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## Au programme : des films et des séries, pour un minimum de quatre critiques par semaine... ##

The Ministry of Ungentlemanly Warfare (2024) :

Pour empêcher les Nazis de ravitailler leurs U-Boats dans l'Atlantique, Churchill (Rory Kinnear) décide de lancer l'opération Postmaster, une opération ayant pour but de saboter un navire amarré sur l'île de Fernando Po. Pour ce faire, les Britanniques dépêchent deux agents, Marjorie Stewart (Eiza González) et Mr Heron (Babs Olusanmokun), ainsi qu'un commando clandestin de soldats aguerris et controversés, composé de March-Phillipps (Henry Cavill), Lassen (Alan Ritchson), Alvarez (Henry Golding), Appleyard (Alex Pettyfer) et Hayes (Hero Fiennes-Tiffin). Face à eux, toute une garnison de Nazis, et le malveillant Heinrich Luhr (Til Schweiger)...

Un film de guerre goguenard signé Guy Ritchie, qui a décidé ici d'adapter à sa sauce une histoire vraie pour en faire un film à l'ancienne, avec une musique lorgnant fortement sur du Ennio Morricone, une troupe d'acteurs qui s'amusent à prendre des accents improbables, un casting color-blind... et c'est à peu près tout.

Je dois bien avouer que je suis resté sur ma faim : quelque chose ne fonctionne pas totalement dans cette troupe de personnages sous-développés, de méchants nazis très méchants, d'espions nonchalants, etc. Peut-être est-ce dû aux allers-et-retours entre le lieu de l'action, et les bureaux de Churchill et compagnie, qui empêchent le film de créer une dynamique et de décoller. Peut-être est-ce dû aux grosses scènes d'action, toutes filmées de nuit et jamais suffisamment spectaculaires. Peut-être est-ce l'absence du style et de l'énergie habituels de Ritchie, qui semble coincé aux entournures par le matériau de base. Peut-être est-ce au contraire parce que les personnages sont trop nonchalants, et jamais en réel péril.

Je ne sais pas trop, en fait. Ungentlemanly Warfare, c'est un peu Inglorious Basterds sans le fun, sans l'énergie, et sans les moments mémorables. Dommage.

Un petit 3/6 (pour Cavill, qui porte très bien la moustache et la barbe) 

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Sorry to Bother You (2018) :

Cash Green (LaKeith Stanfield), un glandeur un peu paumé vivant à Oakland, a besoin d'argent. Il découvre alors rapidement qu'en adoptant une voix de Blanc (David Cross), toutes les portes s'ouvrent à lui dans le monde du télémarketing. Gravissant très rapidement les échelons de l'entreprise RegalView, Cash se trouve en opposition avec sa petite-amie, artiste engagée (Tessa Thompson), et découvre ce qui se trame réellement à l'étage du dessus, à l'accès réservé aux plus gros vendeurs...

Premier film de Boots Riley, qui écrit et réalise, ce Sorry to Bother You est assez intéressant à voir juste après The American Society of Magical Negroes, tant sur le papier, on peut y trouver des points communs - une comédie satirique se moquant de la société américaine, de son rapport au racisme et au peuple afroaméricain, un premier film ambitieux et socialement engagé, un mélange des genres... - alors que dans la forme, les deux projets sont assez différents.

STBY est en effet bien plus travaillé et absurde que l'autre métrage, mais aussi bien plus bordélique que l'American Society..., qui finissait par être très calibré.

Ici, on passe d'une première partie assez satirique (durant laquelle le slacker noir doit se rendre "présentable" aux yeux des blancs en adoptant une voix de blanc pour connaître la réussite, mais finit par se faire happer par le système) à quelque chose de bien plus déjanté et improbable avec une lutte syndicale qui dégénère, une histoire de chevaux-garoux, l'exploitation de la classe prolétarienne par le grand capital cocaïné, et tout et tout.

C'est plus ambitieux formellement, avec de jolies transitions et des moments assez inventifs, mais cette ambition finit aussi par donner l'impression d'un film qui s'éparpille un peu, et qui privilégie aussi fréquemment les idées saugrenues et amusantes au sens ou à la structure.

Plutôt sympa à suivre, mais un poil trop long, décousu et chaotique.

3.25/6 

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En théorie, le postulat de cette série d'animation Gremlins en 10 épisodes d'une vingtaine de minutes n'avait pas forcément de quoi séduire : une tentative de ramener à la vie la franchise Gremlins décédée, de surfer sur la nostalgie qui existe pour les 80s en proposant une origin story vraiment pas indispensable de Gizmo et des Gremlins, et de proposer un récit qui soit plus respectueux et représentatif de la culture asiatique, le tout à destination de la jeunesse.

Et pourtant, allez savoir si c'est grâce à la présence de Joe Dante dans un rôle de conseiller de la production, à la volonté de préserver un certain sens de l'humour noir et agressif, ou bien tout simplement au casting vocal convaincant, mais miracle, la série fonctionne assez bien.

Gremlins - Secrets of the Mogwai, saison 1 (2023) :

Sam (Izaac Wang), jeune garçon vivant dans le Shangaï de 1920, est embarqué dans une aventure terrifiante lorsqu'il trouve Gizmo, un Mogwai convoité par le malfaisant Riley Greene (Matthew Rhys), sorcier désirant exploiter les particularités de la créature magique. Avec l'aide d'Elle (Gabrielle Nevaeh Green), une jeune voleuse travaillant pour Greene, Sam va alors quitter le confort de l'herboristerie familiale pour traverser toute la Chine et ramener Gizmo chez lui... avant que Greene et son armée de Gremlins ne mettent le pays à feu et à sang.

Je dois avouer que durant les premiers épisodes de la série, pendant toute la phase de présentation des personnages, de mise en place, etc, je n'étais guère convaincu : certes, le style visuel 3D cell-shadée a son charme, et l'utilisation des thèmes de Jerry Goldsmith fait toujours son petit effet, mais entre le méchant ultra-caricatural, la voleuse des rues et son gang hétéroclite, et le héros peureux, j'ai hésité.

Et puis, au fil des épisodes, un déclic a eu lieu. Et ce déclic, en réalité, il s'est produit lorsque les Gremlins sont apparus.

Car autant la période de la Chine des années 20 et le mysticisme asiatique ne m'ont jamais vraiment intéressé, autant les Gremlins qui sèment le chaos sur leur passage, ça, ça me parle. 

Et l'essence des Gremlins est ici parfaitement respectée : depuis le slapstick inévitable jusqu'aux morts assez graphiques, en passant par la caractérisation improbable (Madame Claws la matronne qui dirige les Gremlins et s'éprend de Gizmo ; le Gremlin malingre mais intelligent et distingué, qui parle avec la voix de George Takei) et la violence débridée (oui, c'est un dessin animé pour enfants, et le sang humain n'est pas visible à l'écran... mais le bodycount des bestioles est conséquent, et le nombre de membres et d'appendices tranchés est loin d'être négligeable), on retrouve bien là ce qui faisait le charme frénétique de la franchise sur grand écran.

Et puis la série, qui prend un temps la forme d'un road trip au travers des traditions et superstitions chinoises (vampires sauteurs, sorcier qui avale ses ennemis en se démontant la mâchoire, métamorphe théâtral, tenancière d'auberge qui efface la mémoire de ses clients pour en faire son personnel, Au-delà bigarré avec esprits malins et déesse alcoolique et cynique), n'oublie jamais de ne pas se prendre trop au sérieux, et de conserver un certain humour plus ou moins noir hérité des films.

Cela passe par le doublage excellent (tout le gratin des acteurs asiatiques y passe, de Ming-Na à BD Wong, en passant par James Hong, Bowen Yang, Randall Park, Sandra Oh, etc), par l'humour parfois un peu osé (les Gremlins sur la Tour Eiffel), ou tout simplement par la myriade de gags visuels dont les Gremlins sont constamment les victimes (ou les auteurs).

Résultat : certes, en soi, l'origin story des Mogwai reste dispensable, et fait parfois ressembler Gizmo et ses copains à des mini-Ewoks (ou à des Schtroumpfs, voire à des Furbies)... mais le reste du programme reste globalement fidèle aux films de Dante, et leur sert de préquelle tout à fait honorable.

Une bonne surprise, donc.

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The American Society of Magical Negroes (2024) :

Artiste un peu paumé, Aren (Justice Smith) est recruté par Roger (David Alan Grier) pour devenir membre de la Society of Magical Negroes, une organisation magique afroaméricaine dont le but premier est d'assurer le bien-être des Blancs et de les aider à trouver le bonheur... pour éviter qu'ils ne répercutent leur malheur sur les Afroaméricains. Mais dès sa première mission - aider Jason (Drew Tarver) à trouver le bonheur professionnel et amoureux -, Aren se trouve face à un dilemme, lorsqu'il tombe amoureux de Lizzie (An-Li Bogan), la collègue de travail de Jason, à qui elle est destinée...

Une comédie satirique américaine (forcément) écrite et réalisée par un ancien d'une émission satirique façon Daily Show... et ça se sent, puisque le film ressemble fortement à un postulat de sketch façon Key & Peele, étiré sur une centaine de minutes, avec ce que ça implique de résultats inégaux.

Forcément, lorsque l'on base tout un film sur des clichés scénaristiques dont on se moque (le magical negro, la petite amie qui soutient le héros, etc), il est préférable de proposer une satire mordante et aboutie, ce qui n'est pas vraiment le cas ici, puisque le métrage bascule rapidement dans une comédie romantique tout ce qu'il y a de plus banale et calibrée, avec les clichés inhérents à ce genre.

