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LES TÉLÉPHAGES ANONYMES

Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...

Articles avec #usa catégorie

Un film, un jour (ou presque) #1593 : Moonfall (2022)

Publié le 11 Mars 2022 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Review, Science Fiction, Science-Fiction, Thriller, USA, Allemagne, Chine

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Moonfall (2022) :

K.C. Houseman (John Bradley), un conspirationniste passionné d'espace, découvre un beau jour que la Lune a changé d'orbite, et va commencer à se rapprocher de la Terre, avec des conséquences funestes pour la planète. De son côté, Jo Fowler (Halle Berry), ancienne astronaute de la NASA, parvient aux mêmes conclusions, et organise une mission lunaire d'extrême urgence... mais seul Brian Harper (Patrick Wilson), son ex-compagnon et ancien astronaute déchu, peut l'aider à la mener à bien.

Ah, ce bon vieux Roland Emmerich, qui fait le buzz en se plaignant dans les médias qu'à cause des films de superhéros Marvel, il n'y a plus de créativité, d'originalité ou d'audace à Hollywood... tout en faisant sa promotion pour son trouzemillième film catastrophe générique et quelconque.

Moonfall est, sans surprise, un gros recyclage insipide du cinéma habituel de Emmerich, depuis les anciens extraterrestres de Stargate (ici, la Lune est creuse, habitée par une race extraterrestre qui a créé les Humains) jusqu'aux scènes de catastrophes de 2012, en passant par la science-fiction de ses débuts, le tout sans la moindre inspiration, la moindre plausibilité scientifique, le moindre rythme (toutes les scènes terrestres sur le fils de Harper et l'étudiante chinoise au pair de Fowler sont calamiteuses et cassent toute l'énergie des scènes spatiales), la moindre originalité (on va être très clairs : le lore de Moonfall, c'est Battlestar Galactica, ni plus ni moins) ou le moindre effort dans la mise en images, en musique ou dans l'écriture.

Cette coproduction avec la Chine est donc un film catastrophe fainéant, qui n'apporte absolument rien au genre, et qui ne mérite pas plus que le nombre de points de QI de son script.

1.5/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

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Un film, un jour (ou presque) #1592 : Vengeance aux poings (2022)

Publié le 10 Mars 2022 par Lurdo dans Action, Cinéma, Critiques éclair, Fantastique, Netflix, Review, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Vengeance aux poings (Fistful of Vengeance - 2022) :

Tommy (Lawrence Kao), Kai Jin (Iko Uwais) et Lu Xin (Lewis Tan) arrivent en Thaïlande pour venger Jenny, la sœur de Tommy, et se retrouvent embarqués, suite à une rencontre avec William Pan (Jason Tobin), dans la traque de la malfaisante Ku An Qi (Yayaying Rhatha Phongam)...

Tentative apparente de compenser le bad buzz entourant Iron Fist en produisant une série similaire et totalement asiatique (un peu comme Marvel l'a fait de manière plus convaincante, au cinéma, avec Shang-Chi), la seule et unique saison de Wu Assassins ne m'avait pas laissé le moindre souvenir impérissable, voire même, m'avait laissé particulièrement dubitatif, si j'en crois ce que j'avais écrit à l'époque.

Quatre ans après, probablement pour des raisons contractuelles, voilà pourtant que Netflix diffuse ce téléfilm, Fistful of Vengeance, sans réellement assumer la filiation avec la série d'origine (dont le nom n'apparaît nulle part). De quoi laisser méfiant pour cette production... qui, effectivement, n'est guère plus (qualitativement parlant) qu'un double épisode de Wu Assassins, avec à peu près les mêmes qualités (Iko Uwais et Lewis Tan restent compétents, Francesca Corney est sympathique, il y a de l'action), et les mêmes défauts (tout le reste).

C'est bien simple, tout est affreusement fauché (les effets spéciaux dignes d'une production tv de network) et approximatif, y compris les combats - non seulement ces derniers sont assez mal rythmés, posés sur des morceaux de dance/techno/hip hop envahissants et mous, mais en plus, quelque chose dans la réalisation et le montage fait qu'ils manquent systématiquement de punch et d'efficacité ; on voit fréquemment les coups manquer largement leur cible, certains mouvements sont presque trop lents pour être convaincants, les combattants ne sont pas mis en valeur, les angles de caméra et leurs changements sont peu judicieux, bref, c'est loin d'être terrible malgré les compétences des personnes impliqués.

Après, outre les choix musicaux, les effets spéciaux, les combats, on pourrait aussi citer l'interprétation inégale, la photographie très laide (un filtre jaune sur l'image, du début à la fin) et l'écriture très faible et clichée - Katherine Winnick n'est pas là, donc on remplace son personnage par un agent d'Interpol, une grande amazone noire sud-africaine qui passe tout le film en pantalon/veste de cuir et en soutien-gorge, répond au pseudonyme de Zulu, et a droit à la seule scène de sexe du métrage.

Parce que oui, le film se lâche, avec des morts toujours plus violentes et sanglantes, et de la nudité gratuite.

De quoi entériner une fois pour toute la nature de DTV plus que médiocre de ce métrage, à peu près aussi convaincant que ne pouvait l'être la série dont il est issu.

1.75/6  

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Un film, un jour (ou presque) #1591 : Coneheads (1993)

Publié le 9 Mars 2022 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Review, Science Fiction, Science-Fiction, Télévision, USA, SNL

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Coneheads (1993) :

Beldar (Dan Aykroyd) et Prymaat (Jane Curtin), deux envahisseurs extraterrestres de la planète Remulak, s'écrasent sur Terre à la suite d'une fausse manœuvre, et sont contraints de s'intégrer à la vie terrestre le temps que leurs supérieurs dépêchent un vaisseau de secours... en espérant échapper, dans l'intervalle, aux services de l'immigration menés par Gorman Sneedling (Michael McKean).

Difficile de revenir sur une telle comédie après toutes ces années, une comédie née d'une série de sketches du SNL, et qui délaie ces sketches sur près de 90 minutes, en enchaînant le cabotinage et les caméos des membres de l'émission d'alors.

Difficile, parce que, depuis, le postulat (des extraterrestres écrasés sur Terre et reproduisant les gimmicks du genre sitcom familiale) a été repris encore et encore, que ce soit dans Troisième planète après le soleil, Solar Opposites, ou encore The Neighbors ; difficile aussi, parce que le film suit les grandes lignes du film d'animations Coneheads de 1983, se contentant parfois de les traduire en prises de vue réelle. Difficile encore, car la musique premier degré de David Newman (en plus de repomper honteusement Danny Elfman à un certain moment) se marie assez mal à l'absurdité du tout, une absurdité renforcée par le côté satirique du scénario, qui se moque de l'Amérique, du racisme, de l'accueil des immigrés aux USA,du capitalisme, etc.

Et puis il faut bien avouer que la réalisation caricaturale et le rythme déglingué du film n'aident pas vraiment à proposer un tout homogène et efficace. Cela dit, dans l'ensemble, Coneheads reste assez agréable à regarder, principalement parce que les acteurs se donnent à fond à leurs personnages et au grand n'importe quoi ambiant (notamment durant le grand final en mode duel dans l'arène avec monstre en stop-motion).

Mais ça s'arrête là.

Un petit 3/6

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Un film, un jour (ou presque) #1590 : Catwoman - Hunted (2022)

Publié le 8 Mars 2022 par Lurdo dans Action, Animation, Cinéma, Critiques éclair, DC, Review, USA, Fantastique, Jeunesse, Science Fiction, Science-Fiction, Japon

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Catwoman - Hunted (2022) :

Alors qu'elle tente de dérober d'un diamant lors d'une réception costumée donnée par la pègre, Catwoman (Elizabeth Gillies) devient la cible de l'organisation criminelle Leviathan, dirigée par Barbara Minnerva (Kirby Howell-Baptiste). Avec l'aide de Batwoman (Stephanie Beatriz ), elle tente alors de faire tomber cette dernière, tout en échappant aux assassins lancés contre elles par le cartel...

Un long-métrage d'animation DC regardé à l'aveugle, sans savoir la moindre chose du projet... et j'aurais mieux fait de m'abstenir. Non pas que ce soit désastreux, mais c'est un de ces films d'animation DC lorgnant très fortement sur de l'anime, dirigé par un ex-animateur japonais de Lupin III, mis en musique par un compositeur japonais qui a décidé de faire du free jazz 60s pendant tout le film, et avec un graphisme et une direction artistique très japanimation sommaire, qui ne m'a pas du tout plu.

Pour ne rien arranger, le script n'est pas très intéressant : c'est cousu de fil blanc, c'est assez lourd sur tout ce qui est sous-entendus sexuels, les personnages sont très basiques, les one-liners et les vannes félines sont dignes d'un Joel Schumacher, et le film donne l'impression de se terminer au bout d'une heure, par un gros combat contre des démons et des mecs en armure à la transformation sentai... avant de repartir pour un épilogue de trois nouveaux affrontements gratuits et artificiels, l'un contre des ninjas sur la Tour Eiffel, puis contre Solomon Grundy, puis contre une Cheetah assez immonde visuellement.

