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LES TÉLÉPHAGES ANONYMES

Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...

Résultat pour ""star trek discovery""

Un film, un jour (ou presque) #485 : Les Incroyants (2013) & An Honest Liar (2014)

Publié le 4 Avril 2017 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Review, Documentaire, Religion, Science, Biographie, Magie

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Les Incroyants (The Unbelievers - 2013) :

Documentaire suivant la tournée mondiale de Richard Dawkins et Lawrence Krauss, pour promouvoir l'athéisme et la science. Rien de vraiment passionnant, à vrai dire, puisque la majorité des débats et échanges sont trop souvent étouffés dans l'oeuf, et passent au second plan, laissant la place à des montages musicaux, à une mise en avant des deux "stars" et à du meublage sans grand intérêt.

Un cruel manque de substance, donc, et soixante-seize minutes qui cèdent aux sirènes d'un culte de la personnalité regrettable, tout en prêchant les convertis...

2/6

An Honest Liar (2014) :

Un très bon documentaire (partiellement financé par Kickstarter) sur la vie et la carrière de James Randi, illusionniste canadien fasciné par Houdini, réputé pour son scepticisme, pour sa répartie impertinente, et pour avoir fait de la science et de la raison son cheval de bataille : il a ainsi créé une fondation éducative, et offert une somme considérable (1 million de dollars) à quiconque parviendrait à prouver l'existence du paranormal, de la voyance, de la télépathie ou de tout autre phénomène surnaturel ou pouvoir psychique supposément inexplicable par la science.

Possédant, dans les années 60/70, une renommée équivalente à celle obtenue par David Copperfield vingt ans plus tard, Randi pourfend, depuis cette époque, les pseudo-voyants et guérisseurs manipulateurs, les faux télépathes et véritables arnaqueurs, qui exploitent la crédulité d'autrui avec des tours bas-de-gamme que Randi connaît par coeur, et ne s'est jamais privé de démonter en direct à la télévision.

À l'aide de nombreuses images d'archives et témoignages (Alice Cooper, Adam Savage, Penn & Teller, etc), ce documentaire retrace donc le parcours de Randi, et notamment son antagonisme prononcé avec le fameux Uri Geller (lui aussi interviewé, et toujours aussi arrogant), qui a fait les beaux jours du Tonight Show de Johnny Carson, une institution de la télévision américaine. De quoi en apprendre un peu plus sur tous ces défis et ces conflits improbables, qui tous n'avaient pour but que de révéler la vérité au grand public.

C'est d'autant plus intrigant de voir, en cours de documentaire, la vérité se faire au sujet de Randi : pour quelqu'un érigeant la vérité et l'honnêteté comme valeurs essentielles, Randi a vécu toute sa vie dans le mensonge, refusant de rendre son homosexualité publique jusqu'à la fin des années 2000, lorsqu'il a admis qu'il vivait depuis 25 ans en couple avec "Jose Alvarez", un artiste qu'il avait utilisé dans l'une de ses propres supercheries (un canular surnaturel diffusé à la télévision australienne), et qui, lui-même, mentait depuis tout ce temps sur sa véritable identité.

Cette ambivalence du personnage de Randi (après tout, en bon illusionniste, il aime toujours se donner en spectacle, et manipuler les foules, quitte à faire souffrir au passage des âmes crédules et sensibles) s'avère plutôt intéressante, et permet au documentaire d'éviter un portrait totalement manichéen et élogieux de Randi, pour livrer quelque chose de plus nuancé, et de parfois même touchant.

Simple regret : que les vingt dernières minutes du métrage, sur l'identité de Jose, etc, semblent parfois un peu précipitées et inabouties, et par conséquent, légèrement frustrantes.

4.5/6

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Halloween Oktorrorfest 2014 - 23 - Leprechaun Origins (2014), Soulmate (2013), Wrong Turn 6 : Last Resort (2014) & John Carpenter's Christine (1983)

Publié le 15 Octobre 2014 par Lurdo dans Oktorrorfest, Cinéma, Critiques éclair, Review, Halloween, Horreur, Fantastique, Thriller, UK

Halloween approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...

Leprechaun Origins :

Quatre touristes américains en vadrouille dans un petit bourg irlandais sont confrontés à une créature surnaturelle et hostile : le Leprechaun...

Un film supposé rebooter la franchise Leprechaun, mais qui en fait préfère faire du gnome moqueur un ersatz de goblin immonde et difforme, qui traque ses proies avec la sauvagerie d'un raptor, la vision thermique d'un Predator, et n'est jamais bien cadré à l'écran.

Bref, un bon gros étron filmique sans le moindre intérêt, entre sa distribution transparente au possible, son Irlande filmée dans un coin de campagne américaine, son script en carton recyclant la bonne vieille intrigue des "villageois qui sacrifient les étrangers au monstre local", et son quart d'heure de générique de fin inutile.

0.5/6

Soulmate :

Déprimée par la mort de son époux, et légèrement suicidaire, Audrey (Anna Walton) choisit de s'isoler dans un cottage, loin dans un village reculé du Pays de Galles. Mais bien vite, elle s'aperçoit qu'elle n'est pas seule, et qu'elle partage ce cottage avec un fantôme pas forcément hostile (Tom Wisdom)...

Un film, produit par Neil Marshall, qui recycle L'Aventure de Madame Muir, et qui souffre d'un déséquilibre flagrant au niveau tonalité.

Ça commence en effet de manière très mystérieuse, contemplative et lente, façon film d'épouvante atmosphérique assez joliment filmé.

Ensuite, lorsque le fantôme apparaît et commence à parler, on se retrouve soudain dans une quasi-romance, entre deux personnes qui apprennent à se connaître, à faire face au chagrin, à la perte d'un être cher, et aux conséquences d'un suicide.

Et puis pour finir, on retombe dans l'épouvante pour les dix dernières minutes, de manière assez forcée et caricaturale.

En somme, les ruptures sont trop prononcées pour que chacune de ces parties puisse vraiment fonctionner, et paradoxalement, il n'y a pas vraiment de surprise à trouver dans ce métrage assez prévisible, bien interprété et filmé, mais finalement assez creux.

Un très petit 2.75/6, au choix.

Wrong Turn 6 - Last Resort :

Après avoir hérité d'un manoir dans les collines de la Virginie occidentale, Danny (Anthony Ilott) et ses amis vont y passer quelques jours. Là, ils y découvrent un spa assez populaire, tenu par Jackson (Chris Jarvis) et Sally (Sadie Katz), un couple étrange et incestueux, qui se charge de présenter à Danny le reste de sa famille mutante et cannibale.

Que dire de cet énième volet de la saga Détour Mortel ? Que c'est fauché ? Que c'est racoleur ? Que c'est mal interprété ? Que j'ai toujours autant de mal à arriver au bout de ces films ? Un peu tout ça, en fait : comme d'habitude, ça enquille les clichés ambulants, ça rajoute une bonne dose de cannibalisme, d'inceste, ça utilise des maquillages foireux en caoutchouc mal fignolé, et c'est à la fois mal écrit, mal joué, et mal rythmé. Je suppose que certains apprécieront, mais perso... j'ai bien dormi.

0.75/6

John Carpenter's Christine :

Lorsque le malingre et timide Arnie Cunningham (Keith Gordon) découvre "Christine", une Plymouth Fury en piteux état, il décide de la restaurer entièrement. Mais à mesure que le temps passe, et qu'Arnie s'attache au véhicule, sa personnalité commence à changer, son attitude devient plus agressive, vindicative, et autour de lui, les morts se succèdent....

Adaptation de Stephen King par le maître John Carpenter, pour un résultat un peu longuet et bavard, mais qui fonctionne néanmoins relativement bien.

À vrai dire, la plupart des problèmes que j'ai avec le film proviennent probablement du récit original (personnages caricaturaux et simplistes, schéma narratif du nerd qui devient une star, mère autoritaire à la limite de l'hystérie...), tandis que la réalisation et la mise en scène tirent le métrage vers le haut : toutes les scènes de la voiture sont une réussite, en particulier la manière dont Christine communique par la musique, et l'image fascinante de la voiture enflammée poursuivant sa proie sur de l'asphalte, le tout sur fond de musique typiquement Carpentierienne.

Au final, cependant, Christine reste un Carpenter mineur, car basé sur un récit qui n'est jamais vraiment effrayant (cela dit, Alexandra Paul était adorable, dans sa jeunesse ^^).

3.75/6

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Les bilans de Lurdo : La Famille Addams, saison 1 (1964-1965)

Publié le 11 Novembre 2011 par Lurdo dans Les bilans de Lurdo, Critiques éclair, Review, Télévision, Fantastique, Horreur, Comédie, Sitcom, Addams

La Famille Addams, saison 1 :

Séquence nostalgie, avec cette première saison (1964), qui fonctionne toujours aussi bien plus de 45 ans après sa diffusion.

La distribution est excellente, et ne fait que s'améliorer à mesure des épisodes ; les acteurs ont une alchimie indéniable, l'humour Marx Brothers à la sauce morbide fonctionne extrêmement bien (les scripts étaient supervisés et réécrits par un proche collaborateur de Groucho Marx) et si la première fournée d'épisodes n'est pas toujours ultra originale (sur les 34 épisodes de la série, il y en a bien une douzaine de redondants, façon "un mec normal/nouveau voisin/officiel de la ville ou du gouvernement arrive dans l'enceinte de la maison, et découvre les bizarreries des Addams, avant de s'enfuir en courant" ; logique pour un pilote, moins pour un énième épisode saisonnier), l'attention est rapidement portée sur les membres de la famille, qui se voient tour à tour étoffés et développés, avec des épisodes centrés sur eux. Et la série n'est jamais meilleure que lors de tels épisodes.

On a ainsi des épisodes sur Fester (en panne d'électricité ; à la recherche d'un job d'assureur ; qui a une blind-date avec une veuve noire aux 5 maris décédés ; avec une perruque), sur Mémé (qui se fait passer pour Mme de Bovary, grande voyante devant l'éternel), sur la Chose (qui fugue et fait croire à son kidnapping), sur Gomez (amnésique, avocat, etc), sur Morticia (qui décide de se trouver un job pour éviter la ruine de sa famille), Pugsley ("transformé" en chimpanzé) ou encore sur la Cousine Melancholia (que le reste de la famille essaye de caser en la relookant à la Morticia)...

Si bien évidemment, les épisodes avec le Cousin Machin sont forcément très drôles (la bestiole a un gros capital sympathie, notamment lorsqu'elle passe des tests d'orientation), c'est surtout Lurch qui gagne énormément à ce traitement, et qui finit par apparaître vraiment comme le Spock de cette série, le haussement de sourcil de Nimoy étant ici remplacé par le profond soupir de lassitude de Ted Cassidy, tout simplement génial (et bien plus subtil que ses successeurs dans le rôle).

Et les épisodes Lurch-centric de rapidement devenir des favoris, que ce soit Lurch qui apprend à danser, la mère de Lurch qui lui rend visite (ce qui force la Famille Addams à jouer les domestiques, pendant que Ted Cassidy s'éclate à en faire trois tonnes en maître de maison), Lurch qui démissionne après que Gomez ait vendu son clavecin fétiche, Lurch la pop-star... Bref, le potentiel comique de Lurch est bien exploité, ce qui rend d'ailleurs regrettable son rôle plus en retrait dans les adaptations suivantes (probablement dû au manque de charisme de certains des acteurs ayant repris le rôle).

D'ailleurs, en parlant d'adaptation, revoir ces épisodes m'a permis de remarquer à quel point les deux opus de Sonnenfeld étaient fidèles à la série et aux comic-strips d'origine, reprenant à l'image près certains des gags visuels et scénaristiques, et s'inspirant très clairement de certaines intrigues pour bâtir leur scénario (la correspondante de Fester, aux cinq maris décédés, et qui veut épouser Fester au plus vite ; l'amnésie d'un des personnages ; les Addams expulsés....) en les poussant à l'extrême.

Et pour finir, agréable surprise que l'épisode "la Famille Addams rencontre un beatnik". Car plutôt que de céder aux facilités du gimmick "fish out of the water", l'épisode développe un propos assez joli et sérieux sur la famille et l'acceptation de l'autre, puisque le beatnik en question, fils de grand patron en rebellion contre son père, trouve dans la Famille Addams une famille de substitution qui l'accepte malgré leurs différences radicales, ce qui finit par altérer pour le meilleur la relation entre son père et lui.

D'ailleurs, de manière générale, la cohésion de la Famille est assez bien traitée dans la série, les valeurs des Addams n'étant somme toute pas si éloignées de la norme...

