Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...
Niko, le petit renne (The Flight Before Christmas - 2008) :
Niko (Andrew McMahon), un jeune renne ne connaissant pas son père et souffrant d'un vertige carabiné, décide de vaincre ses peurs, en suivant des leçons de vol auprès de Julius (Norm Macdonald), un écureuil volant maladroit ; mais lorsque le Père Noël et ses rennes deviennent la cible de loups maléfiques, Niko s'avère le seul à pouvoir les aider...
Un dessin-animé finno-européen en images de synthèse, qui trahit régulièrement ses origines non-américaines par des choix narratifs et créatifs très particuliers : tous les rennes de Santa Claus sont ainsi bizarrement décrits comme des beaufs/alcooliques/couards/dragueurs impénitents profitant de leur statut de star pour coucher avec un maximum de groupies (scandale aux USA lors de la diffusion télévisée !!), ou encore le choix d'Emma Roberts, 16 ans, au doublage d'une hermine séductrice/chanteuse de cabaret qui flirte avec un vieil écureuil veuf (scandale n°2 !)...
Bref, ça dépayse un peu, et même si le doublage anglo-saxon (techniquement, irlando-américain) n'est pas toujours formidable, le tout est plutôt joli visuellement (caniche rose excepté), et l'animation n'est pas forcément beaucoup moins bonne que celle d'un Âge de Glace de Dreamworks.
Bon, ce métrage reste tout de même anecdotique, mais finalement, il n'y a là rien de vraiment honteux.
3/6
Santa Claus is Coming to Town (1970) :
SD Kluger (Fred Astaire), un postier, décide de répondre aux questions les plus communes au sujet de Santa Claus : il raconte alors l'histoire du petit Kris (Mickey Rooney), bébé abandonné sur le palier de la famille Kringle, fabricants de jouets de père en fils. En grandissant, Kris décide qu'il veut apporter des jouets aux enfants de Sombreville, mais le maire de la bourgade, Herr Meisterburger (Paul Frees) s'oppose à lui. Et pour ne rien arranger, un sorcier maléfique nommé Hiver (Keenan Wynn) se dresse sur le chemin de Kringle...
Un classique de l'animation américaine de Noël, signé Rankin & Bass, et lorsqu'on le regarde, on comprend immédiatement pourquoi.
L'animation image-par-image se marie en effet parfaitement avec les doublages de Fred Astaire et de Mickey Rooney, et donne vie à cette biographie imaginaire du Père Noël d'une manière particulièrement charmante.
C'est beau, c'est musical (bien que certaines chansons paraissent un peu datées), bref, c'est très sympathique, à condition que l'on garde à l'esprit la nature du programme : un moyen-métrage produit pour la télévision, et à destination des plus petits.
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Maman Noël (Mrs Santa Claus) :
Une semaine avant Noël, en 1910, la Mère Noël (Angela Lansbury) s'ennuie ferme au Pôle Nord, alors que son époux (Charles Durning) est obnubilé par le 25 Décembre. Afin de lui prouver qu'elle n'est pas inutile, elle prend les rennes et le traîneau afin de vérifier un nouveau parcours pour la tournée, mais à cause de la météo horrible, elle est contrainte de se poser en urgence à New York, dans un quartier populaire. Là, alors que l'un de ses rennes, blessé, se remet lentement, "Mme Nord" passe une semaine en compagnie des nombreux immigrants qui l'entourent, et dont elle découvre - et parfois transforme - le quotidien.
Comédie musicale télévisée, diffusée sur CBS en 1996, produite par Hallmark, et qui met en scène une Angela Lansbury en pleine forme malgré ses 71 ans.
Visuellement, le tout est clairement téléfilmesque et scénique (les angles de caméra sont très basiques, le rendu, les décors et les éclairages assez théâtraux) ; l'interprétation est inégale (les accents, notamment, sont parfois discutables), tandis que l'écriture, elle, appuie un peu fort sur le côté justice sociale de l'intervention de la Mère Noël, entre l'intégration raciale, les suffragettes, l'exploitation des enfants, etc...
D'ailleurs, c'est bien là le problème principal de ce métrage : plutôt que de les laisser en filigrane et de permettre à la magie de Noël faire son oeuvre, le script fait passer au premier plan du récit tous les problèmes sociaux rencontrés par la Mère Noël, jusqu'à en faire l'un de ses sujets principaux.
Des ambitions qui sont louables, mais qui ont tendance à faire de cette comédie musicale quelque chose de trop laborieux et de morne, qui freine des quatre fers entre ses passages chantés. Cela dit, heureusement, le tout reste assez honorable grâce à ces derniers, du moins, pour peu qu'on apprécie les comédies musicales.
À ce niveau, rien d'exceptionnel ; cependant, les compositions très "yiddishs" de Jerry Herman (par ailleurs compositeur de Hello, Dolly! et de la version musicale de La Cage aux Folles) restent assez entraînantes, et bien interprétées par la distribution du métrage.
Mais bon... il faut bien avouer que pour une comédie musicale sur la Mère Noël, le film est étrangement peu festif ou magique. D'autant qu'en parallèle de toute cette histoire, on revient régulièrement sur le Père Noël, qui déprime seul au Pôle Nord. Youpi.
Dommage, car Lansbury est ici excellente, et aurait mérité de se produire dans une oeuvre plus légère, et moins "réaliste".
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Sacré Noël (Nativity !) :
Cette année, l'instituteur Paul Maddens (Martin Freeman) est chargé d'organiser la crèche musicale de son école, et d'affronter ainsi en duel une école rivale et huppée. Tout se complique lorsque Paul se vante de sa petite amie Jennifer (Ashley Jensen), productrice à Hollywood, qui selon les dires de Paul doit assister au spectacle, afin d'en faire un film à gros budget. Seul problème : Paul et Jennifer ne se sont pas vus depuis des années, et Paul est alors embarqué dans une spirale infernale, alors même que Mr Poppy (Marc Wootton), l'assistant de Paul, ne fait qu'aggraver la situation...
Comédie britannique de Noël dont j'avais déjà chroniqué la suite ici, Nativity met en scène Martin Freeman et Ashley Jensen (de Extras), dans un métrage pas très bien réalisé, brouillon (car en grande partie improvisé), et avec un Marc Wootton épuisant.
Le tout fonctionne tout de même par moments, grâce à l'énergie et l'émotion des enfants et de Freeman.
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La Mission de Chien Noël (The Search for Santa Paws) :
Lorsque Santa Claus (Richard Riehle) est renversé par un taxi new-yorkais, il perd la mémoire, et se fait voler le cristal magique qui le rend immortel ; derrière lui, il laisse Chien Noël (Zachary Gordon), un chien en peluche devenu réel grâce à la magie du cristal. À Paws de se débrouiller désormais pour retrouver son maître, et pour sauver Noël...
Préquelle de "Les Copains fêtent Noël", et spin-off de la franchise des Air Bud/Air Buddies, Santa Paws est un DTV de Noël Disney typique, avec son arsenal habituel de nains déguisés en lutins, de rouge, de vert, de sapins et de neige.