Et puis je me dois de mentionner le doublage assez bancal, qui m'a laissé perplexe : autant Elizabeth Gillies est très bien en Catwoman, autant Stephanie Beatriz adopte un ton désabusé et sarcastique qui ne fonctionne jamais totalement... sans oublier tous les personnages masculins, à la voix rauque et forcée, y compris ce bon vieux Jonathan Frakes. Je ne sais pas si le problème vient du casting, de la direction ou des conditions d'enregistrement, mais dans l'ensemble, ça sonne... faux.

Un énorme bof, en ce qui me concerne (et Black Mask, en couverture, fait de la figuration)

2.5/6

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Un film, un jour (ou presque) #1589 : The Lost Leonardo (2021)

Publié le 7 Mars 2022 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Documentaire, Histoire, Review, Thriller, USA, UK, France

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

The Lost Leonardo (2021) :

Un documentaire intéressant qui retrace toute l'affaire du Salvator Mundi, un tableau très abîmé attribué, après sa restauration, à Leonardo Da Vinci.

Un tableau presque sorti de nulle part, aux origines floues, jamais totalement authentifié par les experts, en très grande partie restauré (au point qu'il y ait désormais plus de restauration que d'œuvre originale), et qui a fait les choux gras du milieu de l'art, depuis ceux qui l'ont retrouvé, vendu de manière plus ou moins honnête, jusqu'au Prince d'Arabie Saoudite, son dernier acquéreur (officieux) en titre, en passant par toutes les galeries, tous les musées, et toutes les salles d'enchères, trop contentes de pouvoir faire leur promotion médiatique sur le dos d'un "De Vinci" inédit pour vraiment vouloir faire preuve de rigueur et de prudence dans leur évaluation de l'œuvre.

C'est ce qui ressort vraiment de ce métrage, qui se fait un malin plaisir à laisser tous ses intervenants face caméra, silencieux, souvent mal à l'aise ou avec un petit sourire satisfait sur les lèvres : le monde de l'art est un monde emplit de magouilles, de corruption, de blanchiment d'argent, etc... et tout le monde semble en être parfaitement satisfait.

On a donc fréquemment envie de baffer les intervenants, entre la restauratrice innocente, le critique d'art exubérant, les spécialistes jaloux qui se tirent dans les pattes, les businessmen qui arnaquent tout le monde et n'ont que l'argent en tête, les oligarques russes aux fonds douteux, les musées hypocrites, les politiciens cherchant à se racheter une virginité, et tout le reste. Tous pourris, en somme.

Cela dit, The Lost Leonardo reste un documentaire intéressant : c'est complet, bien rythmé, et mis en scène comme une enquête policière, donc c'est plutôt réussi, bien qu'occasionnellement un peu manipulateur dans sa forme.

4.5/6

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SEMAINE SÉRIES - Les bilans de Lurdo : Jurassic World - La Colo du Crétacé, saison 4 (2021)

Publié le 6 Mars 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Animation, Comédie, Critiques éclair, Jeunesse, Les bilans de Lurdo, Review, Science Fiction, Science-Fiction, Thriller, Netflix, Télévision, USA

Avec sa saison 3, Camp Cretaceous semblait avoir atteint une conclusion efficace et potentiellement définitive : les jeunes protagonistes avaient quitté l'île d'Isla Nublar, avec au programme une happy end pour quasiment tout le monde, et un aboutissement efficace des diverses sous-intrigues de la série... sauf que Netflix avait clairement une autre idée en tête, puisque la série continue, pour le meilleur et pour le pire. Place donc à cette saison 4 de 11 épisodes, une saison qui ne m'a pas vraiment convaincu...

Jurassic World - La Colo du Crétacé, saison 4 (Camp Cretaceous, season 4 - 2021) :

Six mois après les événements de Jurassic World, Kenji, Yaz, Sammy, Ben, Darius et Brooklynn s'échouent sur une nouvelle île aux biomes multiples. Rapidement, ils découvrent que c'est là un centre d'expérimentations de Mantah Corp, et qu'ils vont devoir tout faire pour protéger les dinosaures qui servent de cobayes à la multinationale...

Une quatrième saison en demi-teinte, à vrai dire, après une troisième saison qui se terminait de manière plutôt satisfaisante. Il faut dire qu'entre le rythme un peu bancal, l'accent prononcé mis sur la romance naissante entre Kenji et Brooklynn, et surtout le côté ultra-technologique de la saison, le tout ressemble presque à une tentative de réorienter la série vers quelque chose de différent, de changer les enjeux, tout en gardant les bases et les personnages.

Le problème, c'est que les bases (limitées) de la série, c'est "un groupe d'ados sont perdus dans Jurassic World alors que le parc a été évacué, et ils doivent survivre aux dinosaures en liberté". Cette saison 4, à contrario, c'est "un groupe d'ados est prisonnier d'un labo ultra-sophistiqué aux biomes multiples façon holodeck de Star Trek, dans lesquels vivent quelques dinosaures, et qui sont gardés par une armés de drones volants, de chiens-robots et de lézards-cyborgs bipèdes tirant des lasers et contrôlés par un trentenaire immature qui travaille pour la grande méchante corporation rivale d'InGen/Masrani, qui tente de télécommander les dinos avec une puce pour les faire se battre".

Forcément, ça change nettement le cadre, les enjeux et le déroulement du tout : plutôt que d'être poursuivis par des dinosaures, les protagonistes sont encore et toujours traqués par les robots de Mantah, ce qui devient rapidement assez répétitif. Les détails et la plausibilité de tout ce côté technologique coincent un peu (une base secrète à la technologie digne de Star Trek, à deux encablures à peine d'Isla Nublar et du parc... mouais). Le personnage de Kash est un peu trop basique et cliché pour faire un antagoniste probant...

Et de manière générale, la saison a tendance à jouer un peu trop la carte de l'émotion facile et manipulatrice, façon "regardez, les enfants, vous les trouvez mignons, nos bébés dinos qui réagissent comme des animaux domestiques ? Et bien les méchants vont les torturer et les télécommander, avec des gros plans sur les yeux pleins de terreur des pauvres bébés. Et puis vous vous souvenez de Bumpy, le dinosaure de Ben ? Et bien on va finir un épisode en vous montrant qu'il est seul sur Isla Nublar, déprimé, et que les enfants lui manquent ! SOYEZ TRISTES, LES ENFANTS !"

Bref, une saison qui ne m'a pas vraiment convaincu : oui, les bébés dinosaures sont mignons, oui, le développement psychologique de certains des personnages est bienvenu (le PSTD de Jaz, notamment), mais dans l'ensemble, la série est partie dans une direction trop peu probante à mon goût, cette année, le Spinosaure faisait presque de la figuration, et tous ces changements n'ont pas forcément fait du bien au programme.

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SEMAINE SÉRIES - Critiques éclair - Star Trek Discovery 4x09-10 (2021)

Publié le 5 Mars 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Review, Science-Fiction, Science Fiction, Star Trek, Télévision, USA, CBS, Discovery

Les épisodes s'enchaînent et la saison 4 de Star Trek Discovery patauge toujours, avec un surplace assez gênant sur le fond qui ne fait rien pour dissimuler une forme toujours aussi faiblarde (notamment les deux derniers épisodes, particulièrement plats)...

Star Trek Discovery, saison 4 (2021) :

- 4x09 - Rubicon : Le Discovery traque Book et Tarka pour les arrêter avant qu'ils ne détruisent l'anomalie, mais Starfleet assigne Nhan à bord, pour éviter que les sentiments de Burnham pour Book ne s'interposent...

Et un épisode inutile de plus, puisqu'il commence par le Discovery qui traque Book et Tarka, et l'anomalie qui menace un nouveau secteur... et qu'il se finit dans la même situation.

Certes, entre deux, Book/Tarka ont fait exploser l'anomalie, qui a (sans surprise) été remplacée sur la lancée par une autre anomalie identique (une entreprise d'exploitation minière ne va pas fermer la mine parce qu'une foreuse est tombée en panne... donc très logiquement, l'espèce 10-c a appelé le revendeur Caterpillar local pour remplacer son équipement/anomalie ^^)... mais c'est de la digression sans intérêt, puisque tout l'épisode repose sur les tensions potentielles entre l'obéissance de Burnham aux ordres de la Fédération, et ses sentiments pour Book.

Au final, elle a choisi ses sentiments, ça a mal tourné... mais tout le monde semble s'en contrefoutre à la fin, un peu de la même manière dont tout le monde semble ignorer joyeusement le fait que Tarka est à bord du vaisseau de Book pendant les 3/4 de l'épisode, et n'a jamais été digne de confiance.

Mais bon... ce qui est dommage, c'est que pour une fois, il y avait là une ébauche de combat spatial en mode "naval", mais que cette ébauche est totalement sabotée par le spore drive magique qui permet aux vaisseaux de se téléporter, par la réalisation qui ne met jamais rien en valeur, et par la résolution à base de grands sentiments et de discussions à cœur ouvert (dont une offre vraiment ridicule faite à Book et Tarka).

M'enfin, il y avait bien Nhan, qui fait toujours plaisir à revoir mais qui n'a servi à rien, et un embryon de romance pour Saru, plutôt sympathique. C'est peu, mais toujours ça de pris.

- 4x10 - The Galactic Barrier : Book et Tarka veulent franchir la Grande Barrière Galactique, tandis que le Discovery fait de même...