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Les bilans de Lurdo : The Munsters (1964-1966)

Publié le 25 Novembre 2011 par Lurdo dans Les bilans de Lurdo, Critiques éclair, Review, Télévision, Comédie, Sitcom, Fantastique, Horreur

Après La Famille Addams, place à sa grande concurrente, toute aussi connue et populaire outre-atlantique que la clique de Morticia & co : The Munsters, diffusée de 1964 à 1966 sur CBS.

The Munsters, saison 1 et 2 :

Au programme, comme chez les Addams, une famille excentrique (ici, une famille de monstres), qui vit dans une maison délabrée, a un prédateur sauvage en guise d'animal domestique, et qui se considère tout à fait normale, à contrario du reste de la société.

Le père, Herman (Fred Gwynne), est une créature de Frankenstein pas très finaude, au caractère impatient de petit garçon et au sens de l'humour assez lourdingue.  Père de famille dévoué, il travaille au sein d'une entreprise de pompes funèbres, et est marié à Lily (Yvonne de Carlo), vampirette au foyer que l'on ne voit jamais boire de sang, et qui tient la maisonnée d'une main de fer dans un gant de velours.

Lily est la fille de Grandpa Sam Dracula (Al Lewis), qui vit avec le reste de la famille, et tient, à la cave, un laboratoire où il se livre à d'innombrables expériences improbables, et élève sa chauve-souris domestique.

Herman et Lily, de leur côté, ont un enfant, Eddie (Butch Patrick), un petit loup-garou en puissance, et une nièce, Marilyn (plusieurs actrices différentes), une jolie blonde typiquement 60s dont le physique sage, normal et avantageux désespère toute sa famille... pas tant que son célibat éternel, tous ses prétendants fuyant en rencontrant la famille.

Produit par Universal, The Munsters commence sa diffusion moins d'une semaine après les Addams : après un pilote (non-diffusé) en couleur, la série est tournée en noir-et-blanc, un choix judicieux qui suit celui fait par la concurrence. Le duel d'audience est assez rude, et les deux séries cohabitent tant bien que mal.

Les deux shows, pourtant, sont assez différents, une fois les similitudes apparentes écartées. Sur le fond, tout d'abord : les Munster, à contrario des Addams, ne sont pas riches. Ils forment une famille typiquement middle-class, avec Papa qui va travailler et rentre avec son "honey, i'm home", les gamins à l'école, les fins de mois difficiles, etc... De plus, les Munster sont nettement plus intégrés à la société, et sortent régulièrement de leur demeure : ils ont une automobile (deux, en fait, des dragsters tunés ^^), travaillent en extérieur, etc...

Ce qui se traduit directement dans la forme du show : régulièrement, les personnages sont en extérieur, là où l'essentiel de La famille Addams se déroulait au manoir familial, où les visiteurs se succédaient.

À l'identique,The Munsters paraît plus moderne que la concurrence, dans sa mise en images : caméras multiples, travelling, angles intéressants, bref, le tout paraît un peu plus dynamique qu'en face, ce qui donne un rythme un peu différent.

Cela dit, les deux séries sont typiques de leur époque, et ne brillent pas particulièrement par leurs scénarios, assez redondants, et basiques. Comme chez les Addams, c'est sur la distribution que repose entièrement la série, et force est de constater que, ici aussi, le cast est impeccable. Mention spéciale à Herman Munster, véritable star du show, avec son accent et sa diction très particulière.

Au terme d'une saison 1 visionnée à 75%, et d'une saison 2 survolée à 50%, je reste agréablement surpris par ces Munsters finalement très sympathique. Est-ce que je les préfère aux Addams ? Non, tout de même pas. Tout mémorable que le thème des Munsters puisse être, celui des Addams reste culte, et les Addams restent inimitables : si les deux shows se ressemblent parfois de manière amusante/flagrante, ils restent assez distincts pour ne pas avoir l'impression de regarder deux fois la même chose.

Prochaine étape : les deux téléfilms réunions des Munsters (1966 et 1981), puis un survol du spinoff/remake (1988-1991), et les deux derniers téléfilms (1995 & 1996).

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Un film, un jour (ou presque) #881 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Fugue Sentimentale (2018) & Alex & The List (2018)

Publié le 9 Février 2019 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Télévision, Comédie, Romance, Religion, UpTV, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Fugue Sentimentale (Runaway Romance - 2018) :

Ann Stanway (Danielle C. Ryan), une star de tv réalité, décide d'échapper quelques temps à la bulle de Los Angeles, et se réfugie, incognito, à l'autre bout du pays, dans une auberge amish tenue par Sarah Miller (Galadriel Stineman), une jeune veuve solitaire et sans argent. Là, elle rencontre Hunter (Trevor Donovan), un séduisant architecte, dont elle se rapproche rapidement...

Une comédie romantique UpTV adaptée d'un roman, et produite par l'un de ces studios indépendants qui ont pour objectif le tournage de "téléfilms tous publics faisant la promotion de valeurs positives, familiales et bien-pensantes".

Ici, on a donc le droit à un métrage assez fauché qui réunit Danielle Chuchran et Trevor Donovan en pays amish... comme dans Trouver l'Amour à Charm, du même studio et de la même chaîne. Entre ces deux films, trois ans à peine, mais malheureusement, dans l'intervalle, Danielle Chuchran (que j'ai toujours appréciée, et à laquelle je prédisais une carrière prometteuse, comme l'atteste une simple recherche sur ce blog) a succombé aux sirènes de la chirurgie esthétique, et se promène désormais avec des bouées à la place des lèvres.

Quasi-méconnaissable au début du film, avec une mauvaise perruque brune, ça s'améliore un peu ensuite, et quelque part, ça colle à son personnage de starlette de tv réalité, mais il est tout de même regrettable qu'elle finisse par être éclipsée par Grace Wilson (dans le rôle de la meilleure copine), et Galadriel Stineman (en aubergiste amish résignée, qui devait d'ailleurs être l'héroïne de son propre film avant que ce dernier soit intégré et fusionné à ce métrage plus commercial).

À part ça, on évite une overdose de religion et de morale - ça reste assez inoffensif dans le genre -, l'amitié entre Stineman et Chuchran fonctionne bien, l'écriture est assez quelconque (pas mal de grosses ficelles maladroites), l'interprétation inégale (les patrons hollywoodiens de l'héroïne sont particulièrement médiocres) et c'est peu mémorable, malgré une visite assez originale dans des grottes souterraines.

2 + 0.5 pour le caméo furtif de Branscombe Richmond en garagiste = 2.5/6

Alex & The List (2018) :

Dresseur de chiens discret et bien sous tout rapport, Alex (Patrick Fugit) décide de demander sa compagne Katherine (Jennifer Morrison) en mariage, mais avant qu'il puisse le faire, celle-ci lui propose une liste de choses improbables qu'il devrait améliorer chez lui pour qu'il soit parfait à ses yeux. Pris de court, Alex se tourne vers ses amis, Dave (Eddie Kaye Thomas), Lily (Karen Gillan) et Michael (Aaron Staton) pour recevoir leurs conseils... mais lorsque le Dr. Antonio Rosenblatt (Gilles Marini) entre dans la vie de Katherine, Alex se jette à l'eau.

Une comédie romantique indépendante plutôt sympathique et décalée, bien interprétée, et à la distribution globalement très attachante (mention spéciale à Karen Gillan, franchement drôle, et au "je suis sûr qu'il n'est même pas Italien, il sonne Français" adressé au personnage de Gilles Marini), avec en prime, un berger australien adorable dans quelques scènes, et un bref  caméo de Julie Gonzalo.

En somme, une assez bonne surprise qui parvient à rendre une JenMo touchante malgré un personnage aux demandes extravagantes et égoïstes, et un film auquel j'aurais volontiers donné un bon 4/6, voire même un peu plus... s'il ne durait pas aussi longtemps.

Franchement, près de deux heures pour ça, c'est vraiment beaucoup trop, ça flingue tout le rythme, et ça se perd dans des sous-intrigues qui n'apportent tout simplement rien au film (comme le personnage de la Russe et celui de Eddie Kaye Thomas, qui ne servent à rien).

4 - 0.5 pour la durée excessive = 3.5/6 

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien....

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Un film, un jour (ou presque) #782 : MOIS FRANÇAIS - Alibi.com (2017) & Épouse-moi mon pote (2017)

Publié le 2 Août 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Comédie, France, Romance

Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française... ​​

Alibi.com (2017) :

Avec son compère Augustin (Julien Arruti) et leur nouvel employé Mehdi (Tarek Boudali), Greg (Philippe Lacheau) gère Alibi.com, une entreprise fournissant des alibis imparables à tous leurs clients, quelle qu'en soit la raison. Jusqu'au jour où Greg s'éprend de Flo (Élodie Fontan), qui déteste le mensonge, et qu'il découvre que le père d'Élodie, Gérard (Didier Bourdon) est l'un de ses clients...

Encore un carton absolu au box-office, signé de la bande à Fifi (mais cette fois-ci, Philippe Lacheau est en solo à la réalisation)... et encore un film qui me laisse globalement très mitigé.

Le problème, en fait, c'est qu'une fois les 20 premières minutes passées (les débuts de la romance sont sympathiques, on sent que le couple vedette est ensemble IRL), ce film (qui rappelle gentiment le postulat et le format de L'Arnacoeur, avec Romain Duris, film dans lequel Arruti, Boudali et Lacheau avaient de petits rôles) se transforme lentement en un vaudeville assez banal, à base de mensonges, de quiproquos, et de caméos de visages familiers, saupoudrés d'un moment graveleux ou deux ; un vaudeville qui ronronne rapidement, malgré quelques gags amusants parsemés ici et là.

Résultat, ça se traîne mollement, Arruti est toujours un comédien très inégal, Tarek Boudali ne sert absolument à rien, Nawell Madani surjoue la bimbo nabilesque, et les clins do'eil référentiels (Star Wars, Fast & Furious, Assassin's Creed, etc) arrivent un peu comme un cheveu sur la soupe : bref, malgré cette bande à Fifi sympathique, Alibi.com reste une comédie en demi-teinte, et au déroulement cousu de fil blanc.

2.25/6

Épouse-moi mon pote (2017) :

Marocain installé à Paris pour y étudier l'architecture, Yassine (Tarek Boudali) y rate ses examens suite à une soirée trop arrosée. En situation irrégulière, il n'a d'autre choix que de travailler au noir sur des chantiers, tout en mentant à ses proches, restés au pays... jusqu'au jour où il décide d'épouser son meilleur ami Fred (Philippe Lacheau) pour régulariser enfin sa situation. Mais Mr. Dussart (Philippe Duquesne), un inspecteur de la préfecture, semble bien décidé à prouver que ce mariage blanc est une imposture...

Encore une comédie de la Bande à Fifi (réalisée et écrite par Tarek Boudali), et encore un bon gros recyclage, ici de Quand Chuck rencontre Larry (avec Sandler et Kevin James) dont le film reprend même l'affiche (en inversant simplement l'expression des personnages y figurant), le tout mâtiné d'une dose de Green Card (avec McDowell et Depardieu) - ou même de Paris à tout prix, de leur copine Reem Kherici, et de quelques gags repiqués ici ou là (sans même mentionner la Youtubeuse Andy Raconte qui nous refait Gwyneth Paltrow dans L'Amour Extra Large).

À l'identique, comme dans bon nombre des œuvres de la Bande, on est en plein dans les stéréotypes et les clichés à gogo, ainsi que dans les gags et rebondissements toujours très téléphonés.

Heureusement, si tout ce qui a trait à la communauté homosexuelle est clairement traité de manière caricaturale et outrancière (le numéro de danse final, au secours), cela ne semble jamais vraiment fait avec méchanceté, et ça souligne plus la bêtise et les préjugés des deux personnages principaux (le personnage de Lacheau, notamment, est très très bête) qu'une véritable volonté de se moquer des gays.

Je comprends qu'on puisse y voir de l'homophobie, et le film est clairement hétéronormé, mais je ne pense pas que ce soit nécessairement si problématique que ça, notamment au vu de la conclusion de la sous-intrigue de Lacheau et Doudou Masta.

Le seul vrai problème, en fait, c'est que le film, dans son ensemble, s'éparpille beaucoup trop, entre son postulat de départ, les multiples histoires et personnages secondaires, la romance de Boudali avec une Andy Raconte bien terne, etc.

Ça manque donc d'énergie et de rythme, malgré sa durée somme toute assez limitée, et c'est probablement pour cela qu'on finit par ne plus remarquer que ces gros poncifs sur la communauté gay, tant le reste est anecdotique et manque de punch.

2.5/6

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Les bilans de Lurdo : Angie Tribeca, saison 3 (2017)

Publié le 16 Mars 2019 par Lurdo dans Comédie, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Policier, Review, Télévision, TBS

Après une première saison lorgnant très fortement sur Frank Drebin et l'humour des ZAZ, Angie Tribeca avait fait volte-face, en saison 2 (cf la critique des deux premières saisons sur ce blog), et était partie dans quelque chose de moins déjanté et de plus sérialisé... mais pas forcément de beaucoup plus convaincant.

