Articles avec #histoire catégorie

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Au Coeur de l'Océan (In The Heart of the Sea) :

En 1850, Herman Melville (Ben Whishaw) rend visite à Thomas Nickerson (Brendan Gleeson), un aubergiste traumatisé par ce qu'il a vécu 30 ans plus tôt, alors qu'il était membre d'équipage du baleinier Essex, aux côtés d'autres marins plus aguerris (Chris Hemworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy...) : là, au milieu de l'océan, une baleine albinos a réduit en miettes le navire, et a alors traqué tous les survivants, les uns après les autres, en détruisant les canots de sauvetages sur lesquels ils survivaient difficilement...

Prenez Seul au Monde, rajoutez-lui une bonne dose de Les Survivants, rajoutez une reconstitution historique, un peu de littérature, et beaucoup de numérique... et voilà, Au Coeur de l'Océan, une fictionnalisation de ce qui a inspiré Moby Dick de Melville.

Pourquoi pas, d'autant que la distribution est bonne, et que c'est Ron Howard à la barre.

Malheureusement, la mayonnaise ne prend jamais vraiment, malgré tous les efforts déployés par la production pour donner quelque chose d'esthétiquement travaillé et de professionnel.

Au rayon des problèmes, le récit assez dérivatif (et un peu maladroit dans sa structure "laissez moi vous raconter ce qui s'est passé dans ma jeunesse"), et paradoxalement, la réalisation de Ron Howard, qui pour une raison ou un autre, a recours, çà et là, à des gros plans d'inserts très laids, mi-GoPro mi-Fish Eye, qui tranchent radicalement avec ce qui les entoure. Ce qui les entoure étant un environnement bardé de CGIs pas toujours convaincants (il y a souvent quelque chose qui cloche, que ce soit dans l'étalonnage des arrières-plans, le mouvement des baleines, l'incrustation des acteurs...), qui finissent souvent par donner l'impression de voir des acteurs devant un fond vert, prétendant être en pleine mer.   

Dommage, car il y avait probablement quelque chose de plus mémorable à faire avec ce sujet, peut-être en faisant du témoignage de Nickerson quelque chose de moins réaliste, qui pousserait l'idée de baleine vengeresse dans ses derniers retranchements, en en faisant un être plus maléfique, ou plus symbolique (une incarnation de la nature se vengeant de l'Homme) - ce qui aurait nécessité une réalisation plus ample, plus iconique, et plus épique.

2.5/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Moonwalkers :

Alors que le gouvernement américain tente de remporter la course à la Lune, Kidman (Ron Perlman), un agent de la CIA implacable mais hanté par le souvenir du Vietnam, est envoyé à Londres pour y rencontrer Stanley Kubrick. Sa mission : offrir au réalisateur une somme colossale afin qu'il simule en studio les images de l'alunissage américain, en cas d'échec de la Mission Apollo. Mais sur place, il est trompé par Jonny (Rupert Grint), un manager de rock raté et endetté, qui se fait passer pour l'agent de Kubrick. Un engrenage improbable se met alors en place, alors que Kidman, Jonny et Leon (Robert Sheehan), un acteur drogué, finissent par décider de tourner eux-mêmes le film de l'alunissage, sans se douter que la pègre londonienne est bien décidée à récupérer les sommes qui leurs sont dûes...

Une comédie anglaise assez médiocre, inspirée des théories conspirationnistes lunaires, et qui se retrouve le cul entre deux chaises, à moitié film de gangsters à la Guy Ritchie (les deux fusillages du film sont sanglantes, gratuites, et - pas très bien - stylisées), et à moitié stoner comedy, avec hallucinations en images de synthèse, et humour pas drôle du tout si l'on est sobre.

Ajoutez à cela un rythme assez bancal, des idées inexploitées (les hallucinations vietnamiennes disparaissent subitement après le premier tiers du film), des postiches et barbes parfois assez fauchés (qui renforcent un certain sentiment d'artificialité dans la reconstitution), et on se retrouve avec un métrage au concept de base intéressant, bien interprété, mais à l'exécution malheureusement trop faiblarde pour convaincre.

2.25/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^) et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus... mais ce dimanche, à l'occasion de la Saint Valentin, Un film, un jour (ou presque) revient exceptionnellement pour deux hors-séries placés sous le signe de la romance !

Tom, Dick & Harriet (All's Fair In Love And Advertising - 2013) :

Publicitaire de génie, Tom Burns (Steven Weber) est malheureusement trop vieux pour son nouveau patron, qui le renvoie sans attendre ; désespéré, Tom recrute alors Dick (Andrew Francis), un jeune arnaqueur talentueux à la répartie et au mensonge flamboyants, pour intégrer son ancienne agence, et vendre pour lui tous ses concepts publicitaires. Mais les choses se compliquent quand Tom et Dick s'éprennent tous deux d'Harriet (Michelle Harrison), l'une de leurs collègues, et que la fille de Tom, Kelly (MacKenzie Porter), s'installe chez son père...

Une comédie semi-romantique Hallmark qui souffre d'une réalisation assez médiocre, de quelques rebondissements capillotractés, et d'un casting de seconds rôles peu convaincants.

Cela dit, le tout se regarde très bien, et fonctionne même globalement, grâce à son trio principal (Weber en tête), professionnel et crédible. Ça aurait pu être bien pire.