Au cas où ma phrase de résumé d'épisode ne serait pas assez claire, encore un épisode de surplace qui voit le Disco tenter de traverser la Grande Barrière Galactique... et c'est tout, ou presque.

Parce que la traversée en elle-même ne prend que quelques instants de l'épisode, laissant plein de temps aux scénaristes pour ronronner et répéter des thématiques familières : ici, les relations tendues entre Burnham et la Présidente, là, la romance naissante de Saru, ailleurs, le jeu des chaises musicales du casting secondaire, avec le retour d'Adira et le départ d'un autre membre du staff, sans oublier un gros retour sur le passé de Tarka... qui se contente de répéter en images et de délayer ce que Tarka avait déjà expliqué à Book dans un épisode précédent (en lui ajoutant une composante sentimentale guère surprenante).

On fait du surplace, donc, on larmoie beaucoup, on parle sentiments,encore une fois, avec cependant, un nouveau rebondissement mélodramatique de dernière minute censé redonner un coup de fouet au scénario : la nouvelle anomalie menace désormais de détruire la Terre, Titan et Ni'Var, et l'équipage n'a plus que quelques jours pour sauver le monde. Forcément.

Ça ne serait pas Discovery si la série n'avait pas pour enjeux la destruction de l'humanité... *soupir*

(et j'espère vraiment qu'on ne va pas découvrir que l'espèce 10c se résume en fait à Oros qui tente de retrouver Tarka...)

(à suivre)

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SEMAINE SÉRIES - Les bilans de Lurdo : Star Trek Prodigy, saison 1 - suite et fin (2021)

Publié le 4 Mars 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Les bilans de Lurdo, Animation, Jeunesse, Review, Science-Fiction, Science Fiction, Star Trek, Télévision, USA, Nickelodeon, Prodigy

Avec sa première moitié de saison moyennement convaincante, car très générique et sous l'influence d'autres franchises (Star Wars, notamment), Prodigy a pourtant su séduire bon nombre de fans de Star Trek (qui, il faut bien l'avouer, sont désormais prêts à bondir sur la moindre incarnation de l'univers de Roddenberry s'élevant un peu au-dessus de la médiocrité de Discovery et de Picard).

Reste que Prodigy peinait à s'établir vraiment comme une série Star Trek, malgré la présence très fanservice de Kate Mulgrew en Holo-Janeway, qui semblait vouloir établir cette série animée comme une sorte de spin-off de Star Trek Voyager...

Star Trek Prodigy, saison 1 - suite et fin (1x06 à 10 - 2022) :

Après avoir échappé au Diviner à bord du Protostar, Dal, Zero, Rok, Murf, Pog et Gwyn tentent de devenir un véritable équipage digne du vaisseau qu'ils ont dérobé, et des enseignements d'Holo-Janeway...

Et cette seconde moitié de saison finit bien de valider le statut de pseudo-spin-off de ce Prodigy, qui continue de jouer la carte du fanservice de Voyager, avec notamment un caméo de Chakotay/Robert Beltran, et une apparition finale de la véritable Janeway.

D'ailleurs, la tendance au fanservice du programme est clairement renforcée, à l'instar des autres productions Trek de Kurtzman (on peut aussi mentionner l'épisode sur le Kobayashi Maru, avec son équipage holographique composé d'un best-of des personnages de la franchise, aux dialogues bancals extraits d'épisodes préexistants - pas la meilleure idée de la production, honnêtement, et pas une grande réussite technique, y compris au niveau de la mise en musique, avec sa version libre de droits de Thunderstruck).

Heureusement, grosse différence avec les Discovery et autres Picard : Prodigy met fortement en avant l'esprit d'équipe, l'unité, l'espoir et la bienveillance, là où les autres productions Kurtzman ne semblent pas pouvoir s'empêcher de proposer une version sombre et désabusée de l'univers Trek, et de vénérer une figure héroïque centrale, centre de gravité du récit et des événements, ce qui se fait au détriment du développement des personnages secondaires.

Ici (et c'est probablement une conséquence du format court et de l'âge du public visé), c'est l'union de cet équipage hétéroclite qui est privilégiée, et le développement de chacun des membres de l'équipage du Protostar, supervisé par Janeway.

Les épisodes prennent d'ailleurs un côté Star Trek plus prononcé que dans les autres programmes, avec donc le Kobayashi Maru, un premier contact compliqué avec des êtres de sable, une distorsion temporelle, et un dilemme moral final entre liberté et mission de sauvetage : des événements qui restent toujours liés à l'intrigue principale, sans jamais perdre leur identité intrinsèque.

Une bonne surprise, donc, qui semble orienter la série vers quelque chose de plus fidèle à la franchise. Reste une question : à qui se destine réellement Prodigy ?

La grosse dose de fanservice et les liens directs avec Voyager (jamais vraiment expliqués à l'écran, d'ailleurs, ce qui doit laisser les jeunes spectateurs perplexes) laissent entendre que les vieux fans de la franchise et les nostalgiques de Voyager (parce que oui, il y en a malgré la qualité toute relative du programme) sont visés. Les personnages, la direction artistique et le récit global, eux, sont typiques d'une série pour enfants. Et le fait que la moitié de la saison 1 soit à peine liée à l'univers Trek donne l'impression d'un show plutôt destiné à attirer les personnes n'ayant jamais vu un Star Trek de leur vie.

En tentant de toucher tous ces publics à la fois, Prodigy prend le risque de s'éparpiller ou de tomber à plat (cf l'épisode du Kobayashi Maru) ; pour le moment, ça fonctionne, mais maintenant que l'intrigue principale du Diviner semble bouclée (du moins pour un temps), reste à voir comment la série rebondira.

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SEMAINE SÉRIES - Les bilans de Lurdo : Psych 3 - This is Gus (2021)

Publié le 3 Mars 2022 par Lurdo dans Comédie, Cinéma, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Policier, Review, Télévision, USA

Après un second téléfilm Psych au scénario faiblard, mais entièrement articulé autour du retour de Tim Omundson et du personnage de Lassiter au sein de l'équipe après son accident cérébral, Psych remet le couvert, pour un nouveau métrage cette fois-ci centré sur Gus, dont la vie est sur le point de connaître de nombreux bouleversements....

Psych 3 - This is Gus (2021) :

Gus (Dulé Hill) est sur le point d'épouser Selene (Jazmyn Simon), et le stress du mariage commence à peser lourd sur sa gestion du stress. D'autant qu'en parallèle, Shawn (James Rodriguez) semble persuadé que Selene leur cache des choses sur son passé... et il pourrait bien avoir raison.

À ce point de leur existence, les téléfilms Psych ne sont plus qu'un moyen, pour leur distribution, de se retrouver entre amis le temps d'un tournage, et de rire un peu en parodiant ou en faisant des références à des films, des séries, et autres éléments de la pop culture.

Ici, en l'occurrence, la parodie de This is Us, directement copiée dans le poster de ce troisième métrage diffusé sur Peacock (la plateforme de streaming de NBC), l'écran-titre de cet épisode, qui singe le logo animé Marvel de bien belle manière, ou encore le vidéo-clip de fin, qui parodie Last Christmas de Wham ! : les spectateurs habitués de la série ne seront pas étonnés de voir que la production s'est fait plaisir, et que, comme bien souvent, ces digressions sont plaisantes, mais loin d'être indispensables.

Cela dit, elles font partie de l'ADN de la série, et il serait bien dommage de s'en priver aujourd'hui. Alors certes, cela donne toujours à ces épisodes XXL un rythme un peu inégal, mais ce Psych 3 m'a paru mieux structuré, mieux développé, et moins victime des circonstances ayant entouré les deux précédents téléfilms.

D'autant plus que Omundson s'est vraiment bien remis de ses problèmes de santé, et peut à nouveau tenir un rôle plus important. C'est d'ailleurs peut-être ça qui frappe le plus dans ce Psych 3 : tout le monde a quelque chose à faire, tous les personnages ont un minimum de développement, et tout le monde est au diapason du duo principal, y compris les seconds rôles comme Katie Findlay ou Allen Maldonado.

Ce qui se traduit, çà et là, par du surjeu cabotin (toute la fin, le mariage/accouchement/exorcisme) une nouvelle fois pas indispensable, mais bon - Psych reste Psych, ces réunions de famille font toujours plaisir, et c'était probablement là mon métrage préféré des trois épisodes spéciaux de 90 minutes tournés à ce jour.

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SEMAINE SÉRIES - Les bilans de Lurdo : Inside Job, saison 1 (2021)

Publié le 2 Mars 2022 par Lurdo dans Comédie, Critiques éclair, Review, Télévision, Fantastique, Science-Fiction, USA, Animation, Netflix

Comédie animée Netflix en dix épisodes d'une petite demi-heure, Inside Job est supervisée par Alex Hirsch (Gravity Falls), et showrunnée par Shion Takeuchi (une scénariste de Gravity Falls, entre autres), pour un passage en revue moqueur de toutes les conspirations du Web et de la société américaine, au travers des actions de la société Cognito, Inc...