Angie Tribeca, saison 3 (2017) :

Alors que Geils (Hayes MacArthur) est pressenti pour une promotion importante, et qu'Angie (Rashida Jones) songe à rendre son badge pour s'occuper de leur enfant, une série de meurtres sanglants ébranle la ville : Calvin Sniglet (Rob Riggle), un dangereux défenseur des animaux, s'en prend aux grands chasseurs de la région, et menace tous les citoyens. Angie n'a alors d'autre choix que de rendre visite au Dr. Thomas Hornbein (Chris Pine), un psychopathe emprisonné, pour tenter de mieux cerner l'esprit de Sniglet...

Et cette saison 3 tente, visiblement, de trouver un juste milieu entre le rythme improbable des gags absurdes de la saison 1 et la sérialisation de la saison 2 ; ici, en guise d'intrigue de fond, on a l'enquête de Tribeca sur Calvin Sniglet, et la promotion à venir de Geils : deux sous-intrigues traitées de manière superficielle et décousue, mais finissant par se rejoindre dans un épisode final qui divisera (puisque rendant toute la saison caduque).

C'est bien là le souci de la saison, en fait : à trop tenter d'avoir l'absurdité d'un ZAZ ou d'un Sledge Hammer, et la sérialisation d'un Brooklyn 99, le show se retrouve le postérieur entre deux chaises, et semble hésiter à s'engager vraiment dans l'une ou l'autre direction.

Les guest stars répondent pourtant toujours présentes - qu'ils soient des habitués ou des petits nouveaux, la liste des invités est toujours assez longue - Alfred Molina, Heather Graham, Mary McCormick, Jack McBrayer, Timothy Omundson, Jessica St. Clair, Rob Rigle, Nate Torrence, Randall Park, Michele Dockery, Natalie Portman, Rachel Dratch, Robert Pine, Constance Zimmer, Stephen Root, Lizzy Caplan, John Michael Higgins, Ed Helms, Ernie Hudson, Billy Gardell, Peggy Lipton, et last but not least, Chris Pine qui se déchaîne en pseudo-Hannibal Lecter - et l'idée de décliner Angie Tribeca en Angie Tribeca Miami/Angie Tribeca New York/Angie Tribeca Nouvelle Orléans était amusante et dépaysante... malheureusement, elle n'est pas assez exploitée, et sur les dix épisodes de la saison, la traque de Rob Riggle est totalement oubliée pendant près de cinq épisodes.

Autrement dit... la série reste égale à elle-même : c'est tout à fait regardable, suffisamment absurde pour arracher au minimum un sourire par minute, mais cela reste toujours assez inégal, et très dépendant du scénariste en charge de chaque épisode. Certains maîtrisent ainsi parfaitement l'équilibre absurde/intrigue, d'autres font dans le délire ZAZ le plus improbable et épuisant, et d'autres enfin sont bien trop épris du côté policier, et peinent à intéresser.

Une saison très hétérogène, donc, à l'image de la série dans son ensemble : c'est loin d'être mauvais ou désagréable, mais on sent toujours que le programme se cherche, peine à trouver un ton consistant, et lutte occasionnellement à tenir la distance.

 

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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici et ici.

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Les bilans de Lurdo : Angie Tribeca, saison 4 (2018)

Publié le 6 Avril 2019 par Lurdo dans Action, Comédie, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Policier, Review, Thriller, TBS

Après une saison 1 lorgnant très fortement sur Police Squad, une saison 2 choisissant une approche plus modérée et sérialisée, et une saison 3 tentant maladroitement de combiner les deux, voilà la saison 4 d'Angie Tribeca, une nouvelle fournée diffusée d'un bloc fin 2018, avec encore un changement radical de direction au programme.

Angie Tribeca, saison 4 (2018) :

Tout juste sortie de vingt années de prison pour usurpation d'identité, Angie retrouve son équipe, une équipe qui a bien changé, puisque Geils et Tanner ne sont plus là. À leur place, Maria (Kiersey Clemons), et AJ Geils Jr. (Bobby Cannavale), le fils adulte d'Angie. Désormais rebaptisée Special Division Force, l'escouade agit maintenant sous les ordres du Vice-Président Joe Perry (Matthew Glave), autrefois responsable de l'emprisonnement de Tribeca...

Et en effet, cette saison se déroule 20 ans après la précédente, une fois Angie sortie de prison.

Ce qui entraîne un renouvellement partiel de la distribution : Angie revient (avec une coupe de cheveux plus courte, et totalement synthétique), Atkins (Jere Burns) aussi (atteint d'un parasite qui le dévore de l'intérieur - une sous-intrigue qui ne va nulle part), Scholls (Andrée Vermeulen) idem (mais avec toujours plus d'antipathie pour Angie)... et avec eux, le petit fils du chien Hoffman, Geils Jr (le fils d'Angie, vingtenaire interprété par le quasi-quinquagénaire Bobby Cannavale), et Maria (Kiersey Clemons), une sorte de mentaliste millenial ultra-perceptive.

Toute cette petite équipe est désormais réunie sous l’appellation Special Division Force (SDF ^^), un groupe officieux au code moral douteux, travaillant directement sous les ordres du Vice President Perry, et qui, dans chaque épisode, se confronte, en infiltration, à des affaires toujours plus étranges.

Et c'est là que la nouvelle direction de la série entre en jeu : cette année, après avoir navigué entre sérialisation poussée et humour ZAZ, le show s'essaie à la parodie directe.

Chaque épisode voit ainsi la série parodier, avec ses guest stars, un genre ou un film en particulier (Grey's Anatomy, avec Eliza Coupe ; 21 Jump Street & Glee, avec Isla Fischer et Dove Cameron ; le monde des e-sports avec Jimmy Tatro et Gillian Jacobs ; Le Diable s'habille en Prada avec Anjelica Huston - et un caméo de Deon Cole ; Wall Street avec Jim Rash et Rose Byrne ; Fargo et No Country for Old Men avec Tony Cavalero ; Scandal avec Gina Torres et Heather Graham ; Erin Brockovich et Boston Legal avec John Michael Higgins et Harry Hamlin ; Indiana Jones & Benjamin Gates ; Air Force One, Face/Off et Esprits Rebelles avec Kathryn Hahn et Carol Burnett), et la série prend progressivement de faux airs de film de Friedberg et Seltzer (la série des _______ Movie).

Ce qui n'est pas forcément une bonne chose, et ce quand bien même une intrigue récurrente centrée sur Pierre Cardin (Taran Killam), diplomate/espion français voulant reprendre aux USA les terres cédées lors de la vente de la Louisiane servirait de fil rouge (souvent absurde et non-sensique) à la saison.

Le problème, en fait, c'est que cette succession de parodies ne fonctionne, comme souvent, que très ponctuellement, et que la série a un peu de mal à équilibrer sa nouvelle direction, et ses gimmicks habituels. Certains des épisodes, ainsi, tournent à vide, avec un abus de vannes littérales tel que l'on n'en avait pas vu depuis la saison 1, et des gags tellement mécaniques que leurs chutes en sont télégraphiées, tandis que d'autres se prennent un peu trop au sérieux dans leur enquête et finissent par paraître mollassons.

Pourtant, Angie Tribeca reste globalement sympathique, principalement parce que tout le monde a conscience de jouer dans une série farfelue, et qu'un évident souci du détail rend les parodies assez réussies (surtout dans le cas de Fargo et de Wall Street).

Mais comme dans les saisons précédentes, il semble toujours manquer un petit je-ne-sais-quoi pour vraiment rendre Angie Tribeca homogène, et éviter que la série ne ressemble à un succédané d'autres œuvres absurdes plus maîtrisées.

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Les bilans de Lurdo : Unbreakable Kimmy Schmidt, saison 4 - deuxième partie (2019)

Publié le 2 Mars 2019 par Lurdo dans Comédie, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Netflix, Review, Télévision, Sitcom

Lors de sa diffusion sur Netflix, l'année dernière, j'étais resté étrangement mitigé devant la première moitié de la saison 4 de Kimmy Schmidt. Une ultime saison qui surfait de manière prononcée sur le mouvement #MeToo pour "confronter Kimmy aux horreurs de la société moderne et du genre masculin", comme je le disais alors, afin de tenter de faire mûrir et évoluer ses personnages... malheureusement, un manque certain de finesse et de subtilité dans cette approche rendait le tout un peu laborieux, et surtout, privait le show de son optimisme et de sa positivité habituels, inhérents à son personnage principal.

Unbreakable Kimmy Schmidt, saison 4 - deuxième partie (2019) :

Et dans un premier temps, la série semble décidée à continuer dans la même direction que lors de la première moitié de la saison : entre Jacqueline confrontée aux millenials (présentés comme trop apeurés par le politiquement correct de la société actuelle pour oser séduire les femmes de leur âge, mais s'avérant tous être de gros porcs profitant des cougars en manque d'amour et de sexe), Titus emporté par le #MeToo/scandale Weinstein des marionnettes (avec caméo de Ronan Farrow et de Jon Bernthal en prime) et le retour de Bobby Moynihan, l'incel MRA désormais amoureux, qui veut se démarquer du reste de son mouvement, la saison a de nouveau recours aux mêmes ficelles un peu grosses, et un peu trop pataudes.

Et puis, à mi parcours, arrive un double épisode, façon réalité alternative : et si Kimmy, dans ses jeunes années, n'était pas montée dans le van du Révérend ?

Un double épisode longuet et un peu vain, qui présente une Kimmy arrogante, ambitieuse et vaniteuse, qui finit par épouser un Titus superstar, homosexuel refoulé ayant rejoint une pseudo-Scientologie. Jacqueline, elle, y est une mère de famille white trash ayant épousé un Mikey lui aussi refoulé, et qui finit par séduire (un temps) Donald Trump (une caricature médiocre, pour un caméo médiocre) ; et enfin, Lillian, qui devient chef de gang latino dans son quartier... avec, pour conclusion, la mort de Kimmy et Titus aux mains d'un tueur en série. Certes.

Après ce double épisode peu convaincant (trop long, mal rythmé, manquant d'idées), la série n'a plus que trois épisodes pour se conclure : les scénaristes précipitent alors un peu le tout, en amenant Zachary Quinto en agent tout droit sorti d'Entourage (un personnage qui sert de love interest à Jacqueline, désormais agente - presque - à succès), en ramenant Xan pour un bref caméo, Sheba pour une leçon de vie, en faisant décrocher à Titus un rôle dans le Roi Lion, et en rebellant Kimmy contre sa startup, forcément maléfique.

La conclusion de la série arrive alors, malheureusement trop prévisible et facile : tout le monde a droit à son happy end grâce à Kimmy, qui renforce là le fait qu'elle trouve le bonheur en aidant autrui heureux.

Kimmy publie son livre, devient un succès d'édition, et renoue avec sa mère ; Titus est devenu une star de Broadway, et a fondé une famille avec Mikey ; Jacqueline file le parfait amour avec son collègue ; et Lillian, après s'être faite remarquer en manquant d'exploser avec son appartement, est devenue une célébrité new-yorkaise. Tout va bien dans le meilleur des mondes, en fait.

Je l'avoue, je n'ai pas été particulièrement convaincu par cette demi-saison de conclusion. Ce n'est pas mauvais, ça reste amusant, et ponctuellement, c'est même hilarant (j'ai bien aimé le passage sur Cats, notamment), mais dans l'ensemble, il se dégage tout de même de cette fin de série une impression de facilité et de précipitation.

Loin de moi l'idée de vouloir qu'une sitcom légère et optimiste se termine de manière sombre et triste, mais tout de même : j'en attendais plus qu'un simple "et ils vécurent tous heureux et eurent beaucoup d'enfants..." un peu maladroit et forcé, surtout après une saison assez inégale dominée par le #MeToo et un engagement parfois quasi-militant.

  

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Un film, un jour (ou presque) #64 : Jupiter, le Destin de l'Univers (2015)

Publié le 12 Février 2015 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Drame, Thriller, Science-Fiction, Action, Aventure

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Jupiter - Le Destin de l'Univers (Jupiter Ascending) :

Jupiter Jones (Mila Kunis) est une femme de ménage de Chicago, mécontente de sa vie banale et générique. Sans le savoir, cependant, elle est la réincarnation génétique de l'héritière d'un trône intergalactique, ce qui la place au carrefour des intérêts de nombreux politiciens extraterrestres. Caine (Channing Tatum), un chasseur de primes mutant travaillant pour l'un d'entre eux, arrive ainsi sur Terre, et doit localiser Jupiter avant ses rivaux...