Après un début en chansons, qui fait un peu peur, et la découverte du visage de Santa, qui fait encore plus peur, le film se dirige rapidement vers des animaux qui parlent et chantent, et vers la traque de Santa Paws, le chien du Père Noël amnésique, sur fond de reprise réticente d'un magasin de jouet new-yorkais par le fils du fondateur, et d'orphelinat dirigé par une mégère.
Un gros gloubiboulga d'intrigues en tous genres et de chansons insipides, pour un tout clairement destiné aux plus jeunes, qui fermeront sans doute les yeux sur le rythme anémique, et sur l'intérêt assez limité du tout.
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À la Recherche du Père Noël (Christmas is Here Again) :
Lorsque le maléfique Krad (Ed Asner) dérobe la hotte du Père Noël (Andy Griffith), Sophianna (Madison Davenport), une orpheline handicapée, part dans une quête incroyable pour la récupérer, accompagnée par Paul Rocco (Daniel Roebuck), l'un des elfes du Père Noël, par Dart (Colin Ford), un jeune renne, par Buster (Norm Macdonald), un renard, et par Charlie (Brad Garrett), un ours polaire.
Un dessin animé narré par Jay Leno (!?), au style visuel plutôt réussi, à la fois moderne, stylisé et simpliste, qui donne par moments un rendu très "livre d'illustrations".
Malheureusement, tout l'intérêt du métrage s'arrête là, parce que le reste est affreusement plat, au point d'en être hallucinant de transparence : les choix vocaux sont étranges (Leno ? Griffith ? Macdonald ? Garrett ?), il n'y a quasiment aucun accompagnement musical de tout le film (et quand il y en a un, il est tellement en retrait et anonyme qu'il passe totalement inaperçu), les chansons sont particulièrement mauvaises, et le récit est on-ne-peut-plus bancal et incohérent, avec des jeux de mots pitoyables, des orphelins, des lutins, un renne, des enfants mineurs, une chenille, Santa Claus, un méchant sorcier, les langes du petit Jesus et le sac magique de Santa (qui ne font qu'un !?).
Bref, un long-métrage animé particulièrement frustrant, mollasson et agaçant, qui ne décroche quelques points que pour son animation et son style visuel.
L'Oktorrorfest 2015 est désormais terminée sur le blog des Téléphages Anonymes, et avant de partir pour de bon, la Grande Citrouille a laissé derrière elle tout un assortiment de micro-critiques en vrac, qui n'ont pas trouvé leur place dans le calendrier de ce marathon...
Psycho Beach Party (2000) :
En 1962, à Malibu, la jeune Florence Forrest (Lauren Ambrose), timide et innocente, tente de se rapprocher d'un groupe de surfeurs séduisants menés par Starcat (Nicholas Brendon), alors même qu'une vague de meurtres sanglants frappe la communauté. Et comme si cela n'était pas déjà une tâche rendue impossible par la jalousie de Marvel Ann (Amy Adams), la petite amie de Starcat, Florence a un problème de taille : elle perd régulièrement connaissance, endossant alors des personnalités radicalement différentes et plus violentes, qui prennent le contrôle de son corps au moment où les meurtres ont approximativement lieu. Florence est-elle la tueuse ? Ou bien est-ce quelqu'un d'autre ? Le Capitaine Stark (Charles Busch) mène l'enquête...
Un peu comme le Rocky Horror Picture Show : une pièce de théâtre décalée, créée par un dramaturge LGBT-friendly et porté sur le travestissement, qui rend hommage à tout un pan de l'histoire du cinéma (ici, les psychodrames des années 50, les beach movies de la décennie suivante, et les slashers des années 70 et 80), et qui se trouve adaptée au cinéma de manière indépendante par ce même dramaturge, et finit par se constituer une réputation de petit film culte ma foi bien sympathique.
D'autant plus sympathique que la distribution est très attachante, avec de nombreux visages connus du petit écran, qui ici surjouent volontairement leurs personnages improbables, et prennent un malin plaisir à balancer des répliques bourrées de double-sens et autres sous-entendus graveleux, fonctionnant très bien compte tenu du cadre parodique du métrage.
Un film qui ne plaira pas à tout le monde, mais qui est néanmoins très très fun.
4.25/6
Club Dread (2004) :
Superstar de la musique tropicale, Coconut Pete (Bill Paxton) a un jour décidé d'ouvrir un centre de vacances paradisiaque sur une île, au soleil. Mais alors qu'il est sur le point de revendre, un mystérieux tueur commence à décimer un à un les membres (incapables) de son équipe... et bien vite, il apparaît que tous les employés sont plus ou moins suspects...
Probablement le métrage des Broken Lizard que je préfère le plus (et qui grimpe un peu plus dans mon estime à chaque revisionnage), car il a l'intelligence d'être un pastiche du genre slasher, et non pas une simple parodie bête et méchante.
Ici, le pastiche est d'ailleurs plus subtil qu'il en a l'air, les personnages étant caricaturaux mais attachants, et lorsque le film vire au slasher pur et dur, sur son dernier quart, le spectateur oublie un instant que c'est une comédie, et se prend même au jeu de craindre pour la survie des employés de ce centre de vacances. Tous les films ne peuvent pas en dire autant, dans ce genre où la majorité des protagonistes méritent de mourir dans d'affreuses souffrances...
Malheureusement, c'est aussi cette volonté de proposer un vrai slasher qui fait que le film manque un peu de punch et d'humour, et traîne un peu en longueur.
Néanmoins, comme les chansons de Coconut Pete sont amusantes, que la distribution est excellente, que Brittany Daniel est à tomber par terre (Jordan Ladd n'est pas non plus désagréable, mais est plus en retrait), et que le tout est gentiment absurde, le métrage s'avère finalement toujours assez sympathique, pour peu qu'on soit dans le bon état d'esprit.
4.25/6
Fuchsia, la petite sorcière (Foeksia De Miniheks - 2010) :
Kwark (Porgy Franssen), un vieux magicien, découvre dans les bois un oeuf magique qui donne naissance à Fuchsia (Rachelle Verdel), une petite sorcière miniature. Bien vite, celle-ci rêve de grandir, et lorsque Kwark exauce son voeu, elle intègre l'école des sorcières de Mme Minuul (Annet Malherbe). Mais le monde des humains empiète bientôt sur la forêt magique, lorsqu'un maléfique entrepreneur (Marcel Hensema) décide de raser celle-ci pour y bâtir une autoroute. Heureusement, Fuchsia veille au grain, et avec l'aide de Tommie (Lorenso van Sligtenhorst), le neveu de l'entrepreneur, elle va tenter de sauver les bois enchantés...
Un film néerlandais pour enfants qui n'est pas désagréable, notamment parce que la petite Fuchsia est sympathique, et que les interprètes de Kwark et de Minuul semblent bien s'amuser.
Néanmoins, le tout reste assez dérivatif (on pense notamment à Amandine Malabul, entre autres), et souffre du syndrôme "film pour enfants = chansons toutes les 20 minutes", des chansons totalement inutiles (surtout celle qui repompe sans vergogne l'Apprenti Sorcier de Disney), hormis peut-être celle de la fête des sorcières, assez logique.