Inside Job, saison 1 (2021) :

Le quotidien de Cognito, Inc (une société secrète travaillant pour l'État Profond du gouvernement américain, et gérant toutes les conspirations et secrets d'état du pays) et de ses employés : J.R. (Tim Daly), le PDG aux ordres d"un sinistre conseil masqué ; Reagan (Lizzy Caplan), ingénieure géniale et asociale dépourvue de toute empathie ; Brett (Clark Duke), un jeune cadre dynamique apprécié de tous ; Gigi (Tisha Campbell), publiciste responsable de la communication ; Glenn (John DiMaggio), militaire hybride homme-dauphin en charge de la réponse armée ; le Dr. Lee (Bobby Lee), expert en drogues expérimentales ; et Magic Myc (Brett Gelman), un champignon extraterrestre sarcastique et télépathe...

Une série d'animation typiquement de son époque, à vrai dire, tant d'un point de vue sociétal que d'un point de vue formel : Inside Job est en effet de ces séries d'animation très référentielles, qui aiment parsemer leurs épisodes d'une multitude de clins d'œil et de renvois à d'autres œuvres ou à l'actualité, un peu comme Star Trek : Lower Decks, dans son genre.

D'ailleurs, la comparaison avec Lower Decks s'est imposée à moi à de multiples reprises, durant ce visionnage : comme Lower Decks (et pas mal de séries modernes dans le moule de Rick & Morty ou South Park), Inside Job possède une structure "en crescendo", avec des épisodes qui commencent en douceur, avant de monter en puissance et de finir dans une cacophonie frénétique poussant leur concept dans leurs retranchements les plus absurdes. Un peu comme Mariner dans Lower Decks, Reagan a des rapports particulièrement tendus et conflictuels avec ses parents, qu'elle supporte à peine, qui motivent son comportement névrosé et immature, et qui finissent par phagocyter la série. Et comme Lower Decks, le tout a fréquemment tendance à être gueulard, frénétique et épuisant (surtout visionné au format binge watching de Netflix).

Tout ça pour dire qu'en regardant Inside Job, je me suis retrouvé en terrain très familier : comédie de bureau, personnages assez caricaturaux, ressorts comiques décalés, dynamique globale, pour un tout ma foi assez facile à suivre... mais qui ne m'a pas marqué outre-mesure.

Peut-être est-ce parce que, finalement, se moquer de toutes les conspirations possibles et imaginables (comme pouvaient le faire les Lone Gunmen d'X-files) est nettement moins amusant aujourd'hui, alors que la désinformation et les fake news en tous genres se multiplient de manière exponentielle, que la bêtise et la crédulité humaine n'ont jamais été aussi importantes, et que le complotisme fait partie intégrante de la moitié de la scène politique américaine.

Peut-être est-ce le côté beurre et argent du beurre de la série, assez clair dans un épisode comme le 1x05, The Brettfast Club, qui se moque ouvertement de la nostalgie envers les 80s et de son exploitation décomplexée par les médias actuels... tout en passant la demi-heure de l'épisode à utiliser les codes, l'esthétique, les références, etc, de cette décennie, en parodiant ET, Footloose, Stranger Things, et en bourrant le tout de coups de coude au spectateur et de fanservice.

Ou peut-être est-ce tout simplement un symptôme de mon manque d'affinité pour ce style d'animation assez populaire actuellement, et pour ces personnages immatures et abrasifs aux névroses directement imputables à leurs parents (Lower Decks, Inside Job, Final Space). Il n'est donc pas forcément très surprenant de constater que mon intérêt dans cet Inside Job a lentement décliné à mesure que le show se cristallisait autour du père de Reagan, tentait de jouer la carte de l'émotion, etc, jusqu'à sa conclusion très prévisible.

Mais bon, peu importe. En soi, la série est assez rythmée, inventive et décomplexée pour que l'on passe un bon moment devant... mais encore une fois, ça s'est arrêté là pour moi.

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SEMAINE SÉRIES - Critiques éclair - Star Trek Discovery 4x07-08 (2021)

Publié le 1 Mars 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Review, Science-Fiction, Science Fiction, Star Trek, Télévision, USA, CBS, Discovery

Laborieuse, cette première moitié de saison, tour à tour générique au possible, puis soporifique, avant de s'enfoncer toujours plus dans le Star Trek-thérapie, où tous les personnages (même l'ordinateur de bord) souffrent de nombreux traumas psychologiques, et parlent constamment de leurs sentiments dans un grand débordement de violons larmoyants...

Star Trek Discovery, saison 4 (2021) :

- 4x07 - ... But to connect : Alors que Zora refuse soudain d'aider l'équipage du Discovery, amenant une partie de ce dernier à s'interroger sur l'indépendance de l'ordinateur de bord, Burnham est occupée par un conseil de la Fédération, qui doit décider de la marche à suivre vis à vis de l'anomalie...

C'est amusant : en théorie, un débat sur la sentience de l'ordinateur de bord du vaisseau, couplé à un autre débat sur un choix entre l'utilisation d'une arme de destruction massive ou de la diplomatie pour gérer l'anomalie, ça rentre totalement dans ce que j'attends de Star Trek et de la franchise dans son ensemble.

Et pourtant, dans les faits, tout est écrit de manière tellement pataude et surlignée, privilégiant l'émotion sirupeuse, les réactions forcées et les discours mélodramatiques aux gros violons envahissants, que finalement, ça a l'effet inverse sur moi. Plutôt que d'être touché ou séduit par le propos de l'épisode, je ne peux m'empêcher de lever les yeux au ciel en entendant Zora déclarer qu'elle est émue "to be seen" (encore ce vocabulaire très connoté, qui avait été déjà utilisé, dans les mêmes termes, lorsque Gray s'était incarné, et qu'il avouait être ému "to be seen") ; plutôt que d'être pris par les enjeux diplomatiques de la conférence, je ne peux m'empêcher de soupirer devant le grand discours de Burnham (et son montage alterné sur celui de Stamets), devant ces extraterrestres aux maquillages caoutchouteux (c'est vraiment un problème depuis le tout début de la série, et ça ne s'améliore pas - cf la tronche pitoyable des nouveaux Ferengis), ou encore devant ces intrigues à la résolution télégraphiée.

Plus gênant : c'est un épisode de mi-saison, supposément conçu comme un cliffhanger... et les enjeux sont plats au possible. Le mystère de l'espèce 10-c risque bien d'avoir une résolution insipide, les actions de Booker seront pardonnées, le background du scientifique risan manipulateur a été trop catapulté pour vraiment intriguer, bref... bof.

- 4x08 - All In : Burnham et Owosekun retrouvent Book et Tarka dans un casino extraterrestre où les deux groupes entrent en compétition pour un minerai rarissime...

En voyant cet épisode, on comprend tout de suite que la production de Discovery n'avait absolument pas prévu la pause de multiples semaines séparant le 4x07 du 4x08 : il n'y a pas le moindre suspense, la moindre tension, et surtout, ce 4x08 n'est rien de plus qu'un épisode de remplissage, qui fait du surplace du début à la fin de ses 50 minutes.

C'est d'ailleurs aussi la preuve, s'il en fallait une, que Discovery est incapable de gérer les variations de ton, de genre ou d'humeur : toutes les séries du monde (ou presque) ont eu droit à un épisode dans un casino, ou à dans un night club mal famé, et il paraît évident qu'il faut alors manier un ton léger et imposer du rythme à l'épisode pour que cela fonctionne.

Ici, rien de tout cela. Le passage au casino est bavard ; on devine immédiatement en voyant le ring hexagonal en arrière-plan, et en remarquant que Owo a plus de deux lignes de dialogue, qu'elle va aller se battre (assez mal, d'ailleurs, et pas aidée par la réalisation plate) ; la partie de poker est insipide (et tout le monde cabotine) ; et la traque du changelin... ne sert à rien.

Il y a bien Daniel Kash, plutôt amusant en patron de casino, mais ça s'arrête là : ce huitième épisode est une belle perte de temps qui n'apporte rien, et ce n'est pas la scène de conclusion qui sauve vraiment les meubles en sous-entendant l'existence d'une sphère de Dyson 2.0.

(à suivre)

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SEMAINE SÉRIES - Les bilans de Lurdo : Marvel's Hit-Monkey, saison 1 (2021)

Publié le 28 Février 2022 par Lurdo dans Action, Animation, Aventure, Comédie, Critiques éclair, Disney, Fantastique, Drame, Les bilans de Lurdo, Marvel, Review, Thriller, Télévision, USA, Hulu

Un peu à l'instar de MODOK, voici une nouvelle production Marvel Animation mise en chantier bien avant la fusion Fox/Disney, et qui, suite à la fermeture des studios Marvel TV, a été ensuite conservée par le studio de Mickey pour une diffusion sur Hulu.

Au programme, 10 épisodes d'une vingtaine de minutes, chapeautés par les réalisateurs de Blades of Glory et de Joyeux Bordel !, pour une histoire improbable de singe tueur à gages accompagné d'un fantôme très bavard...

Marvel's Hit-Monkey (2021) :

Parce que son clan a été massacré par des assassins traquant Bryce Fowler (Jason Sudeikis), un tueur à gages blessé caché au milieu des montagnes enneigées du Japon, Hit-Monkey (Fred Tatasciore), un macaque en colère, décide de se venger des yakuzas responsables de cet acte et, accompagné par le fantôme sarcastique de Fowler, qui lui fait découvrir le monde des humains, il part pour Tokyo, alors en pleine élection du nouveau Premier Ministre japonais, afin de nettoyer les rues de la ville de la pègre qui l'envahit...