Sans réelle surprise, ce Jupiter Ascending est un film typique des Wachowski. Comprendre par là que c'est un gloubiboulga d'influences mal digérées et de références évidentes, un patchwork de pop-culture datée qui réussit l'exploit de déborder d'idées, tout en manquant cruellement d'inspiration et d'originalité.

Ce qui est donc particulièrement frustrant pour le spectateur avisé, qui ne peut s'empêcher d'identifier toutes les inspirations des Wachos à mesure qu'elles apparaissent à l'écran, de Dune à Star Wars en passant par du cyberpunk typiquement 80s-90s, des animes, et autres visuels repris à droite et à gauche.

D'ailleurs, le film laisse parfois même une drôle d'impression, celle d'un script bâti sur quelques images et concepts forts mais basiques ayant marqué les Wachos ("un ange aux ailes robotiques plane dans le ciel d'une métropole aux côtés d'une fille en rollers à réaction", "une héroïne saute de plate-forme en plate-forme pour escalader une tour qui s'effondre") et à partir duquel ils auraient développé un scénario de manière peu organique.

Car le scénario est un autre des points faibles de ce métrage. Particulièrement classique et pataud (la Cendrillon qui se découvre un destin de princesse, le loup solitaire au grand coeur, les intrigues de cour), le script peine à captiver ou à susciter la moindre émotion : on se contente de suivre les évènements sans grande passion, les dialogues abscons et bavards achevant de forcer le spectateur en position passive.

Et visuellement, c'est un peu une même impression de patchwork qui domine, quelques images et décors frappants (certains plans sont tellement travaillés et réussis qu'ils semblent directement issus de concept-artworks) cotoyant un certain nombre de fautes de goût flagrantes et autres environnements peu inspirés : la plupart des planètes visitées sont affreusement génériques, les mercenaires semblent tout droit sortis d'une mauvaise partie de Shadowrun grandeur-nature, les costumes oscillent entre kitschs et imposants, et le design des vaisseaux spatiaux, pour la plupart modulaires, donne un rendu à l'écran inutilement compliqué et brouillon (notamment en trouadé).

"Brouillon" résume bien le métrage, à vrai dire.

Un métrage pas forcément aidé par ses interprètes principaux, que ce soit Tatum et Kunis, pas particulièrement enthousiasmants ou inspirés, ou bien à l'opposé, Eddie Redmayne, dont la seule instruction de jeu devait être "plus tu cabotineras, mieux ce sera".

Et pourtant, malgré tous ces défauts omniprésents, malgré son propos finalement naïf et improbable dans une production hollywoodienne ("le capitalisme c'est le mal, il écrase les petites gens, il vaut mieux être une prolétaire qui récure les wcs qu'une princesse régnant sur l'univers, car les pauvres se serrent les coudes et mettent tout en commun"... ne manque plus qu'un petit livre rouge !), difficile de détester ce film.

Peut-être est-ce parce que ponctuellement, le spectacle fonctionne à plein régime pendant quelques minutes successives. Peut-être est-ce parce que Sean Bean ne meurt pas (!!). Peut-être est-ce parce que la musique de Giacchino est excellente. Ou peut-être encore est-ce que la présence de quelques visages familiers et sympathiques ici ou là (Bean, Maria Doyle Kennedy, Tuppence Middleton, James D'Arcy, Gugu Mbatha-Raw, Christina Cole, et bien sûr Terry Gilliam, au sein d'une séquence "administrative" tellement WTF et décalée par rapport au reste du métrage qu'on se dit qu'elle a été rajoutée spécialement pour lui) suffit à provoquer l'indulgence.

Oui, peut-être tout ça à la fois. Ou peut-être que c'est simplement un nanard destiné à devenir culte pour plein de mauvaises raisons. Allez savoir.

0/6, 3/6, 6/6 ?

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Les bilans de Lurdo : Santa Clarita Diet, saison 3 (2019)

Publié le 4 Mai 2019 par Lurdo dans Comédie, Fantastique, Horreur, Les bilans de Lurdo, Netflix, Review, Sitcom, Télévision

Avec déjà deux saisons au compteur, Santa Clarita Diet faisait, début 2019, figure d'outsider parmi les nombreuses séries exclusives à Netflix. Discrète et passant totalement sous le radar de la plupart des critiques, cette comédie signée Victor Fresco (Earl, Better off Ted, Andy Richter, etc...) continuait de surfer sur la vague de popularité (pourtant quasi-agonisante) des zombies, en proposant une sitcom familiale un peu décousue, pas toujours maîtrisée, et pourtant assez sympathique, portée par l'interprétation décomplexée de Drew Barrymore et de Timothy Olyphant....

Santa Clarita, saison 3 :

Influencée par Anne (Natalie Morales), qui s'invite de plus en plus dans leur vie, Sheila (Drew Barrymore) remet son existence en question, et se cherche une vocation. Pendant ce temps, les Chevaliers de Serbie se rapprochent de Santa Clarita, à la recherche de morts-vivants, alors que les autorités, elles, mènent l'enquête sur l'acte écoterroriste causé par Abby (Liv Hewson) et Eric (Skyler Gisondo)...

À la fin de la saison 2 de SCD, j'avais un avis un peu mitigé sur la série. La faute à une saison pleine de pistes inexploitées - ou mal exploitées - séparant les Hammond du duo de jeunes pendant toute la saison, s'éparpillant dans des directions pas toujours convaincantes, et peinant à équilibrer le mélange sitcom familiale et fil conducteur surnaturel.

Au vu de la saison 3, je pense qu'on peut dire que Fresco & compagnie n'avaient tout simplement pas vraiment eu le temps de planifier leur seconde saison, et l'avaient peut-être écrite dans la précipitation. En troisième année, ils corrigent bon nombre de ces erreurs, et structurent nettement mieux le tout : les éléments délaissés de la saison précédente reviennent sur le devant de la scène (Mr Ball-Legs, la tête de Nathan Fillion - désormais décomposée et méconnaissable, ce qui permet à la production de remplacer l'acteur par Alan Tudyk - , les Chevaliers de Serbie, Anne, Ramona), Abby finit par réintégrer la cellule familiale, la maladie zombiesque se propage... bref, ça évolue dans une direction intéressante.

Cela ne se fait cependant pas sans quelques heurts : les traits sont toujours plus gros et forcés, au point de donner parfois l'impression que tous les personnages féminins de la série sont impulsifs, autoritaires et castrateurs (et, réciproquement, que les personnages masculins sont tous émasculés, incapables et névrosés) : ce n'est pas forcément délibéré de la part de la série, mais c'est parfois assez agaçant, notamment au niveau de Sheila, de plus en plus égocentrique et énervante.

À l'identique, on retrouve certains des défauts des saisons précédentes : Anne disparaît tout simplement de la série après quelques épisodes (pour permettre à Natalie Morales de tourner sa sitcom ?), les adolescents passent encore la moitié de la saison à se tourner autour, embarqués dans une sous-intrigue totalement détachée des autres personnages, et les trois Serbes (menés par Goran Visnjic) font à peine plus que de la figuration dans cette saison, dont ils étaient pourtant présentés comme les méchants.

Heureusement, la série multiplie les idées excentriques, les guest stars motivées (Ethan Suplee de Earl, qui prend la succession de Zachary Knighton ; Malcolm Barrett, de Better Off Ted...), et finit par placer Sheila à la tête d'une armée grandissante de "disciples" voués à la protéger.

Au terme de cette saison 3 , il y avait donc là le potentiel d'une quatrième année intéressante, partant dans une direction intrigante... pour peu que la série réussisse à ne pas trop partir dans la caricature grossière et forcée, et à conserver un certain équilibre qu'elle peine pourtant déjà trop souvent à atteindre.

Cependant, avec l'annulation du programme, la question ne se posera pas vraiment. Ce que l'on peut se demander, par contre, c'est si la série manquera vraiment dans le paysage audiovisuel des séries tv/en streaming.

Pas sûr, car en plus d'arriver un peu après la bataille des séries de zombies, et malgré son approche plus légère et caricaturale du genre, Santa Clarita Diet n'a jamais semblé trouver son rythme de croisière, tiraillée entre un format sitcom, un désir de continuité et d'intrigues de fond, et une diffusion en mode binge watching, qui s’accommodent mal les uns des autres.

In fine, SCD n'est guère plus qu'une série amusante et divertissante, qui se regarde d'un oeil, mais qui manque un peu trop de rigueur, de structure et de direction pour être vraiment convaincante. Sympathique, mais loin d'être indispensable.

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Christmas Yulefest 2018 - 42 - Casse-Noisette et les Quatre Royaumes (2018)

Publié le 24 Décembre 2018 par Lurdo dans Christmas, Cinéma, Critiques éclair, Disney, Drame, Fantastique, Jeunesse, Musique, Noël, Review, Yulefest, Action, Aventure

Chez les Téléphages Anonymes, la Christmas Yulefest et son marathon de cinéma de Noël continuent jusque début janvier...

Casse-Noisette et les Quatre Royaumes (The Nutcracker and the Four Realms - 2018) :

À la recherche d'une clé lui permettant d'ouvrir le dernier cadeau de sa défunte mère, Clara (Mackenzie Foy) suit un fil doré tendu, à l'occasion de Noël, par son parrain, Drosselmeyer (Morgan Freeman), et aboutit dans un monde magique et improbable. Là, elle rencontre un soldat, Phillip (Jayden Fowora-Knight), et les figures royales qui dirigent trois des quatre Royaumes, au nombre desquelles l'excentrique Fée Dragée (Keira Knightley). Bien vite, Clara découvre alors que sa mère était la Reine de ce pays étrange, et qu'en son absence, la maléfique Mère Gingembre (Helen Mirren) y fait régner le chaos. Une Mère Gingembre qui possède justement la clé que cherche Clara...

Bon. Alors visiblement, en guise d'adaptation de Casse-Noisette, Disney a ici opté pour quelque chose de totalement différent : à la fois une suite, une fusion du récit original et du ballet, et un mélange bancal entre les Alice de Tim Burton (l'esthétique étrange du monde de Mère Gingembre, la destinée de l'héroïne qui finit par endosser une armure et par partir au combat, la grande bataille finale...), Star Wars Épisode VII (difficile de ne pas penser au duo Rey/Finn quand on découvre cette Clara dotée de toutes les qualités - volontaire, ingénieuse, dynamique, capable de se battre, de tout réparer, etc - accompagnée de ce Casse-Noisettes afro-américain qui ne sert à rien de tout le film), Pirates des Caraïbes (les deux gardes/cautions comiques du film), Un Raccourci dans le Temps (l'esthétique très clinquante, et la volonté évidente de "diversifier" certains personnages pour assurer les quotas) et Narnia (certains décors, et le schéma global du récit). Que des films Disney, d'ailleurs, ce qui donne vraiment l'impression que la Souris possède un générateur automatique de scripts pour ces blockbusters pour enfants...

Et le résultat est malheureusement particulièrement creux et brouillon : un film d'aventure aux personnages souvent sous-développés, sans substance, ni la moindre magie, malgré des décors physiques assez impressionnants. Faut-il y voir là le résultat de la genèse compliquée du film (le réalisateur original, suédois, a fini par céder la place à Joe Johnston pour un mois de tournage complémentaire) ? Ou bien de la volonté de Mickey & co de transformer le récit pour éviter de faire des souris/rats les grands méchants du récit, contrairement à l'original ? ^^

Quoi qu'il en soit, le film ne fonctionne jamais vraiment. C'est certes un beau spectacle visuel (pour peu que l'on adhère au rococo ambiant et aux visuels surchargés), et Keira Knightley porte le film sur ses épaules en cabotinant ouvertement, avec une interprétation maniérée et une voix de Betty Boop, mais la mayonnaise ne prend jamais, et ce Casse-Noisette et les Quatre Royaumes (titre d'autant plus paradoxal qu'encore une fois, Casse-Noisette fait ici de la figuration) ressemble in fine à un film créé par comité, sans réelle direction créative ou visuelle, et visant à satisfaire le plus grand nombre.

C'est plat, ça n'a pas grande identité, ça n'a pas grand rapport avec le récit initial, et c'est creux : on oublie.

2 + 0.25 pour Mackenzie Foy, qui, dans le rôle principal, n'a rien à se reprocher = 2.25/6

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Christmas Yulefest 2017 - 75 - Animation (2/2) - L'Étoile de Noël (2017) & Hôtel Transylvanie : The Fright Before Creepmas (2017)

Publié le 1 Janvier 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Télévision, Christmas, Noël, Animation, Religion, Fantastique, Jeunesse, Yulefest, Horreur, Halloween

Noël est passé, mais chez les Téléphages Anonymes, la Christmas Yulefest et son marathon de cinéma festif continuent jusqu'à l'Épiphanie...