3/6

Jane (Becoming Jane - 2007) :

Bien que les parents de Jane Austen (Anne Hathaway), en difficultés financières, s'attendent à ce qu'elle épouse le neveu de la riche Lady Gresham (Maggie Smith), celle-ci n'en a aucune envie, et redoute cette union plus que tout. Elle finit par rencontrer l'impertinent et rebelle Tom Lefroy (James McAvoy), un séducteur sans le sou, qui apporte à la jeune écrivaine l'expérience d'un amour dont elle ignorait l'existence...

En partie adapté d'un ouvrage de 2003 sur Jane Austen, ce semi-biopic romantique en costume est bien filmé, bien reconstitué, bien mis en musique, bien casté, bien joué... mais malheureusement, non seulement il est un peu ampoulé et relativement convenu, mais surtout, il s'avère gentiment soporifique pour peu qu'on ne sache rien de Jane Austen, ou que l'on n'ait d'elle/de ses ouvrages que de vagues connaissances.

Un 3/6 technique pour moi, probablement nettement plus pour les passionnés et autres amateurs d'Austen.

L'amour, c'est compliqué (Love is Complicated - 2016) :

Leah Townsend (Holly Marie Combs) est un paillasson : auteur à succès et fille de sénateur, elle a une fâcheuse tendance à éviter le moindre conflit en se rangeant à l'avis des autres. C'est notamment le cas dans son couple avec Edward (Randal Edwards), où la routine s'installe, et dans sa vie professionnelle, où son nouveau roman peine à convaincre son éditrice. Contrainte de prendre des cours de résolution de conflit, elle rencontre alors Cinco Dublin (Ben Bass), un animateur radio volubile et sarcastique qui n'est guère friand des oeuvres de Leah. Malgré leurs différences et leur hostilité réciproque, Leah et Cinco vont alors apprendre à mieux se connaître...

Une adaptation fictionnalisée made in Hallmark d'un livre de coaching pseudo-profond et spirituel écrit par un auteur ouvertement chrétien, cette rom-com ne vaut franchement que pour son actrice principale, comme toujours naturelle, attachante et impeccable.

Le reste, par contre, est d'un soporifique improbable, entre les réunions sans intérêt, le boyfriend déclencheur de gaydar, l'animateur radio sans le moindre charisme (alors que Bobby Cannavale, par exemple, aurait été parfait dans le même rôle), le propos façon réflexions de bac à sable... vraiment pas intéressant, ni bien rythmé.

2/6 (pour HMC)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Lost Soul - The Doomed Journey of Richard Stanley’s Island of Dr. Moreau :

Passionné par le roman original d'HG Wells, et auréolé d'une réputation glorieuse suite à la sortie de Hardware et de Dust Devil, le réalisateur Richard Stanley entreprend, au milieu des années 90, le tournage de L'île du Dr Moreau. Mais rapidement, le projet lui échappe totalement et vire au chaos improbable, entre figurants en délire, météo calamiteuse et acteurs-divas...

Un documentaire-making-of fascinant sur le tournage du film de 1996, et qui explique très clairement pourquoi le film, récupéré à mi-production par John Frankenheimer, est le désastre que l'on connaît.

La lente désagrégation du projet, passant de la vision très claire de ce Richard Stanley excentrique et mystique mais motivé, au bordel absolu sur lequel Frankenheimer a joué les mercenaires, fournit un portrait hallucinant de l'incompétence du système hollywoodien, et se permet même des moments ahurissants, comme lorsque l'on apprend que Stanley, banni du tournage par le studio et les avocats de ce dernier, a tout de même participé à une grosse partie du film en se déguisant sous un masque en latex, et en s'incrustant dans les scènes de foule.

4/6 (manquent tout de même les témoignages de quelques acteurs importants du film...)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Electric Boogaloo (Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films) :

Dans les années 80, Menahem Golan et Yoram Globus, deux immigrés israéliens installés aux USA et passionnés de cinéma, décident de faire des films. Ensemble, ils prennent la tête du studio Cannon, qui devient rapidement réputé pour ses séries Z opportunistes, ses films d'action produits à la chaîne, et son érotisme racoleur. Mais bien vite, la paire Golan-Globus commence à avoir la folie des grandeurs, et à vouloir conquérir le monde tout en acquérant une certaine respectabilité : une ambition qui va mener Cannon à sa perte.

N'importe quel cinéphile digne de ce nom et ayant grandi dans les années 80 savait à quoi s'attendre lorsque le logo de Cannon apparaissait à l'écran : un plaisir déviant et coupable, du mauvais cinéma pop-corn, bien souvent cependant assez hilarant, que ce soit volontairement ou non.

Et ce documentaire énergique et passionné fait vraiment un tour d'horizon complet du phénomène Cannon et de ses failles incurables, à grands renforts d'entretiens avec toutes les personnes concernées, acteurs, employés, techniciens, etc.

Tout le monde... ou presque, puisque manquent quelques noms importants (comme Chuck Norris ou Van Damme), ainsi que les principaux intéressés, Golan & Globus... qui ont préféré mettre en chantier leur propre documentaire pour tenter de prendre de vitesse ce métrage-ci.

On ne se refait pas !