N'étant pas très fans de tout ce qui est ambiance japonaise et histoires de yakuza et de pègre asiatique, j'avoue avoir entamé cette série d'animation avec une certaine méfiance, d'autant plus que j'ignorais tout de l'histoire et des personnages.

Et puis, finalement, malgré une animation parfois inégale (certains épisodes semblent un peu sommaires, d'autres sont nettement plus expérimentaux), certains personnages inutiles (du côté de la police, notamment) et un aspect finalement assez dérivatif (Kill Bill est passé par là, dans le genre hommage et références à tout cet univers), j'ai fini par me laisser séduire par cette histoire improbable de macaque tueur à gages réticent et tourmenté, accompagné d'un fantôme humain à la langue bien pendue (Archer n'est pas loin, et si la série avait été adaptée en prises de vue réelles, nul doute que Ryan Reynolds aurait eu le rôle), et qui évolue dans un Tokyo peuplé d'esprits (Yuki, le fantôme protecteur de la ville), de super-méchants (Lady Bullseye, le Silver Samuraï) et de caïds déglingués aux capacités surhumaines (Ogun, par exemple).

Une histoire qui, bizarrement, n'oublie pas de se montrer plus sensible et émouvante entre deux gerbes de sang, des scènes d'action très violentes et un humour qui fonctionne : Monkey ne se sent pas à sa place chez les humains ou chez les singes, sa relation avec Bryce devient de plus en plus compliquée, il s'éprend vaguement de la nièce du candidat aux élections, et lorsqu'il tente de renouer avec son espèce en partant dans les montagnes, il n'amène avec lui que violence et désolation.

D'ailleurs, c'est peut-être là mon seul vrai bémol en ce qui concerne cet aspect de la série : l'épisode 08, plus "émotionnel", se consacre donc au retour de Monkey chez les singes, mis en parallèle de l'origin story de Bryce, avec son enfance difficile, etc. Et ces deux sous-intrigues m'ont semblé un peu trop faciles et convenues, une manière simpliste d'expliquer les traumatismes des deux personnages - après, peut-être était-ce déjà comme ça dans les comic-books, mais bon...

(et puis il faut reconnaître que la série ne brille pas forcément par son originalité, donc ces clichés sont finalement assez logiques, je suppose)

Le reste de la série s'articule autour des différents "caïds" de la pègre, dont Monkey et Bryce remontent les échelons un par un, passant par des environnements assez variés : pas le temps de s'ennuyer, tout est plutôt bien géré, c'est dynamique et bien doublé, bref, ça marche plutôt bien, même si par moments, l'illustration musicale un peu hipster cool rétro-60s (chansons en français, etc) se marie mal avec le reste du programme.

Ça mérite un coup d'œil, donc, si on aime le genre, en regrettant tout de même que la porte ouverte sur une saison 2 ne débouchera probablement sur rien.

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Critiques éclair - Star Wars : Le Livre de Boba Fett - 1x07 + bilan (2021)

Publié le 27 Février 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Critiques éclair, Disney, Les bilans de Lurdo, Science Fiction, Science-Fiction, Star Wars, Review, Télévision, USA, Boba Fett

Après quatre premiers épisodes assez décevants, Le Livre de Boba Fett a enfin passé la seconde... pour deux épisodes se consacrant presque totalement au Mandalorien et à Grogu. Un joli paradoxe inhérent à la série, et qui devrait trouver une résolution dans cet ultime épisode de la saison...

Star Wars : Le Livre de Boba Fett 1x07 + bilan (The Book of Boba Fett, season 1 - 2021) :

- 1x07 - Tous les clans de Mos Espa trahissent Boba et l'attaquent simultanément, aux quatre coins de la ville ; retranché avec une poignée d'alliés, Fett se prépare à un siège sans issue...

Un épisode final assez symptomatique de la série, en cela qu'il est efficace dans l'action, et beaucoup plus intéressant sur le front du Mandalorien (qui retrouve ici Grogu) que sur celui de son personnage-titre (tout en continuant de sous-exploiter Ming-Na Wen).

Pour ce final, donc, Robert Rodriguez revient derrière la caméra, et se fait plaisir avec d'innombrables séquences western, des clins d'œil à King Kong et Godzilla, et de l'action, de l'action, de l'action.

Pas beaucoup de surprises au programme, cependant : tous les personnages amenés au fil de la saison reviennent ici sous une forme ou une autre, tout est logique, mais aussi... fortement prévisible, à l'image du petit dôme/cockpit transparent du vaisseau du Mandalorien, qui dès sa première apparition à l'écran téléphonait largement toute l'évolution de la sous-intrigue Grogu, ainsi que l'image finale de la saison.

Ça reste efficace dans sa mise en images, ça se regarde, mais ça s'arrête là.

- Bilan saisonnier -

On avait pourtant été prévenus par la production, bien avant la diffusion du programme : Le Livre de Boba Fett n'était pas une série à part entière, mais une saison 2.5 du Mandalorien.

Et dans les faits, c'est tout à fait exact, avec quatre premiers épisodes consacrés à Boba, et la dernière partie de la saison très axée sur Mando et Grogu. Il n'y a donc jamais eu tromperie sur le produit proposé... mais ce produit est tellement mal dosé/équilibré et structuré qu'on peut se demander si un peu plus de recul n'aurait pas été nécessaire avant de se lancer dans une telle saison.

D'autant que l'écriture du Mandalorien était déjà loin d'être exempte de défauts, avec un démarrage assez mollasson et des digressions pas toujours pertinentes. Sans surprise, donc, on retrouve ces soucis ici, décuplés par une volonté de se concentrer exclusivement, dans un premier temps, sur Boba et Fennec et sur des flashbacks répétitifs et convenus.

Après, c'était aussi partiellement voulu : la série a clairement opté pour une optique western, et a clairement décidé de transposer tous les clichés du genre dans l'univers Star Wars, avec les Hommes des sables en lieu et place des Indiens, et tout et tout. Mais ce n'est pas parce que c'était voulu que c'était nécessairement réussi.

Au final, on se retrouve donc avec quatre épisodes sur Boba, qui auraient pu être condensés en 90 minutes, voire intégrés aux trois derniers épisodes en flashbacks. D'autant que malgré les sept épisodes de cette série, les motivations et la caractérisation de Boba peinent toujours à convaincre - autant s'en passer, honnêtement, et laisser planer le mystère sur le chasseur de primes, plutôt que de lui donner un background basique façon Danse avec les Loups.

Bref. Du Livre de Boba Fett, on ne retiendra vraiment que les deux épisodes consacrés au Mandalorien, et quelques scènes çà et là. Vraiment un projet de transition, en somme, reste à voir ce qui viendra ensuite.

En tout cas, je revois nettement mes attentes à la baisse pour la série Obi-Wan, surtout avec le scénariste du Roi Arthur de Guy Ritchie et de l'Army of the Dead de Snyder à l'écriture.

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Critiques éclair - Star Trek Discovery 4x05-06 (2021)

Publié le 26 Février 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Review, Science Fiction, Science-Fiction, Star Trek, Télévision, USA, CBS, Discovery

Après deux premiers épisodes qui retrouvaient (pour le meilleur et pour le pire) la formule habituelle de la série, et deux épisodes suivants particulièrement soporifiques et faisant du surplace, Star Trek Discovery semble bien mal partie pour redresser la barre... mais on n'est jamais à l'abri d'une surprise.

Star Trek Discovery, saison 4 (2021) :

- 4x05 - The Examples : Alors que le Discovery et la Fédération doivent évacuer une colonie menacée par l'anomalie, Burnham et Booker découvrent qu'une poignées de détenus sont encore enfermés dans leur prison. En parallèle, un célèbre scientifique risan (Shawn Doyle) arrive à bord pour tenter de percer les secrets de l'anomalie...

Ah, il y a du mieux, probablement parce que l'épisode est formellement plus Trekkien, dans le sens traditionnel du terme, avec son génie scientifique arrogant d'un côté, et son dilemme moral de l'autre (assez convenu, mais joliment interprété par Michael Greyeyes).

Bon, cela dit, ça n'empêche pas le tout de paraître assez forcé : le raisonnement logique amenant à la découverte des origines artificielles de l'anomalie sort un peu de nulle part et paraît catapulté (quand bien même, Discovery oblige, on s'en doutait), surtout après quatre épisodes durant lesquels on ne savait absolument rien du phénomène : là, soudain, en un claquement de doigts, on en connaît tout le fonctionnement, et on devine qu'elle est fabriquée par quelqu'un ; le délai ultra-serré de l'évacuation paraît bien artificiel, histoire d'imposer un rythme et du suspense à l'épisode ; les scènes de pseudo-action opposant Burnham/Booker aux systèmes de sécurité de la prison ne sont là que pour étoffer un peu l'épisode...

Bref, il y a du mieux, comme je le disais, mais il reste plein de scories, comme ce passage éclair de Tig Notaro, dont la production s'est soudainement souvenue de l'existence, ou encore le fait qu'une fois de plus, c'est Burnham qui sauve tout le monde, pendant que le reste de l'équipage reste à bord du vaisseau...

- 4x06 - Stormy Weather : Le Discovery s'engage dans la faille subspatiale créée par l'anomalie, pour tenter d'en découvrir l'origine. Mais l'espace qui s'y trouve est corrosif, et le vaisseau est rapidement en danger...