L'Étoile de Noël (The Star) :

Il y a plus de 2000 ans, Bo (Steven Yeun), un petit âne rêvant d'aventure, quitte son étable en compagnie de son compère Dave (Keegan-Michael Key), un pigeon, et se lance dans une épopée improbable pour aider Marie (Gina Rodriguez) et Joseph (Zachary Levi) à rejoindre Bethléem...

Une assez bonne surprise, puisque je me méfiais particulièrement de cette énième adaptation de la Nativité, et de son approche "la crèche du point de vue d'un petit âne" très dérivative (cf ces films, entre autres).

Je craignais quelque chose de très religieux et prosélyte - surtout compte tenu des producteurs et du studio - et je redoutais un film d'animation fauché et laborieux.

Heureusement, ce métrage confié à Cinesite est plutôt convaincant, sur le plan technique : c'est joli, bien animé, assez rythmé, et si c'est parfois assez dérivatif, le tout se regarde sans le moindre problème, et possède même un certain capital sympathie. À l'identique, le doublage est convaincant : Steven Yeun, Gina Rodriguez, Zachary Levi, K-M Key, Patricia Heaton, Kristin Chenoweth, Tracy Morgan, Tyler Perry, Aidy Bryant, Christopher Plummer, Ving Rhames... autant de noms qui n'ont plus à faire leurs preuves, et qui s'acquittent bien de leur tâche.

Non, là où le bât blesse, c'est au niveau de l'illustration musicale - non seulement le score musical du film est insipide au possible, mais en plus, tout le film est parsemé de chansons R’n’B insérées aléatoirement, sans rapport avec la scène autre que "c'est une chanson de Noël, mettez-la là". On se retrouve notamment, sur la toute fin, avec la naissance du petit Jesus sur fond de R’n’B à la boîte à rythme tirée des 90s, avec une Mariah Carey qui fait ses vocalises... forcément, ça casse la féérie et le merveilleux.

Alors entre ces chansons qui empêchent absolument toute immersion, et toute la sous-intrigue des trois dromadaires des Rois Mages, qui ne sert à rien, n'est jamais drôle (avec son Tracy Morgan en roue libre) et ne sert qu'à brosser la communauté afro-américaine dans le sens du poil (en plaçant des célébrités comme Oprah Winfrey dans le film), on se retrouve avec un dessin animé qui ne sombre jamais dans le prosélytisme pataud, et qui parvient à rester amusant et distrayant, mais qui souffre aussi de problèmes très clairs.

Des problèmes inhérents à sa nature de film évangélique ayant le postérieur entre deux chaises, tentant d'apporter (sans y parvenir) un nouvel éclairage à un récit balisé de bout en bout, tout en l'édulcorant un peu et en le résumant à tous ses clichés habituels, et en en faisant un film d'aventures pour enfants, avec un humour et des péripéties pas forcément très inspirées.

3/6 (ça pourrait être pire)

Hôtel Transylvanie - The Fright Before Creepmas :

Bien décidée à rendre l'esprit de Creepmas à sa tante Lydia, Mavis se rend chez Krampus, et dérobe le cadeau de Creepmas que Lydia n'a jamais reçu lorsqu'elle était petite...

Un double épisode festif qui, à l'instar des autres épisodes de la saison, est sympatoche, mais un peu creux. Alors certes, l'ambiance est intéressante et inventive, mais le show a toujours les mêmes problèmes d'écriture et d'intérêt chronique, sans même parler du doublage très très polarisant de Dracula, qui narre ici l'épisode en voix off.

Anecdotique, en somme.

3/6

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Comme toujours, retrouvez la liste complète (et mise à jour avec les titres français) des films de Noël déjà passés en revue sur ce blog les années précédentes, en consultant notre Index Christmas Yulefest disponible ici...

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Un film, un jour (ou presque) #1031 : MOIS AVENTURE - Le Roi Scorpion 4 : La Quête du Pouvoir (2015)

Publié le 11 Août 2019 par Lurdo dans Action, Aventure, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Histoire, Review, Romance

C'est le mois d'août, il fait chaud, et les Téléphages Anonymes partent explorer des contrées lointaines à la recherche de l'aventure...

Le Roi Scorpion 4 - La Quête du Pouvoir (Scorpion King 4 : Quest For Power - 2015) :

Trahi par son protégé Drazen (Will Kemp), au service d'une puissance rivale, Mathayus (Victor Webster) part pour les royaumes du Nord, afin d'y conclure un accord de paix. Mais sur place, il tombe dans un nouveau piège tendu par Drazen, qui lui fait porter la responsabilité de la mort de son père, le Roi (Michael Biehn) : bien vite, Mathayus s'évade de prison avec l'aide de la belle Valina (Ellen Hollman), héritière légitime du trône, et, en compagnie du père inventeur de celle-ci (Barry Bostwick), il part en quête d'une couronne mystique permettant à son porteur de régner sur toute la planète...

La série des DTV Scorpion King continue, toujours avec un Victor Webster très à l'aise dans le rôle, toujours avec un sous-fifre de l'école Hans Zimmer à la musique, et toujours dans une direction plus parodique et déconneuse.

Ici, entre l'humour nettement plus puéril (concours de rots, vannes graveleuses), un Will Kemp qui tente de battre le Billy Zane du précédent volet dans le rôle de grand méchant cabotin, le surjeu totalement décomplexé de Barry Bostwick (en inventeur excentrique déguisé en poulet), Esmé Bianco en grande prêtresse très tactile, la scène de travestissement, et le ton général, tout droit sorti de la série Hercule, on est clairement dans de la comédie fantastique parodique... et c'est parfois un peu trop.

En effet, autant je ne suis pas contre l'énergie qu'une telle approche peut insuffler à un métrage (ça fonctionnait plutôt bien dans le Roi Scorpion de The Rock), mais encore faut-il que celui-ci conserve suffisamment d'enjeux ou de personnages intéressants pour que la parodie ne prenne pas le pas sur le reste. Et ici, malheureusement, non seulement la réalisation est assez moyenne, mais Ellen Hollman ne fait pas grande impression (malgré son répondant), et l'intrigue en elle-même est desservie par un budget que l'on devine faiblard : la production est partie tourner en Roumanie, donc adieu les paysages exotiques, et bonjour les décors plus médiévaux qu'antiques, vus un peu partout au cinéma.

Pour ne rien arranger, le script (du scénariste du Voyage au Centre de la Terre de Brendan Fraser) recycle énormément de scènes, notamment des Indiana Jones (l'ouverture, la dernière partie), de Star Wars (la capture par les "Ewoks") mais aussi des Avengers (Mathayus démolit Drazen comme Hulk le faisait avec Loki dans le film de 2012), et son propos opposant science et magie ne va jamais bien loin.

Bref, ça fait plus DTV que jamais, et bien que l'humour du tout fasse passer la pilule sans trop de problème, on peut regretter que Victor Webster n'ait pas de meilleurs scripts, car il tient bien son personnage.

2.25/6

(à nouveau, plein de caméos insignifiants, de Lou Ferrigno à Eve Torres, en passant par Don "The Dragon" Wilson, Rutger Hauer, Roy Nelson, Antonio Silva, Royce Gracie...)

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Un film, un jour (ou presque) #1023 : Dumbo (2019)

Publié le 1 Août 2019 par Lurdo dans Animation, Cinéma, Critiques éclair, Drame, Fantastique, Disney, Jeunesse, Review

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Dumbo (2019) :

Lorsque Max Medici (Danny DeVito), propriétaire de cirque en perte de vitesse, confie une éléphante enceinte à la famille Farrier (Colin Farrell, Nico Parker, Finley Hobbins), ces derniers ne se doutent pas que Dumbo, le bébé à naître, va s'avérer capable de s'envoler en utilisant ses immenses oreilles. De quoi attirer l'attention de Vandevere (Michael Keaton), propriétaire de parc d'attraction, qui va rapidement vouloir racheter le cirque de Medici, et faire de Dumbo la star de son spectacle, aux côtés de la belle Colette Marchant (Eva Green), trapéziste française...

Le Dumbo original, de 1941, était un long-métrage d'à peine plus d'une heure, touchant et attachant, narré du point de vue exclusif des animaux, et servant de conte moral sur la différence, l'exclusion, etc. Ce remake de Dumbo, réalisé par Tim Burton, dure près de deux heures, est totalement centré sur les humains (hormis une poignée de plans subjectifs du point de vue de l'éléphant), et se veut une critique des grandes corporations à l'américaine, de l'industrialisation du rêve et du monde du business : assez osé quand on considère que c'est un film Disney... mais aussi totalement hors-sujet.

C'est bien simple : le film ne fonctionne jamais vraiment, et n'a pas une once de l'émotion et de la tendresse de l'original.

Avec son script bancal et décousu signé Ehren Kruger (un scénariste au palmarès guère reluisant ^^), le Dumbo de Burton se perd dans des sous-intrigues inintéressantes, consacrées à une petite famille composée d'un garçonnet tout à fait honorable, d'une mini-Thandie Newton monocorde (la fille de Thandie n'a pas forcément hérité du talent de sa mère), d'un Colin Farrell manchot en pilotage automatique, et d'une Eva Green trop froide pour fonctionner en trapéziste française qui s'attache à Dumbo et aux enfants.

À côté de cette famille recomposée, on a Danny DeVito et Michael Keaton, qui rivalisent de cabotinage, mais restent des caricatures. Et enfin, Dumbo, un éléphant visuellement adorable, très bien animé et réalisé... mais qui a été malheureusement affublé de gazouillis et de bruitages synthétiques dignes de Gizmo, bruitages qui ne fonctionnent pas du tout et sont même contre-productifs.

C'est d'ailleurs là l'un des problèmes récurrents du film : on sent qu'il est tiraillé dans plusieurs directions créatives et artistiques, et qu'il a le postérieur entre deux ou trois chaises. On devine que Burton a été attiré par cette histoire de freaks qui s'unissent pour aider l'un des leurs, ou par cette thématique de la place de l'artiste dans une industrie dévorante... mais les thématiques ne sont qu'effleurées, et jamais crédibles.

On sent que l'équipe voulait à la fois se démarquer et rendre hommage au Dumbo original (la séquence des éléphants roses, réinventée de jolie manière pour une époque où l'alcool n'est plus acceptable), mais que pléthore de mauvaises idées se sont invitées et n'ont pas été coupées au montage (cette séquence des éléphants, justement, interrompue par Michael Buffer en Monsieur Loyal, qui nous fait un "Let's Get Ready for Dumbooooooo !" totalement hors-sujet).

Scénaristiquement, ça ne marche donc jamais : comme je le disais, la famille au centre de l'histoire est terne et insipide, l'antagoniste principal est caricatural, l'humour est peu probant (à part la réplique "Seulement en cas d'urgence"), l'émotion est constamment sabotée par les bruitages synthétiques de Dumbo, la bande originale de Danny Elfman est générique et/ou hors-sujet, et les effets spéciaux sont tellement inégaux (beaucoup de fonds verts et d'étalonnage numérique assez laids) que ça affaiblit d'autant le film, déjà assez générique et anonyme.

Et pourtant, ce n'est pas forcément un désastre : le squelette de l'histoire est suffisamment solide pour que l'on ne s'ennuie pas trop, le petit Dumbo est très attachant, pour peu qu'on coupe le son, et quelques passages s'avèrent réussis, qu'ils soient burtoniens (Nightmare Island, et ses créatures de pacotille) ou non.

Reste que, comme de nombreux remakes en prises de vue réelles des classiques Disney, ce Dumbo n'était ni fait, ni à faire. Et que Tim Burton devrait se montrer plus exigeant avec ses scénaristes.
 
2.25 + 0.5 pour la bouille adorable de Dumbo = 2.75/6

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Un film, un jour (ou presque) #751 : Girl 27 (2007)

Publié le 6 Juillet 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Documentaire, Drame, Thriller, Policier, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​ 

Girl 27 :

En 1937, à l'occasion d'une convention organisée par la MGM pour remercier ses représentants de commerce, Patricia Douglas, l'une des 120 danseuses/figurantes mineures employées par le studio, est violée par un employé. Rapidement, elle porte plainte, et l'affaire fait les gros titres des journaux américains, mais tant la justice que l'industrie cinématographique font alors tout pour la discréditer, et pour étouffer le scandale... avec succès.

Un documentaire que j'avais déjà vu en partie il y a sept ou huit ans, et qui a retrouvé une certaine popularité dans le cadre du mouvement #MeToo, tant ce récit assez glauque illustre bien un système souffrant de problèmes endémiques qui existent depuis la création du Vieil Hollywood.

Et ce métrage est effectivement plutôt intéressant dans sa première partie, tant qu'il narre les événements et reconstitue le puzzle de ce qui est arrivé à Patricia Douglas en 1937, à grands renforts d'images et d'archives d'époque, et de témoignages en tous genres (même si l'on peut se demander s'il n'y avait pas plus pertinent comme expert que la spécialiste juridique de Fox News).