Rien de bien mémorable, mais rien de honteux non plus... et toujours meilleur que ce qu'on peut produire par chez nous dans le genre.
3/6
Monster Mash - The Movie (1995) :
Le soir d'Halloween, deux adolescents, Mary (Candace Cameron) et Scott (Ian Bohen) tombent en panne près d'un manoir sinistre. Là, ils sont accueillis par Igor (John Kassir), l'assistant bossu du Dr Frankenstein (Bobby Pickett), qui les accueille pour la nuit, et leur présente les autres invités de ce bon Docteur : Dracula (Anthony Crivello), qui jette son dévolu sur Mary, au grand dam de Mme Dracula (Sarah Douglas), jalouse ; la momie d'Elvis Presley, accompagnée de son manager (Jimmie Walker) ; Wolfie (Adam Shankman), un jeune loup-garou à la mère envahissante (Mink Stole) ; et la créature de Frankenstein, dans laquelle le Docteur aimerait bien greffer le cerveau de Scott. Tous les participants à ce Monster Mash ont donc des vues sur Mary et/ou Scott, qui vont devoir faire de leur mieux pour sortir vivants de cette soirée infernale, sans mettre leur couple en péril...
Un métrage particulièrement frustrant, puisque basé sur la comédie musicale I'm Sorry the Bridge Is Out, You'll Have to Spend the Night (1967), du compositeur américain de la chanson Monster Mash (1962). Une comédie musicale brièvement produite sur scène à Hollywood en 1970... alors même qu'en Angleterre, à la même période, Richard O'Brien, acteur sans le sou, commençait à écrire son Rocky Horror Show, qui a commencé à être officiellement produit sur scène en 1973 (après quelques représentations d'essai courant 1972).
Pourquoi je mentionne ces deux comédies musicales ? Car, comme quiconque ayant lu le résumé de ce film l'aura compris, le RHS et I'm sorry (...) racontent basiquement la même histoire : deux innocents dont la voiture tombe en panne, et qui finissent par visiter un chateau appartenant à un savant fou, lequel est entouré d'invités bizarres, et en pleine création d'un monstre.
Et donc, ces deux comédies musicales quasi-jumelles ont été adaptées pour le grand écran, en Monster Mash, the movie, et le Rocky Horror Picture Show. La comparaison est inévitable... et pour être particulièrement franc, Rocky explose littéralement ce Monster Mash sur tous les plans.
Pour faire simple, ce Monster Mash est effectivement un navet.
C'est en partie dû à l'oeuvre originale (les chansons sont médiocres au possible, l'histoire est générique et inoffensive), en partie au Rocky Horror (tout le mordant, la provoc' et le punch du Rocky sont totalement absents, et malgré les 20 années séparant les deux films, c'est Monster Mash qui semble être une production fauchée, amateure, et ultra-datée), et en partie à l'incompétence de l'équipe ayant produit le film en 1995 : les chorégraphies sont inexistantes, le rythme est anémique, le casting est pitoyable (les deux protagonistes principaux sont transparents, et seul John Kassir - le doubleur du Gardien de la Crypte - semble s'amuser), la post-synchro et le playback sur les chansons sont calamiteux, bref... c'est ultra-mauvais.
Alors peut-être qu'avec la nostalgie, ou bien si l'on est curieux de voir à quoi pourrait ressembler un Rocky Horror asexué et raté, ce Monster Mash peut trouver un intérêt.
Mais dans les faits, c'est trop laborieux et mauvais pour mériter autre chose qu'un
Avant-dernière journée de l'Oktorrorfest 2015 sur le blog des Téléphages Anonymes, et avant-dernière fournée de films fantastiques et horrifiques, à raison d'une critique de film toutes les heures, jusqu'à minuit ce soir...
Deathgasm :
Lorsqu'ils mettent la main sur un vinyle rarissime que leur confie Rikki Daggers (Stephen Ure), leader du groupe disparu Häxansword, Brodie (Milo Cawthorne) et Zakk (James Blake), deux jeunes métalleux rebelles, n'imaginent pas qu'ils vont déchaîner les forces infernales sur leur petite bourgade néo-zélandaise. Car dans la pochette du disque se trouve cachée une partition médiévale qui, lorsqu'elle est jouée par Deathgasm, le groupe de Brodie et Zakk, transforme tous les habitants du quartier en démons meurtriers. À Deathgasm de sauver le monde, ainsi que la belle Medina (Kimberley Crossman), pour qui Brodie a un faible prononcé...
Une metal horror comedy néo-zélandaise plutôt amusante, bien qu'étant particulièrement sous influences (Raimi et Jackson sont les deux plus évidentes, Shaun of the Dead n'est pas loin) et ayant un humour assez bas-de-plafond et graveleux.
Heureusement, le tout est déjanté, fun et dynamique dans sa mise en images, avec des flots de gore et de bile noirâtre, et une générosité parfaitement louable.
Bref, un film totalement brütal et plutôt sympathique, malgré un rythme un peu inégal par moments. Mais pour un premier long-métrage, c'est tout à fait honorable.
Halloween est passé, mais comme tous les ans, l'Oktorrorfest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...
Descendants :
Lorsque Ben (Mitchell Hope), le fils de la Belle (Keegan Connor Tracy) et de la Bête (Dan Payne) accède enfin au trône, sa première décision est d'amnistier les héritiers des plus grands Méchants du Royaume. C'est ainsi que Mal (Dove Cameron), la fille de Maléfique (Kristin Chenoweth), Jay (Booboo Stewart), le fils de Jafar (Maz Jobrani), Carlos (Cameron Boyce), le fils de Cruella d'Enfer (Wendy Raquel Robinson), et Evie (Sofia Carson), la fille de la Méchante Reine (Kathy Najimy) quittent l'île où ils étaient confinés pour intégrer l'école du Royaume au côté des descendants de tous les héros Disney emblématiques...
Il fut un temps où, tous les ans, Disney produisait des D-Coms d'Halloween fraîches, sympathiques et relativement amusantes. Malheureusement, entre temps, High School Musical est passé par là, changeant à jamais le profil des D-Coms du network. Désormais, les D-Coms ne sont plus que très rarement synchronisées avec le calendrier, et elles sont toutes à vocation musicale ou presque.
Je mentionne cela, car il fut donc un temps où un tel postulat de départ ("les héritiers des méchants Disney rencontrent les héritiers des héros Disney, dans un combat du bien contre le mal") aurait justement fait un parfait téléfilm d'Halloween Disney. Malheureusement, comme je le disais, High School Musical est passé par là, donc, imposant ici son réalisateur, ses morceaux insipides, ses chorégraphies, et ses chansons autotunées qui donnent envie de se pendre. Sans même parler de sa romance dégoulinante, et de ses "descendants" qui finissent tous par rejoindre le côté lumineux de la Force par le simple pouvoir des bons sentiments et de la danse. Youpi.