Le contraste est ainsi assez rude entre cette romance assez classique (elle fonctionne bien, cela dit, les deux acteurs sont sympathiques, et An-Li Bogan est charmante), et tout le propos racial du film, assez agressif et surligné, qui présente la vie des Afroaméricains comme une lutte constante, un martyre permanent qui oblige tous les Noirs à vivre constamment dans la peur, dans le mensonge, dans l'oppression, etc.

Loin de moi l'idée de minimiser l'expérience des Noirs américains, mais la manière maladroite dont le film s'y prend ici, en réduisant le racisme et la lutte afroaméricaine à des postulats de sketches et à une vision très américano-américaine du problème (on sent que le réalisateur-scénariste ne prend pas totalement au sérieux l'univers de son film, mais que le propos sur la condition misérable du peuple noir américain, lui, est très sérieux), n'aide pas à éviter que le message paraisse trop caricatural, voire geignard.

Et combiner tout cela à une romcom basique qui évoque toutes les autres romcoms au postulat similaire, façon "ange gardien/Cupidon qui tombe amoureux de la promise de celui qu'il doit aider à trouver l'âme sœur" ne fait que diluer un peu plus l'efficacité du tout.

Au final, malgré son titre provocant et son postulat osé, le film est assez inoffensif et gentillet, avec une conclusion assez plate et bavarde, qui n'a jamais l'impact qu'elle voudrait avoir. Ponctuellement, c'est amusant, mais globalement, c'est trop approximatif pour convaincre qui que ce soit.

2.5/6

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Road House (2024) :

Ancien combattant de l'UFC devenu célèbre pour avoir tué un adversaire dans un accès de rage, Dalton (Jake Gyllenhaal) accepte un poste de videur/responsable de la sécurité dans un bar-restaurant de Floride menacé par les hommes de mains de Ben Brandt (Billy Magnussen), un homme d'affaires local. Rapidement, il impose là sa marque, jusqu'à ce que Brandt fasse appel à Knox (Conor McGregor), un psychopathe imprévisible, pour se débarrasser de Dalton...

Un remake du Road House de 89, avec Patrick Swayze (film étrangement devenu culte outre-atlantique au fil des rediffusions), ce Road House 2024 a été confié à Doug Liman, et propose un Jake Gyllenhaal goguenard et passif dans le rôle principal.

Une combinaison un peu improbable, qui ne fonctionne pas réellement, malgré les efforts évidents de l'acteur pour se mettre dans une forme exemplaire.

Entre l'action inutilement renforcée au numérique (Liman a toujours bien aimé expérimenter avec la caméra, mais ici, c'est superflu), les personnages à l'épaisseur de papier-cigarette (on est dans un actioner basique des 80s, après tout), Gyllenhaal qui est en mode animal meurtri qui cache sa souffrance derrière un demi-sourire de façade, sa romance glaciale avec Daniela Melchior, le côté méta forcé avec la gamine précoce qui explique les ressemblances du script avec celui d'un western, et le grand final pétéradant over-ze-top, on se retrouve avec un film qui semble parfois aller à contre-courant de son scénario, ce qui fait que la mayonnaise ne prend pas vraiment.

Il y a bien Conor McGregor qui roule des mécaniques en méchant de cartoon déjanté (mais même là, on a l'impression d'une direction d'acteurs absente et d'un McGregor en roue libre), et qui s'avère un antagoniste amusant et menaçant... mais ça s'arrête là. 

Ça aurait peut-être mérité un réalisateur plus décomplexé, comme un Bay.

2.25/6 

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The Fall Guy (2024) :

Après un grave accident qui l'a laissé sur le carreau et a mis un terme à sa relation avec Jody (Emily Blunt), camérawoman, Colt Seavers (Ryan Gosling), cascadeur hollywoodien, est rappelé sur le tournage du premier long-métrage réalisé par Jody, une superproduction épique où il doit doubler Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson). Mais rapidement, Gail (Hannah Waddingham), la productrice, lui apprend que Tom a disparu...

La série L'homme qui tombe à pic était une de ces séries des années 80 fonctionnant sur un schéma bien établi : Colt Seavers (Lee Majors), cascadeur hollywoodien et chasseur de primes à ses heures perdues, utilise son savoir-faire et son côté casse-cou pour mener l'enquête et arrêter les méchants, avec l'aide de son cousin Howie (Douglas Barr), apprenti cascadeur et de la séduisante cascadeuse Jody (Heather Thomas). Rien d'exceptionnel, mais un divertissement typique de son époque, porté par le bagoût de Lee Majors, le générique mémorable, le sex appeal de Heather Thomas, et l'ambiance générale assez décontractée.

De tout cela, The Fall Guy, adaptation très libre signée David Leitch, ne garde que les noms des personnages, une pseudo-enquête, et le milieu des cascadeurs - qui parle à Leitch, forcément, lui-même étant ancien cascadeur. Ce qui a ses avantages, mais aussi ses inconvénients. 

The Fall Guy est en effet une comédie romantique mâtinée d'action et de thriller, dans le milieu du cinéma, et tout repose ici sur l'alchimie entre les deux acteurs principaux. Pas trop de problèmes à ce niveau, je dois dire, même si Ryan Gosling est ici un peu trop propre sur lui et n'a pas assez de bagoût à mon goût. Et les scènes d'action, souvent tournées en réel (et pas en numérique) avec des cascadeurs, sont spectaculaires.

Là où ça a coincé un peu plus pour moi, c'est au niveau de l'équilibre entre les diverses parties du film. Ce n'est une surprise pour personne, mais Leitch, s'il est très fort au niveau de l'action, a aussi des difficultés à ne pas trop en faire à tous les niveaux : Atomic Blonde était ultra-stylisé et se prenait très au sérieux, en plus de souffrir d'un rythme inégal ; Deadpool 2 était sympathique mais assez bordélique et un peu trop long, du bigger louder à la limite de l'overdose ; Hobbs & Shaw était boursouflé et avait facilement 15 minutes de trop ; Bullet Train durait bien trop longtemps pour ce qu'il racontait, et partait dans du grand n'importe quoi...

Donc ici, on se retrouve avec une rom-com de 2h10, ce qui est forcément... trop. C'est trop long, c'est trop répétitif au niveau de la romance, c'est trop excentrique par moments (la scène du night club et des licornes n'auraient pas dépareillé dans un Deadpool), c'est trop basique au niveau scénaristique, c'est trop appuyé au niveau musical (le thème principal du film est I was made for loving you de KISS, ressorti tout au long du film, en boucle, sous forme de reprises, d'instrumentaux, de version orchestrale, mélancolique, etc - au bout de deux heures, je n'en pouvais plus) et au niveau des clins d'œil (le thème de Miami Vice, le bruitage de L'homme qui valait 3 milliards), c'est parfois trop caricatural (Hannah Waddingham semble tout droit sortie d'une sitcom), bref, c'est trop éloigné du pitch de base pour convaincre. Du moins, en ce qui me concerne, puisque la critique américaine semble avoir adoré (le film a fait un four au box-office, cela dit).

Et puis honnêtement, la reprise/réinvention miteuse du thème musical de la série dans le générique de fin, assortie d'un caméo naze et non-sensique de Lee Majors et Heather Thomas en post-crédits m'a laissé un goût amer dans la bouche.

2.5/6 

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Quatre épisodes de 10-15 minutes au programme de cette série japonaise d'animation en stop-motion, spin-off ensoleillé de la franchise Pokémon diffusé sur Netflix en plein hiver dernier...

La réceptionniste Pokémon, saison 1 (Pokémon Concierge, season 1 - 2023) :

Haru, une jeune femme stressée et en burnout, décide de rejoindre le personnel de l'Hôtel Pokémon, un endroit paradisiaque et tranquille où elle devient réceptionniste, et doit s'assurer du bien-être des Pokémon de passage... 

Une micro-critique pour cette mini-série charmante et décontractée, qui utilise le monde des Pokémon pour faire passer son message de nonchalance, de coopération, d'écoute d'autrui, et de détente.

Techniquement parlant, c'est splendide et tactile, bourré de textures et de couleurs, la stop-motion est très réussie, c'est lumineux et ludique, bref, c'est un succès, et le cadre très hawaïen de l'Hôtel Pokémon se marie très bien avec cette atmosphère chaleureuse et avec le propos de la série.

Seul reproche à faire : le format de la série est clairement trop court, et Netflix/Dwarf Studio auraient clairement pu pousser jusqu'à 6 ou 8 épisodes sans que l'expérience n'en pâtisse le moins du monde.

À voir, même si l'on a échappé au phénomène Pokémon et à la nostalgie que le programme tente clairement de générer auprès de certaines tranches d'âge.

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Presque quatre ans après la diffusion de la saison 1, critiquée en ces pages et assez médiocre, retour de Carnival Row l'année dernière, toujours sur Prime, cette fois-ci en 10 épisodes d'une heure... et avec un showrunner différent (Erik Oleson, showrunner de Daredevil, saison 3) qui reprend les commandes et tente d'apporter une conclusion au tout, le show ayant été annulé par Amazon en cours de production.

Carnival Row, saison 2 (2023) :

Plus que jamais, la société de Burgue est divisée par le racisme et les conflits : parqués dans le Row, le ghetto qui leur est réservé, les Fae peinent à subsister. Vignette (Cara Delevingne), toujours membre des Black Ravens, lutte contre l'oppresseur, tandis que Philo (Orlando Bloom) est sur le point d'annoncer publiquement l'identité de son père, pour secouer la haute société locale. En fuite, Imogen (Tamzin Merchant) et Agreus (David Gyasi), eux, finissent aux mains de la Nouvelle Aube, un mouvement révolutionnaire qui contrôle un pays rival. Et tout cela est bouleversé par une nouvelle série de meurtres inexplicables...

Pffff.... Ce fut laborieux.