4.5/6

Noël est passé, mais comme tous les ans, la Christmas Yulefest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

Les 12 Chiens de Noël 2 (12 Dogs of Christmas : Great Puppy Rescue) :

Sept ans après les événements du premier film, Emma (Danielle Chuchran) revient à Doverville à l'occasion des funérailles de la mère de Mike (Skyler Holman), qui gérait jusqu'alors le refuge pour chiens de la ville. Mais après un accident de voiture, Mike est paralysé, et Emma doit alors trouver un moyen de rembourser les dettes de Mike, afin d'empêcher un entrepreneur machiavélique (Sean Patrick Flanery) de racheter le refuge à la banque pour le raser. Sa solution : monter à nouveau le spectacle des 12 Chiens de Noël, mais avec l'assistance de toutes ses amies, de l'équipe de basket de l'école, d'un orchestre... et de Bing Crosby (Alexis Baigue).

Quelle déception... ce 12 chiens de Noël 2 est tout l'opposé du premier (en plus d'avoir un titre français qui n'est même pas raccord).

Là où le premier s'avérait un sympathique film familial de Noël, avec des chiens adorables, une histoire simple et directe, des personnages immédiatement identifiables, un réalisme appréciable, une reconstitution historique honorable, et des paysages enneigés superbes... ici, les chiens sont trop souvent relégués au second plan derrière une romance insipide de lycée et un méchant calamiteux (SPF est vraiment mauvais), tous les personnages sont interchangeables et génériques, le film a été tourné dans l'Utah (et donc n'a pas un gramme de neige), sa structure est beaucoup plus chaotique et décousue, on a droit à un personnage de voyante aux pouvoirs surnaturels, et le film accumule nettement plus d'anachronismes que l'original.

Vraiment frustrant, d'autant que le problème principal du premier métrage - l'inexpressivité de l'héroïne, et son manque de présence à l'écran - a été ici corrigé par le casting de la sympathique Danielle Chuchran dans le rôle principal. Mais non, c'est tout le reste qui pose problème, désormais.

D'autant que le spectacle final, en plus de mettre en vedette ce mauvais sosie de Bing Crosby qui fait du playback, est totalement dénué de chiens. Un comble, pour une suite qui, définitivement, n'aurait jamais dû voir le jour.

1.5/6

Noël est là, mais comme tous les ans, la Christmas Yulefest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

12 Chiens pour Noël (The 12 Dogs of Christmas) :

En 1931, en pleine Dépression américaine, le père d'Emma (Jordan-Claire Green) envoie sa fillette de 12 ans s'installer dans le Maine, loin de sa ville natale, Pittsburgh. Là, à Doverville, le maire (Richard Riehle) et son frère Norman (John Billingsley) mènent une vendetta sans pitié envers la race canine, dont les victimes finissent exploitées dans des combats de chiens cruels. À peine arrivée en ville, Emma sauve ainsi un chiot des griffes des autorités, et fait alors la connaissance de Mike (Adam Hicks), dont la mère (Susan Wood) tient un refuge pour chiens à la lisière de la ville. À Emma et à tous ses nouveaux amis d'échafauder un moyen de convaincre les habitants de Doverville de renverser la législation en place... en montant un spectacle de Noël mettant tous les chiens du refuge en vedette.

Une adaptation indépendante d'un livre pour enfants (et d'une chanson), qui s'avère une bonne surprise : la reconstitution est relativement crédible malgré le budget limité, c'est assez bien filmé, globalement bien interprété, les chiens sont adorables, les paysages enneigés sont vraiment jolis et le tout se regarde tranquillement, sans vraiment trahir sa nature de film indépendant.

Quel dommage alors que le film soit trop moyennement rythmé (il y a probablement 10 minutes de trop) et que l'actrice principale soit probablement le maillon faible de la distribution, avec une interprétation assez terne et apathique, qui manque clairement de présence et d'expressivité.

Néanmoins, le métrage s'avère le haut du panier en matière de film de Noël indépendant sorti directement en vidéo, et rien que pour ses chiens irrésistibles, ça vaut bien un

3.5/6

Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

Le Tumulte des Sentiments (An Old Fashioned Christmas) :

Une riche aristocrate, Isabella Crawford (Jacqueline Bisset) et sa petite-fille, Tilly (Catherine Steadman), arrivent des USA à l'approche des fêtes de Noël, afin de passer quelques temps en Irlande dans la famille du Comte de Shannon (Robert O'Mahoney). Mais l'épouse de ce dernier (Marion O'Dwyer) a d'autres plans : elle veut pousser Tilly à épouser son bon à rien de fils, Cameron (Leon Ockenden), afin de sauver les finances défaillantes de la famille. Mais Tilly, elle, est déjà fiancée à Gad (Kristopher Turner), qui vient justement leur rendre visite pour Noël, et de toute façon, elle n'est venue en Irlande que pour tenter de retrouver son grand-père, et ses racines irlandaises...

Téléfilm "suite" de Contre tout l'or du monde (An Old Fashioned Thanksgiving), adaptation d'une nouvelle de Louisa May Alcott, l'auteur des Quatre Filles du Dr March, et succès d'audience de la chaîne Hallmark à sa diffusion en 2008.

Ici, on reprend vaguement les mêmes personnages, un peu plus tard dans leur vie, et on les emmène en Irlande dans un mélodrame en costumes souvent niais et sirupeux, pas très bien écrit, qui n'a de Noël que son nom et sa scène finale, et qui s'avère particulièrement convenu et insipide.