Oui, ce Descendants n'est rien de plus qu'un High School Musical qui ferait du cosplay (et même pas du bon cosplay, non, du mauvais cosplay à la Once Upon a Time), avec une facture technique qui ferait honte aux productions des années 90 (honnêtement, la post-synchro et le playback sont tellement mauvais, dans ce film, que je me suis parfois demandé si le budget n'avait pas été coupé en deux en cours de production, et ce de manière imprévue).
Et comme pour couronner le tout, les chiffres d'audience sont plus importants que la période de l'année (en dépit du fait que traditionnellement, chez Disney, les Méchants sont toujours mis à l'honneur à l'approche d'Halloween, que ce soit dans les parcs, ou sur le Disney Channel)... on diffuse ça en plein mois de juillet, histoire de tenter de rameuter les enfants en vacances.
Un bon gros flop bien honteux, qui se paie une reprise inaudible de "C'est la fête" de "La Belle et la Bête", et dont les rares moments de grâce proviennent de Chenoweth en Maléfique, qui se donne à fond dans son rôle, et pousse la seule chansonnette qui tienne à peu près la route.
Aujourd'hui, c'est Halloween, et pour fêter ça, l'Oktorrorfest met les bouchées doubles, avec la publication d'une nouvelle critique ciné toutes les heures, et ce jusqu'à minuit ce soir !
Horror Rock (Trick Or Treat) :
Maltraité et harcelé par les autres lycéens pour son amour du heavy metal et son look improbable, Eddie (Marc Price) n'a qu'une envie : se venger de toutes les brutes qui font de son quotidien un enfer. Mais lorsque son idole, le chanteur Sammi Curr (Tony Fields), trouve la mort dans un incendie, c'est tout le monde d'Eddie qui s'écroule. Bien vite, cependant, il apparaît que l'âme en colère de Sammi est enfermée dans l'ultime disque du groupe, qu'Eddie reçoit en cadeau de la part d'un ami animateur radio (Gene Simmons). Pourtant, si Eddie parvient, dans un premier temps, à canaliser les pouvoirs surnaturels du disque à son avantage, la soif de sang de Sammi Curr finit par échapper à tout contrôle, et à menacer la ville toute entière.
Un teen-horror movie typique des années 80, qui parodie la peur du hard rock et de son supposé backmasking sataniste, telle qu'elle a sévi aux USA durant les années 70 et le début des années 80. Et quelle parodie, puisque le film a choisi Ozzy Ozbourne dans le rôle d'un pasteur critiquant le monde impie et déliquescent du hard-rock !
Le film, bien qu'un peu longuet se regarde tranquillement, pour peu qu'on garde à l'esprit sa nature peu sérieuse : les effets spéciaux sont tout à fait honorables pour l'époque, le script (signé James Wong !) tient plus ou moins la route sur la distance (malgré un moment ou deux assez discutables), Gene Simmons est plutôt convaincant en animateur radio dans ses brèves minutes d'apparition à l'écran, et les acteurs s'en sortent plutôt bien, malgré un postulat de départ particulièrement casse-gueule.
Aujourd'hui, c'est Halloween, et pour fêter ça, l'Oktorrorfest met les bouchées doubles, avec la publication d'une nouvelle critique ciné toutes les heures, et ce jusqu'à minuit ce soir !
Black Roses :
La petite ville tranquille de Mill Basin se trouve soudain au coeur d'un conflit générationnel opposant les adultes de la ville à la jeunesse locale. L'enjeu de ce conflit : les Black Roses, un mystérieux groupe de hair metal se produisant dans la salle de concert toute proche, et qui, par son influence et sa musique, transforme les jeunes de la ville en créatures démoniaques et agressives. À Mr Moorhouse (John Martin), un professeur de littérature, de sauver la communauté.
Du même réalisateur que Rock'n'Roll Nightmare, un film paradoxalement assez réactionnaire, avec des jeunes cons qui se font posséder par une musique diabolique, malgré les avertissements de lers parents sages et avisés, qui devinent tout de suite la nature du mal... un mal qui se fait vaincre d'un coup de pied dans les bollocks par un professeur de littérature, quadragénaire moustachu porteur de cols roulés et de chemises à carreaux, qui écoute de la musique classique, et est un travailleur dévoué à sa cause et à ses élèves...
Une certaine idée du heavy metal, dirons-nous, illustrée par un long-métrage générique et mollasson qui enchaîne les scènes insipides de "jeunes" lycéens ayant la vingtaine avancée, celles du professeur sur fond de musique risiblement héroïque, des passages musicaux mettant en scène le groupe démoniaque fringué façon BDSM, et une mort amusante ou deux, à base de créatures en latex.
Même pas involontairement drôle, contrairement à l'oeuve précédente du réalisateur.
Aujourd'hui, c'est Halloween, et pour fêter ça, l'Oktorrorfest met les bouchées doubles, avec la publication d'une nouvelle critique ciné toutes les heures, et ce jusqu'à minuit ce soir !
Rock'n'Roll Nightmare (aka The Edge of Hell) :
Lorsqu'ils s'installent dans une demeure isolée pour enregistrer leur nouvel album, les membres du groupe de hair metal Tritonz - menés par John (Jon-Mikl Thor) - décident de passer un peu de bon temps avec leurs compagnes respectives. Mais bien vite, une force maléfique se réveille, et commence à décimer les rangs des Tritonz...
Un nanard canadien au budget microscopique, écrit, mis en musique et interprété par Jon Mikl-Thor, et qui commence très mal, par le massacre hors-champ d'une famille, et par d'interminables minutes du van du groupe sur la route, en guise de générique d'ouverture.
Tout le reste du film est à cette image : c'est mal foutu, c'est mal interprété, il y a de l'érotisme de pacotille, énormément de meublage, des chansons entières du groupe en répétition, c'est très clairement inspiré par Evil Dead dans sa forme, etc...
Bref, c'est amateur de bout en bout, y compris au niveau des créatures... MAIS lorsqu'arrive le dernier quart d'heure, on bascule dans totalement autre chose, puisque "John" se transforme alors en "Intercessor" pour affronter à mains nues Satan dans un long duel hilarant et kitsch, digne d'une cover de Manowar, et monté sans le moindre effet sonore sur une chanson de Mikl-Thor.
À elle seule, cette séquence vaut presque que l'on s'inflige tout le reste du métrage (ces étoiles de mer en plastique !!!!).
Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...
Dark Floors :
De passage à l'hôpital pour le scanner de sa fille Sarah (Skye Bennett), autiste, Ben (Noah Huntley) est confronté à une panne de courant inattendue. Décidant de quitter l'établissement, il prend l'ascenseur en compagnie de sa fille, d'une infirmière séduisante (Dominique McElligott), d'un agent de sécurité (Leon Herbert), d'un SDF (Ronald Pickup) et d'un homme d'affaires agaçant (William Hope). Mais lorsque les portes de l'ascenseur s'ouvrent à nouveau, le groupe est pris dans une boucle temporelle, et doit trouver un moyen de sortir de cet hôpital soudain de plus en plus décrépit, hanté par des créatures démoniaques et meurtrières.