Et pas uniquement parce qu'après avoir passé toute la saison 1 à tout centrer sur Vignette/Philo et sur leur histoire d'amour impossible, les scénaristes décident de tout exploser, en les séparant à la fois physiquement et sentimentalement.

Certes, c'est néanmoins l'un des problèmes de taille de la saison : Vignette est de plus en plus idiote et radicale, elle passe de groupe rebelle à groupe rebelle et n'en fait qu'à sa tête ; Philo ne s'assume pas en tant que demi-Fae, se bat, boit, finit en prison où il se prend pour Jack Sparrow (ou Gollum) et parle à une manifestation physique de son moi intérieur, se bat encore, etc ; et de manière générale, ce qui était le couple moteur de la saison 1 (pour le meilleur et pour le pire) n'est plus, séparé et embarqué dans des sous-intrigues pas totalement probantes.

Mais ce n'est pas le seul problème. La caractérisation bancale des personnages, notamment, et l'indécision des scénaristes sont deux soucis qui se combinent et donnent bon nombre de scènes et d'intrigues au développement cahotant, catapulté, et jamais très crédible.

Tout ce qui entoure la Nouvelle Aube, notamment, une sorte de substitut à la Révolution russe, dirigé par une Joanne Whalley sanguinaire et manipulatrice, dans un pays de l'Est où tout le monde est "égal" (sauf les ennemis de la patrie et les chiens de capitalistes, exécutés sommairement), où tout le monde s'appelle "Camarade" avec un gros accent prononcé, où toutes les possessions sont mises en commun, où le travail en usine est obligatoire pour le bien de la patrie, où l'on suit aveuglément les enseignements d'un petit livre rouge vert, et où se déroule toute la sous-intrigue d'Imogen et Agreus (qui prend un temps considérable).

Pas de suspense : c'est écrit avec des moufles, d'un point de vue très américain/occidental et caricatural, et plus la fin de saison approche, plus l'on lève les yeux au ciel, d'autant que se rajoute une opération de déstabilisation des grandes puissances capitalistes, avec des espions infiltrés qui soutiennent les soulèvements populaires locaux pour y répandre l'idéologie de la Nouvelle Aube et monter les classes sociales les unes contre les autres, blablabla.

Bref, un cadre très approximatif, où Imogen et Agreus passent le plus clair de leur temps à tenter de trouver leur place, la caractérisation d'Imogen lui faisant faire et dire tout et son contraire de manière très agaçante.

Le reste des personnages ne s'en sort pas vraiment mieux : la série passe une saison à mettre en place une relation entre Tourmaline (Karla Crome) l'ex-prostituée désormais en possession de dons magiques et de visions surnaturelles, et Darius (Ariyon Bakare), l'ex-soldat garou... avant de sacrifier ce dernier dans le final pour laisser place au mariage de Tourmaline et de Vignette, un peu sorti de nulle part. Le Chancellier (Arty Froushan) et Lady Longerbane (Caroline Ford) continuent leurs jeux de pouvoirs machiavéliens... avant d'être expulsés de la série à mi-saison.

Et ces changements brutaux de direction se retrouvent aussi au niveau de rebondissements oubliés en cours de route... notamment une certaine sulfateuse qui ne sera jamais utilisée (ce qui mène à une mort assez naze du big bad monster de la saison), ou encore l'épidémie qui frappe le Row mais est oubliée en cours de route.

Pour résumer, la saison 2 de Carnival Row donne une vraie impression de précipitation et d'approximation : le déroule des événements n'est pas toujours cohérent, les personnages réagissent bizarrement (au point de devenir pour la plupart antipathiques - Vignette, notamment, est égocentrée au possible), les changements d'orientation sont peu probants, la fin heureuse arrive comme un cheveu sur la soupe et globalement, ça n'est pas franchement meilleur que la saison 1.

À se demander si certains des acteurs, contractuellement obligés de revenir mais pas forcément motivés suite à l'accueil tiède de la première saison (ou au development hell de la saison 2), n'ont pas voulu imposer leurs idées çà et là, ou si la production n'a pas tenté de condenser plusieurs saisons de contenu en une ultime fournée de dix épisodes (je pense que l'interruption du tournage de la saison à mi-parcours pour cause de COVID explique beaucoup de choses...).

Quoiqu'il en soit, la série ne me manquera pas : certes, elle était ambitieuse, on ne peut le nier, mais elle n'était jamais à la hauteur de ses ambitions.

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Près de deux ans après la fin de la saison précédente de Star Trek Discovery, une saison ronflante et soporifique qui préférait se consacrer aux sentiments et à la vie intérieure de ses personnages plutôt que de raconter quelque chose d'intéressant et de dynamique, voici revenir le programme pour dix ultimes épisodes, présentés comme étant consacrés à une chasse au trésor intergalactique, et délibérément éloignés du ton "emo" et larmoyant (les termes mêmes de la production) de la saison 4... Il va sans dire que je reste dubitatif.

Star Trek Discovery, saison 5 - première partie (2024) :

- 5x01 - Red Directive : Envoyé en mission prioritaire par Kovich (David Cronenberg), l'équipage du Discovery se trouve embarqué dans une course poursuite avec deux voleurs, Moll (Eve Harlow) et L'ak (Elias Toufexis), qui ont récupéré un objet mystérieux de grande valeur dans l'épave d'un vaisseau romulien perdu depuis 800 ans...

Et clairement, ce season premiere a été pensé pour trancher avec le côté émotionnel de la saison précédente, puisqu'on a droit, ici, à une petite heure bourrée d'action improbable et décomplexée. Et vas-y que Burnham fait du surf en combinaison spatiale sur un vaisseau en pleine distorsion, et vas-y que le Disco et un autre vaisseau de Starfleet se plantent dans le sol à la quasi verticale pour protéger une ville d'une avalanche avec leurs boucliers, et vas-y que Burnham et compagnie se lancent dans une poursuite en speederbike dans un désert...

Autant de scènes décérébrées et honnêtement un peu creuses et hors-sujet (avec une Burnham qui lance des one-liners à la pelle) qui ne cachent pas des dialogues bourrés d'exposition maladroite façon "rappelons aux spectateurs les événements de la saison précédente", ni le fait que la saison ressort de ses cartons une intrigue que Next Generation avait à peine effleurée, et qui est éminemment casse-gueule : les Progéniteurs, et l'origine de toute vie humanoïde. Bizarrement, je n'ai pas confiance en Discovery pour traiter un tel sujet de manière subtile...

- 5x02 - Under the Twin Moons : Alors que Saru est sur le point de quitter l'équipage, il accompagne Burnham dans une dernière mission - tenter de trouver le prochain indice dans la course au secret des Progéniteurs, avant que Moll et L'ak ne les prennent de vitesse. Ils arrivent donc sur une planète aux lunes jumelles, défendue par une armée de drones volants...

Après un premier épisode bourrin et gentiment creux, retour aux fondamentaux, avec un épisode assez mollasson et qui ronronne, partagé entre une mission dérivative sur une planète forestière gardée par des drones (coucou l'Arsenal of Freedom), un retour du côté Star Trek Therapy où tout le monde parle à cœur ouvert de ses sentiments, du surjeu de SMG, et toujours un peu trop de toutéliage et de compression de la chronologie et de l'univers, qui font que tout se déroule toujours dans des délais improbablement courts, que tout le monde se connaît (Book qui est de la "famille" de Moll), et que tout finit toujours par se dérouler dans des endroits importants pour tel ou tel personnage (Trill).

Bof. Le Capitaine Rayner (Callum Keith Rennie) est sympa, cela dit. Ce qui n'est pas forcément de très bon augure pour son avenir. 

- 5x03 - Jinaal : Le Discovery arrive sur Trill, où Burnham et compagnie découvrent qu'un symbiote de 800 ans possède le prochain indice qui les intéresse, et que sa conscience doit être transférée dans le corps de Culber pour pouvoir communiquer avec lui ; les premiers pas de Rayner en tant que premier officier sont difficiles ; les fiançailles de Saru et T'rina provoquent des remous politiques ; Adira et Gray mettent un terme à leur relation...

Un épisode qui, heureusement, est divisé entre de multiples sous-intrigues (vaguement liées par la notion de connexion émotionnelle et d'empathie, le mot d'ordre de la série, explicité lourdement en voix off en fin d'épisode), ce qui fait qu'on n'a pas trop le temps de s'ennuyer malgré les problèmes d'écriture.

Ma sous-intrigue préférée étant celle de Saru et T'rina, simple, efficace et sobre. Adira/Gray, on s'en fout un peu, je dois dire. Burnham et compagnie nous refont les Mines de Horta quand ils sont confrontés à des monstres volants agressifs (peu plausibles sur Trill) qui protègent en fait leurs petits (Wilson Cruz semble bien s'amuser dans son rôle, cela dit) ; et Rayner se fait sèchement remettre en place par une Tilly totalement déplacée et WTF, parce qu'il n'est pas aussi en contact avec ses émotions qu'elle ne l'est et qu'il est, selon elle, un mauvais officier supérieur (rappelons que Rayner est un ex-Capitaine multidécoré et respecté, et que Tilly... est Tilly).

Et puis il y a ce cliffhanger ultra-médiocre, avec Moll qui s'est "déguisée" (= elle a mis une capuche qui ne cache pas son visage et ses cheveux), est entrée dans les grottes de Trill en pleine cérémonie religieuse et a réussi à déposer un traceur sur Adira... c'est vraiment de l'écriture très médiocre, jamais transcendée par la réalisation.

- 5x04 - Face The Strange : Lorsqu'un chronoptère, insecte saboteur déposé par Moll, bloque le Discovery dans une bulle temporelle, Burnham et Rayner se retrouvent à sauter d'époque en époque, sur le Discovery, uniquement assistés par le Stamets de chaque époque...