Dommage, car Bisset est impeccable, et Steadman comme toujours attachante... mais ça ne vole vraiment pas haut.

2/6

Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

Mr Christmas :

En 1941, alors que l'attaque sur Pearl Harbour vient de se produire, et que Noël approche dans une petite ville à peine sortie de la Grande Dépression, un jeune père de famille sans le sou (Jace McLean) tente désespérément de réunir les fonds nécessaires à l'achat d'une bicyclette pour l'une de ses deux filles...

Un moyen-métrage indépendant assez amateur, et ce sur tous les plans : l'interprétation est un peu forcée, la direction d'acteurs est inégale, tout comme l'écriture (la mère de famille apparaît un peu comme une mégère, ce qui est la faute de l'écriture et de l'actrice, qui joue le rôle de manière un peu trop stricte et autoritaire), et le rendu visuel est clairement de la vidéo au budget limité, un problème encore renforcé par certains mouvements de caméra très approximatifs.

Et pourtant, il faut bien louer l'effort apporté à la reconstitution historique, un effort très honorable, et qui porte plutôt ses fruits.

On se retrouve donc avec un film qui a bon fond, et dont les costumes et la direction artistique sont efficaces... mais qui reste malgré tout trop amateur, mélodramatique et fauché pour convaincre.

Un minuscule 3/6 pour l'effort.

Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

La Nativité (The Nativity Story) :

Fiancée à Joseph (Oscar Isaac), bien plus vieux qu'elle, Marie (Keisha Castle-Hughes) est supposée rester vierge pendant encore un an, conformément à la tradition ; mais lorsqu'elle reçoit la visite nocturne de l'ange Gabriel (Alexander Siddig), Marie tombe enceinte, et apprend qu'elle va devenir la mère du fils de Dieu. Chargés d'une mission divine de la plus haute importance, Marie et Joseph doivent désormais rejoindre Bethléhem pour prendre part au recensement imposé par l'Empire Romain, en évitant les hommes du Roi Hérode (Ciarán Hinds), obsédé par une prophétie ancienne annonçant sa chute et l'avénement du futur Roi des Juifs...

La reconstitution d'une histoire désormais connue de tous, par la future réalisatrice de Twilight.

Si le résultat est visuellement très joli, et bien interprété, il est aussi un peu trop pontifiant et illustratif, avec facilement 15-20 minutes de trop (notamment après la naissance de Jesus).

Néanmoins, le tout fonctionne assez bien, grâce à une musique sublime de Mychael Danna, et à une histoire de base toujours efficace, traitée ici au premier degré.

La volonté de faire le plus crédible possible et d'éviter au maximum les clichés hollywoodiens en faisant très couleur locale est aussi appréciable.

On regrettera donc la durée du film, son aspect un peu trop didactique, ainsi que la présence trop limitée de Rois Mages pourtant assez mémorables.

3.5/6 

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Mr. Holmes :

En 1947, Sherlock Holmes (Ian McKellen), désormais nonagénaire, vit dans une petite chaumière du Sussex en compagnie de sa gouvernante, Mrs Munro (Laura Linney), et du fils de cette dernière, Roger (Milo Parker). Mais l'âge avancé du détective commence à se faire sérieusement ressentir sur celui-ci, qui perd progressivement la mémoire. Et Holmes est toujours hanté par sa dernière affaire, une affaire dont il ne garde que des souvenirs très vagues, mais dont il sait pourtant qu'elle lui a totalement échappé, et qu'elle est responsable de son départ subit en retraite...

Un long-métrage très mélancolique signé Bill Condon, qui adapte un roman de 2005 en adoptant un ton particulièrement intimiste et tendre, ainsi qu'une structure en flashbacks, alors qu'Holmes se partage entre son quotidien aux côtés de Mrs Munro et de son fils, ses souvenirs confus de son ultime affaire, et ceux de son voyage récent au Japon, à la recherche d'un remède miracle à sa sénilité.

C'est une approche assez touchante et sombre du personnage de Holmes, je dois dire, un Holmes très bien interprété par McKellen (même si, par moments, ses choix d'interprétation pour Holmes sénile sont à la limite du too much), et qui prend conscience, à l'aune de sa mort, de la solitude absolue qui a caractérisée toute sa vie.

De par ses choix thématiques et son atmosphère générale, ce n'est pas forcément un film qui plaira à tout le monde (d'autant qu'il s'avère parfois un peu trop subtil pour son propre bien), mais pour un amateur de Sherlock Holmes, c'est une nouvelle adaptation du mythe assez intéressante (et le caméo du "Young Sherlock" lors du passage de Sherlock au cinéma est assez savoureux).

4.25/6

Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...

War of the Dead :

En mars 1942, le Capitaine Martin Stone (Andrew Tiernan) prend la tête d'une escouade américaine envoyée détruire un bunker ennemi en territoire russe, mais se trouve contraint d'intégrer à son équipe des soldats d'élite finlandais, afin d'affronter des sodats nazis revenus d'entre les morts...

Aouch. Entre Outpost et Dead Snow, les films de zombies nazis sont presque devenus un sous-genre à part entière du cinéma d'horreur. Et franchement, lorsque l'on arrive après la bataille comme ce War of the Dead (huit ans de gestation !), mieux vaut apporter quelque chose de neuf ou d'original si l'on veut sortir du lot.

