambda, mais avec un peu plus de budget. Et encore, ça n'empêche pas des fonds verts moches et des scènes de rétroprojection en voiture assez piteuses, ainsi qu'un montage bancal.
Mais heureusement, il y a Amy Adams, et l'Irlande, toujours splendide, donc c'est + 1 de bonus direct.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Joe la Crasse 2 (Joe Dirt 2 : Beautiful Loser) :
Marié à Brandy et père de trois fillettes, Joe est toujours un loser qui, lorsqu'il est emporté par une tornade, se réveille dans les années 60. Perdu dans le passé, et poursuivi par un étrange biker (Patrick Warburton), Joe va devoir rejoindre le présent, tout en s'efforçant de ne pas trop changer le cours des évènements...
Une suite produite pour Crackle.com plus de 14 ans après l'original, apparemment devenu semi-culte auprès d'un certain public.
Et donc, ici, on reprend les mêmes, et on recommence : le premier était un road trip, ici, on envoie Joe en road trip sur les routes des USA, et sur les routes du temps ; le premier était narré en flashbacks, ici, on utilise une narration en flashback dans un flashback. Et tout le film est sur ce calque : on reprend les gags et les personnages du premier film, et on les dilue jusqu'à plus soif, avec un style visuel qui fait très vidéo.
Comme en plus le script repompe allègrement Le Magicien d'Oz, La Vie est Belle, Retour vers le Futur, Forrest Gump et Seul au Monde, sans grande inspiration ni énergie, le tout est nettement en dessous du premier opus, déjà pas très brillant.
Il reste cependant alors un moment ou deux touchants (la scène avec Lynyrd Skynyrd), et une Brittany Daniel qui, en plus d'avoir un rôle un peu plus important, vieillit très très bien.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Joe La Crasse (Joe Dirt) :
Véritable redneck campagnard pas très futé, Joe Dirt (David Spade) n'a jamais connu ses parents. Malgré l'affection de la belle Brandy (Brittany Daniel), il décide alors de traverser le pays pour tenter de retrouver ses géniteurs, et il finit à Los Angeles, où il raconte son histoire improbable à la radio, et devient une sorte de héros du peuple...
Un film Happy Madison typique de sa période de production, avec un bon fond dissimulé sous des couches et des couches de conneries, de gags improbables, et de vulgarité.
Ce qui ne veut pas dire que cela ne fonctionne pas par moments, mais David Spade n'est pas forcément aussi sympathique qu'Adam Sandler, et plus souvent qu'à son tour, le film tombe à plat.
Heureusement, cependant, que Brittany Daniel est aussi charmante qu'à son habitude.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Synchronicity :
Expert en physique, Jim Beale (Chad McKnight) travaille avec deux collègues (Scott Poythress et AJ Bowen) sur un moyen d'ouvrir un trou de ver permettant de voyager dans le temps. Pour cela, il s'est associé à un industriel, Klaus Meisner (Michael Ironside), qui le fournit en matériaux radioactifs essentiels à ses expériences. Mais bientôt, alors que les expériences de Beale touchent à leur but, et que des événements étranges se multiplient, Meisner annonce qu'il veut faire main basse sur la technologie développée par Beale, à des fins commerciales. Au pied du mur, et embarqué dans une romance improbable avec la mystérieuse Abby (Brianne Davis), Beale n'a plus le choix, et devient le propre cobaye de son expérience...
Un film indépendant de science-fiction, écrit par l'un des réalisateurs de The Signal, et qui s'attaque, comme beaucoup d'autres, au thème du voyage temporel, avec une structure fragmentée qui ne prend sens qu'à mesure que le film avance, et que le spectateur comprend la mécanique du métrage.
Malheureusement, je vais être franc : j'avais déjà perdu tout espoir après 13 minutes de film.