Probablement mon épisode préféré de la saison jusqu'à présent, sans que ce soit exceptionnel pour autant : le postulat de départ est assez classique (ST:TNG et Voyager ont déjà utilisé le même), et le tout ressemble un peu beaucoup à un épisode filler qui n'avance pas du tout sur l'intrigue de fond ; ce, en plus de n'être là que pour permettre aux scénaristes de faire la leçon à Rayner, en forçant pour l'occasion les traits de sa caractérisation, et ce afin qu'il finisse par chanter les louanges de Burnham, comme d'habitude dans Discovery.

Après, si l'on ferme les yeux là-dessus et sur le besoin récurrent de la série d'avoir des personnages qui s'autocongratulent et se disent tout le bien qu'ils pensent les uns des autres, c'était assez ludique.

- 5x05 - Mirrors : Burnham et Book retrouvent Moll et L'ak dans une poche interdimensionnelle où se trouve un nouvel indice... à bord de l'ISS Enterprise.

Ouhlà, la bonne sieste de 55 minutes. C'est le problème quand on centre tout l'épisode sur l'histoire de Moll et L'ak, pour faire du couple une sorte de Roméo et Juliette mâtinés de Bonnie & Clyde du pauvre, une sous-intrigue qui combine maquillages assez laids (je suis désolé, mais j'ai de plus en plus l'impression que les spécialistes en maquillages et effets pratiques ne savent plus peindre les masques et les prothèses en latex, qui ressemblent presque systématiquement à du plastique luisant à l'écran), personnages insipides, semi-retcon maladroite (alors c'est à ça que ressemblent les Breens ? C'était bien la peine, tiens), et décors limités (l'intégralité des flashbacks se déroule dans un seul et même hangar).

D'ailleurs, en parlant d'économies budgétaires évidentes, on peut aussi citer le recyclage évident de tous les décors de Strange New Worlds pour l'Enterprise, ou encore le fait qu'il manque toujours certains membres de l'équipage du Discovery, qui plus est kelleyrisés en fin d'épisode de manière assez maladroite.

Et puis n'oublions pas le fanservice, avec cet ISS Enterprise... dont les origines n'ont finalement pas grande incidence sur le récit.

Non, décidément, ce n'était vraiment pas un bon épisode.

(à suivre...)

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On ne peut pas dire que la saison 1 de la relecture de Scooby-Doo par Mindy Kaling et ses collègues ait été un franc succès : une relecture cynique et abrasive, typiquement dans l'air du temps, paraissant constamment posséder un certain mépris pour le matériau d'origine, et présentant des personnages antipathiques bien loin du Scooby Gang que l'on connaît.

Une relecture qui, cependant, parvenait à conserver une certaine direction narrative et à aller au bout de ses idées et de son approche, à défaut de proposer quelque chose de satisfaisant.

Démolie par la critique et le Web, la série a cependant fait son retour plus tôt en avril 2024, et le résultat est... un sacré bordel.

Velma, saison 2 (2024) :

Trois semaines après la fin de la menace Victoria, une nouvelle série de meurtres frappe Crystal Cove, et Velma aimerait bien mener l'enquête... mais sa mère l'en empêche.

Paradoxalement, la saison 2 de Velma semble, dans un premier temps, revenir un peu sur la fin de saison précédente, qui faisait évoluer ses personnages dans une direction vaguement familière : plutôt que de faire se tourner Shaggy vers la marijuana pour soigner son stress, la saison 2 abandonne immédiatement cette piste, pour faire du personnage un stress eater chassant des hallucinations en mangeant ; Fred, lui, s'improvise chasseur de fantômes dans son van multicolore, devient brièvement prêtre, mais reste la risée de tout le monde.

Pourtant, dans le monde de Velma, les fantômes existent, la sorcellerie aussi (les Hex Girls apparaissent brièvement, ou plutôt, une Hex Girl apparaît, sous les traits d'une mère de famille wiccane particulièrement défraîchie), le Paradis et l'Enfer idem, et tout cela se marie assez mal avec l'intrigue de fond de cette année, une intrigue scientifique découlant directement de la saison précédente, centrée sur le project SCOOBI, et qui...

ATTENTION, SPOILERS.

... implique une bonne partie de la ville, et la grand-mère de Shaggy. Une grand-mère scientifique (antipathique et manipulatrice) qui transfère des cerveaux de corps en corps, et qui, avec l'armée, a créé Scrappy Doo, le grand méchant de la saison, et le responsable des meurtres qui, cette saison, frappent la ville.

Voilà donc l'essentiel de la saison : énormément de shipping Velma/Daphne, très envahissant, des meurtres, Scrappy-Doo en bad guy (comme c'est original !), des hallucinations, un fantôme, une possession, des relations secondaires inintéressantes (la mère de Velma et le père de Fred), une parodie du Breakfast Club où les personnages se moquent cyniquement de la nostalgie 80s et des parodies de ce genre, Daphne qui devient reine des cafards (une digression très Rick & Morty/Solar Opposites, totalement hors sujet) et dont on voyage dans l'inconscient (bof), une quantité phénoménale de gags qui tombent à plat, et, en guise de conclusion/cliffhanger, SPOILERS AGAIN, la mort de Velma, qui aide ses amis depuis l'au-delà.

Comme je le disais en intro, cette saison est bordélique. Elle fait illusion pendant sa première moitié, le temps que tout se remette en place, mais la dernière ligne droite de ces 10 épisodes parait fréquemment décousue, précipitée et chaotique, au point de me faire régulièrement décrocher des derniers épisodes, tant ils s'éparpillent dans des directions peu probantes.

Et puis reste ce problème de caractérisation au cœur de la série, dont le personnage principal est hautement détestable, mesquin, égocentrique, collant, pitoyable, et dont pourtant on sent bien que toutes les remarques acerbes, toutes les critiques féministes, toutes les piques envoyées ayant trait à la justice sociale et aux inégalités, etc, sont représentatives de l'opinion des scénaristes, et donc, sont supposées être perçues comme "positives".

Bref. La série semble miser sur une saison 3, mais vue l'évolution du programme, qui a perdu ici la structure narrative compétente de la première saison (l'une de ces rares qualités), ça risque d'être encore un cran en dessous...

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Première saison d'une teen comedy décalée Hulu créée et chapeautée par Evany Rosen, scénariste et actrice comique canadienne, D&JL se veut un programme au croisement de Sliders et de Bill et Ted : une version adolescente et déjantée des aventures interdimensionnelles et du multivers qui sont désormais très à la mode dans la fiction, pour dix épisodes de 25-30 ludiques et assez surprenants.

Davey & Jonesie's Locker, saison 1 (2024) :

Meilleures amies inséparables et à la relation fusionnelle, Davey (Veronika Slowikowska) et Jonesie (Jaelynn Thora Brooks) tentent d'échapper à la dernière situation catastrophique qu'elles ont provoquée dans leur lycée, lorsqu'elles découvrent que leur vestiaire commun est devenu une porte donnant directement sur le multivers, construite par Mr. Schneider (Dan Beirne), leur professeur de sciences et ancien agent interdimensionnel de l'agence MOM. Condamnées à passer d'univers en univers jusqu'à ce que les Schneider de chaque réalité trouvent un moyen de les ramener chez elles, Davey et Jonesie sèment la pagaille dans le multivers, traquées par Cheryl (Emily Piggford), un Delinquent Acquisition Deputy appartenant à la Management Organisation of the Multiverse... 

Une bonne surprise, au final, cette version teen show féminin moderne de Sliders/Loki : c'est dynamique, absurde, improbable, ça passe de monde étrange en monde étrange (toujours dans les limites géographiques du lycée) et, par chance, ça n'oublie pas de faire vivre ses personnages et leurs relations, n'ignorant pas de les développer et de les approfondir.

Au cours de la saison, on visite ainsi un univers à l'esthétique très Logan's Run, où Sierra (Erika Swayze), la pimbèche du lycée, règne d'une main de fer sur les autres élèves jusqu'à ce que le duo monte une rébellion ; un univers sans musique où les deux héroïnes organisent (là aussi) une rébellion (mais avec un twist de fin totalement inattendu sur fond de Scatman Jones) ; un univers parodiant les Hunger Games et Mad Max, dans lequel Davey et Jonesie doivent se battre en duel dans une arène (avant de déclencher, oui, encore une rébellion) ; un épisode très réussi qui donne vie au monde imaginaire que les deux filles avaient dans leur enfance (avec un gloumoute bleu en peluche, etc) ; un épisode assez WTF où les oranges sont des êtres vivants doués de télépathie, que Jonesie et Davey vont aider à se rebeller contre l'oppresseur humain ; une grosse parodie décomplexée de Riverdale, qui dégénère en simulation virtuelle opposant un peuple de homards à des hippocampes bipèdes ; un monde où Schneider est un guide spirituel/gourou ; un monde où le lycée est sur une île déserte, et le duo sombre lentement dans la folie ; et un ultime épisode en mode retour à la maison, où toutes les réalités se confondent...

Alors oui, présenté comme ça, ça fait beaucoup de rébellion... mais c'est voulu. Une grosse partie de la série se lit ainsi comme une métaphore de l'adolescence, depuis cette rébellion constante contre les normes, l'autorité et les parents (l'organisation appelée "MOM", qui dépêche des "DAD" pour recadrer les "délinquants juvéniles"), jusqu'au parcours des deux héroïnes, sarcastiques et immatures en début de saison, soudées et motivées à la fin.

Et surtout, le tout ne se prend jamais au sérieux, avec tout un côté méta qui se moque occasionnellement des clichés et des ressorts mêmes du récit (notamment les plages d'exposition et de backstory) : ça permet à la série de rester toujours amusante, toujours dynamique, de faire passer les limites évidentes de son budget, et de trouver un bon équilibre entre premier et second degré.