Au. Secours.

Pourtant, au début, j'étais enthousiaste : un épisode d'exploration de l'espace occupé par l'anomalie, réalisé par Jonathan Frakes, et qui semblait partie pour adopter une structure assez classique, très SF (le postulat évoque ainsi de multiples épisodes préalables de Star Trek, ce qui n'est pas forcément un mal, en théorie : l'originalité, c'est bien, mais il est toujours possible de parvenir à aborder un sujet familier sous un angle original).

Et puis non, l'épisode retombe rapidement dans le tout-thérapie habituel de la série, avec ces personnages qui se confient en long, en large et en travers sur leurs sentiments et leurs traumatismes émotionnels et psychologiques.

Ici, c'est Zora, l'ordinateur du vaisseau, qui nous fait une crise d'anxiété (!), résolue grâce aux conseils de Gray (il faut bien que le personnage serve à quelque chose) et de Burnham (forcément). Une Zora qui s'épanche sur ses états d'âme, et qui finit même par chanter une petite chanson à Michael lors d'un moment de grande tension (qui est, à l'écran, assez ridicule, honnêtement).

À côté, Booker a aussi des états d'âme dont il débat avec une vision de son père défunt, dans une sous-intrigue qui fait très clairement pièce rapportée... et comme le plus gros de l'épisode est occupé par tous ces dialogues pleins de pathos et d'émotion, ça ne laisse que peu de place à la cohérence et à la logique.

On se retrouve ainsi avec un équipage aux décisions impulsives et discutables, avec énormément de technoblabla encore plus approximatif que d'habitude, avec de grosses ficelles narratives assez bancales, et avec des scènes qui font grincer des dents, comme cette marche au ralenti de Burnham sur fond de musique dramatique et de gerbes d'étincelles, ou encore la chanson de Zora - parce que oui, plus que jamais, seule Burnham est capable de sauver tout l'équipage, en restant seule aux commandes du vaisseau alors que tout le monde se met à l'abri.

C'est assez lassant, et l'hypothèse d'une menace venue d'outre-galaxie me laisse en plus assez dubitatif.

 

(à suivre)

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Un film, un jour (ou presque) #1588 : Uncharted (2022)

Publié le 25 Février 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Histoire, Romance, Review, USA

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Uncharted (2022) :

Nathan Drake (Tom Holland), jeune arnaqueur passionné d'histoire, est recruté par Sully (Mark Wahlberg), un chasseur de trésors, pour tenter de retrouver le trésor de Magellan, perdu il y a plus de 500 ans par la Maison Moncada. Une course autour du monde s'engage alors entre Drake, Sully et Santiago Moncada (Antonio Banderas), avec pour enjeu plus de 5 milliards de dollars en or et en métaux précieux...

Soyons honnêtes : même sans avoir joué à tous les jeux de la franchise (et c'est mon cas, j'ai uniquement joué aux deux premiers), les caractéristiques principales d'Uncharted sont flagrantes. Un protagoniste baroudeur sarcastique (à la Indy) ressemblant physiquement à (et sonnant comme) Nathan Fillion, une relation ludique avec Sully, son mentor moustachu, des fusillades à gogo, des aventures aux quatre coins du globe, des puzzles à résoudre, de l'escalade, et des cascades spectaculaires et cinématographiques.

Donc forcément, quand après près de 15 ans au point mort, en development hell, cette adaptation filmique de la saga vidéoludique (confiée à trois scénaristes et au réalisateur de Venom et de Zombieland) ne garde qu'une fraction de ces points essentiels (et ne les exploite vraiment qu'à la fin du métrage), ça coince.

À commencer par le casting : j'aime beaucoup Tom Holland, il est attachant, mais il n'a absolument rien de Nathan Drake, même en version Begins - pas vraiment l'humour ou le répondant, pas le côté baroudeur, pas d'alchimie avec Sully (un Wahlberg autrefois envisagé pour le personnage titre, et ici en pilotage automatique et en débardeur pour montrer ses muscles)... au moins, à défaut d'utiliser des armes à feu (il le fait dans une scène vers la fin du film, et le métrage en profite pour placer enfin le thème musical des jeux, mais c'est très bref), il fait du parkour et de la musculation, c'est déjà ça et ça plaira aux fans de l'acteur.

Donc Drake n'est pas ultra convaincant, Sully non plus, Banderas fait de la figuration (Chloé s'en sort mieux), les fusillades sont aux abonnés absents dans le métrage, les puzzles sont assez génériques et pas très intéressants dans leur mise en image, les aventures internationales sont étrangement étriquées et claustrophobiques, et enfin, les cascades paraissent bizarrement mollassonnes : encore une fois, lorsque Tom Holland fait du parkour, c'est efficace, quand il est remplacé par des doublures numériques lors de grandes cascades défiant toutes les lois de la physique et de la plausibilité (à la Fast and Furious), ça coince - oui, c’était déjà comme ça dans les jeux, mais à l’écran, en prises de vue supposément réelles, ça ne passe pas.

Et puis je pourrais citer la musique, ici totalement insipide (merci Djawadi, une fois de plus), le rythme en dents de scie, le montage très moyen des scènes d'action, le caméo pataud de Nolan North, ou encore une cruelle absence de fun, de personnalité et d'énergie tout au long d'un métrage qui est plus près d'un Benjamin Gates 2 que d'un Indiana Jones...

2.5/6 (à peu près comme le Tomb Raider de Vikander, en fait)

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Un film, un jour (ou presque) #1587 : Club Eden - L'Île aux Fantasmes (1994)

Publié le 24 Février 2022 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Policier, Review, Romance, Thriller, USA

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Club Eden - L'Île aux Fantasmes (Exit to Eden - 1994) :

Parce qu'Elliot (Paul Mercurio), un photographe, a pris sans le savoir un cliché compromettant d'Omar, un trafiquant de diamants, ce dernier (Stuart Wilson), accompagné de sa cruelle compagne Nina (Iman), tente de mettre la main sur la pellicule. Mais Elliot vient de partir pour l'île d'Eden, un centre de vacances sado-masochiste où le photographe découvre le milieu, et rencontre la séduisante maîtresse Lisa (Dana Delany). Et pour ne rien arranger, deux policiers maladroits (Dan Aykroyd, Rosie O'Donnell) sont incognito sur place, pour tenter d'arrêter Omar et Nina...

Une adaptation assez WTF (j'avais envie de dire "libre" mais à ce niveau de n'importe quoi, ce n'est plus de la liberté) d'un roman d'Anne Rice (dans sa période "j'écris des récits sado-maso pour adultes sous un pseudonyme"), transformé par Garry Marshall (le réalisateur de Pretty Woman) en buddy comedy policière vaguement libidineuse mettant en scène un Dan Aykroyd et une Rosie O'Donnell (à la narration en voix off assez mauvaise) traquant un méchant trafiquant, et confrontés aux excentricités BDSM d'une île où tous les fantasmes sont exaucés.

Ça racole de partout (en même temps, avec un tel sujet, il aurait été hypocrite de produire une comédie tous publics : ici, il y a de la nudité gratuite et frontale, ça parle de sexe, ça couche, etc), ça prend l'eau de partout (Paul Mercurio est franchement transparent, la romance principale n'est ni sexy ni intéressante, l'humour est particulièrement plat), ça ressemble très souvent à un résumé wikipédia du sadomasochisme ou à un "Le BDSM pour les nuls", c'est ultra-daté (notamment musicalement, avec plusieurs morceaux d'Enigma), bref, il n'y a absolument rien qui fonctionne dans ce qui se veut une comédie policière sexy, mais n'est paradoxalement jamais drôle, jamais sexy, et pas très policière, en plus d'être bien loin de la romance sulfureuse écrite par Anne Rice.

1.5/6

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Un film, un jour (ou presque) #1586 : The King's Man - Première Mission (2021)

Publié le 23 Février 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Histoire, Review, UK, USA

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The King's Man - Première Mission (The King's Man - 2021) :

En 1914, alors que la paix entre les peuples d'Europe est menacée par les manigances du mystérieux Berger, le Duc d'Oxford (Ralph Fiennes) tente d'empêcher le chaos mondial à l'aide de ses fidèles compagnons, Polly Watkins (Gemma Arterton) et Shola (Djimon Hounsou). Mais face à eux se dressent tous les sbires du Berger, au rang desquels le cruel Raspoutine (Rhys Ifan)...

Les deux premiers Kingsman, malgré leurs défauts, parvenaient à être des pastiches de films d'espionnage à la James Bond sympathiques et modernes, non seulement grâce à la bonne alchimie de son duo de tête Firth/Egerton, mais aussi et surtout parce que les films ne se prenaient jamais au sérieux, que ce soit au travers d'une explosion de têtes symphonique, ou d'un Elton John faisant du kung-fu.

On sentait alors que Matthew Vaughn rêvait de faire un James Bond, mais que son second degré l'empêchait de verser dans un film d'action trop droit dans ses bottes.

Ici, avec ce troisième volet de la saga... Vaughn fait tout l'inverse. Il change son fusil d'épaule et, un peu comme s'il avait récemment vu 1917, il a décidé de faire un film de guerre sur les horreurs de la Première Guerre Mondiale, sur les tares de l'Empire britannique de l'époque, et tout et tout... en oubliant le second degré au passage.