Le problème, à vrai dire, c'est que rapidement, on en vient à percevoir un certain côté manipulateur dans ce Girl 27, à mesure que le réalisateur, David Stenn, un scénariste et journaliste spécialisé dans le Vieil Hollywood et dans la vie de ces stars d'antan, se met en scène, ou qu'il utilise de multiples images et extraits d'actualité et de vieux films, sortis de leur contexte, pour illustrer ses propos, ses conclusions ou certains témoignages.

À l'identique, on devine une dramatisation un peu superflue et forcée, comme lorsque Stenn attend dans une chambre d'hôtel un coup de téléphone, avec musique tendue en prime, ou quand il rajoute systématiquement des bruitages de téléphone brutalement raccroché lorsque Douglas décide d'interrompre à plusieurs reprises son témoignage (un témoignage clairement pas effectué par téléphone, mais bien enregistré de visu).

Cette forme et cette omniprésence de Stenn (non seulement sert-il de voix off, mais on le voit donc aussi dans sa chambre d'hôtel, marcher dans la rue, se rendre sur les lieux des événements, danser sur la tombe du violeur (!)...), finissent par prendre le pas sur le fond, notamment quand, dans sa seconde partie, le documentaire historique qui tentait de développer le contexte historique de cette histoire cède la place à une interview de Patricia Douglas, et à l'histoire de Patricia et de Stenn, et de leur relation chaotique.

Une Douglas qui ne s'est jamais vraiment remise de ce qu'elle a traversé, et qui a désormais son petit caractère (un caractère qui la coupe de tous et de toute sa famille), mais qui répète beaucoup de choses déjà abordées dans la première partie du documentaire. Pire, la réalisation se limite alors à une caméra fixe, et à des plans de coupe de mauvais goût, qui illustrent le témoignage ému et brutal de Douglas par des extraits de films montrant des violences faites à des personnages féminins. L'effet est contre-productif, et affaiblit le témoignage plus qu'il ne le renforce.

En somme, un documentaire au sujet très intéressant, mais à la réalisation et à l'écriture vraiment pas à la hauteur de ce dernier.

Malheureusement, Stenn semble être aussi intéressé par l'histoire de Douglas qu'il ne l'est par l'idée de raconter comment lui seul a su dénicher cette histoire (à plusieurs reprises, il laisse des commentaires très flatteurs pour sa personne, le genre de moments qu'un autre documentariste digne de ce nom aurait coupé au montage), et en fin de compte, cela dessert le témoignage de Douglas, tout en donnant parfois l'impression que le journaliste exploite celle-ci pour faire sa publicité.

3.25/6

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Les bilans de Lurdo - Halloween Oktorrorfest 2018 - Tremors : La Série (2003)

Publié le 6 Octobre 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Review, Télévision, Les bilans de Lurdo, Oktorrorfest, Action, Comédie, Horreur, Fantastique, Sci Fi Channel

L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, du 1er octobre à début novembre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques...

Tremors - La série (2003) :

De retour dans la vallée de Perfection, Nevada, désormais transformée en réserve naturelle pour Graboïdes, Burt (Michael Gross) et les autres habitants du secteur (Victor Browne, Gladise Jimenez, Marcia Strassman, Lela Lee, Dean Norris...) tentent de cohabiter avec El Blanco (un Graboïde vivant tout près), tout en gérant les conséquences d'expériences gouvernementales, de savants fous, et de développeurs immobiliers sans pitié...

Une unique saison de 13 épisodes de 43 minutes, initialement diffusée sur Sci Fi Channel, et qui se veut la suite directe de Tremors 3 - Le Retour (2001).

Et sans surprise, le résultat laisse vraiment mitigé. D'un côté, effectivement, certains épisodes ne fonctionnent pas trop mal, les Graboïdes sont toujours vraiment "attachants", tout comme le personnage de Burt Gummer ; de plus, le thème musical d'El Blanco (le monstre) est plutôt amusant, en plus d'être une bonne idée.

Mais en contrepartie, la série est affreusement marquée par ses origines cinématographiques, et par la chaîne sur laquelle elle fut diffusée. Comme la majorité des shows Sci Fi Channel de l'époque, Tremors est mal rythmé, souvent mal joué, et surtout affreusement fauché.

La production n'a pas de budget, et ça se sent, avec des promenades en jeep filmées sur fond vert, des effets numériques franchement limites (le seul monstre numérique vraiment convaincant, c'est l'Ass-Blaster ; le reste est au mieux passable, caoutchouteux et filmé en gros plan/vue subjective, et au pire... c'est hideux), plusieurs épisodes sans les vraies stars du show (Gummer et le Graboïde) et des scénarii creux au possible.

Qui plus est, non contents d'être interchangeables, les scripts sont surtout étirés en longueur de manière transparente : on est clairement dans le registre "on a un postulat de 20-25 minutes, façon "la vallée est envahie par des fleurs mutantes/des insectes mutants/des crevettes mutantes/des mutants mutants" ou bien "un méchant veut capturer El Blanco", et on doit remplir 40-45 minutes d'épisodes".

Ce qui forcément, à force de remplissage, débouche sur ces épisodes ultra mous, reposant entièrement sur les dialogues et sur des effets spéciaux ratés, même pour l'époque.

Autant dire qu'avec, en plus, une distribution assez inégale en intérêt comme en talent (ça s'améliore un peu avec le temps, cela dit, et les acteurs invités sont plutôt sympathiques), ça ne capture quasiment jamais l'attention (sauf quand, pour une raison absolument perplexifiante, la production décide de mettre la showgirl/tough girl hispanique de service en t-shirt mouillé transparent au cours d'un épisode, comme ça, juste pour le fun.)

Bref, malgré toute la sympathie que j'ai à l'origine pour la franchise Tremors, le show est totalement dispensable, pour ne pas dire superflu. C'est dommage, parce qu'avec un format plus court et/ou un peu plus de budget, on aurait pu conserver le dynamisme et le fun du film original...

Et n'oublions pas le season finale, effectivement très décevant, car d'une durée de 37 minutes, et n'étant pas du tout conçu comme une fin de saison ou de série (puisque c'était le deuxième épisode produit - merci Sci Fi Channel pour la diffusion dans le désordre).

(car oui, j'ai eu la malchance de voir la série dans l'ordre de diffusion, et pas dans celui de production)

En espérant que le nouveau reboot télévisuel de la série, pour Syfy, avec Kevin Bacon reprenant son rôle, finisse par voir le jour (c'était censé se tourner cet été), et s'avère de meilleure qualité que ce premier essai.

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Halloween Oktorrorfest 2018 - 25 - Hellraiser : Judgment (2018)

Publié le 16 Octobre 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Oktorrorfest, Horreur, Halloween, Fantastique, Thriller, Policier, Religion

Chez les Téléphages Anonymes, du 1er octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

Hellraiser X - Judgment :

Trois inspecteurs de police (Damon Carney, Randy Wayne & Alexandra Harris) font équipe pour enquêter sur le Précepteur, un tueur en série cruel et religieux aux méthodes des plus brutales...

Tourné en même temps que Children of the Corn : Runaway, dans la même ville/région, par le même producteur, avec des seconds rôles en commun (John Gulager joue même l'Assesseur obèse des Cénobites), et un budget tout aussi minuscule, pour des raisons identiques de droits arrivant à expiration, cet Hellraiser : Judgment (le dixième épisode de la franchise) est réalisé, écrit et interprété (dans le rôle de l'Auditeur) par Gary J. Tunnicliffe, vrai fanboy des personnages, scénariste du calamiteux Hellraiser IX : Revelations, et responsable des effets spéciaux de Feast et de la saga Hellraiser depuis le troisième épisode.

Difficile d'en attendre grand chose, pour être franc, et dès le premier quart d'heure, grandement déconnecté du reste du film, on comprend qu'on va avoir droit à un métrage qui comprend totalement de travers le concept des Cénobites, en en faisant les représentants d'un Enfer à la fois bureaucratique et glauque (du grotesque façon Silent Hill plutôt que Barker), en opposition à un Paradis quelconque, plutôt que les entités hédonistes amorales et absolues telles que Barker les avait conçues.

Un problème récurrent dans la saga, depuis le deuxième épisode, et qui a même fini par contaminer rétroactivement les écrits de Clive Barker (cf les Scarlet Gospels et leur Pinhead démoniaque embarqué dans une intrigue calamiteuse avec le cadavre de Lucifer, etc), un Barker qui n'en a vraiment plus rien à faire de ses Cénobites, et cherchait simplement un moyen de les tuer pour passer à autre chose.

Bref. La suite du film ne fait rien pour rassurer, puisqu'on retombe alors dans une vague repompe du schéma désormais récurrent des "suites" Hellraiser produites par Dimension : une intrigue d'enquêteur (ici, encore une histoire de serial killer biblique à la Seven, dont le film partage la photo jaunâtre et poisseuse) qui tombe sur le cube magique dans le cadre de ses investigations, et rencontre les Cénobites, avec un résultat forcément dramatique.

Les 3/4 du film sont ainsi une enquête policière générique et ultra-prévisible, entrecoupée d'inserts sur Pinhead sur son trône, et de moments où les deux réalisateurs, Tunnicliffe et Gulager, cabotinent, avec trois figurantes à moitié nues dans un coin de la pièce. On notera un caméo de Heather Langenkamp, qui est bien loin de Freddy Krueger, et on aura du mal à ne pas pousser un soupir atterré en voyant débarquer un "ange" (une blonde façon porn-star californienne, avec veste blanche moulante portée sans soutien-gorge) pour s'opposer aux Cénobites de Pinhead.

Sans même parler de la toute fin déplorable, avec un Pinhead qui massacre l'ange sans effort et est puni par Dieu, qui l'envoie sous forme humaine sur Terre, en SDF. *soupir*

Formellement meilleur que le précédent, mais le massacre de la mythologie des Cénobites est épuisant.

1.75/6    

(mention spéciale à la page Wikipedia du film, qui est presque plus détaillée et complète que celle de n'importe quel autre métrage plus connu, et ressemble par moments à des semi-excuses en filigrane du réalisateur, supposément victime d'un studio ne comprenant pas la franchise Hellraiser)

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Blog Update ! - Mai 2018

Publié le 1 Juin 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Télévision, Update, Les bilans de Lurdo

Un mois de mai assez équilibré sur le blog des Téléphages Anonymes, avec son lot de nouveautés, de films à buzz, et de métrages plus anecdotiques...

#703 : Killing Hasselhoff (2017) 2.75/6

#704 : Mute (2018) 2/6

#705 : André le Géant (2018) 4.25/6

#706 : Jack Parker, le Roi des Menteurs (2014) 3/6

#707 : Rock Jocks (2012) 2.25/6

#708 : Profession Tueur (2018) 3/6

#709 : How To Be A Latin Lover (2017) 3/6

#710 : Lost Heroes (2014) 4.25/6

#711 : Pierre Lapin (2018) 3.5/6

#712 : Tomb Raider (2018) 2/6

#713 : Knife Fight (2012) 2.25/6

#714 : Capitaine Superslip (2017) 3/6

#715 : Anita et Moi (2002) ?/6

#716 : Nobody Speak - Le Procès d'une Presse Libre (2017) 2/6

#717 : The Better Half (2015) 3.5/6

#718 : James Arthur Ray, Gourou New Age (2016) 2.5/6

#719 : Ready Player One (2018) 3.75/6

#720 : Girlfriend's Day (2017) 2/6

#721 : Annihilation (2018) 3.5/6

#722 : Game Night (2018) 3.5/6

#723 : Le Secret du Ragnarok 2/6

#724 : L'Incroyable Jessica James 2.5/6

#725 : Lucha Mexico 3/6

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# Grand écran :

Un mois de mai qui, contre toute attente, a été l'occasion pour moi de ne pas me précipiter en salles pour aller découvrir toutes les grosses sorties du moment.

Non seulement par manque de temps, mais aussi par manque d'envie - Deadpool premier du nom était sympathique, mais pas forcément au point de me ruer en salles pour voir sa suite au prix fort ; et ne parlons même pas de Solo, un désastre de casting, de production et de promotion (et qui va probablement être le premier Star Wars nouvelle génération que je n'aurai pas vu en salle à sa sortie) - ; néanmoins, en ce mois de mai, tout de même pas mal de films atteignent la moyenne, ce qui fait toujours plaisir.

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- Film du mois :

Deux documentaires, Lost Heroes et André le Géant, se partagent la plus haute marche du podium, à la fois complets, intéressants, et amusants, tandis que juste en dessous, le talent de Steven Spielberg permet à Ready Player One de surnager un peu au-dessus de la masse (ce qui n'était clairement pas gagné, soyons francs).