Une bonne surprise, comme je le disais, attachante et bien interprétée (même si cette interprétation est délibérément exubérante et explosive), qui développe en parallèle une sous-intrigue liant Schneider et Cheryl, et se conclue donc sur un cliffhanger à suivre... dont on verra bien s'il sera un jour résolu.

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Contre toute attente, après deux saisons inégales mais adorées par les critiques outre-atlantique, et après l'annulation du programme par Peacock, Girls5Eva revient, cette fois-ci sur Netflix, une plateforme qui, en son temps, avait diffusé Kimmy Schmidt, de la même équipe de production.

Au programme, seulement 6 épisodes de 22 minutes, pour narrer la tournée de reformation désastreuse des quatre chanteuses...

Girls5eva, saison 3 (2024) :

Les Girls5eva partent en tournée... sans avoir de dates bookées, avec une Wickie (Renée Elise Goldsberry) fidèle à elle-même, une Dawn (Sara Bareilles) enceinte, une Gloria (Paula Pell) en quête de sexe et une Summer (Busy Philipps) qui tente de trouver son indépendance !

Et difficile d'émettre un avis un tant soit peu éclairé sur cette micro-saison, tant tout est passé en avance rapide, de par le format particulier du programme cette année. On sent que les scénaristes et la production voulaient conclure l'aventure Girls5eva de manière satisfaisante, et que cet embryon de saison sert surtout à ça : à conclure l'arc narratif de chacune de la meilleure façon possible, compte tenu des conditions actuelles.

Ce qui, effectivement, se retrouve dans le parcours de chaque membre du groupe. Dawn mène à terme sa grossesse et finit par réaliser pourquoi elle tient tant au groupe ; Wickie amène le groupe à jouer au Radio City Music Hall à Thanksgiving, devant une salle vide, elle comprend qu'elle est sincèrement amoureuse de Lunch Guy, et qu'il faut faire des sacrifices dans sa quête de célébrité ; Gloria couche avec tout ce qui bouge, et sa tendance à prendre sous son aile tous les animaux blessés débouche sur quelque chose d'inattendu lorsqu'elle sympathise avec Gray Holland, une superstar de la pop tentant d'échapper à ses fans ; Summer tente de s'affirmer mais tombe dans les filets d'une arnaque MLM... qui finit par l'aider à sauver le concert du groupe.

Et le tout se termine en musique et dans l'émotion, par un concert réussi (mais désert), et un accouchement.

En soi, la saison n'est pas désagréable à suivre, notamment parce qu'elle n'a pas trop le temps de se perdre dans des digressions/sous-intrigues inutiles. Mais ça reste Girls5eva, avec son interprétation encore plus cabotine qu'avant, ses gags récurrents qui tombent parfois à plat (la parodie de The Crown), ses caméos sous-exploités (faute de temps), et son recours systématique au format cutaway gag popularisé et surexploité par Family Guy. Des défauts récurrents, ici compactés par les impératifs de production de la saison.

Ça se regarde, mais ça ne laissera pas un souvenir impérissable.

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Dix épisodes d'une vingtaine de minutes au programme de la première saison de cette comédie Apple Tv+ showrunnée par deux vétérans de Parks and Recreation, et qui se trouve un peu au carrefour d'une workplace comedy, d'un Ted Lasso au féminin (pour la positivité et le côté feel-good), et des comédies dramatiques au format court d'antan sur Showtime... 

Loot, saison 1 (2022) :

Lorsqu'elle découvre que son époux milliardaire de la tech (Adam Scott) la trompe, Molly (Maya Rudolph) demande le divorce, et hérite de près de 90 milliards de dollars. Elle décide alors de s'impliquer dans la fondation caritative qui porte son nom, et, avec son fidèle assistant Nicholas (Joel Kim Booster), elle fait la connaissance de ses employés principaux - Sofia (Michaela Jaé Rodriguez), la directrice stricte et professionnelle, Howard (Ron Funches), un cousin de Molly, Arthur (Nat Faxon), le comptable maladroit mais attachant, Rhonda (Meagen Fay) et Ainsley (Stephanie Styles) - et tente de se reconstruire en trouvant un nouveau but à sa vie...

Une comédie centrée autour de la reconstruction d'une femme aisée et oisive, qui découvre la réalité du monde qui l'entoure et développe une conscience sociale et humaine - rien de forcément novateur ou inédit, mais un postulat de départ qui permet de proposer une gallerie de personnages sympatoches, aux relations plus ou moins originales.

On a ainsi Nicholas, l'assistant gay wannabe acteur, qui trouve un soutien et une amitié inattendue auprès de Howard, nerd passionné d'anime et sous la coupe de sa petite-amie autoritaire ; leur rapprochement avec Arthur, père divorcé un peu coincé et balbutiant ; la romance impossible de ce dernier avec Molly (Faxon et Rudolph ont une excellente alchimie comique et romantique, d'ailleurs) ; les relations tendues entre Molly, dilletante totale mais qui a bon fond, avec Sofia, la responsable impliquée de la Fondation, etc, etc, etc.

Le tout sur fond de musique r'n'b et hip-hop californienne (on a droit à tous les classiques, de Mariah Carey à Snoop, en passant par Beyonce, etc), pour un programme agréable à suivre... mais pas forcément indispensable.

Pas tant pour le côté relations et shipping de la série, très appuyé mais efficace (encore que toute la sous-intrigue d'Olivier Martinez en vieux beau français ne fonctionne pas vraiment, tant il a pris un coup de vieux), que pour l'équilibre inégal entre les différentes facettes du show : le côté feel-good de la série a tendance à effacer un peu sa satire des grandes fortunes et son mordant, et inversement, la comédie de bureau assez classique, avec ses passages incontournables, ses quiproquos, ses personnages excentriques, est peut-être un peu trop prévisible et attendue pour être totalement efficace.

Au final, Loot est une série agréable à suivre, et qui propose un ton et une vibe similaires à ceux de Ted Lasso : ça a bon fond, c'est réconfortant, bienveillant, les personnages sont attachants... mais il manque un petit je-ne-sais-quoi pour que le tout décolle vraiment ou soit incontournable. Peut-être avec la saison 2 (récemment diffusée) ?

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Un mois de mai qui a vu l'audience du blog des Téléphages Anonymes s'écrouler littéralement du jour au lendemain fin avril, et ne jamais s'en relever... mais bon, on continue bon gré mal gré, le temps qu'OverBlog trouve la raison de ce problème indépendant de notre volonté.

Critique éclair #008 - SEMAINE WALPURGIS - Ma belle-mère est une sorcière (1989) - 1.5/6

Critique éclair #009 - SEMAINE WALPURGIS - Destroy All Neighbors (2024) - 2/6

Critique éclair #010 - SEMAINE WALPURGIS - Freeze (2022) - 2/6

Critique éclair #011 - SEMAINE WALPURGIS - Sang plomb (2007) - 1.5/6

Critique éclair #012 - SEMAINE WALPURGIS - The Piper (2023) - 3.75/6

Critique éclair #013 - Nicky Larson (2024) - 4.25/6

Critique éclair #014 - Relax, je viens du futur (2023) - 3.5/6

Critique éclair #015 - Justice League : Crisis on Infinite Earths, part 2 (2024) - 2.25/6

Critique éclair #016 - Unfrosted : L'épopée de la Pop-Tart (2024) - 3.75/6

Critique éclair #017 - La Légende des super-héros (2022) - 3.75/6

Critique éclair #018 - Ricky Stanicky (2024) - 2/6

Critique éclair #019 - Self Reliance (2024) - 3.75/6

Critique éclair #020 - Joy Ride (2023) - 3.5/6

Critique éclair #021 - Le Prince d'Égypte (1998) - 3.25/6

Critique éclair #022 - Godzilla x Kong : Le nouvel empire (2024) - 2.5/6

Critique éclair #023 - La Petite Nemo et le Monde des rêves (2022) - 4/6

Critique éclair #024 - Civil War (2024) - 3.25/6

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# Film(s) du mois : 

Ce mois-ci, mention spéciale à l'inattendu Nicky Larson de Netflix, une adaptation japonaise fidèle au manga et à l'anime, et plutôt drôle et réussie ; The Piper, un film d'horreur porté par la bande originale de Christopher Young ; et Slumberland, une comédie fantastique onirique plein d'imagination, à nouveau produite par Netflix, et réalisée par Francis Lawrence.

# Flop(s) du mois : 

Malheureusement, pas mal de ratages dans la semaine Walpurgis consacrée à l'horreur et au fantastique, avec notamment l'amateur Sang plomb, et le guère meilleur Ma belle-mère est une sorcière ; en dehors de ça, Ricky Stanicky se vautre aussi joyeusement, malgré les efforts de John Cena dans le rôle titre de cette comédie d'un frère Farrelly qui semble tout droit sortie des années 90.

Et puis Godzilla x Kong, pour un Monsterverse de moins en moins convaincant.  

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# Petit écran :

Deux séries passées en revue durant la Semaine Walpurgis : la quatrième saison de Creepshow, toujours aussi cheap et approximative, et la seconde et ultime saison de Shining Vale, une saison brouillonne lorgnant sur Rosemary's Baby, et dont on se demande si les scénaristes n'en ont pas appris l'annulation à mi-parcours.

À part ça, nous avons passé en revue la fin de saison 2 de Quantum Leap, série depuis annulée, et qui aura très clairement scellé son sort en misant tout sur le shipping, notamment d'un couple principal rejeté par la fanbase. La saison 2 d'Invincible, égale à elle-même, et donc pas forcément très intéressante pour moi qui ai lu les comics. La suite et fin de la saison 1 de X-Men '97, sympathique et ambitieuse, mais pas forcément au niveau du classique instantané que beaucoup de spectateurs et critiques US y voient.