C'est bien simple, la seule scène qui ressemble, de près ou de loin, au ton des deux premiers Kingsman, c'est ce moment où Raspoutine (excellent Rhys Ifan) guérit la jambe de Ralph Fiennes à coups de langue, avant de s'engager dans un combat tourbillonnant sur l'Ouverture 1812 de Tchaikovski : subitement, au bout de près d'une heure, le film se sort brièvement de sa torpeur pour partir dans un grand n'importe quoi virevoltant et rythmé, avec de l'humour, des cascades, etc.

Malheureusement, Raspoutine est probablement tout ce que l'on retiendra de ce troisième volet bipolaire, qui semble tellement vouloir proposer un film de guerre et d'espionnage sérieux que ses brèves saillies dans l'univers Kingsman paraissent presque déplacées. Ce qui n'aide pas, en plus, c'est que le film n'a pas de duo principal aussi solide et dynamique que Firth/Egerton : en tant que père et fils, Fiennes et Harris Dickinson passent leur temps à être séparés, ou à marcher mollement dans les traces du duo des deux premiers films, sans jamais marquer vraiment les esprits.

À l'identique, les dialogues semblent nettement plus plats et le rythme largement absent : doit-on voir dans l'absence de Jane Goldman au scénario la raison de ce virage vers quelque chose de moins décalé et amusant ? Est-ce que son influence, dans les films précédents (loin d'être parfaits, encore une fois), explique tous ces ressorts narratifs éventés, que le film présente pourtant comme des révélations improbables (l'identité du grand méchant, la scène du générique de fin avec l'homologue de Lenine) et ces scènes d'action étrangement inégales (un peu trop d'accélération des mouvements, de câblage, çà et là) ?

Difficile à dire, mais une chose est sûre, ce Kingsman 3 manque cruellement de fun et d'énergie, en plus de se prendre diablement au sérieux.

2.25/6

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Un film, un jour (ou presque) #1585 : That's Sexploitation ! (2013)

Publié le 22 Février 2022 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Documentaire, Histoire, Review, Romance, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

That's Sexploitation ! (2013) :

Un long documentaire de plus de deux heures qui, dans la droite lignée de Schlock ! ou de American Grindhouse, se propose de retracer l'histoire du genre de la sexploitation, dans tout ce qu'il a de plus érotique, de plus trash, de plus excentrique, de plus libidineux, de plus racoleur et de plus ludique.

Depuis les années 20 jusqu'à nos jours, ce documentaire indépendant réalisé et présenté par Frank Henenlotter (la trilogie des Frères de Sang, Frankenhooker, Elmer le Remue-Méninges...) présente ainsi les différentes facettes du genre, débutant par les débuts timides des années 20, les pseudo-films d'éducation sexuelles et de prévention contre la drogue des années 30, puis passant par les films d'aventure exotiques dans lesquels des sauvages ou des gorilles enlevaient des femmes sans défense, les films de nudistes, avant d'attaquer les films "pour soldats" des années 40 et autres pin-ups, l’essor du burlesque (sur scène comme sur les écrans) dans les années 50, le retour des films de nudistes dans les années 60, et enfin les tendances plus dévergondées de cette décennie - drogues, lesbiennes, violence...

Tout cela, jusqu'à l'explosion du porno hardcore dans les cinémas de quartier, une explosion qui a signé la fin de la sexploitation softcore à proprement parler.

Un métrage pas inintéressant, en soi... mais particulièrement fatigant sur la longueur. Il faut dire que si le film conserve toujours une approche ludique et rigolarde de son sujet, il se complait aussi dans de longs montages d'images d'archive, illustrant chaque période, chaque sujet, chaque sous-genre pendant probablement trop longtemps.

Il arrive en effet un moment où le spectateur décroche un peu devant tant d'images répétitives, et finit par se lasser d'écouter David F. Friedman (littéralement au bout de sa vie, puisqu'il est décédé avant la sortie du métrage) raconter sa carrière en détails.

Ajoutez à cela une conclusion un peu précipitée, et voilà : un documentaire cinéphile et polisson pas désagréable, mais qui aurait bénéficié d'être amputé d'une bonne demi-heure, et qui, en l'état, finit par être laborieux à regarder.

2.75/6

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Un film, un jour (ou presque) #1584 : Retour au bercail (2021)

Publié le 21 Février 2022 par Lurdo dans Review, Critiques éclair, Cinéma, Comédie, Jeunesse, Aventure, Animation, Netflix, Australie, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Retour au bercail (Back to the Outback - 2021) :

Maddie (Isla Fisher), serpent d'un sanctuaire animalier australien, en a plus qu'assez d'être présentée comme un animal mortellement dangereux par son dresseur, Chaz (Eric Bana). Avec ses compères Frank (Guy Pearce), une araignée en chaleur, Nigel (Angus Imrie), un scorpion névrosé, Zoe (Miranda Tapsell), un lézard, Maddie décide alors de s'évader pour rejoindre les étendues sauvages de l'Outback. Mais cette évasion ne se déroule pas comme prévu, puisque Pretty Boy (Tim Minchin), le koala vedette du sanctuaire, arrogant et vaniteux, se joint involontairement à eux...

Un film d'animation australien né des cendres d'un projet Dreamworks avorté (c'est probablement pour cela qu'on retrouve des influences très prononcées de Madagascar et compagnie), et qui, dans un premier temps, ne fait pas grande impression, car très balisé et dérivatif.

Le métrage ne semble alors pas très drôle, pas très rythmé, les chansons pop choisies manquent de cohésion, bref, ce n'est pas très intéressant, malgré des doubleurs australiens impliqués et des personnages plutôt attachants. À mesure que le temps passe, cependant, la mayonnaise prend un peu, et l'on finit par se prendre au jeu de ce road movie aussie pas forcément très innovant, mais somme toute assez visuellement joli : certes, les messages sur les apparences dont il faut se méfier, ou encore sur l'importance d'une famille de substitution, ne sont pas très originaux, mais ils fonctionnent néanmoins, et la grosse poursuite finale est même plutôt dynamique, en plus d'être bien animée.

Inégal, donc, mais plutôt honorable pour une production Netflix.

3.75/6

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Un film, un jour (ou presque) #1583 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Just Swipe (2021)

Publié le 20 Février 2022 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Review, Romance, USA, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Just Swipe (2021) :

Exigeante et difficile, Vanessa (Jodie Sweetin) est malheureuse en amour, trouvant systématiquement des raisons pour rompre avec ses compagnons. Sur les conseils de ses meilleurs amis Donna (Danielle Perez) et Miles (Alex Mappa), Vanessa décide alors de tenter l'aventure des applications de rencontres. Un fiasco, jusqu'à ce qu'elle parle à Brandon (David Lipper), pas aussi beau, chevelu et musclé que sur sa photo de profil, mais dont le sens de l'humour séduit la jeune femme ; difficile cependant de faire naître une histoire d'amour alors que chacun est confiné chez soi par la COVID-19...

Une rom-com indépendante à petit budget et pandémique (l'essentiel des échanges et des scènes est tourné en face caméra/pseudo face webcam) qui compense son manque de moyens et sa distribution limitée par une décontraction et une sens de l'humour finalement assez typiques des productions habituelles dans lesquelles joue Jodie Sweetin.

Ça fonctionne donc plutôt pas mal, tant au niveau de la romance principale (Sweetin et Lipper ont une bonne alchimie et se connaissent depuis La Fête à la maison) que des personnages secondaires, avec un Alex Mappa flamboyant au possible, comme souvent.

Je n'en attendais rien, et finalement, je ne me suis pas ennuyé, notamment dans la manière dont la pandémie est gérée par le script et les personnages.

4/6

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Un film, un jour (ou presque) #1582 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Une New-Yorkaise à la ferme (2021)

Publié le 19 Février 2022 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Review, Romance, St Valentin, Télévision, USA, Hallmark

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Une New-Yorkaise à la ferme (The 27-Hour Day - 2021) :

Créatrice surbookée d'une marque bien-être déclinée sur de multiples supports, Lauren (Autumn Reeser) rencontre son idole professionnelle, espérant travailler à ses côtés. Mais cette dernière lui explique bien vite qu'elle devrait plutôt apprendre à décompresser un peu pour éviter le burnout : déçue, Lauren part alors se ressourcer dans un hôtel reculé, en pleine nature, où elle est coupée de tout et rencontre Jack (Andrew Walker), le propriétaire de l'établissement, au charme duquel elle n'est pas insensible...

Un téléfilm romantique Hallmark très estival et décontracté, peut-être même trop, puisque le ton globalement zen et nonchalant du tout (il ne se passe pas grand chose, la protagoniste se contente d'apprendre à profiter du moment présent) finit par donner l'impression d'un film en pilotage automatique, jamais particulièrement désagréable, mais jamais particulièrement intéressant non plus.

Pourtant, Reeser et Walker fonctionnent bien ensemble (même si Walker décide ici de jouer un personnage étrangement en retrait et timide), l'hôtel est plutôt joli, il y a un petit cochon adorable, et les personnages secondaires sont agréables, mais ça ne décolle jamais vraiment, dommage.