Ici, pas de chance, c'est tout le contraire, puisque le métrage est absolument générique et dérivatif au possible, avec des personnes creux et interchangeables, un carton-titre long et maladroit en début de film et de l'action non-stop pendant 90 minutes... mais malheureusement, c'est de l'action brouillonne et mal filmée, puisque 80% du film se passent de nuit, et les 20% restants dans des couloirs souterrains sombres.

Autrement dit, on ne voit pas grand chose, et de toute façon, à la 25ème attaque de zombies identique aux autres, on finit par ne plus en avoir grand chose à faire. Hénaurme bof.

1.75/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Sunset Strip :

Un documentaire de 2012 sur le Sunset Strip, ces deux kilomètres de route mythiques entre Beverly Hills et les studios d'Hollywood, lieu de toutes les fêtes et de toutes les débauches, depuis les années 20 et leurs acteurs, aux années 80 et leurs métalleux, en passant par les hippies, les punks, les gangsters, etc...

Plutôt intéressant (en ce qui me concerne les périodes 1920-1950 et post-80 m'ont particulièrement intéressé, plus que les années 60-70, pourtant assez fournies en sexe, drogues et rock'n'roll), et regorgeant d'images d'archive et de témoignages de stars plus ou moins connues, mais là se trouve probablement aussi le point faible du métrage : on sent bien que certains des témoignages et des interviews ne sont intégrés au documentaire que par copinage, tant ils n'apportent rien de pertinent, voire même ne sont là que pour apparaître 3 secondes et demi dans le film.

Mais sinon, cela reste tout de même une tranche d'histoire fascinante, en particulier si l'on est intéressé par l'évolution de la musique populaire du siècle dernier.

4.25/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Lizzie Borden Took an Ax :

En 1892, au Massachusetts, Mr et Mme Borden sont mystérieusement assassinés à leur domicile à grands coups de hache. Rapidement, les soupçons se portent sur Lizzie (Christina Ricci), la fille cadette de la famille, vieille fille un peu rebelle et au comportement suspect. S'engage alors un procès de longue haleine opposant Lizzie, aidée de sa soeur Emma (Clea DuVall) et de son avocat (Billy Campbell), à la vindicte populaire et à l'état...

Un téléfilm Lifetime retraçant l'un des crimes les plus célèbres de l'histoire des USA, qui ici devient du grand n'importe quoi bâtard et brouillon, qui ne sait jamais sur quel pied danser.

Le métrage, pourtant bien filmé et visuellement crédible, ainsi que bénéficiant d'une atmosphère pesante assez réussie, tente en effet d'être tout et son contraire : drame judiciaire, enquête policière, drame psychologique (avec des flashbacks sanglants), biopic, film gothique (avec des visions oniriques), slasher, histoire de femme, etc.

Le récit passe ainsi d'un genre à un autre sans réelle finesse ou subtilité (notamment lorsqu'il tente d'être un film d'horreur, et se paie des entrées dans le champ d'une Ricci sinistre, aux grands yeux ronds, accompagnée de motifs musicaux dignes de Psychose), pas aidé par un accompagnement musical assez improbable (du rock et de la pop moderne !?).

On se retrouve donc avec un métrage étrange et peu captivant, car ne semblant pas savoir ce qu'il veut être, ni porter le moindre jugement sur le personnage de Borden jusqu'à la fin  du récit ; dans l'intervalle, elle est présentée tour à tour comme innocente, coupable, folle, immature, victime d'inceste, lesbienne refoulée, ou femme libérée en avance sur son temps.

Les acteurs sont logés à la même enseigne, jamais vraiment sur la même longueur d'onde, avec une DuVall à fond dans son rôle de soeur dévouée et éplorée, et une Ricci qui oscille entre grands yeux de biche et voix innocente, et réactions surjouées de psychopathe déséquilibrée (au point qu'on se demande si, dans certaines scènes, son jeu forcé est voulu pour indiquer que Borden ment, ou si la scène est tout simplement surjouée).

Pas vraiment convaincant, donc, mais étrangement, ça a connu un tel succès outre-Atlantique d'une suite existe, sous forme de (mini ?) série, diffusée cette année. Mwé.

2.25/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Exodus - Gods and Kings :

Moise (Christian Bale) et Ramses (Joel Edgerton) sont deux princes élevés à la cour du Pharaon. Mais lorsque Ramses prend la place de son père sur le trône, il décide de bannir Moïse dans le désert en apprenant ses origines juives. Celui-ci finit cependant par revenir de son exil et, guidé par la parole divine, il va alors tenter de libérer le peuple juif de son esclavage...

Dès l'ouverture du film, avec ses cartons d'exposition, ses juifs opprimés, et ses esclaves hébreux construisant les pyramides, j'ai tout de suite compris qu'on était mal barrés avec ce métrage. Déjà qu'avec sa distribution d'acteurs tous caucasiens, ça n'augurait pas du meilleur...

Et la suite n'a fait que confirmer mes craintes, en montrant, à chaque instant, les signes d'un film typique du Ridley Scott moderne, qui est incapable de faire un bon film de moins de 180 minutes.