Un film d'horreur finlandais financé et construit autour du groupe de hard rock Lordi, dont les membres tiennent là le rôle des monstres hantant l'hôpital. Et de la même manière qu'en 1978, KISS avait joué dans un film à leur gloire, KISS Meets the Phantom of the Park, ici, c'est Lordi qui fait son show, et il ne faut donc pas s'attendre à un long-métrage d'horreur 100% sérieux et terrifiant.
D'ailleurs, conscient de cette optique décomplexée et auto-promotionnelle du film, j'avais dit cela en 2009, lorsque j'avais vu le film pour la première fois :
J'ai bien aimé. En même temps, je partais sans aucune attente, ayant déjà goûté aux films-véhicules-pour-groupe-de-rock-en-costumes, et compte tenu du budget limité du métrage. Et au final, on se retrouve avec un Silent Hill-like, qui réussit à instaurer une ambiance presque plus efficace que le film de Gans, avec un budget plus de dix fois moindre.
Alors d'accord, le rythme est assez lent, se prêtant clairement plus à un visionnage sur téléviseur qu'en festival, et pour le coup, les costumes de Lordi & co auraient pu bénéficier d'un petit ravalement de façade avant de passer à l'écran. Mais bon, je ne me suis pas ennuyé, c'est visuellement réussi, les acteurs sont au pire moyens, et les idées du scénario (boucle temporelle, nombre de survivants qui décroit en même temps que le nombre d'étages, etc) sont plutôt sympas.
Ça ne révolutionnera pas le genre, et l'absence d'explications à la fin (même si on peut sans problème échafauder des théories à partir des infos données dans le film) en agacera plus d'un, mais moi ça ne m'a pas dérangé. Zou, 4/6
Avec un peu de recul, cependant, je me dois de revoir cet avis à la baisse. Les paragraphes ci-dessus restent tout à fait valables à mes yeux, l'ambiance et le rendu visuel étant deux des points forts du métrage, mais... le film n'est que moyen.
Je placerais ainsi un bémol rétro-actif sur l'interprétation des acteurs, assez inégaux : si le père de famille est un peu transparent, mais correct, que Bennett est toujours mimi tout plein dans un rôle peu évident, et que tant le SDF que l'homme d'affaires sont bien interprétés, l'infirmière et le garde de sécurité sont assez faux, de manière consistante. Assez dommage, à vrai dire, et l'on peut se demander si ce n'est pas le fait d'un tournage anglophone, dirigé par un réalisateur finlandais.
Et c'est cette interprétation (ainsi que les costumes de Lordi, qui auraient vraiment eu besoin d'une upgrade) qui tire cette maison hantée de fête foraine vers le bas.
Dommage, parce qu'en revoyant le film avec en mémoire quelques scènes, on parvient un peu plus à deviner le pourquoi du comment, entre la fillette coincée dans cette boucle, et qui ne parvient pas à s'en défaire, choisissant toujours le crayon rouge au lieu du bleu ; tout le symbolisme, et les échanges entre le SDF et la fillette ; l'autisme de celle-ci, inhérent à son don ; le renvoi de la scène du parking à un conte finlandais ; la mort finale de la petite, qui lui permet de chasser les ténèbres et de redémarre la boucle une nouvelle fois, en faisant cette fois-ci les bons choix, etc... il y a de quoi interpréter le métrage, qui joue vraiment la carte des sous-entendus.
Mais bon... ça ne révolutionnera effectivement pas le genre : les ambitions créatives sont là, l'efficacité et l'envergure probablement pas. Reste que je ne me suis toujours pas ennuyé.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Love & Mercy, la véritable histoire de Brian Wilson des Beach Boys :
Dans les années 60, le chanteur et compositeur Brian Wilson (Paul Dano) connaît un succès sans précédent avec son groupe, les Beach Boys. Mais progressivement, il commence à exhiber les symptômes d'un déséquilibre mental croissant, qu'il parvient un temps à canaliser dans sa musique visionnaire, mais qui finissent par le rattraper... Dans les années 80, Brian Wilson (John Cusack) n'est plus qu'un homme perdu et à la dérive, sous le contrôle médicamenté de son médecin, Eugene Landy (Paul Giamatti). Mais sa rencontre avec Melinda Ledbetter (Elizabeth Banks) va lui permettre de retrouver un peu d'espoir, et de retrouver le chemin de la guérison...
Un biopic musical particulièrement réussi, qui alterne les années 60 et 80 au travers de flashbacks pertinents, en gardant toujours comme ligne directrice la lente descente aux enfers de Wilson.
Le produit fini est un métrage mélancolique et doux-amer, qui réussit à être à la fois captivant et touchant, notamment lors des sessions d'enregistrement des hits du groupe, et dont la durée extensive (plus de deux heures, qui auraient peut-être pu être raccourcies de 10 minutes, notamment dans les années 80, un peu en demi-teinte en comparaison des scènes des années 60) permet au script de rester nuancé et subtil, et d'illustrer de manière créative (notamment d'un point de vue auditif) les hallucinations et problèmes mentaux du musicien.
Une réussite, donc, très bien interprétée et dirigée, et qui réconcilie avec le genre parfois pataud du biopic.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Sunset Strip :
Un documentaire de 2012 sur le Sunset Strip, ces deux kilomètres de route mythiques entre Beverly Hills et les studios d'Hollywood, lieu de toutes les fêtes et de toutes les débauches, depuis les années 20 et leurs acteurs, aux années 80 et leurs métalleux, en passant par les hippies, les punks, les gangsters, etc...
Plutôt intéressant (en ce qui me concerne les périodes 1920-1950 et post-80 m'ont particulièrement intéressé, plus que les années 60-70, pourtant assez fournies en sexe, drogues et rock'n'roll), et regorgeant d'images d'archive et de témoignages de stars plus ou moins connues, mais là se trouve probablement aussi le point faible du métrage : on sent bien que certains des témoignages et des interviews ne sont intégrés au documentaire que par copinage, tant ils n'apportent rien de pertinent, voire même ne sont là que pour apparaître 3 secondes et demi dans le film.
Mais sinon, cela reste tout de même une tranche d'histoire fascinante, en particulier si l'on est intéressé par l'évolution de la musique populaire du siècle dernier.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
The Hit Girls 2 (Pitch Perfect 2) :
Trois ans après leur première victoire nationale, le groupe des Bellas connaît un incident humiliant durant une représentation a capella devant le Président des États-Unis ; mis sur le banc de touche, le groupe commence à se désagréger, d'autant que Beca (Anna Kendrick) se désintéresse progressivement de la formation pour une carrière de productrice musicale. Il ne leur reste qu'un seul espoir : remporter les championnats du monde, et se refaire ainsi une réputation en écrasant leurs compétiteurs allemands (Birgitte Hjort Sørensen & Flula Borg)...
Le premier Pitch Perfect était une comédie de filles gentillette, clichée et un peu trop longue, qui a connu un succès planétaire principalement grâce à sa distribution sympathique (Anna Camp et Anna Kendrick en tête), à son énergie, à son côté karaoké décalé, et au Cup Song devenu viral sur le web. Pour être franc, je n'en garde pas forcément un souvenir impérissable... du 3, 3.25/6, à tout casser.