Pas à cause de l'ambiance pseudo-hommage à Blade Runner (filtres bleus et obscurs omniprésents, musique synthétique façon Vangelis), pourtant rapidement fatigante ; pas à cause de la distribution particulièrement quelconque ; pas à cause de la romance générique et peu intéressante ; mais, plus simplement à cause d'un échange entre le méchant industriel et le héros, accompagné de sa belle, qui se lance alors dans une tirade sur Nikola Tesla, recyclant tous les poncifs et les légendes urbaines autour du bonhomme comme autant de faits historiques.
Et, je l'ai déjà mentionné en ces pages, il n'y a précisément rien qui m'agace autant que ces scénaristes qui ont fait deux heures de recherche sur le monde de la physique, sont tombés sur une page sur Tesla, et recyclent ce qu'ils y ont lu sans rien vérifier, en conférant au bonhomme une aura de génie maudit et persécuté qui fait plus de mal que de bien au monde de la science.
Tesla est devenu tellement à la mode grâce au web qu'on le trouve désormais dans beaucoup trop d'oeuvres de fiction (un peu comme la sempiternelle explication du trou de ver pour les nuls, avec un crayon et une feuille de papier), et j'ai largement eu ma dose du mythe Tesla, c'est bon, je n'en peux plus.
Mais refermons cette parenthèse... le film en lui-même, passé cette faute de goût, et tous les problèmes mentionnés plus haut, est assez classique, en soi.
Si l'on a déjà vu/lu de la science-fiction jouant avec les concepts de boucles temporelles, de lignes temporelles parallèles, de paradoxes, etc, on n'aura aucune peine à avoir de l'avance sur le(s) personnage(s)... ce qui est loin d'être une bonne chose, puisque ces derniers sont trop transparents et inintéressants pour compenser, par leur présence/charisme, les faiblesses du scénario.
Autant dire que j'ai eu beaucoup de mal avec ce métrage, et que, même si je n'ai pas vraiment envie d'être méchant avec le film, c'est tout de même très très très faible.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
We Love Happy Endings ! (Not Another Happy Ending - 2103) :
Tom (Stanley Weber), un Français installé à Glasgow, possède une maison de publication appelée Tristesse. Il décide un jour de publier le premier roman de l'excentrique Jane (Karen Gillan), et signe avec elle un contrat pour un autre ouvrage. Mais le syndrome de la page blanche frappe rapidement la jeune femme, et Tom réalise qu'elle ne pourra finir son second livre tant qu'elle sera heureuse : il entreprend alors de lui rendre la vie difficile, afin de réveiller en elle l'inspiration...
Ouch.
Décidément, il faut vraiment que j'évite les comédies romantiques anglaises supposément "décalées". Car comme dans le cas de God Help The Girl, ce terme semble de plus en plus être un synonyme pour "film ultra-maniéré, ultra-précieux et tout sauf sincère sur le quotidien d'artistes excentriques et tellement originaux", avec ce très fort courant twee/hipster qui m'agace profondément.
Les personnages sont tous excentriques et "quirky", ils sont tous habillés de manière improbable (comme tout bon hipster, Jane se fournit en fringues vintage dans une friperie), ils ont des rapports artificiels (= qui ne sont jamais organiques et crédibles), des dialogues artificiels, des affectations bizarres ; l'interprétation elle-même est particulièrement frustrante, car il n'y a là aucune subtilité, Gillan en fait trois tonnes, pas aidée par un script en rajoute dans le décalage forcé et factice ("tiens, si elle commençait à parler et à interagir avec le personnage de son roman, ça sera tellement original et décalé").
Bref, j'ai vraiment trouvé le tout particulièrement rebutant et jamais authentique, ce qui, dans une comédie romantique, est vraiment rédhibitoire.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Gods of Egypt :
Décidé à devenir le nouveau roi d'une Égypte mythologique promise à son neveu Horus (Nikolaj Coster-Waldau), Set (Gerard Butler), le dieu métamorphe du désert et des ténèbres, renverse le père de celui-ci, énuclée Horus, et prend le pouvoir dans le royaume. Mais c'est sans compter sur Bek (Brenton Thwaites), un jeune humain, habile voleur qui décide de rendre ses yeux à Horus, afin qu'il l'aide à ramener sa bien-aimée de l'au-delà...