Ici, tout est gris, plat, terne : un parti pris "réaliste" qui tue tout semblant d'ampleur et d'épique, pour renforcer la douleur du peuple hébreu, et donner toujours plus de poids aux interminables dialogues du film.

Résultat, le métrage se traîne lamentablement, échouant à susciter la moindre empathie du spectateur pour ses acteurs, qui évoluent dans une histoire tellement balisée et connue que le soufflé global ne monte jamais, même quand Ridley Scott déchaîne les effets spéciaux comme Dieu les plaies sur l'Égypte, ou que la musique tente d'être à la hauteur des événements qu'elle illustre.

M'enfin bon, au moins ce n'est pas trop mal filmé.

2/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

The Last of Robin Hood :

Alors qu'il commence à vieillir, Errol Flynn (Kevin Kline), le sulfureux playboy du Hollywood des années 50, s'entiche de la jeune Beverly (Dakota Fanning), 15 ans. Avec l'accord tacite de Florence (Susan Sarandon), la mère ambitieuse de Beverly, le couple va bientôt occuper le feu des projecteurs, et faire l'objet de toutes les rumeurs et de tous les scandales...

Un biopic au sujet potentiellement sulfureux, mais qui malheureusement s'avère, dans les faits, un métrage terne, flasque et particulièrement inerte.

Kline et Sarandon sont comme toujours excellents, mais Dakota Fanning est effacée et transparente, à l'image de tout le film, qui manque de cachet visuel, d'énergie, de punch, et se refuse à aborder la moindre controverse, préférant rester plutôt en retrait et à la surface de cette relation étrange et peu commune.

Une belle occasion manquée.

2/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Pompéi (Pompeii) : 

L'histoire d'amour impossible entre Milo (Kit Harington), esclave celte devenu gladiateur, et Cassia (Emily Browning), la fille d'un riche marchant de Pompéi, alors que le Vésuve est sur le point d'entrer en éruption, et que le maléfique sénateur Corvus (Kiefer Sutherland) tente de faire sienne Cassia au plus vite. 

Un film catastrophe qui a tout du nanard, tourné par un Paul Anderson qui se prend pour Roland Emmerich.

On se retrouve donc avec un film qui commence en repompant Conan le Barbare, puis devient un clone de la série Spartacus, mâtinée de Gladiator, avant de continuer en photocopie de Titanic, entre la catastrophe inévitable, l'amour impossible entre les deux classes sociales, le fiancé rival et machiavélique, etc...

Bref, le script est insipide, la musique est insipide (et lorgne sur du sous-Zimmer), la distribution est insipide (Harington a beau faire de la musculation, il n'est pas un instant menaçant, badass ou charismatique ; Browning est ici trop maigrichonne pour être séduisante ; Sutherland nous fait Evil Jack Bauer avec un accent), les combats sont insipides (et accélérés artificiellement), les personnages sont insipides (et épais comme du papier à cigarette)...

Ne reste que l'explosion du Vésuve, spectaculaire, mais qui frôle régulièrement le too much, avec des rebondissements, des cascades et des effets improbables et irréalistes.

1.75/6 (pour les effets spéciaux)

Pilotes Amazon saison 2015 (première partie) :

Salem Rogers 1x01 :

Leslie Bibb en top modèle gueularde, insupportable et égocentrique qui sort de 10 ans en désintox, et tente de se refaire une place dans l'industrie en ruinant au passage la vie de son ancienne assistante (Rachel Dratch). Mwé, ça ressemble beaucoup à une sitcom de network qui aurait eu droit à un coup de vernis "adulte" tardif, et le tout est gentiment lourd, peu subtil, assez prévisible et laborieux, mais bon, Leslie Bibb se déshabille brièvement, donc ça plaira forcément plus à certains qu'un truc historique sur le Nord, le Sud et les esclaves (cf plus bas).

Down Dog 1x01 :

Un slacker-stoner-séducteur californien se fait plaquer par sa compagne (Paget Brewster), et prend conscience du néant de son existence, ce qui le conduit à devenir le propriétaire du studio de yoga où il enseigne. À nouveau, typiquement show câblé, avec une voix-off repompée d'Arrested Development, et malgré les quelques visages familiers (Lyndsy Fonseca, Kris Kristofferson...), ça se regarde très mollement, et ce n'est jamais drôle.

Point of Honor 1x01 :

Un drama développé pour NBC sur la Guerre de Sécession et l'esclavagisme, sur une famille sudiste qui se bat contre le Nord, mais libère paradoxalement tous ses esclaves, blablabla. Par Carlton Cuse et le scénariste de Braveheart et Pearl Harbour.. Je n'ai franchement pas été au bout du pilote, vus les gros sabots de l'ensemble, et le fond assez maladroit.

Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

La Bougie de Noël (The Christmas Candle - 2013) :

Dans le village anglais de Gladbury, un ange rend visite au chandelier local tous les 25 ans, pour bénir l'un de ses cierges, et exaucer un miracle. Mais en 1890, alors qu'un nouveau pasteur aux idées révolutionnaires arrive au village, le chandelier perd la bougie enchantée : contraint de mentir aux villageois, il distribue de faux cierges magiques à ceux-ci, tandis que le pasteur, refusant de croire au miracle de la bougie, tente d'améliorer seul le quotidien de ses paroissiens.