- Flop du mois :

Aucun film en dessous de 2/6, ce mois-ci, ce qui est assez rafraîchissant, et une assez bonne nouvelle pour moi - d'autant que les 2/6 en question (Mute, Tomb Raider) ne sont pas des désastres pour autant, et restent des déceptions plus qu'autre chose.

La palme revient cependant à Nobody Speak, un documentaire hypocrite s'érigeant en défense de la liberté de la presse, alors qu'au nom de celle-ci, il ne fait que nier les libertés individuelles de chacun... à éviter.

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# Petit écran :

Ce mois-ci, la saison 2 des Désastreuses Aventures des Orphelins Baudelaire a su me réconcilier avec la série, en apportant enfin de vrais enjeux, et en sachant se détacher du film de Brad Silberling. La fin de saison 3 de Black Mirror, par contre, ne m'a pas particulièrement plus séduit que les précédentes, tout comme la première moitié de la saison 3 de Fuller House, les Electric Dreams de K. Dick, ou Ninjak vs the Valiant Universe.

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# À venir :

En juin, sur le blog des Téléphages Anonymes, on traque les réplicants avec Ryan Gosling, on démolit Chicago avec des animaux mutants et The Rock, on part aux JO d'hiver avec Eddie l'Aigle, on enquête sur les Sélénites et sur Lunopolis, on observe la mort de Staline, on voyage dans l'espace-temps avec Oprah Winfrey, on part dans l'arène avec Ferdinand, et on se perd dans l'espace sur Netflix...

 

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Un film, un jour (ou presque) #880 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Overboard (2018) & Romance à Tribord (2018)

Publié le 9 Février 2019 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Comédie, Romance, Mexique, USA, Télévision, Hallmark, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Overboard (2018) :

Kate (Anna Faris), mère célibataire cumulant plusieurs emplois pour tenter de nourrir ses trois filles, nettoie un beau jour le yacht de Leonardo (Eugenio Derbez), un playboy mexicain égocentrique, héritier d'une fortune immense. Mais après avoir renvoyé Kate sans raison et l'avoir humiliée, Leonardo a un accident qui le laisse amnésique : Kate décide alors de se venger, en tentant de le persuader qu'elle est sa femme, et en l'amenant à vivre avec les siens...

Un remake gender-switched d'Un Couple à la Mer (1987), une comédie romantique de Garry Marshall avec Goldie Hawn et Kurt Russell dans les rôles principaux : pas un chef d’œuvre impérissable, loin de là, mais le charme et l'alchimie des têtes d'affiche jouaient alors pour beaucoup dans le charme du métrage.

Ici, malheureusement, Overboard ne peut pas vraiment en dire autant, puisque non seulement Anna "Ducklips" Faris et Eugenio Derbez n'ont pas la moindre alchimie ni énergie, mais en plus, leurs personnages ne sont jamais sympathiques.

Ajoutez à cela un aspect romantique largement passé au second, voire au troisième plan, pour faire plus de place à de l'émotion sirupeuse (notamment lorsque la dernière demi-heure approche), à un propos sur la différence des classes, sur l'importance du labeur, sur l'immigration, et à de l'humour ethnique (Derbez, déjà en tête d'affiche de How To Be A Latin Lover, est une star au Mexique, et les nombreuses scènes en espagnol de cet Overboard montrent bien que le film est avant tout à destination de ce public latino), et l'on se retrouve rapidement devant une comédie romantique insipide, ni particulièrement drôle ni particulièrement romantique, qui prend largement trop son temps avant de décoller (près de deux heures de film au total, tout de même), et qui finit tout simplement par laisser totalement indifférent (en plus de n'avoir pas grand intérêt si l'on a vu l'original, tant ce film ne lui apporte rien).

1.75/6

Romance à Tribord (Love at Sea - 2018) :

Organisatrice débutante dans l'événementiel, Olivia (Alexa Penavega) accepte d'organiser les animations entourant la représentation de sa meilleure amie, Alexandra (Melissa Carcache), une célèbre YouTubeuse ayant décidé de profiter d'une croisière pour se produire devant son public. Particulièrement ordonnée, Olivia rencontre alors Tony (Carlos Penavega), le nouveau directeur de croisière, qui a une vision bien différente et plus nonchalante de la vie à bord de son bateau...

On prend les mêmes qu'à Noël (cf Noël en Dansant), on change le décor, et on recommence, avec cette fois-ci les Penavega (au demeurant toujours sympathiques) sur un bateau, pour ce qui est une joli placement produit de 90 minutes pour les croisières Royal Caribbean.

Alors certes, les métrages façon La Croisière s'amuse, c'est toujours agréable, mais je dois bien avouer qu'il ne se passe ici absolument rien, qu'on n'admire même pas les Caraïbes, et qu'en plus de s'ennuyer ferme, on se surprend à trouver Olivia assez agaçante, avec son tempérament ultra-protecteur envers sa mère.

Ajoutez à cela un "rival" amoureux journaliste (Edward Finlay) insipide au possible, et voilà, un téléfilm Hallmark du mois d'août, gentiment creux et sans intérêt.

2.25/6

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Halloween Oktorrorfest 2016 - 121 - Scooby-Doo : le Mystère Commence (2009) & Scooby-Doo et le Monstre du Lac (2010)

Publié le 2 Novembre 2016 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Oktorrorfest, Review, Télévision, Fantastique, Jeunesse, Comédie, Halloween

Halloween, c'est terminé, et jusqu'à la fin de la semaine, on achève l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme la fin de ce marathon de cinéma fantastique et d'horreur qui a duré un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...

Scooby-Doo : le Mystère Commence (Scooby-Doo ! The Mystery Begins) :

Après une échauffourée ayant eu lieu à bord du bus scolaire, quatre adolescents - Fred (Robbie Amell), Velma (Hayley Kiyoko), Daphne (Kate Melton) et Shaggy (Nick Palatas) - doivent passer du temps en colle dans leur lycée de Coolsville. Ils sont alors attaqués par des esprits menaçants, qui saccagent l'établissement : accusés à tort par leur proviseur, les quatre nouveaux amis sont suspendus, et décident de s'associer pour découvrir le véritable responsable de cet incident...

Un téléfilm faisant office de préquelle aux deux opus cinématographiques avec Sarah Michelle Gellar et compagnie, ce Mystery Begins est assez moyen, pour ne pas dire médiocre : si Freddy, Shaggy et Velma (asiatique, mais attachante au possible) sont assez bien castés, Daphne est par contre assez insipide, et peu convaincante dans sa tenue et dans son rôle.

À l'identique, le Scooby Doo numérique est raté, comme le reste des effets numériques, et les bruitages sont particulièrement médiocres (et occasionnellement mal synchronisés), ce qui n'aide pas un scénario ultra-basique (et surnaturel...) à surnager.

Néanmoins, l'énergie des acteurs sauve un peu le tout, et permet à ce téléfilm d'atteindre (de justesse) la moyenne.

3/6

Scooby-Doo et le Monstre du Lac (Scooby-Doo ! Curse of the Lake Monster) :

À l'occasion des vacances d'été, Scooby, Fred (Robbie Amell), Velma (Hayley Kiyoko), Daphne (Kate Melton) et Shaggy (Nick Palatas) partent pour le country club de l'oncle de Daphne, Thornton Blake V (Ted McGinley), pour y travailler pendant quelques semaines. Mais le club est alors attaqué par une créature étrange, sorte de crapeau bipède stéroïdé, qui s'en prend aux vacanciers. Aussitôt, le Scooby Gang mène l'enquête... mais Velma est étrangement absente, et Shaggy, lui, commence à éprouver pour elle plus que de la simple amitié...

Second téléfilm préquelle aux deux films cinématographiques, cette suite montre une certaine évolution par rapport à Le Mystère Commence : le cast est nettement plus à l'aise que dans le premier opus, leur relookage est nettement plus convaincant, et ils sont plus "mûrs" (Daphne a gagné en formes, en tenues moulantes, en charme et sa couleur capillaire est nettement plus naturelle ; Fred a gagné en muscles, en action, et finit torse nu ; Velma porte des tenues plus stylées, et est toujours adorable au possible ; l'accent est mis sur les relations amoureuses Daphne/Fred et Velma/Shaggy...) ; les effets spéciaux sont nettement meilleurs (notamment Scooby) ; les passages musicaux sont décalés et humoristiques (le générique de fin façon 60s, avec en prime un défilé des méchants les plus emblématiques du show, fait très plaisir), et les guest stars (Ted McGinley, Nichelle Nichols, Marion Ross, Richard Moll, Michael Berryman) sont elles aussi très sympathiques.

Après, ces améliorations "techniques" sont contrées par quelques problèmes assez agaçants : les relations amoureuses sont trop présentes, et prennent le pas sur le reste du script ; le script, justement, est toujours ultra-basique et télégraphié, digne d'un épisode de 25 minutes délayé au possible ; et le pire, je crois, c'est qu'encore une fois, on a droit au Scooby Gang confronté à une vraie menace surnaturelle... alors que le Scooby Doo original, c'est, réduit à sa plus simple expression, une dénonciation du surnaturel et de l'obscurantisme superstitieux : avant, le surnaturel était l'exception, désormais, c'est la norme. Malheureusement.

3.5/6

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Les bilans de Lurdo - Almost Royal, saison 1 et 2 (2014/2016)

Publié le 19 Mars 2017 par Lurdo dans Critiques éclair, Review, Télévision, Les bilans de Lurdo, Comédie, BBCA, Documentaire

Almost Royal, saison 1 & 2 :

Les tribulations de Georgie (Ed Gamble) et Poppy Carlton (Amy Hoggart), aristocrates britanniques assez mal placés dans l'ordre de succession du trône de Grande Bretagne, et qui, à la mort de leur père, grand américanophile, décident de visiter les USA en compagnie de l'urne de leur géniteur, afin de mieux comprendre ce pays étrange.

Je ne suis pas forcément très amateur du genre des caméras cachées, ou de la cringe comedy, qui a pour principe de rire en voyant des personnages se ridiculiser à cause de leur égo ou de leur manque de tact social, entre autres (cf le travail de Ricky Gervais/Stephen Merchant, par exemple), tant ce genre d'humour peut rapidement devenir cruel et gratuit (et exploiter le temps et l'énergie de personnes innocentes dont on se moque).

En effet, quand ces deux styles se combinent, comme dans les longs-métrages de Sasha Baron Cohen (Borat, Bruno), cela peut rapidement s'avérer très inégal, en fonction du talent de l'artiste, de ses intentions, et des réactions que celui-ci parvient à obtenir de ses interlocuteurs.

Ici, Almost Royal marche directement dans les traces de Cohen, avec ces deux aristocrates imbuvables - Georgie, le grand dadais un peu niais et ahuri, à la remarque toujours déplacée, et Poppy, égocentrique absente, vaniteuse et superficielle - qui traversent les USA avec plus ou moins de bonheur.

Dans l'ensemble, les deux acteurs (comédiens de stand-up et, pour Hoggart, correspondante au sein du show Full Frontal with Samantha Bee) s'en sortent très bien, incarnant toujours constamment leurs personnages, même dans les situations les plus compliquées et improbables.

Le programme, lui, est plus inégal. La faute à un schéma structurel qui change à mi-parcours, entre la première et la deuxième saison : la première saison était axée sur des villes, sous un format road trip. Georgie et Poppie visitaient ainsi une ville par épisode, commençant à Los Angeles, pour finir à Nashville, en passant par Boston, le Texas, New York, Detroit et Washington DC. Cela donnait à chaque épisode une unité de ton et de lieu, et une plus grande véracité, puisque les autochtones étaient abordés dans la rue, avec plus ou moins de succès en fonction des régions.

À contrario, la saison 2 fait le choix d'axer ses épisodes autour de thèmes : la beauté, la nature, les sports, la romance, le futur, les forces de l'ordre, le monde du travail et les fêtes américaines. Dans chaque épisode, les deux protagonistes visitent des lieux, des entreprises, des personnes situées aux quatre coins du pays, en rapport avec le thème de la semaine, le tout parsemé de morceaux d'une interview (façon Raphaël Mezrahi) avec un invité hebdomadaire : Mario Lopez, Laura Bell Bundy, Dennis Rodman, Michael Uri, George Takei, Jimmy Tatro, Whitney Port, Liza Vanderpump.

Le problème est immédiatement évident. Non seulement les épisodes semblent plus artificiels, sans réelle unité de lieu ou d'environnement, mais en plus, les interviews sont particulièrement frustrantes, car coupées en micro-extraits de 30 secondes, laissant tout juste le temps d'une ou deux punchlines, sans plus.