Si l'on m'avait dit qu'en 2016, j'en viendrais à préférer ce Gods of Egypt, à la promo et à la réputation calamiteuse, au Star Wars qui a tant fait l'unanimité, je ne l'aurais pas cru.
Et pourtant, c'est le cas, et je range ce blockbuster dans la même catégorie que The Lone Ranger et John Carter of Mars : des films imparfaits, mais qui ont été flingués par un contre-buzz galopant alimenté de manière abusive par le web. Ici, c'est tout la controverse raciale sur la blancheur du panthéon égyptien (pas totalement infondée, mais paradoxalement entretenue par les mêmes personnes qui, pour Thor, clamaient haut et fort que l'ethnicité des acteurs jouant des Dieux extraterrestres n'avait aucune espèce d'importance, et qu'un anglais à la peau noire pouvait jouer un "dieu" nordique sans problème ; ici, bizarrement, des acteurs blancs ne peuvent pas jouer des "dieux" égyptiens...) qui a éclipsé le film, aidée en cela par une campagne promotionnelle mettant en avant les visuels les plus kitschs possibles.
Résultat, les critiques ont eu tôt fait d'utiliser les raccourcis les plus faciles à leur disposition, rapprochant Gods of Egypt de Jupiter : le Destin de l'Univers, de Prince of Persia ou du remake du Choc des Titans, l'internet a passé le mot, et a condamné le film à un flop inévitable.
Alors que si ce film partage avec Jupiter Ascending un certain sens du spectaculaire, du décomplexé, et des séquences d'action à la limite du jeu vidéo (mais pas son recyclage patchwork), c'est surtout au Choc des Titans original que de Gods of Egypt m'a fait penser : bestiaire mémorable, kitsch totalement assumé et gentiment clinquant, effets inégaux (certains séquences et images sont sublimes, d'autres semblent avoir été finies à la truelle), distribution investie, musique assez sympathique, et ambition épique... autant de choses qui font qu'on passe un excellent moment devant ce métrage décontracté, qui rappelle certains récits de fantasy pulp ou certains blockbusters façon La Momie, qui ne se prennent jamais trop au sérieux, et débordent d'imagination.
Alors certes, ce n'est pas un chef d'oeuvre, il y a des fautes de goût très claires, les effets visuels sont très inégaux, les scènes d'action sont un peu trop axées jeu de plate-forme/boss de fin de niveau, le script est finalement très basique (Orphée, Dumbo, etc...), et le film aurait bénéficié de 10 minutes de moins (les blockbusters de 2h et plus, j'en ai un peu marre), mais rien que pour certaines images improbables (Geoffrey Rush, chauve, sur son char spatial, en train de tirer le soleil derrière lui, au bout d'une chaîne, au dessus d'une Terre plate, tout en combattant à grands coups de blaster-lance Apophis la sangsue géante du chaos stellaire !!!!!), on dit merci Alex Proyas. Et fuck la polémique.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
The Breakup Girl :
Sharon (Wendi McLendon-Covey), Kendra (India Menuez) et Claire (Shannon Woodward) sont trois soeurs que tout sépare. La première est mère de famille, mariée et rangée ; la seconde est une actrice bohémienne, à la sensibilité à fleur de peau ; et la troisième est une apprentie journaliste que son compagnon vient de plaquer le jour de son anniversaire, après sept ans de vie commune. Mais lorsque leur père (Ray Wise) leur apprend qu'il souffre d'un cancer, les trois jeunes femmes doivent mettre de côté leurs différences pour le bien de leur famille...
Une comédie dramatique indépendante parfois touchante, mais aussi parfois assez frustrante : c'est un premier film, et cela se ressent dans sa forme, avec des faux raccords, des jump cuts et de brèves scénettes animées qui n'apportent rien, un personnage de meilleur ami/médium décalé qui ne fonctionne pas vraiment, un générique de fin pop qui fait tache, ou encore une scène particulièrement téléphonée (l'appel en larmes de la mère, et les trois filles qui se précipitent) qui dure très (trop) longtemps, alors que le spectateur connaît déjà la punchline de tout le gag.