Cette suite ? Bigger, longer, louder, lazier et donc encore moins indispensable. Réalisée sans grande inspiration par Elizabeth Banks, ce second épisode semble constamment être en pilotage automatique, à commencer par Anna Kendrick, qui semble effacée et blasée, à l'instar de son personnage.
Tout le reste est d'ailleurs à l'identique : les personnages restent pour la plupart des archétypes limités à une ou deux vannes récurrentes (l'ajout d'une latina à la troupe, histoire de respecter les quotas, et d'avoir quelqu'un pour faire des blagues sur les latinos et les immigrants clandestins), voire sans la moindre ligne de dialogue (seule exception, Hailee Steinfeld, attachante et dynamique), Rebel Wilson en fait toujours trois tonnes, le script est ultra-balisé et générique (avec une exposition pataude, et une structure très mécanique), le tout manque drastiquement d'énergie et de motivation, c'est décousu, et les clichés, qu'ils soient ethniques ou autres, se succèdent jusqu'à l'épuisement.
Quant aux numéros musicaux, ils sont ici tellement sur-produits et sur-chorégraphiés qu'on père totalement l'intérêt de l'a capella, pour un résultat au mix sonore qui semble clairement sorti d'un studio de post-production et d'auto-tuning, résultat qui n'est pas aidé par des choix de morceaux et de mash-ups peu marquants ou mémorables.
En somme, on a plus l'impression d'assister à des concours de playback chorégraphiés qu'à des affrontements scéniques et crédibles de groupes vocaux... ce qui est clairement contre-productif compte-tenu du sujet du film.
(sans même parler des moments virant à la pure comédie musicale, avec bande sonore qui sort de nulle part)
Restent néanmoins d'innombrables caméos amusants (mention spéciale aux Greenbay Packers, très funs, et à Keegan Michael Key, comme toujours impeccable), des antagonistes mémorables, et le côté karaoké à la Glee qui enchantera sans nul doute les fans du premier.
2.25/6 (en plus, Anna Camp est absente pendant les 70 premières minutes, et disparait un quart d'heure plus tard, donc bon gros bof)
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
God Help the Girl :
Eve (Emily Browning), passionnée de musique, quitte l'hôpital où elle est soignée pour anorexie, et rejoint Glasgow, où elle veut faire carrière. Là, elle rencontre James (Olly Alexander), un musicien décalé, et avec Cassie (Hannah Murray), à qui James apprend à jouer de la guitare, le duo va créer son propre groupe, pour se lancer dans une carrière musicale...
J'aurais dû me renseigner avant. Vraiment.
J'avoue, j'ai vu le cast de ce film (Browning et Murray), et je me suis dit "tiens, une comédie musicale avec deux actrices que j'apprécie, pourquoi pas". Malheureusement, j'avais raté le nom du réalisateur et des producteurs.
Car ce métrage, produit par les producteurs habituels de Wes Anderson (icône cinématographique twee/hipster), est l'oeuvre du meneur du groupe Belle & Sebastian (icône musicale twee/hipster), et est en vérité l'adaptation filmique d'un concept album de sa formation pop indépendante.
D'où ma très très grande déconvenue en regardant le métrage. Car si le hipster récupère tous les codes du vintage et du kitsch pour se les approprier avec un décalage creux et hautain (il a conscience du kitsch, mais il l'arbore ironiquement afin de se faire remarquer), le twee fait théoriquement de même, mais avec sincérité : s'il adopte des codes démodés et kitschs, c'est parce qu'il les apprécie sincèrement, qu'il trouve que c'était mieux avant, et que de les réutiliser aujourd'hui donne naissance à quelque chose de mignon et d'intemporel. Seul problème, la frontière est souvent fine entre hipster et twee... qui ne font souvent qu'un.
Et ce film en est l'exemple parfait.
Ici, tout est maniéré, précieux, et affecté : les personnages s'habillent vintage, sans raison ; la musique qu'ils écoutent est rétro, sans raison ; le rendu visuel est très daté, sans raison ; les chorégraphies sont outrées et excessivement artificielles, pour ne pas dire démodées ; les personnages prennent la pose, ont des discussions pseudo-philosophiques sur la vie, l'amour, la musique, ils critiquent Bowie parce qu'"on ne ressent rien en écoutant du Bowie"... pour faire simple, malgré son appartenance assumée au genre twee, je n'ai jamais ressenti aucune sincérité dans ce métrage, ce qui a rendu sa préciosité assez agaçante.
Mais toutes ces affectations hipsters/twees pourraient n'être qu'un problème mineur si le métrage était techniquement de qualité.
Malheureusement, là aussi, il pêche sur de nombreux points : en tant que comédie musicale, toutes les chansons se ressemblent, dans un style typiquement twee qui manque de mélodies accrocheuses, et qui enchaîne les paroles aux rimes inexistantes ; en tant que film de passage à l'âge adulte, le métrage est trop long, manque de direction, et se contente d'enchaîner des scènes comme autant de vignettes sans autre but que de montrer des jeunes qui composent de la musique ensemble, parce que "la musique est la plus grande des forces" ; de plus, l'esprit même du twee (nostalgique, mélancolique et regrettant un passé idéalisé) s'oppose un peu à cette notion de passage à l'âge adulte qui constitue pourtant le noyau du film ; et en tant que film tout court, ça ressemble plus souvent à un clip musical de deux heures qu'à un véritable long-métrage, ce qui lasse très rapidement le spectateur réfractaire à l'ambiance maniérée du film.
Bref, God Help the Girl est un métrage qui, malgré sa distribution sympathique, m'a fortement rebuté, et m'a rappelé à quel point j'étais allergique à certains courants musicaux et populaires actuels. Mais je suis certain qu'il trouvera un certain public, auprès duquel il deviendra semi-culte.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
The Last Five Years :
Les hauts et les bas de la relation de Cathy (Anna Kendrick), une actrice en quête de succès, et de Jamie (Jeremy Jordan), un auteur publié et très occupé, qui vivent à New York...
Un spectacle scénique de Broadway, adapté ici par le scénariste de The Fisher King de Gilliam, et de PS I Love You, et avec Anna Kendrick et Jeremy Jordan, qui font un couple sympathique et talentueux ; passé le fait que toutes les scènes sont chantées avec plus ou moins de succès (frôlant parfois le style "on parle de manière vaguement musicale" de Sondheim, avec le risque de fatiguer très rapidement le spectateur), la forme globale est intéressante, puisqu'elle suit l'histoire de la relation sous deux points de vue opposés : celui de Cathy, qui remonte le temps depuis la dépression post-rupture jusqu'à l'époque de la romance, et celui de Jamie, qui fait l'inverse, de la romance à la rupture.
Cette structure en flashbacks/flashforwards est intéressante, oui, et c'est très bien joué... mais dans l'absolu, je suis tout de même resté assez indifférent face à cette comédie musicale douce-amère qui souffre de mélodies un peu faiblardes et inégales. Pas forcément mauvais, mais à réserver à un public "averti" (façon de parler).