Une saison 2 finalement assez décevante, et l'on se demande souvent pourquoi le duo visite tel ou tel endroit, ou interroge telle ou telle star de la D-list, qui semble parfois ne pas être dupe de l'imposture.

Cela dit, le tout reste assez sympathique à suivre, et avec à peine une vingtaine de minutes par épisode, pas le temps de s'ennuyer, ou de se lasser du format. J'avoue avoir ponctuellement été tenté de faire avance rapide sur certains épisodes : non pas par ennui ou agacement, mais plus par gêne pour les personnes à l'écran. Ce qui prouve que le concept marche, mais qu'il frôle les limites de ma tolérance à ce genre de comédie.

Reste que, de manière plus générale, le changement de structure n'était pas une très bonne idée, et, si tant est que le show soit renouvelé par BBC America pour une troisième saison, j'espère qu'il reviendra à quelque chose de plus proche de la saison 1.

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Un film, un jour (ou presque) #651 : SEMAINE ST-VALENTIN - Spanglish (2004), La Saison des Amours (2012) & Un Prince Pas Très Charmant (2011)

Publié le 16 Février 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Comédie, Drame, Romance, Télévision, Hallmark

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. Et cette semaine, on se concentre sur la romance, à l'occasion de la Saint Valentin...

​Spanglish :

Mère célibataire, Flor (Paz Vega), une immigrante illégale mexicaine, trouve un travail chez les Clasky, Deborah (Téa Leoni) et John (Adam Sandler), un couple américain aisé qui ne parle pas espagnol. Bien vite, cependant, la barrière du langage fait que Flor s'installe avec sa fille chez les Clasky, et se rapproche progressivement de John, qui peine par ailleurs à supporter son épouse instable, égocentrique et hystérique...

Une dramédie romantique américaine assez inégale, qui aborde de nombreuses thématiques (différences culturelles, immigration, lutte des classes, intégration, mariage, problèmes psychologiques, parents, enfants, romance, etc), mais ne parvient pas à toutes les approcher avec la même subtilité.

Parfois, cela fonctionne très bien (tout ce qui a trait aux enfants, ou encore la romance jamais consommée entre Sandler et Vega), et parfois, cela vire à la mauvaise caricature (Leoni et sa mère, notamment, et leurs scènes clairement sitcomesques, alors que Leoni assure pourtant dans un rôle déjà particulièrement antipathique et insupportable - d'autant plus que ce personnage me rappelle des personnes que j'ai bien connues IRL).

Ajoutez à cela une réalisation assez transparente, et on se retrouve avec un tout longuet et qui déçoit un peu. Dommage, parce que le tout est globalement plutôt intéressant, et assez bien interprété (la jeune Sarah Steele est mémorable).

3/6

La Saison des Amours (Strawberry Summer) :

Beth Landon (Julie Mond), enseignante en musique dans un lycée et Reine des Fraises de sa ville, invite une superstar de la musique country, Jason Keith (Trevor Donovan) à se produire lors du Festival des Fraises local. Mais Keith est un bad-boy à la réputation calamiteuse, et lorsqu'il arrive, Beth comprend vite que, derrière son attitude, le chanteur est quelqu'un de torturé, et qui cache un profond secret pouvant bouleverser sa carrière. Pourtant, ensemble, l'enseignante et la star de la country vont apprendre à se connaître, et à se faire confiance...

Un téléfilm Hallmark particulièrement country et... euh... je m'aperçois que je n'ai absolument rien à en dire. Rien de bien, en tout cas.

C'est clairement l'un de ces téléfilms romantiques Hallmark faits avec un budget minimaliste, avec un couple d'acteurs principaux inconnus, peu charismatiques, mais suffisamment beaux et compétents pour faire illusion, et confiés à une équipe technique bon marché.

Ici, outre l'histoire inintéressante au possible, et les seconds rôles (Shelley Long en tête) qui en font trois tonnes, cela se traduit surtout par un montage déficient, qui change d'axe et de sujet toutes les deux secondes, ou à chaque fin de phrase, tentant ainsi d'insuffler un rythme de blockbuster à des scènes et à un film qui n'en ont pas besoin.

Résultat, tout sonne faux et forcé, et instinctivement, on perçoit que quelque chose ne tourne pas rond d'un point de vue technique. À oublier très vite.

1.5/6

Un Prince Pas Très Charmant (Fixing Pete) :

Pete (Dylan Bruno), journaliste sportif, est un véritable cliché ambulant de l'homme beauf, sexiste et macho, sans le moindre raffinement ; Ashley (Brooke Burns), elle, est l'une de ses collègues, qui présente une rubrique de relooking ultra-populaire. Lorsque leurs patrons leur demandent de s'associer, pour qu'Ashley relooke Pete dans le cadre de sa rubrique, les deux reporters s'insurgent, d'autant que le courant ne passe pas du tout entre eux. Jusqu'à ce qu'ils apprennent mieux à se connaître...

Le titre français de cette rom-com Hallmark résume bien le tout : on est dans un conte de fées, avec personnages caricaturaux, musique envahissante, rebondissements totalement prévisibles et basiques, et protagoniste masculin assez peu attachant.

Non pas que cette version masculine de My Fair Lady soit mal jouée, mais tout y est tellement générique et insipide qu'au final, on oublie les 3/4 du récit à peine le métrage terminé.

Et Stacy Keibler y est sous-exploitée, en plus.

2/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien....

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Christmas Yulefest 2015 - 61 - Animation en vrac (5)

Publié le 21 Décembre 2015 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Yulefest, Review, Noël, Christmas, Animation, Jeunesse, Fantastique, Religion

Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

Les 3 Rois Mages (2003) :

Petit garçon ne croyant plus en Noël car il n'a pas reçu de cadeau, Jim écoute l'histoire que lui raconte son grand-père : celui-ci lui narre en effet les aventures de Melchior, Gaspard et Balthazar, trois sorciers antiques réunis par une étoile mystérieuse, et qui doivent mettre de côté leurs différences pour retrouver les attributs royaux, afin de les offrir au Roi des Rois, sur le point de naître en Galilée ; pour les aider en chemin et leur permettre de contrer les plans des maléfiques Hérode et Belial, ils pourront compter sur l'assistance de Sarah, une rebelle, et Tobias, fils de Jason...

Un film d'animation espagnol, supervisé par un réalisateur et des animateurs ayant autrefois travaillé chez Disney, ce qui confère au métrage une animation assez réussie, dans un style parfois réminiscent de Don Bluth ou de Disney (la direction artistique est cependant plus inégale, surtout au niveau des personnages).

Tout n'est cependant pas parfait au niveau visuel, puisque les décors un peu ternes et en retrait manquent parfois de profondeur, de détails et de relief, ce qui donne l'impression de personnages marchant devant une toile de fond esthétique mais plate ; à l'identique, on repère ça et là des facilités d'animation assez grossières, comme des silhouettes animées et copiées-collées à de multiples reprises (je pense par exemple aux loups dupliqués).

Dans l'absolu, cependant, l'animation reste le dessus du panier des métrages de ce type (à savoir des sous-Disney en 2D aux ambitions notables)  ; quel dommage alors que le reste de la production desserve à ce point les efforts investis dans le visuel de ce long-métrage.

En effet, les bruitages sont souvent trop en retrait, et empêchent de vraiment croire à la réalité physique du monde montré à l'écran ; le doublage français est particulièrement inégal, voire parfois mauvais ; la bande-originale est très répétitive et dérivative (sans que je parvienne à vraiment mettre le doigt sur ce dont elle s'inspire) ; et, last but not least, le script est particulièrement problématique.

Car on aurait pu se dire qu'en narrant la quête des Rois Mages, les scénaristes auraient tenté de coller un minimum à la légende biblique. Et bien non, puisque ce métrage s'avère une film d'aventures façons "Les Rois Mages Begins", et mélange de nombreuses mythologies dans une quête pseudo-épique, et assez brouillonne. Probablement la faute de la réécriture complète du script intervenue en cours de production, afin de changer la direction du métrage.

Entre les innombrables personnages secondaires inutiles (mention spéciale au duo Tobias/Sarah, uniquement là pour assurer le quota de romance du film, et pour placer une fille "sexy" aux lèvres collagénées et à l'air idiot dans un récit biblique qui n'en avait pas besoin), les rebondissements improbables (les pièges du Temple final, à la Indiana Jones), les méchants caricaturaux, et les péripéties finalement assez décousues, ce Trois Rois Mages ne convainc jamais vraiment, et manque cruellement de merveilleux, de magie, ou même de religieux (surtout compte tenu du sujet).

2.5/6, pour les efforts (certes insuffisants) fournis, notamment au niveau de la direction artistique.

Deuxième étoile à gauche (Second Star to the Left - 2001) :

La veille de Noël, un paquet cadeau tombe du traîneau du Père Noël, et atterrit dans une grange, où vivent Archie (Hugh Laurie), Babs et Duke, trois animaux curieux. Rapidement, mené par le lapin Archie (dont l'existence fermière l'ennuie profondément), le trio décide de livrer eux-même ce colis mystérieux avant le petit matin, et de vivre une aventure inattendue qui va changer leur vie...

Un joli film d'animation de 30 minutes, diffusé sur la BBC en 2001, la veille de Noël.

C'est assez charmant, avec une animation et un design global plutôt stylisés (Archie ressemble un peu à Bugs Bunny dans ses mouvements et son apparence), pour un résultat gentillet, sans plus, qui manque un peu de substance, souffre d'une illustration musicale inégale, et qui laisse Hugh Laurie un peu trop en roue libre. Mais pour les plus jeunes, c'est sympathique.

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Un film, un jour (ou presque) #144 : Veronica Mars (2014)

Publié le 5 Juin 2015 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Télévision, Comédie, Drame, Policier, Thriller

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Veronica Mars :

Sur le point de tourner définitivement la page sur son passé de détective privé afin de devenir avocate à New York, Veronica Mars (Kristen Bell) reçoit alors un appel de Logan (Jason Dohring), son ex-petit-ami de lycée, accusé de meurtre. Avec réticence, Veronica retourne donc à Neptune, dans sa ville natale, à l'occasion du dixième anniversaire de sa promotion scolaire, et avec une seule idée en tête : innocenter Logan.

On ne présente plus Veronica Mars, la série, ou encore la genèse improbable de ce long-métrage, très bien narrée dans le sympathique making of du film, intitulé By The Fans. Revenons cependant sur le titre de ce making of : "Par les fans, pour les fans".

Dans ce titre est contenu tout le problème de ce film Veronica Mars.

Financés par les fans, Rob Thomas et compagnie se sont sentis obligés de jouer au maximum la carte du fanservice, ce qui se traduit, au final, par un film très très moyen, blindé de références et de caméos en tous genres, et qui sert la soupe aux shippers Logan/Veronica (en évacuant Piz de manière sèche et brutale, sans le moindre remords) quitte à faire passer son héroïne pour une femme volage et infidèle.

Pour être clair, je n'ai pas détesté le film, ça fait toujours plaisir de retrouver tous ces personnages et leur univers, mais... il faut bien avouer que le métrage n'est pas un très bon film de cinéma, en soi.

Il ne fait nul doute à mes yeux que le film aurait probablement été meilleur s'il avait été ouvertement conçu pour la télévision : au lieu d'un long-métrage de 100+ minutes, au rythme bancal, et à la structure trop épisodique (on a l'impression que Rob Thomas recycle toutes les idées d'épisodes et de sous-intrigues qu'il a eues ces dernières années, et tente de les lier de façon à former un long métrage), on aurait probablement eu un téléfilm-anniversaire de 84 minutes, nettement plus élagué de son superflu, et rythmé par les coupures pub obligatoires... ce qui aurait probablement mieux fonctionné.

D'autant que Veronica Mars, dans sa forme actuelle, est finalement très inégal : on sent que tous les ingrédients sont présents, mais que la mayonnaise ne prend pas toujours. Les références méta à la grossesse de Bell, au spin-off avorté de Veronica au FBI, etc, sont plutôt sympathiques, tout comme les guests stars (pas forcément toujours indispensables : autant j'ai souri en voyant Eden Sher, Justin Long, ou Dax Shepard débarquer, autant j'aurais pu me passer sans problème du caméo d'un James Franco comme toujours défoncé) mais ça et là, étrangement, on sent que Bell a trop répété son texte, que certaines scènes manquent de spontanéité, ou auraient nécessité quelques prises supplémentaires (que ne pouvait pas se permettre la production, compte tenu des conditions de tournage), ou encore que personne n'a voulu dire à Rob Thomas que les morceaux pop/rock de la soundtrack commençaient à être envahissants.

M'enfin bon, rien de forcément rédhibitoire, dans l'absolu. C'est juste qu'avec moins de fanservice, le film aurait probablement été bien meilleur, et aurait peut-être pu être autre chose qu'un simple bonus pour les fans. Dommage.

3/6

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