Cela dit, malgré ces défauts et un côté un peu brouillon, l'approche de la maladie et du deuil est plutôt jolie et subtile, le cast est très sympathique, et je dois dire que Woodward est ici particulièrement rayonnante, avec une présence et une sincérité qui m'ont un peu rappelé la prestation d'Amy Adams dans Junebug (toutes proportions gardées).
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Au Coeur de l'Océan (In The Heart of the Sea) :
En 1850, Herman Melville (Ben Whishaw) rend visite à Thomas Nickerson (Brendan Gleeson), un aubergiste traumatisé par ce qu'il a vécu 30 ans plus tôt, alors qu'il était membre d'équipage du baleinier Essex, aux côtés d'autres marins plus aguerris (Chris Hemworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy...) : là, au milieu de l'océan, une baleine albinos a réduit en miettes le navire, et a alors traqué tous les survivants, les uns après les autres, en détruisant les canots de sauvetages sur lesquels ils survivaient difficilement...
Prenez Seul au Monde, rajoutez-lui une bonne dose de Les Survivants, rajoutez une reconstitution historique, un peu de littérature, et beaucoup de numérique... et voilà, Au Coeur de l'Océan, une fictionnalisation de ce qui a inspiré Moby Dick de Melville.
Pourquoi pas, d'autant que la distribution est bonne, et que c'est Ron Howard à la barre.
Malheureusement, la mayonnaise ne prend jamais vraiment, malgré tous les efforts déployés par la production pour donner quelque chose d'esthétiquement travaillé et de professionnel.
Au rayon des problèmes, le récit assez dérivatif (et un peu maladroit dans sa structure "laissez moi vous raconter ce qui s'est passé dans ma jeunesse"), et paradoxalement, la réalisation de Ron Howard, qui pour une raison ou un autre, a recours, çà et là, à des gros plans d'inserts très laids, mi-GoPro mi-Fish Eye, qui tranchent radicalement avec ce qui les entoure. Ce qui les entoure étant un environnement bardé de CGIs pas toujours convaincants (il y a souvent quelque chose qui cloche, que ce soit dans l'étalonnage des arrières-plans, le mouvement des baleines, l'incrustation des acteurs...), qui finissent souvent par donner l'impression de voir des acteurs devant un fond vert, prétendant être en pleine mer.
Dommage, car il y avait probablement quelque chose de plus mémorable à faire avec ce sujet, peut-être en faisant du témoignage de Nickerson quelque chose de moins réaliste, qui pousserait l'idée de baleine vengeresse dans ses derniers retranchements, en en faisant un être plus maléfique, ou plus symbolique (une incarnation de la nature se vengeant de l'Homme) - ce qui aurait nécessité une réalisation plus ample, plus iconique, et plus épique.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Le Retour d'Aladin (The Brass Bottle) :
Harold Ventimore (Tony Randall), un architecte venant de faire l'acquisition d'une bouteille antique, découvre qu'elle abrite un génie nommé Fakrash (Burl Ives), qui, reconnaissant d'avoir été libéré, s'efforce alors de faciliter la vie d'Harold. Mais Fakrash n'est pas habitué au monde moderne, et ses efforts se retournent souvent contre Harold, notamment en ce qui concerne sa petite-amie Sylvia (Barbara Eden)...
Une comédie fantastique des 60s, assez amusante, et qui donne parfois l'impression de regarder un épisode de Ma Sorcière Bien-Aimée, tant au niveau du ton que de la musique, des effets visuels, ou encore des bruitages.
Pas forcément surprenant, puisque le film date de l'année du lancement de cette série, et que ce Retour d'Aladin a directement inspiré la série Jinny de mes rêves (1965), dont la tête d'affiche était justement Barbara Eden (ici dans le rôle de la petite amie du héros).
Ce métrage, donc, adapté d'un roman du début du 20ème siècle, s'avère sympathique, bien qu'un peu mollasson dans son premier tiers, et souffrant d'une post-synchro très hasardeuse pour certains personnages (clairement redoublés en studio, parfois par des personnes ne sachant pas jouer la comédie).