Et la première moitié de la saison 14 de Doctor Who, repassée aux mains de Davies, et qui retrouve là son style plus léger et bordélique, ainsi que ses épisodes et son intrigue de fond plus efficaces que sous Chibnall.

Retrouvez aussi les bilans de toutes les séries critiquées jusqu'à présent en ces pages depuis l'index Séries alphabétique qui leur est consacré.

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# À venir :

Dès demain, on entame une semaine consacrée aux Séries, histoire de rattraper un peu de mon retard sur les programmes les plus récents, avec Girls5Eva, Velma, Star Trek Discovery, Carnival Row... et puis, jusqu'à début jiullet, un programme plus normal, avec nouveautés cinéma et quelques bilans télévisuels.

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Dans l'intervalle, toutes les mises à jour du blog sont disponibles sur la page Updates, et la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog est accessible dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)... ​

Après les derniers épisodes spéciaux, sympathiques, mais un peu brouillons (typiques de Russell T. Davies, donc), place à la saison 14 du programme, une saison en 8 épisodes co-financée par Disney+ et qui continue avec Ncuti Gatwa dans le rôle-titre...

Doctor Who, saison 14 - première partie (2024) :

- 14x01 - Space Babies : Pour leur premier voyage ensemble, le Docteur (Ncuti Gatwa) et Ruby (Millie Gibson) se rendent sur une station spatiale peuplée uniquement de bébés doués de parole, et ils découvrent qu'un monstre sanguinaire rode dans les entrailles de la station...

Un épisode globalement léger et rigolo, avec des bébés aux effets spéciaux gentiment cheaps, un monstre morveux assez réussi, un duo de tête plutôt sympathique et qui fonctionne bien, des soupçons d'arc saisonnier saupoudrés ici ou là, et toujours des valeurs défendues fermement par le show, bien que ce soit de manière improbable et décalée.

Pas mon épisode préféré, loin de là, mais ça se regardait tranquillement pour une reprise.

- 14x02 - The Devil's Chord : Le Docteur et Ruby arrivent à Abbey Road, en 1963, mais découvrent bien vite que la Terre est privée de musique par Maestro (Jinkx Monsoon), une entité dévoreuse de musique faisant partie des légions du Toymaker...

À nouveau, c'est ici à un épisode assez léger et amusant auquel on a droit, avec un grand méchant théâtral et flamboyant, des caméos historiques, et tout ce qui va avec, mais l'ensemble fonctionne nettement mieux que dans le premier épisode, notamment parce que les effets spéciaux sont plus aboutis, que les soupçons d'arc saisonnier continuent d'affluer, et que tout le monde s'est clairement amusé à tourner l'épisode (ne serait-ce qu'au niveau de la séquence musicale finale, au premier abord totalement gratuite mais ludique).

Et je continue de trouver cette caractérisation du Docteur - moins confiant, moins tête brulée, plus marqué par ce qu'il a vécu avec le Toymaker - assez intrigante et pleine de potentiel. Plutôt sympathique, tout ça, je dois dire. 

- 14x03 - Boom : À son arrivée sur une planète en proie à un conflit mondial, le Docteur met le pied sur une mine, et se trouve contraint de rester sur place, tandis que la réalité de ce conflit s'impose autour de lui et de Ruby...

Moffat de retour au scénario, pour un épisode de Who plus tendu et énervé - mais pas dans le sens "action débridée" - puisque le scénariste (et donc le Docteur) en a ici après le complexe militaro-industriel, le capitalisme et la religion organisée.

Il en résulte un épisode très efficace, gentiment tendu (j'avoue que la présence de Varada Sethu, future compagne du Docteur, ici dans un second rôle, m'a fait me demander si la série allait déjà se débarrasser de Ruby pendant quelques épisodes), et surtout très bien interprété ; probablement le meilleur de cette saison, jusqu'à présent, et hormis cette fin un peu facile et précipitée (mais bon Moffat aime bien ces moments où les grands sentiments parviennent à résoudre tous les conflits), on peut saluer le retour en force du scénariste (qui a déjà annoncé qu'il allait écrire l'épisode de Noël à venir).

- 14x04 - 73 Yards : Lorsque le Docteur marche malencontreusement dans un cercle de fées, sur une falaise du Pays de Galles, il disparaît soudainement, et Ruby se retrouve seule, hantée par une mystérieuse femme immobile se tenant toujours à 66 mètres d'elle. Commence alors le début d'une existence solitaire à la destinée improbables...

Ah, c'est dommage, parce que cet épisode, qui ressemble parfois à une sorte de variation de It Follows écrite par Davies, était plutôt bien parti, un mélange intrigant de folklore, de boucle temporelle, de politique fiction, etc, pour un récit tendu et mélancolique qu'aurait pu écrire Moffat. 

Seulement voilà, la toute fin arrive, et Davies tente une boucle temporelle trop brouillonne et approximative pour convaincre : alors que cette conclusion aurait pu être émouvante et touchante, renforcer la solitude du personnage de Ruby, apporter des informations inédites sur son destin... le scénario retombe à peine sur ses pattes, et se conclut de façon frustrante et maladroite, trop ouverte aux interprétations pour être satisfaisante.

Donc dans l'ensemble, c'était sympathique et bien mené... jusqu'à la fin bancale. M'enfin au moins Susan Twist aura eu une autre apparition.

(à suivre...)

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## Au programme : des films et des séries, pour un minimum de quatre critiques par semaine... ##

Civil War (2024) :

Alors que les États-Unis sont en pleine guerre civile opposant de multiples factions indépendantes, un quatuor de reporters de guerre - Lee (Kristen Dunst), désabusée et insensibilisée, Joel (Wagner Moura), son compère accro à l'adrénaline, Sammy (Stephen McKinley Henderson), un journaliste vétéran et vieillissant, et Jessie (Cailee Spaeny), apprentie photographe de guerre, encore naïve et fascinée par ce métier - traverse le pays en voiture pour rejoindre Washington et espérer interviewer le Président (Nick Offerman)...

Énorme carton critique, ce Civil War d'Alex Garland (Ex Machina, Annihilation, 28 jours plus tard, etc) ment un peu sur la marchandise : la Guerre civile promise par le titre n'est en fait qu'une toile de fond à un road movie sur le journalisme (de guerre), l'éthique, et l'empathie, au travers des quatre personnages principaux et de leurs rapports à leur métier, le tout avec une illustration musicale éclectique (c'est très film indépendant, en somme, d'où la distribution par A24 et l'accueil critique).

Et une fois qu'on a pris ça en compte, force est de reconnaître que le tout est très compétent... mais c'est aussi un peu superficiel. Pas tant sur le front du worldbuilding (certes, il n'y a que peu d'explications sur le pourquoi et le comment de cette guerre civile, sur les parties prenantes, etc... mais honnêtement, ce n'est pas le sujet du film, et ce n'est pas ce qui intéresse Garland), que sur celui des thématiques et du message, assez vagues, basiques et classiques.

Histoire de justifier l'affiche (et son gros "À VOIR EN IMAX"), Garland rajoute bien une petite dose d'action dans la dernière ligne droite de son métrage, mais cela ne fait qu'amener à une conclusion malheureusement prévisible au possible, dans laquelle SPOILER la reporter blasée retrouve un peu d'humanité et se sacrifie pour sauver la newbie, qui, à l'opposé, a pour premier réflexe de photographier la mort de sa collègue. Voilà voilà.

Je ne sais pas si c'est ce côté finalement assez simpliste du métier de photographe de guerre, ou plus simplement le cadre provocateur (et un peu cynique) renvoyant directement à l'actualité qui sont responsables du succès critique auprès des médias, mais j'avoue être resté un peu sur ma fin... comme souvent avec les films signés Garland. Après, ça reste techniquement maîtrisé et efficace.

3.25/6

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La Petite Nemo et le Monde des rêves (Slumberland - 2022) :

À la mort de son père (Kyle Chandler), la petite Nemo (Marlow Barkley) est confiée à son oncle distant, Philip (Chris O'Dowd), et se réfugie dans le monde des rêves pour échapper à une réalité déprimante. Là, elle rencontre Flip (Jason Momoa), l'ami imaginaire de son père, qui lui explique qu'à l'aide d'une carte magique de Slumberland, ils pourraient retrouver des perles magiques capables d'exauceer tous les vœux... notamment celui de Nemo, qui veut simplement revoir son père.

Théoriquement une "adaptation" Netflix des bandes dessinées de Winsor McCay, ce long-métrage réalisé par Francis Lawrence et écrit par les scénaristes d'Une nuit au musée 3 s'inspire seulement très librement de l'œuvre originale, et c'est probablement la raison pour laquelle il a été très fraîchement accueilli par une critique anglo-saxonne assez cynique et cassante : pas assez fidèle, pas assez onirique et excentrique, trop linéaire...

Pourtant, j'ai trouvé que ce Slumberland était un divertissement familial tout à fait respectable, conjuguant effets spéciaux réussis (Pig est adorable, les décors et paysages sont superbes), héroïne très attachante, Momoa qui cabotine en mode Johnny Depp, propos sur le deuil et la solitude, péripéties bigarrées et inventives, etc.

Ce n'est pas parfait, certains moments font presque Jean-Pierre Jeunet, visuellement parlant, mais ça mérite mieux, à mon avis, que l'hostilité et le mépris reçus des critiques.