Un film adapté d'un roman écrit par un pasteur texan, et produit par un ponte du Parti Républicain US : autant dire que forcément, on se méfie tout de suite d'un trop grand prosélytisme religieux du film.

Et effectivement, par moments, ce Christmas Candle ne peut s'empêcher de donner dans les clichés du genre, avec le sceptique qui ne croit pas aux miracles et qui tente d'installer le progrès électrique dans le village, face aux traditions religieuses et aux autochtones qui préfèrent les bougies... on est dans de l'opposition classique de ce type de films, et bien entendu, à la fin du film, le pasteur dubitatif retrouve une Foi totale.

D'ailleurs, c'est un peu l'un des problèmes principaux du métrage, ce "bien entendu" : The Christmas Candle est affreusement prévisible. Tous ses rebondissements sont téléphonés au possible, leurs résolutions aussi, et l'on pourrait presque se livrer à un jeu des prédictions à mesure que l'on regarde le film... un jeu que l'on gagnerait sans le moindre doute.

Et pourtant, le métrage n'est pas dénué de qualités, loin de là : il est bien filmé, bien interprété, les décors naturels sont beaux, la reconstitution historique plutôt convaincante, les effets ne sont pas trop mauvais, le film ne se prend pas non plus trop au sérieux, bref, d'un point de vue technique, c'est tout à fait honorable.

Malheureusement, le scénario et le propos ne suivent pas, ce qui plombe forcément un peu le tout sur la durée.

3/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Hercule (Hercules) :

Hercule (The Rock), un mercenaire prêt à tout pour gagner un peu d'or aux côtés de sa bande de guerriers, est embauché par le Seigneur Cotys (John Hurt) pour entraîner les troupes de Thrace en vue d'un conflit armé contre un général ennemi... mais la destinée du demi-dieu le rattrape bien vite.

Une version révisionniste du personnage d'Hercule, qui se veut clairement iconoclaste et réaliste, en faisant du demi-dieu un homme moralement faible, tourmenté, et en proie à des hallucinations. Pourquoi pas, après tout : c'est un postulat de départ comme un autre, et une relecture potentiellement intéressante... mais malheureusement, plus que de rehausser l'intérêt du récit, cette approche le flingue totalement.

Car sous la caméra de Brett Rattner, la Grèce surnaturelle d'Hercule se transforme en monde terre à terre, terne et sombre, à la musique quelconque, au rendu gentiment fauché, au rythme pépère, et sans le moindre souffle épique. Les seules scènes qui font illusion dans le métrage sont les deux grosses scènes de bataille, malheureusement trop courtes, et un peu plombées par des effets spéciaux très inégaux.

Reste alors la distribution, Dwayne Johnson en tête, qui fait de son mieux avec un script prévisible, plat, et des personnages peu développés.

2/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Dune selon Jodorowsky (Jodorowsky's Dune) :

Un documentaire très intéressant sur la genèse avortée du Dune de Jodorowsky, dans toute sa grandeur, sa folie, et son anticipation. C'est fascinant, mais (parce qu'il y a toujours un mais) il y a une telle unanimité sur le génie de Jodo, sur son talent, sur sa grandeur, sur son imagination inégalée, sur l'influence qu'il a eu sur toutes les productions de genre de ces trente dernières années, etc... que je ne peux m'empêcher d'y voir un documentaire en partie assez complaisant, répété et passant beaucoup de brosse-à-reluire. Sans oublier le grand nombre d'affirmations improbables, jamais étayées par des témoignages croisés, et qui semblent souvent tenir de l'affabulation pure et simple...

Jodo le visionnaire ? Sans nul doute. Jodo le génie absolu à qui le cinéma doit tout, mwé. Je reste dubitatif, d'autant que de reporter intégralement l'échec de Dune sur la frilosité des exécutifs hollywoodien, c'est un peu oublier que les concepts de Jodo sont tellement psychédéliques et surréalistes, tellement ancrés dans leur époque "stupéfiante", qu'ils auraient laissé l'immense majorité des spectateurs à la porte du film.

4/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Noé (Noah) :

La légende de Noé, qui reçoit un jour de Dieu l'ordre de créer une Arche gigantesque, afin de sauver tous les animaux de la Terre d'un Déluge imminent...

Un bon gros WTF des familles pour ce métrage improbable, mélange de mythologie biblique et de blockbuster fantasy à la Lord of the Rings : pour chaque point positif, il y a un point négatif qui fait qu'on se demande comment ce film a pu être financé et sorti.

Visuellement, tout d'abord : les paysages naturels sont globalement superbes, donnant au métrage une étrange impression de monde post-apocalyptique lorgnant sur la fantasy... mais parallèlement, on a droit à des images de synthèse ultra-variables en qualité, et à des partis-pris artistiques particulièrement douteux. On peux notamment citer les Rock Lords Watchers qui aident Noé, et lui contruisent son arche : c'est laid, c'est inutile, c'est... incompréhensible.

Sur le front de l'adaptation et du script, même résultat mitigé : la caractérisation des personnages est inexistante pendant les 2/3 du métrage (le montage de la première partie du film, assez haché, n'aide pas vraiment), et les nombreux rajouts & modifications (les Watchers, donc, mais aussi le passager clandestin, le fils rebelle, le caractère ultra-extrémiste de Noé, les batailles rangées)  n'apportent pas grand chose au film, si ce n'est rajouter des minutes à un film déjà trop long.