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
L.A. Bare :
Documentaire signé Joe & Nick Manganiello, et qui plonge dans les coulisses du L.A. Bare, le club de strip-tease masculin le plus populaire de la planète, situé au Texas.
On y fait la connaissance de son patron russe (louche), de ses vétérans, de ses débutants, de son DJ, on découvre qui a inspiré quel personnage du film Magic Mike, et l'on y assiste à la soirée "débutants", un passage assez hilarant et décalé.
Plutôt agréable bien qu'anecdotique, le documentaire prend un tournant plus sombre lorsqu'il aborde le meurtre de l'un des danseurs, un danseur qui, apparemment, était promis à un avenir éblouissant, et était considéré par tous comme le meilleur strip-teaseur de la planète.
Tout ce passage humanise grandement les protagonistes, et redonne de la substance et de l'énergie à un film qui, comme le milieu qu'il décrit, avait jusque là un peu tendance à faire dans la mise en scène (quelques scènes semblent un peu forcées), et à rester très superficiel et léger.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Into The Woods, Promenous-nous dans les Bois (Into The Woods) :
Cendrillon (Anna Kendrick), Jack (Daniel Huttlestone) et le Haricot Magique, le Petit Chaperon Rouge (Lilla Crawford) et le Grand Méchant Loup (Johnny Depp), Rapunzel (Mackenzie Mauzy), une Sorcière (Meryl Streep) et bien d'autres personnages de contes de fées gravitent autour d'un bois enchanté, où leurs histoires se croisent et s'entremèlent...
Lorsque j'avais vu Sweeney Todd, j'avais dit ceci :
"Le problème de Sondheim, (...) c'est qu'il est soit bon parolier, soit bon mélodiste, mais rarement les deux en même temps. Soit il compose de chouettes mélodies, mais les plombe joyeusement en mettant des pans de dialogues chantés insupportables et paresseux dessus, ou bien il compose des textes intéressants, mais il n'y a alors ni mélodies ni orchestration mémorables."
Et sur ce Into The Woods, c'est exactement la même chose : les chansons "parlées-chantées" sont tellement omniprésentes qu'elles se mélangent toutes, jusqu'à ne plus faire qu'une bouillie infâme et insupportable de personnages débitant des dialogues en accentuant vaguement un mot ou un autre.
À partir de là, problème. Parce que oui, visuellement, c'est très réussi, et les acteurs sont globalement excellents (même si Streep est en mode "cabotinage décomplexé"). Et oui, quelque part, malgré les nombreuses oeuvres similaires, déconstruire les contes de fées en montrant que "non, il n'y a pas de fin heureuse dans la vraie vie", ce n'est pas une mauvaise idée (bien que ce soit une attitude typiquement 80/90s dans son cynisme).
Mais voilà, le tout ne décolle jamais faute à la musique, à la narration en voix off, aux intrigues jamais vraiment approfondies, aux pistes laissées en suspens, aux personnages évacués en cours de film, à la menace géante jamais vraiment concrète... bref.
3/6 pour les efforts de tout le monde, mais ça reste affreusement insipide.
Mise à jour de 06/2017 : Une mise à jour très rapide, puisque j'ai tenté de revoir le film, et que, moins de 20 minutes après le début du métrage, j'ai tout simplement été tenté de jeter mon écran par la fenêtre.
Un film qui m'est devenu tout simplement insupportable, maintenant que l'effet de surprise et de découverte est passé, et qui ne vaut plus que pour sa distribution sympathique, sa direction artistique, et une scène ou deux (comme par exemple le duel chanté des deux Princes, assez amusant).
Noël est passé, les Rois sont arrivés, mais avant de tirer sa révérence, la Christmas Yulefest2014 joue les prolongations sur le blog des Téléphages Anonymes, avec un Bonus Round d'une semaine afin de boucler dignement ce marathon de cinéma festif de fin d'année...
La Demoiselle des Neiges (Snegurochka) :
Snegurochka, la fille du Printemps et du Gel, en a assez de passer son temps enfermée loin de la société humaine. Elle finit par rejoindre le Royaume de Berendey, où sa beauté s'avère une distraction de taille, qui rend les femmes jalouses, et attire tous les hommes. Mais Snegurochka n'a d'yeux que pour Lel, le bellâtre séducteur de la communauté ; et lorsque Mizgir, un commerçant, rompt ses voeux de fiançailles pour les beaux yeux de Snegurochka, le chaos s'invite au royaume, un chaos à l'issue funeste pour la Demoiselle des Neiges...
Adaptation de l'opéra de Rimsky-Korsakov (lui-même une adaptation de la pièce de théâtre d'Ostrovsky) par le studio Soyuzmultfilm, ce qui garantit un résultat visuel splendide et mémorable, avec une rotoscopie employée à très bon escient, et de bien belle manière.
Malheureusement, si tout l'aspect technique et esthétique de ce moyen-métrage est très réussi, ça reste une adaptation animée opératique, avec ce que ça comporte de chorégraphies interminables, de meublage musical et dansant, de chansons ternes et mollassonnes, et de contenu un peu creux.
Bref, c'est superbe, mais c'est (sacrilège, je sais) un peu soporifique tout de même...
3.5/6
La Reine des Neiges (Snezhnaya Koroleva) :
Dans cette adaptation multi-récompensée du conte de Hans Christian Andersen, le jeune Kay tombe victime des sortilèges de la Reine des Neiges, forçant la petite Gerda à se lancer dans une quête épique et lointaine pour le retrouver, et le ramener à la raison...
Un moyen-métrage russe de 1957, à nouveau du studio Soyuzmultfilm, mais qui contrairement à La Demoiselle des Neiges, délaisse la rotoscopie au profit d'un style d'animation nettement plus cartoony, à l'américaine.
On pense notamment très souvent aux Silly Symphonies et consorts, ce qui n'est pas forcément une mauvaise chose, tant on y retrouve tout un sens du merveilleux et de l'enchantement typique des productions de l'époque.
Seul petit bémol, un rythme un peu inégal, avec certains passages plutôt précipités, qui résument un peu trop leurs équivalents papier : on aurait pu gagner à remplacer les introductions du marchand de sable par des scènes plus étoffées.
Reste que, dans l'ensemble, c'est une adaptation réussie et convaincante, en particulier sur un plan technique.
4.25/6
La Petite Fille aux Allumettes (The Little Matchgirl) :
En hiver, une fillette, seule dans la neige et le froid, tente de vendre des allumettes tout en rêvant d'un monde meilleur...
Court-métrage initialement prévu pour Fantasia 2006, et placé sur le dvd de La Petite Sirène lorsque Fantasia 2006 est tombé à l'eau. Connaissant déjà l'histoire, je m'attendais à rester plus ou moins de marbre devant ce court-métrage. J'avais tort. À ne pas regarder lorsque vous avez le blues, et ce malgré la réussite totale de ce petit film.
Noël est passé, la Nouvelle Année est arrivée, mais comme tous les ans, la Christmas Yulefest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...
Elf - Buddy's Musical Christmas :
Les aventures de Buddy l'elfe humain (Jim Parsons), qui part à New York pour rencontrer son père biologique et trouver l'amour.