Une fois ce cap franchi, cependant, le tout fonctionne plutôt bien, grâce à un protagoniste principal décontracté et flegmatique, et à un génie finalement très attachant. Dommage que le passage du temps au fil du récit ne soit pas particulièrement bien géré.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Seul Contre Tous (Concussion) :
Alors qu'il pratique une autopsie sur un ancien joueur de la NFL (David Morse), le Dr. Bennet Omalu (Will Smith), médecin légiste d'origine africaine, découvre que malgré son âge, ce dernier souffrait d'une détérioration cérébrale inexplicable, similaire à la maladie d'Alzheimer. Bientôt, il comprend que de nombreux joueurs de football américain souffrent de symptômes similaires, conséquences des nombreuses commotions cérébrales subies durant leur carrière : Omalu s'engage alors dans une croisade contre la NFL et ses médecins, afin d'alerter le monde contre les dangers sérieux de ce sport.
Un film qui se situe au carrefour du biopic, du thriller, du récit de l'intégration d'un immigrant, du drame sportif, et du film "à grande cause", mais qui ne parvient pas vraiment à convaincre tant il sent le métrage conçu pour décrocher des récompenses aux Oscars.
Malheureusement, ici, ça ne fonctionne jamais totalement, tant le récit est assez didactique et plat, manquant cruellement d'énergie et de direction.
C'est dommage pour Will Smith, qui compose un personnage intéressant et bien interprété, et pour la cause en générale (la scène finale est peut-être la plus efficace de tout le métrage, avec Omalu qui, malgré son combat et son succès, ne peut qu'être le témoin amer de ces jeunes lycéens risquant leur santé pour ce sport national), mais il aurait fallu quelqu'un de plus inspiré et de moins conventionnel, pour en faire quelque chose de moins générique et de moins oubliable.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Coffee Town :
Will (Glenn Howerton) est un développeur web qui passe le plus clair de son temps à travailler depuis un coffee shop où il a ses habitudes, se dispute avec le barista Sam (Josh Groban), glande avec ses amis Chad (Steve Little) - un vendeur fainéant et pas très brillant - et Gino (Ben Schwartz) - un officier de police incompétent -, et rêve devant la belle Becca (Adrianne Palicki). Et puis, un jour, face à la menace de la fermeture de l'établissement, Will et ses amis décident d'organiser un pseudo-cambriolage du coffee shop...
Une comédie des cerveaux derrière CollegeHumor, et ça se sent : si le film est relativement rythmé, il reste assez inégal et mal structuré, avec certaines scènes très réussies, car se basant sur une idée forte (retard fight club), et beaucoup de remplissage qui ne convainc pas totalement.
À vrai dire, on ressort de ce métrage avec l'impression que le tout aurait probablement mieux fonctionné sous forme de web-série ou de série tv, puisque le ton à la Kevin Smith/Clerks : les employés modèles se trouve finalement parasité par cette histoire de cambriolage. En effet, non seulement les personnages n'ont l'idée de ce casse que très tardivement dans le film (ce qui rend le compte à rebours préalable, sous forme de cartons-titres, totalement inutile et contre-productif), mais lorsque le braquage arrive réellement, l'intérêt retombe, le tout étant finalement assez prévisible de bout en bout.
Dommage. Dommage aussi que le film peine à rester homogène dans sa forme (les passages animés du début disparaissent totalement) et dans son ton, et qu'Howerton n'ait pas un peu plus de charisme, car il se fait totalement dévorer sur ce plan par un Ben Schwartz en roue libre.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Batman v. Superman - L'Aube de la Justice :
18 mois après avoir assisté au combat destructeur de Superman (Henry Cavill) et de Zod (Michael Shannon), Bruce Wayne (Ben Affleck) est enfin prêt à affronter le Kryptonien, qu'il considère être une menace pour l'humanité. Mais ce que Batman ignore, c'est que Lex Luthor (Jesse Eisenberg) oeuvre dans l'ombre et manipule les deux hommes pour qu'ils s'entretuent...