2.5/6

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Un film, un jour (ou presque) #1579 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Senior Moment (2021)

Publié le 16 Février 2022 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Review, Romance, USA, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Senior Moment (2021) :

Célibataire endurci et ancien pilote d'essai à la retraite, Victor Martin (Williams Shatner) passe ses vieux jours à flirter avec toutes les femmes de Palm Springs, au volant de sa voiture de sport, et accompagné de son compère Sal (Christopher Lloyd). Jusqu'au jour où son permis lui est retiré pour excès de vitesse : contraint de prendre les transports en commun, Victor rencontre alors Caroline (Jean Smart), une gérante de café écologiste dont il tombe sous le charme, malgré sa conception de la vie bien différente...

Une comédie romantique indépendante qui, il faut bien l'avouer, intrigue au premier abord, avec sa romance du troisième âge (voire plus, puisque ce chez Capitaine Kirk, bien qu'il soit encore fringuant et joue ici un septuagénaire, est âgé de 90 ans), mais finit par décevoir.

Non seulement parce que la romance n'arrive vraiment qu'à mi-parcours, mais surtout et principalement parce le film en lui-même est particulièrement bancal. La faute à une écriture assez médiocre et quelconque, qui tente d'être décalée et excentrique mais finit seulement par paraître forcée et décousue, pas aidée par un montage pas toujours probant.

Assez frustrant, donc, d'autant que Shatner et Jean Smart ont une relation plutôt amusante et sympathique (Christopher Lloyd, par contre, est de moins en moins compréhensible lorsqu'il parle).

2.25/6

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Un film, un jour (ou presque) #1578 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : The Winter Palace (2022)

Publié le 15 Février 2022 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Review, Romance, Télévision, USA, Canada, GAC, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

The Winter Palace (2022) :

Auteure d'une romance à succès, Emily (Danica McKellar) est en panne d'inspiration pour son second ouvrage. Elle part alors séjourner au Palais d'hiver, un luxueux chalet inoccupé, dans les Montagnes Rocheuses, dont elle accepte de s'occuper un temps en échange d'un peu de calme. Mais bien vite, elle y est rejointe par le propriétaire des lieux, le Prince Henry (Neal Bledsoe) de Concordia et son entourage, qui doit vendre le chalet au plus vite, avant d'être couronné Roi...

Premier téléfilm GAC de Danica McKellar, qui a signé (à grand bruit) un contrat d'exclusivité avec la chaîne, affirmant pouvoir bénéficier là d'une plus grande liberté de ton et de création... et voilà, un métrage ultra-dérivatif, qui semble piocher dans tous les téléfilms royaux de Hallmark et de la concurrence, pour produire un Winter Palace générique et balisé tout sauf passionnant.

Pourtant, pendant un bon moment, ça fait presque illusion, principalement parce que Bledsoe s'amuse en Prince arrogant et sarcastique, qu'il a une assez bonne alchimie avec McKellar (avec qui il jouait déjà dans le très similaire Un Noël à Ashford) et que le ton est assez léger... mais lorsque le métrage attaque frontalement sa composante romantique, dans sa deuxième partie, il commence à ronronner sérieusement, et finit par se casser la figure sur la toute fin, lorsqu'il se prend très au sérieux alors qu'il est plus fauché que jamais, entre la fausse neige au pied des sapins, les uniformes mal ajustés au physique des acteurs, et le budget qui se fait la malle.

Ce n'est pas désastreux, mais le couple principal ne suffit pas à élever le tout.

2.5/6

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Un film, un jour (ou presque) #1577 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Spinster (2019)

Publié le 14 Février 2022 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Review, Romance, St Valentin, USA

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Spinster (2019) :

Sur le point de fêter ses 40 ans, Gaby (Chelsea Peretti), qui travaille comme traiteur, se fait plaquer par son compagnon, auquel elle ne tenait pas vraiment. Désormais célibataire, elle va passer une année à tenter de trouver un équilibre entre romance, vie professionnelle et vie de famille... avant d'aboutir à une conclusion inattendue.

Quoi de plus logique que de fêter cette Saint Valentin en passant en revue une comédie indépendante sur une trentenaire un peu paumée et sarcastique qui fait le choix, in fine, de ne pas chercher l'amour, et de rester célibataire ?

C'est donc le cas de ce Spinster, qui joue avec les codes de la comédie romantique pour arriver à une conclusion un peu mélancolique et tout sauf romantique, un "mieux vaut être seule que mal accompagnée" combiné à un choix délibéré de privilégier sa carrière plutôt que de se plier aux attentes d'une société qui aime dicter aux femmes ce qui devrait être leur vie idéale.

Pas désagréable, donc, et ça change un peu du tout venant (dans un film lambda, elle aurait fini par trouver l'amour à la toute fin, et par trouver un équilibre vie privée/vie professionnelle), même si, honnêtement, l'interprétation de certains seconds rôles est un peu inégale, et il faut apprécier le numéro habituel cynique et désabusé de Chelsea Peretti, qui peut s'avérer fatigant sur 90 minutes.

3.5/6

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Les bilans de Lurdo : QUINZAINE SAINT VALENTIN - Schmigadoon! - saison 1 (2021)

Publié le 13 Février 2022 par Lurdo dans Review, Critiques éclair, Comédie, Télévision, Fantastique, Romance, USA, Les bilans de Lurdo, Musique, Sitcom, Apple, St Valentin

Un pastiche semi-parodique des comédies musicales de l'âge d'or d'Hollywood, avec deux acteurs principaux talentueux et attachants, produit par Lorne Michaels du SNL, réalisé par Barry Sonnenfeld, et possédant une distribution remarquable, ainsi qu'un budget très confortable (Apple TV oblige) pour ses six épisodes d'une trentaine de minutes... ça ne peut être que sympathique et divertissant, non ?

Schmigadoon, saison 1 (2021) :

Pour tenter de se ressourcer et parce que leur couple commence à battre de l'aile, Josh (Keegan-Michael Key) et sa petite-ami Melissa (Cecily Strong), deux médecins new-yorkais, partent en randonnée dans la nature... mais ils se perdent rapidement, et découvrent la bourgade de Schmigadoon, un village magique où tout le monde se comporte comme dans une comédie musicale vieillotte. Seul moyen de quitter Schmigadoon : trouver le grand amour.

Et effectivement, dès le générique d'ouverture à l'ancienne, on comprend le projet de Schmigadoon : à la fois une parodie et un hommage au genre de la comédie musicale et de ses clichés, directement inspirée de Brigadoon, et avec une distribution talentueuse emplie de visages familiers (Alan Cumming, Fred Armisen, Dove Cameron, Kristin Chenoweth, Jane Krakowski, Martin Short...), pour le meilleur et pour le pire.

C'est peut-être là que ça coince un peu : entre son ton très sarcastique et moqueur (les autres séries de Lorne Michaels, comme 30 Rock, ne sont pas loin), ses comédiens cabotins, ses décors volontairement très studio, et son humour inégal (le mode de vie suranné de la bourgade, pourtant totalement intégrée et diverse, 2021 oblige ; le maire de la ville, gay refoulé, s'appelle Menlove, par exemple), le tout ressemble souvent à un sketch XXL du Saturday Night Live.

Ce qui n'est pas forcément rédhibitoire, d'autant que le rendu visuel est très fidèle aux œuvres copiées par la série, et que toute la distribution se donne à fond dans le programme et dans les numéros musicaux. De quoi satisfaire les fans du genre, qui passeront le plus clair de ces six épisodes à pointer du doigt telle ou telle référence visuelle, musicale ou scénaristique.

Les autres, cependant, auront peut-être plus de mal avec un script et une caractérisation plutôt compressés : fréquemment, durant le programme, on se dit que la série devait être initialement plus longue, et que la COVID a dû passer par là, tant les réactions des personnages sont artificielles, forcées par la narration (et pas dans un sens "c'est comme ça aussi dans les comédies musicales, c'est voulu").

C'est principalement dommageable pour le couple principal, dont le parcours ultra-compressé finit par sonner creux et factive : durant les multiples flashbacks et tout au long de la série, Josh est présenté comme un personnage grincheux, ne voulant pas s'engager et ne faisant pas le moindre effort dans sa relation (il refuse tout ce qu'on lui propose, ce qui, au passage, sous-exploite franchement Keegan-Michael Key).

Donc forcément, quand arrive l'épisode final de la saison, et que c'est Melissa qui lui fait des excuses larmoyantes, lui expliquant qu'elle  a réalisé qu'elle était trop exigeante, qu'elle va arrêter de tenter de le faire changer, et tout, on se demande bien d'où ça sort, et on ressent un certain malaise.

Il y a un certain gouffre entre ce que la série nous dit de ses personnages, et ce qu'elle nous en montre, et le résultat, c'est une certaine dissonance entre les intentions de Schmigadoon, et la réalité du programme.

Voilà ce qui fait de Schmigadoon un divertissement estival agréable (la série a été diffusée l'été dernier), mais finalement très oubliable et superficiel : tout le monde semble s'amuser, certains numéros sont impressionnants (Chenoweth, notamment, a droit à une chanson de 5 minutes tournée en un seul plan séquence), mais l'écriture reste trop limitée pour vraiment fonctionner (surtout dans un contexte de COVID), et la dynamique globale sonne faux, peut-être plus faux encore que celle des comédies musicales dont la série s'inspire.

Dommage, car avec deux épisodes en plus, et un peu plus de profondeur, ça aurait pu donner un pastiche mémorable.

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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici.

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