On peut aussi s'interroger sur l'intérêt du message écologiste asséné à la truelle, avec ces maychants qui exploitent la terre, appartiennent à une société industrielle anachronique, et vivent dans des villes (!!).

Ajoutons à cela une musique assez ratée et envahissante, un jeu inégal des comédiens, et des scènes de baston totalement inutiles... et on se pose des questions. On se pose des questions sur l'intérêt du film, sur sa qualité... Et pourtant, le film reste toujours intéressant de par ses partis-pris, et la vision de son auteur. Un étrange paradoxe, donc.

3/6

Halloween approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant tout le mois d'Octobre, et la première quinzaine de Novembre...

Frankenstein's Army :

Un "reporter" soviétique part avec un commando pour libérer une région d'Allemagne de l'Est, et découvre le laboratoire de recherche d'un savant nazi... Frankenstein.

Un found footage historique plutôt sympatoche, tant niveau reconstitution que mise en image et bestiaire. Après, le rythme est un peu bancal, et niveau tension ou peur, ce n'est pas top, idem pour l'interprétation (les monstres sont beaucoup trop théâtraux) mais pour l'atmosphère et l'originalité, allez...

un petit 2.5/6 

Nothing Left to Fear :

La famille d'un pasteur s'installe dans un village rural aux habitants menaçants, qui semblent étrangement intéressés par les deux filles des arrivants...

Un film fantastique/horreur produit par Slash, particulièrement mollasson, et qui se traîne gentiment sur toute la longueur, se contentant de recycler des gimmicks et une imagerie redondantes et convenues sans réussir à créer la moindre tension.

1.5/6 (parce que j'aime bien le cast - James Tupper, Anne Heche, Jennifer Stone, Ethan Peck et Clancy Brown...)

Sleepy Hollow 1x01 :

Mouarf le gros truc foutraque...

Entre le cast transparent au possible, le toutéliage nawak avec les Cavaliers de l'Apocalypse, la Bible de Washington, les conspirations francmaçonniques, etc, la musique envahissante, les CGI très moyens, les vannes habituelles sur le déplacé temporel, Sleepy Hollow la bouche de l'enfer, le Cavalier sans tête/Rambo, le démon du miroir, et la combo Wiseman + Orci/Kurtzman qui ne font jamais dans la finesse et la subtilité (ni dans l'exactitude - la sorcière enterrée dans un cimetière consacré, par exemple), on ne peut pas dire que ça vole très haut.

Ça se regarde, cela dit, même si ça arrive clairement un mois trop tôt sur le calendrier, et que ça lorgne gentiment sur le ton Supernatural (mais en combinant 5 saisons de backstory en 45 minutes)... d'ailleurs, annoncer à l'avance que l'intrigue va durer sept ans, c'est gentil, mais c'est un peu mettre la charrue avant les boeufs (surtout que de l'aveu de la prod, ils n'ont que la s1 d'à peu près planifiée).

Masters of Sex 1x01 :

Showtime refait Kinsey en s'intéressant à la carrière du Dr Masters (Michael Sheen) et de sa collègue (Lizzy Caplan).

Pas de surprise vue la chaîne et vu le sujet, il y a de la nudité dans tous les sens, ça tente de rameuter et de choquer un peu le bourgeois, et ça conserve un ton gentillet assez léger : bref, ça se regarde, c'est plutôt bien joué, et le cachet "série en costumes" est un plus, mais bon, ça ne casse pas vraiment trois pattes à un canard unijambiste et borgne.

Tout à fait honorable, mais j'ai un peu l'impression d'avoir déjà vu le tout en 2004, et je ne suis pas certain de vouloir retenter l'expérience étalée sur plus de douze heures.

Grabbers :

Des aliens tentaculaires s'attaquent à une île irlandaise, et le seul moyen de leur résister est de boire, car les créatures ne supportent pas l'alcool.

Visuellement très joli (les paysages, forcément, mais aussi les bestioles, aux sfx réussis), avec Richard Coyle dans le role d'un flic bourré, Russell Tovey en légiste, et Ruth Bradley en fliquette qui vient d'arriver dans les parages.

La première demi-heure est assez décevante, car particulièrement sérieuse et premier degré ; et puis progressivement, à mesure que le degré d'alcool augmente dans les veines des protagonistes, et que les monstres se font plus présents, le film se décoince sympathiquement, et devient plutôt amusant (la version plus vulgaire d'une certaine réplique culte d'Aliens est assez fun).

3.75/6

Abraham Lincoln Vampire Hunter :

C'était sympa ce DTV.

Ah, non, c'est sorti en salles ? Hum, okay, pourquoi pas.

Il faut quand même en vouloir pour dépenser 10€ pour aller voir ça, que ce soit en 2D ou en 3D, tant c'est du Timur typique : généreux et regardable, mais creux, pas très finaud, avec des ralentis à gogos, des CGI très inégaux et souvent moches, et un paquet de trucs inutiles.

Sans oublier un protagoniste assez terne et transparent (heureusement, MEW parvient à donner de la consistance à son rôle, sinon, ça aurait été un beau doublé perdant).

3/6 (sur l'échelle des blockbusters décérébrés de Timur)