Quelle belle ironie de voir que c'est ce même Goyer qui est à l'origine du plus gros du script de ce BvS, lui-même qui rejetait cette notion il y a dix ans de cela. Mais passée cette ironie douce-amère (car il faut bien l'avouer, c'est l'écriture pataude et bancale de Goyer qui est responsable de bien des problèmes du DCEU), c'est toute la politique cinématographique réactive de DC qui est à remettre en question. La pilule du succès absolu (et exagéré ?) de Marvel Studios, et de leur univers partagé très coloré, plutôt bien construit, et plein d'humour n'est clairement pas bien passée chez DC/Warner, et depuis des années, ils tentent donc de rattraper leur retard considérable au box-office.
Problème : cet univers partagé n'est pas du tout établi, et plutôt que d'assumer son retard sur Marvel, et de faire bien les choses au fil des ans, DC/Warner bacle tout. Le résultat de ce baclage étant ce Batman v. Superman qui souffre de tellement de défauts qu'ils seraient trop longs à vraiment développer.
Avant Man Of Steel, les plus méfiants d'entre nous avaient espéré que ce relaunch de Superman serait l'occasion, pour les personnes impliquées dans la production, de combiner leurs forces, et d'éliminer leurs faiblesses respectives : Goyer connaît bien les comic-books, mais n'est pas très bon scénariste ; Snyder est un bon réalisateur qui a tendance à privilégier l'esthétique et les images épiques à base de ralentis, ainsi que le fanservice, a un script et un film maîtrisés ; les Nolan sont de bons techniciens, mais leurs productions sont bavardes, pseudo-intellectuelles, et souvent froides.
Mais plutôt que de bénéficier des qualités de toutes ces personnes, Man of Steel (dont le casting était par ailleurs très réussi) a fini par être une compilation de leurs défauts, un métrage inutilement stylisé et bourrin, au propos et aux allégories pataudes, filmé dans un style naturaliste hors-sujet, aux hors-sujets absolument aberrants (Pa Kent) et aux personnages-fonctions ni attachants, ni vivants. On en ressortait avec l'impression que la team DCEU était totalement passée à côté du personnage de Superman, lui préférant un avatar christique geignard, hésitant et destructeur, du genre à rouler une galoche à Lois Lane (après avoir eu une demi-douzaine de scènes à peine avec elle dans le film) au milieu des décombres fumants de Metropolis.
Une conception du superhéroïsme étrangement déphasée avec celle, historique, du personnage de Superman, et qui cachait, derrière ses atours de bourrinage intensif voulant faire oublier Superman Returns (jugé trop mou par une certaine frange très bruyante de la fanbase), des scènes totalement WTF, tant dans leur conception que dans leur exécution (la tornade !!).
Mais revenons à BvS. Lancé à l'improviste avec un seul logo pour accompagner l'annonce, décidée quelques jours à peine avant la Comicon, le projet a connu une genèse compliquée, conséquence du désir de DC/Warner de manger à tous les râteliers. Initialement Man of Steel 2, le film est alors devenu BvS (adaptation de la bd The Dark Knight Returns de Miller), puis a muté en BvS : Dawn of Justice un an après, afin de mettre en place le futur film de la Justice League.
Autrement dit, BvS a rapidement eu pour lourde tâche d'englober, en un seul métrage, une suite de Man of Steel, l'introduction d'un nouveau Batman, la mise en scène de l'affrontement Batman vs Superman, et la présentation d'un ou plusieurs membres de la Ligue. Un peu comme si Marvel, plutôt que de dérouler méthodiquement ses Phases, avait décidé d'intégrer à Iron Man 2 les intrigues de Captain America, de Civil War, et de Avengers, sans prendre la peine de développer le tout plus que ça.