4/6

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Godzilla x Kong - The New Empire (2024) :

Se sentant seul en Terre creuse, Kong finit par se découvrir des semblables : un peuple de singes géants réduits en esclavage par le maléfique Scar King, qui les exploite en contrôlant un Titan de glace, Shimo. Mais cette découverte amène aussi Godzilla, à la surface de la Terre, à se préparer au combat contre Shimo, et une équipe de Monarch (Rebecca Hall, Dan Stevens, Brian Tyree Henry...) à partir pour la Terre creuse, afin d'analyser un signal mystérieux...

Comme en atteste ma critique de l'épisode précédent (Godzilla vs Kong), publiée en ces pages, je n'avais vraiment pas accroché au Monsterverse version Adam Wingard : un Monsterverse aux éclairages néons, à la musique synth-wave, aux effets numériques très inégaux, aux créatures trop humanisées, aux grosses ficelles narratives, bref, un Monsterverse caricatural avec lequel j'avais eu beaucoup de mal.

Pour cette suite... c'est la même chose, en fait. Tous les défauts du film sont toujours présents (voire même parfois pires, avec Godzilla et Kong qui font littéralement du catch sur les grandes pyramides), ce que l'on a à l'écran a de moins en moins de poids, la mythologie est de plus en plus bordélique et embourbée, le personnage conspirationniste de Brian Tyree Henry est toujours à baffer, le côté Planète des Singes est un peu hors-sujet, Godzilla fait vraiment pièce rapportée durant la majeure partie du film... mais bizarrement, j'ai un peu plus apprécié que le précédent opus.

Peut-être parce que la sous-intrigue humaine est moins envahissante et sa distribution plus attachante (Dan Stevens is Ace Ventura), ce qui laisse plus de place aux animateurs pour donner vie à Kong et autres monstres, et donne au tout un côté film d'animation et d'aventures pas désagréable. Ou peut-être est-ce simplement que j'ai fait mon deuil de la franchise, qui peine toujours autant à articuler ses récits autour de ses monstres et de ses humains. 

Après, il y a du mieux, mais ça reste en dessous de la moyenne.

2.5/6

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Suite de la nouvelle série d'animation du MCU, X-Men '97, qui se veut une suite directe à la série animée X-Men des années 90 : après cinq premiers épisodes de 25-28 minutes inégaux mais se terminant de manière tragique et spectaculaire, place aux cinq derniers épisodes, diffusés comme toujours sur Disney +.

X-Men '97, saison 1 : première partie (2024) :

- 1x06 - "Lifedeath, part 2 " : Charles Xavier tente de convaincre les Shi'ars de l'accepter comme époux de leur Impératrice, mais finit par devoir choisir entre la Terre et sa bien-aimée ; Storm continue de faire face à l'Adversaire, manifestation de ses peurs et de ses doutes...

Bof. Encore un épisode coupé en deux, même si cette fois, les deux sous-intrigues sont entrelacées et se répondent, plutôt que d'être collées bout à bout de manière artificielle. Mais bof tout de même, à nouveau parce que le format de la série ne permet pas à son récit d'avoir la résonance émotionnelle nécessaire pour que tout fonctionne... pas quand tout est découpé pour ne pas dépasser les dix minutes.

Xavier et Lilandra ? Pas forcément désagréable, avec un caméo de Ronan l'accusateur, et c'est très bigarré, mais ça reste un peu ampoulé, et il est difficile de s'attacher aux enjeux de cette relation amoureuse quand le script présuppose que le spectateur se souvient parfaitement de toutes les saisons de la série originale ; Storm et l'Adversaire ? Peut-être plus embêtant encore, puisque là, tout est centré sur le traumatisme de la perte des pouvoirs de Storm, qu'elle retrouve ici en un clin d'œil (au cours d'une jolie scène de transformation à deux doigts de la magical girl).

Bref, j'ai un peu de mal avec le format du show, qui rend tout précipité, et avec le fait que les scénaristes peinent un peu à s'y adapter.

- 1x07 - "Bright Eyes" : Alors que les mutants se remettent difficilement du massacre de Genosha, Rogue fait cavalier seul et tente de trouver les responsables.

Un épisode qui renoue avec l'intrigue de fond de la saison, et adopte un ton assez mélodramatique, avec une Rogue bouleversée, qui croise le chemin de Captain America, du General Ross, et finit par tuer Trask après que ce dernier ait parlé. De quoi révéler le big bad de la saison, Bastion, qui travaille avec Sinister pour mettre au point une nouvelle génération de sentinelles.

Intéressant, même si je ne suis pas ultra-familier du personnage de Bastion (son design est assez quelconque, pour l'instant), et que le côté Cylon/agent dormant des nouvelles sentinelles fait forcément un peu déjà vu aujourd'hui.

- 1x08 - "Tolerance is Extinction - Part 1" : Face à la menace des hybrides sentinelles, les X-men passent à l'action, et recherchent des informations sur Bastion. Mais l'évasion de Magneto donne le coup d'envoi à une guerre ouverte entre mutants et humains...

Un épisode assez chargé en exposition, histoire de bien expliciter le pourquoi du comment de Bastion, une brève référence aux sages de Kamar-Taj et aux points fixes du temps, et pas mal d'action plutôt dynamique, avec l'activation de tous les hybrides.

Pas désagréable, même si le problème de condenser tant d'intrigues et d'éléments en épisodes de 30 minutes enlève pas mal de l'impact du récit.

- 1x09 - "Tolerance is Extinction - Part 2" : De retour sur Terre, Xavier tente de restaurer la paix entre humains et mutants, mais doit pour cela se confronter à Magneto, sur son astéroïde. 

À nouveau un épisode plein d'action qui, malheureusement, pâtit encore de la précipitation globale de la série, puisqu'à aucun moment les enjeux, le compte à rebours de 12 heures (très artificiel), les décisions de chacun, les deux équipes de X-men, etc, n'ont le poids qu'ils mériteraient d'avoir.

À l'image du cliffhanger de fin, durant lequel Magneto arrache l'adamantium du squelette de Logan : un moment iconique du comic-book, qui ici paraît presque forcé, et à deux doigts du fanservice gratuit (à l'image des costumes vintage et de la réplique sur les tenues en cuir noir).

- 1x10 - "Tolerance is Extinction - Part 3" : Le duel psychique de Xavier et Magneto touche à son terme, alors même que le Phénix assure la survie de Jean, et que l'affrontement final contre Bastion prend place...

Une conclusion de saison très spectaculaire, mais qui embraye directement sur les épisodes précédents, encore une fois sans laisser le temps de réagir ou de souffler aux personnages comme au spectateur.

Après, c'était assez réussi, notamment visuellement (même si je continue à trouver le design de Bastion assez laid... car très/trop 90s)... mais ça reste très frustrant.

- Bilan saisonnier - 

Je ressors mitigé de cette saison, comme je l'ai mentionné fréquemment au gré des épisodes : pourtant, formellement, c'est tout ce que l'on pouvait attendre d'un tel revival, respectueux de son modèle, du matériau d'origine, plutôt bien produit, et assez ambitieux.

Mais voilà : je n'ai jamais eu grande nostalgie pour la série originale (au delà de son générique), et cela explique probablement pourquoi je ne partage pas l'enthousiasme débridé du Web envers cette série. À en croire l'interwebz, cette série serait la meilleure chose produite par Marvel depuis Infinity War ou Endgame, une réussite totale sans le moindre défaut, et si tu n'adores pas, c'est que tu n'es pas un vrai fan des X-men.

Pas de chance, je suis moi aussi amateur de longue date de ces chers mutants, et ça ne m'empêche pas de relativiser la réussite de cette adaptation : entre son rythme catapulté, qui expédie trouzemille arcs narratifs en vitesse rapide, son doublage un peu vieillot (je sais, c'est pour la nostalgie®©™), ses memberberries récurrentes, ses dialogues parfois un peu ronflants, et ses choix structurels discutables, le programme est plus qu'honorable, mais m'a laissé globalement de marbre.

Après, j'ai conscience d'être dans la minorité, à ce sujet, donc bon...

(bilan Marvel/DC mis à jour !)

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Le Prince d'Égypte (1998) :

L'histoire de Moïse (Val Kilmer), fils d'esclave hébreu adopté par la famille du Pharaon (Patrick Stewart), et qui, à l'âge adulte, découvre ses véritables origines et se rebelle contre Ramses (Ralph Fiennes), son frère adoptif et le nouveau Pharaon d'Égypte...

L'un des meilleurs films d'animation de tous les temps, selon la critique américaine, et l'un des rares Dreamworks à m'avoir échappé jusqu'à présent, Le Prince d'Égypte est le bébé de Jeffrey Katzenberg, qui, après avoir proposé le projet pendant des années à Disney, à fini par le mettre en chantier lui-même lorsqu'il a créé Dreamworks avec Steven Spielberg et David Geffen.

Pas forcément surprenant, donc, de voir l'Exode mise ici en images de manière très premier degré et manichéenne, comme si la production voulait nous faire un Liste de Schindler-bis pour les enfants, à grand renfort d'esclaves juifs martyrisés par les Égyptiens, et de Peuple élu, etc.

Je ne vais pas mentir, j'ai eu du mal avec ce Prince of Egypt, chaque point positif étant, pour moi, contrebalancé par un point négatif.

L'animation est plutôt jolie et maîtrisée - mais le style graphique m'a fortement déplu ; le score de Zimmer (et de ses sbires de Media Ventures) n'est pas désagréable, mais j'ai trouvé presque toutes les chansons insipides et déconnectées (surtout au niveau des paroles), et fréquemment, on retombe dans les samples orchestraux synthétiques utilisés à l'époque par Zimmer & co, ce qui est on ne peut plus anachronique et désagréable ; le doublage est compétent, sauf quand certaines voix immédiatement identifiables s'invitent (Goldblum), ou que certaines chansons demandent que les acteurs s'improvisent chanteurs ; et puis il y a ce récit mythique à la main très lourde et au ton ultra-sérieux et dramatique, qui contraste violemment avec la bouffonnerie des prêtres égyptiens, très Disney.