Autant dire que ce BvS est un gros bordel, qui tente de faire tout et son contraire, de se faire pardonner du destruction porn de Man of Steel (tout en en remettant une grosse couche), ou d'exploiter en surface Dark Knight Returns et La Mort de Superman sans en avoir posé les bases émotionnelles ou narratives, comme autant de fanservice gratuit et baclé, et de coups de coude à l'amateur de comics, afin de se le mettre dans la poche.
Pour faire simple, ça ne fonctionne pas. Notamment parce que Snyder ne semble pas intéressé par son Superman constipé (c'est Batman le vrai héros du film), et traite donc beaucoup de ses scènes et de leurs enjeux dramatiques par dessus la jambe : Jimmy Olsen, ou Mercy Graves ? De la figuration, et ils sont aussitôt éjectés de la franchise de manière bien gratuite. Lois ? Demoiselle en détresse mal filmée (Snyder est le seul réalisateur que je connaisse qui réussisse à rendre Amy Adams quelconque), avec en prime pseudo-nudité gratuite et racoleuse dans une baignoire. Maman Kent ? Un peu de morale douteuse ("tu ne dois rien aux gens de la Terre"), et demoiselle en détresse. Luthor ? Une catastrophe aussi bouffonne qu'à l'époque de Gene Hackman. Doomsday ? Un troll des cavernes du Seigneur des Anneaux, ni plus, ni moins. La mort de Superman ? Aucun impact, puisque dix minutes plus tard, on montre qu'il n'est pas mort.
En face, Wonder Woman s'en sort (même si elle semble toujours frêle, et qu'elle n'a pas grand chose à faire dans le film sorti d'un combat et de soirées mondaines dans des robes mal ajustées), et c'est le Batfleck show, un Batfleck show très efficace, même si un peu redondant (les origines de Batman, on les connaît, c'est bon). On pourra toujours pinailler que ses visions prémonitoires sont hors-sujet, que la poursuite en Batmobile est une catastrophe de montage et de réalisation, que de placer Gotham de l'autre côté de la baie de Metropolis, à 10 minutes en ferry, n'a aucun sens, que la carrure Milleresque de Batman, avec ses muscles rembourrés, s'accommode moyennement de certaines scènes de combat (dans lesquelles, comme par magie, l'épaisseur du costume et du cou de Batman diminue pour faciliter les efforts du cascadeur)... mais ce n'est pas bien grave. C'est comme le fait que ce Batman tue allègrement ses proies : c'est le point de vue du réalisateur, je ne le partage pas, mais bon... Affleck est efficace en Batman, et c'est d'autant plus dommage qu'il écope d'un tel univers cinématographique bancal au possible.
Bref, en tant que suite de Man of Steel, c'est insuffisant, c'est inexploité, et ça se perd en palabres ronflantes sur la nature des dieux et des superhéros encapés, au détriment de l'émotion ou du rythme. En tant que Batman Begins 2.0, ça fonctionne relativement bien, grâce à Affleck. L'affrontement Batman vs Superman, lui, ne convainc pas vraiment, relégué au dernier quart du film, juste avant l'arrivée de Doomsday, et réglé par une pirouette scénaristique maladroite et pataude (Martha !!). Quand à la mise en place de la Justice League, elle se fait au forceps, par l'intermédiaire de Wonder Woman, et de vidéos informatiques piratées chez Lex : ce n'est pas très élégant, c'est amené avec la subtilité d'un tractopelle, et ça lorgne tellement sur la méthode Marvel que ça en devient génant.
Ajoutez à cela une musique insipide d'un poulain de Zimmer, des effets inégaux (les transitions acteurs/doublures numériques sont parfois laborieuses, et la gestion à l'écran de la force de Batman l'est encore plus), un film qui, donc, tire à la ligne malgré tout ce qu'il doit couvrir en 2h30, et on se retrouve devant quelque chose qui a de belles images et de beaux moments occasionnels, un métrage qui a quelques beaux restes pleins de potentiel, mais noyés dans un océan de médiocrité et de dépression terne et forcée, une médiocrité résultant à la fois du travail de Snyder, de celui des scénaristes, mais aussi de la gestion du DCEU par DC/Warner, faite en dépit du bon sens.
Toute confrontation Batman/Superman reposant sur le contraste entre les deux protagonistes (l'un heureux, solaire et positif, menant par l'exemple et inspirant les hommes à être meilleurs, l'autre tourmenté, nocturne, sombre et négatif, faisant régner la peur dans le coeur des criminels), quel intérêt alors d'en faire deux êtres tout aussi tourmentés et dépressifs, redoutés par les humains ? Bonne question, à laquelle je serais bien en peine de répondre.
Cela dit, c'était toujours plus divertissant que Man of Steel.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Amour et Plaquages (Love on the Sidelines) :
Apprentie créatrice de mode au chômage, Laurel (Emily Kinney) a désespérément besoin d'un nouvel emploi, et, avec l'aide de sa nouvelle colocataire (Luisa D'Oliveira), une assistante personnelle, elle entre au service de Danny Holland (John Reardon), un footballeur blessé. Mais celui-ci aurait préféré un assistant masculin, d'autant que Laurel ne comprend absolument rien au football américain : une difficile cohabitation va alors se mettre en place, bon gré mal gré...
Comédie romantique footballistique difusée dans le cadre de la Winterfest 2016 de la chaîne Hallmark, ce téléfilm bénéficie de son postulat initial un peu différent des autres métrages de la chaîne, de sa distribution féminine sympathique (Kinney, Elise Gatien, Luisa D'Oliveira) et de son énergie.
Néanmoins, le script est un bon gros tas de stéréotypes mis bout à bout (les filles ne comprennent rien au foot et à la mécanique, les sportifs ne parlent qu'en métaphores sportives, blablabla), et le métrage souffre d'un couple principal à l'alchimie défaillante : lorsqu'il n'est pas volontairement désagréable, Reardon est transparent au possible, et Kinney, si elle est sympathique, paraît occasionnellement trop jeune, gauche et fragile pour totalement convaincre en héroïne romantique.
D'autant que paradoxalement, elle a plus d'alchimie avec Victor Zinck (le "meilleur ami" de Reardon) et avec tous les autres personnages féminins qu'avec son homologue masculin...
En somme, ça se regarde, mais c'est très anecdotique, prévisible et cliché.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Addicted to Fresno :
Martha (Natasha Lyonne) et sa soeur Shannon (Judy Greer) sont co-dépendantes. Martha, lesbienne célibataire travaillant comme femme de ménage dans un hôtel, est malheureuse en amour, et se sert constamment de sa soeur comme d'une excuse pour éviter de s'engager ; Shannon, nymphomane récemment sortie de cure de désintoxication, couche avec tout ce qui bouge - notamment son thérapeute (Ron Livingstone) - et passe son temps à lancer des remarques amères et sarcastiques. Malheureusement, lorsque Martha obtient de son patron que Shannon travaille à l'hôtel avec elle, cette dernière couche avec le premier venu... et le tue accidentellement. Les deux soeurs tentent alors de se débarrasser du corps, mais sont alors victime du chantage des propriétaires d'un centre de crémation pour animaux (Allison Tolman et Fred Armisen)...
Un film indépendant de la réalisatrice de But I'm a Cheerleader (un film culte dans certains cercles), qui bénéficie d'une distribution très sympathique (Greer, Lyonne, Armisen, Aubrey Plaza, Molly Shannon, Clea DuVall, etc), et adapte au cinéma un court-métrage avec Busy Philipps et Gillian Jacobs dans les rôles principaux.
Malheureusement, ce qui se veut être une comédie noire et grinçante finit par être trop plate, et pas assez comique, justement. Plutôt que d'être corrosive et osée, la négativité cynique du personnage de Greer finit par être lassante ; plutôt que d'être attachantes, les amours contrariées de Lyonne laissent indifférent.
Alors certes, certains moments plus sincères fonctionnent, mais dans l'ensemble, le script souffre d'un sérieux manque d'empathie envers ses personnages, dont la provocation constante et capillotractée finit par tirer à blanc, et par être contre-productive.
Pas sûr que le passage du court-métrage au long-métrage ait été très judicieux...
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