Bref, je comprends que le film ait vraiment fonctionné, notamment outre-atlantique, et que, nostalgie aidant, le tout soit auréolé d'une réputation largement disproportionnée, mais globalement, je suis resté de marbre devant la proposition de ce long-métrage.

3 + 0.25 pour le travail d'animation et de mélange 2D/3D = 3.25/6 

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Joy Ride (2023) :

Audrey (Ashley Park), une jeune avocate ambitieuse d'origine chinoise, adoptée par des parents caucasiens, est proche de sa meilleure amie Lolo (Sherry Cola), artiste glandeuse et provocatrice. Lorsqu'Audrey est envoyée en Chine par son cabinet pour y conclure un contrat, elle emmène Lolo en tant que traductrice, ainsi que Deadeye (Sabrina Wu), la cousine étrange de cette dernière, et sur place, les trois femmes retrouvent Kat (Stephanie Hsu), une actrice chinoise populaire, ancienne colocataire d'Audrey à la fac. Ensemble, les quatre amies vont renouer avec les traditions de leurs ancètres, et s'avouer leurs quatre vérités...

Une comédie féminine écrite et réalisée par des Asio-américaines (scénaristes sur des séries animées de Seth MacFarlane et sur la sitcom d'Awkwafina) et produite par Seth Rogen et Evan Goldberg, ça ne pouvait décemment pas faire dans la finesse et la légèreté.

On se retrouve donc ici avec un résultat qui lorgne fortement sur un croisement de Bridesmaids et de Crazy Rich Asians, soit un road trip bien trashouille et graveleux, agrémenté d'un propos sur la recherche de ses origines, sur le fait de renouer avec ses traditions, et sur le choc des cultures séparant les Chinois et Sinoaméricains.

Ça se regarde plutôt bien, c'est dynamique, les actrices sont sympathiques et s'amusent bien, mais c'est aussi particulièrement formaté (le schéma habituel des films de ce type est appliqué ici à la lettre, avec la dispute, la prise de conscience, la réconciliation, etc), et honnêtement, ça tape un peu trop souvent en dessous de la ceinture pour me plaire totalement.

3.5/6 

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Self Reliance (2024) : 

Tommy (Jake Johnson), quadragénaire paumé de LA, reçoit une invitation improbable à participer à un jeu unique : s'il parvient à survivre pendant 30 jours à des chasseurs qui n'ont pas le droit de s'en prendre à lui s'il n'est pas seul, il gagnera un million de dollars. Sans hésiter, Tommy accepte, et il doit désormais trouver un compagnon d'infortune pour parvenir au bout du jeu...

Une comédie absurde produite par Lonely Island, diffusée sur Hulu, et écrite/réalisée/interprétée par Jake Johnson, qui prend un postulat façon Squid Game ("vous êtes au fond du trou, vous n'avez plus rien à perdre, voulez-vous participer à un jeu potentiellement fatal mais qui pourrait vous rendre riche ?") et The Game (1997) pour en faire un semi-thriller/semi-comédie romantique pas désagréable du tout, à la distribution plutôt sympathique, notamment dans les seconds rôles (Biff Wiff est particulièrement attachant), et qui parle de solitude, de besoin de compagnie humaine, de développement personnel, de routine quotidienne insupportable, etc (on sent bien que le tout a été écrit pendant le confinement).

Rien d'exceptionnel au programme, mais pour un premier film, c'est suffisamment bien rythmé et tenu pour qu'on ne s'ennuie pas.

3.75/6

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Je le précisais dans ma critique de la saison 1 d'Invincible, cette adaptation Amazon du comic-book de Robert Kirkman : je n'ai pas grand chose à dire sur le programme, tant il est globalement assez fidèle à la version papier, dans ses qualités comme dans ses défauts.

Et donc, naturellement, après un épisode spécial consacré à Atom Eve, il en va de même avec cette saison 2, une nouvelle fois constituée de 8 épisodes d'une petite heure, diffusés en deux fournées, à cheval sur 2023 et 2024.

Invincible, saison 2 (2024) :

Après un premier affrontement contre Angstrom Levy (Sterling K. Brown), Marc (Steven Yeun) découvre que son père est désormais le régent d'une peuplade insectoïde, sur une autre planète, et qu'il a désormais un petit frère ; puis il doit affronter une invasion martienne, avant d'être propulsé dans le multivers par le retour de Levy...

Je dirais même plus : j'ai encore moins à dire sur cette saison que sur la précédente. La série continue en effet son bonhomme de chemin, Invincible continue son parcours de shonen-like (il se bat, se fait démolir, revient plus fort, etc, etc, etc), c'est toujours aussi bourrin et sanglant dans ses affrontements, ça suit toujours plus ou moins bien les arcs du comic-book (en changeant un peu la temporalité çà et là)... bref, ça reste une adaptation relativement fidèle et bien menée.

Ce qui peine à vraiment m'intéresser lorsque les épisodes s'étalent en long, en large et en travers sur les états d'âme des personnages. Ce qui passait assez bien sur le papier (un support que l'on peut lire à son propre rythme, et où la caractérisation développée de tous les personnages n'est généralement  jamais trop lourde à gérer) s'avère ponctuellement laborieux à l'écran, quand on enchaîne les séquences consacrées à tel ou tel personnage secondaire (Donald, Rex, Maman Grayson, Eve, Immortal, Robot, etc) à l'intérêt variable.

Après, c'est probablement dû au fait que je connais déjà tout ça, que les changements apportés ne sont pas suffisants pour surprendre le spectateur avisé, et que les montages musicaux restent peu satisfaisants ou probants.

Il y a bien Seth Rogen, qui s'amuse vraiment beaucoup en Allen the Alien, et rend toutes ses scènes sympathiques, faisant par la même occasion avancer l'intrigue de fond de la guerre imminente contre les Saiyans Viltrumites... d'ailleurs, le doublage est globalement excellent.

Mais encore une fois, je peine à vraiment adhérer à ce portage quasiment 1:1 du comics. Je suis conscient d'être clairement dans la minorité, et que Invincible est considéré (sur papier comme à l'écran) comme le haut du panier du genre, mais je trouve toujours tout le propos et toutes les interrogations morales et philosophiques des personnages aujourd'hui un peu éventés.

Been there, read that, seen that. Multiple times.

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Ricky Stanicky (2024) :

Depuis leur plus tendre enfance, Dean (Zac Efron), JT (Andrew Santino) et Wes (Jermaine Fowler) font porter le chapeau de tous leurs mensonges et de toutes leurs bétises à Ricky Stanicky, un ami imaginaire. Jusqu'au jour où, adultes, il leur faut trouver un véritable Ricky Stanicky pour apaiser les suspicions de leurs proches : ils se rabattent sur Rock Hard Rod (John Cena), acteur au rabais et imitateur dans un club miteux, pour tenir ce rôle. Mais le faux Ricky Stanicky, à fond dans son personnage, devient bien vite gênant pour les trois amis...

Peter Farrelly aux commandes de ce film à la forme assez typique des œuvres de l'âge d'or du bonhomme (et de son frère) : de l'humour très graveleux, un peu de slapstick, mais avec un message et un fond positif (pour ne pas dire une leçon de vie) qui se révèle à la fin. On pourrait même imaginer ce Ricky Stanicky tourné dans les années 90, avec Jim Carrey dans le rôle tenu ici par John Cena (un John Cena excellent, qui se donne complètement à son personnage déglingué). 

Malheureusement, ça ne suffit pas. Scénario écrit par six personnes, distribution quelconque (le film, supposé se tenir aux USA, a été tourné en Australie, et l'accent australien de certains acteurs ressurgit çà et là), interprètes sous-exploités (William H. Macy), rythme faiblard (le film dure près de deux heures), personnages assez antipathiques (sauf Cena, toujours sympathique), ton immature assez daté, métaphore religieuse jamais développée : Ricky Stanicky tombe quasi-systématiquement à plat, malgré les efforts des uns et des autres, et ne fonctionne donc jamais vraiment.

Peut-être si le film était sorti à une autre époque...

2/6

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La Légende des super-héros (The Hyperions - 2022) :

Au début des années 60, après avoir inventé le badge Titan conférant à son porteur un super-pouvoir unique, le Professeur Mandulbaum (Cary Elwes) a créé les Hyperions, une équipe de trois jeunes super-héros porteurs du badge. Près de 20 ans plus tard, l'équipe a été dissoute, remplacée par une génération plus jeune, et Ansel (Alphonso McAuley) et Vista (Penelope Mitchell), deux des Hyperions originaux, prennent en otage une poignée de visiteurs du Musée Hyperion, avec pour but de remettre la main sur leurs badges d'antan...

Un titre français naze au possible pour une comédie indépendante à petit budget, récupérée et distribuée outre-atlantique par The Daily Wire (un site conservateur américain), et qui est pourtant bourrée d'idées et d'originalité, depuis son cadre années 60 et 70 jusqu'à son rendu à l'écran (avec des séquences animées typiques de l'époque), en passant par l'interprétation décalée de Cary Elwes et la musique rétro.

Et je dois dire que, malgré les limites évidentes du projet, j'ai plutôt adhéré à cette proposition old school, qui prend le prétexte d'un film de super-héros pour proposer une histoire de famille décomposée qui apprend à se réconcilier.

Ça ne plaira clairement pas à tout le monde (il n'y a qu'à voir les critiques imdb des fans du Daily Wire qui ont détesté - pas assez d'action, pas assez d'humour, blablabla), mais pour peu qu'on sache à quoi s'attendre, ça fonctionne.

3.75/6 

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