Pour une raison ou pour une autre, Elfe de Jon Favreau (un film sympatoche, mais rien de plus qu'un Will Ferrell Show vaguement déguisé en film de Noël, avec la distanciation et l'ironie qui vont avec) est devenu un nouveau classique de Noël outre-Atlantique, notamment auprès des hipsters en tous genres. Soit.
Le film a connu une version papier, une version Broadway, et voilà maintenant qu'on a droit à une adaptation jointe de la version Broadway et du film en un résumé de 42 minutes. Et c'est bien là tout le problème : 42 minutes, avec les coupures publicitaires obligatoires, et tous les passages chantés (franchement assez insipides), ça donne un tout affreusement redondant, qui raconte au moins deux fois la même histoire (une fois dans le récit principal, qui refait donc le film en condensé, et une fois dans le générique de fin, qui résume à nouveau le tout en chanson), supprime tout développement des personnages principaux (Jovie, notamment, est quasiment inexistante), et, pour résumer, ne sert à rien.
D'autant que le casting vocal est malheureusement assez frustrant : Mark Hamill est sous-exploité, on ne peut que penser à Sheldon dès que Buddy parle (ce qui le rend éminemment exaspérant), Kate Micucci n'est pas très à l'aise dans son personnage, Gilbert Gottfried transforme son personnage (celui de Peter Dinklage) en caricature surjouée...
Restent les visuels mi-film d'animation, mi-stop-motion à la Rankin Bass : ils sont très réussis, et justifient presque de jeter au moins un coup d'oeil à ce Christmas Special... quel dommage cependant qu'ils n'aient pas été utilisés pour un récit qui aurait narré de nouvelles aventures de Buddy, et pas pour un simple remake sans grand intérêt.
3/6 (uniquement pour le travail esthétique, visuel, et d'animation)
Le Petit Prince des Trolls - une fable de Noël (The Little Troll Prince) :
Bu, un petit troll atypique et timide, héritier du trône de son royaume, finit par découvrir, au contact d'une famille d'humains, les bienfaits de la bonté, de la générosité, de Dieu et des fêtes de Noël.
Un Christmas Special américain de 45 minutes, produit par Hanna-Barbera et rediffusé chaque année sur Cartoon Network, mais qui malheureusement souffre d'un propos absolument pas subtil sur la Foi, Dieu, et compagnie.
C'est d'autant plus dommage que le casting vocal VO est intéressant (Vincent Price, Don Knotts, Cloris Leachman, Jonathan Winters...), que le ton global colle assez bien aux histoires de trolls nordiques traditionnelles, et que visuellement, c'est plutôt réussi.
Mais entre le propos prosélyte et les chansons assez datées et imbuvables (du moins en VF), le tout peine à convaincre réellement.
Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...
Noël dans la Montagne Magique (A Smoky Mountain Christmas) :
Une superstar de la country (Dolly Parton) désireuse d'échapper un instant à la célébrité part s'installer dans les montagnes du Tennessee, où elle croise le chemin de sept orphelins, d'un paparazzi agaçant (Dan Hedaya), d'un bûcheron bourru (Lee Majors), d'une méchante sorcière (Anita Morris) et de l'amant de cette dernière, le shérif (Bo Hopkins).
Une relecture très datée et assez moyenne de Blanche-Neige et les Sept Nains, à la sauce country, réalisée par Henry Winkler, et entièrement à la gloire de Dolly Parton.
Probablement un délice pour les fans de la chanteuse, mais pour un spectateur lambda, ce téléfilm ABC se regarde mollement, sans grand intérêt, entre l'interprétation inégale, le script très enfantin, les passages musicaux obligés, et le bon vieux cliché du Manly Man qui cache un passé d'intellectuel carriériste, et qui a préféré retourner à la nature et à une vie manuelle plutôt que de continuer une existence citadine.
Halloween approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...
Stage Fright :
Présente au meurtre de sa mère (Minnie Driver) dans les coulisses d'une comédie musicale dont elle était la star, la jeune Camilla (Allie MacDonald) vit une existence éteinte, à travailler avec son frère jumeau dans les cuisines du camp musical de leur tuteur (Meat Loaf) ; jusqu'au jour où ce dernier, désireux de sauver financièrement l'établissement, tente un coup d'éclat, en montant un revival de la pièce funeste. Camilla ne peut résister à la tentation, et prend alors la succession de sa mère dans le rôle principal... mais la mort rôde autour de la scène...
Un bon gros pastiche référentiel de slasher, mâtiné de comédie musicale décalée, et de WTF expérimental, avec une opposition heavy metal/comédie musicale entre le tueur et ses victimes, un Meat Loaf qui cabotine, et un métrage qui, dans l'ensemble, ne se prend absolument jamais au sérieux, même dans ses moments les plus gores.
Alors ce n'est pas parfait, notamment au niveau du rythme, et si l'on n'accroche pas du tout au mélange des genres, on risque de rester à la porte du métrage... mais sinon, c'est un grand délire très fun. Mention spéciale à la chanson du générique de fin, avec ses références au piratage du film.
4.25/6
I Am A Ghost :
Emily (Anna Ishida) vit une vie morne et routinière, sans s'apercevoir qu'elle ne fait que répéter un cycle immuable, à peine ponctué par les bruits bizarres qui hantent sa demeure. Un jour, la voix de Sylvia (Jeannie Barroga), une médium, lui explique qu'elle est morte, et que c'est elle qui hante la maison, pour des raisons inexpliquées. Emily tente alors de comprendre comment elle en est arrivé là...
Un film indépendant particulièrement surprenant et expérimental, au budget minimaliste (10000$ via Kickstarter), au visuel très stylisé (cadre old-school façon vieux photogrammes, pellicule usée) et à la distribution ultra-limitée.
Et contre toute attente, le tout fonctionne très bien : le rythme contemplatif et posé du film (et de ses "cycles de vie") donne une atmosphère pesante au métrage, qui en devient captivant et presque hypnotique... et lorsque le cours des événements commence à changer, et que l'on comprend le pourquoi du comment, ça n'en a que plus de force.
Une expérience très intéressante, qui prouve que l'on peut encore faire des films de fantômes sans avoir recours aux clichés éculés du genre, et autres jump scares sans ambition.
4.25/6
Chernobyl Diaries :
En vacances en Europe, un groupe de touristes (principalement américains) décide d'engager les services d'un ex-militaire russe pour les emmener visiter la ville abandonnée de Pripyat, près de la centrale de Tchernobyl. Mais bien vite, il apparaît que la ville n'est pas si déserte que ça, et qu'ils sont désormais traqués par quelque chose de dangereux...
Un survival typique du genre "touriste américain perdu dans un pays hostile", avec le problème majeur d'être particulièrement soporifique.
En fait, tant que le guide russe est présent, avec sa présence imposante et son accent, ça reste relativement intéressant ; problème : il se fait tuer (forcément) dès que les choses se corsent.
Et ensuite, c'est la routine habituelle de personnages insipides et clichés poursuivis par une présence invisible, avec un rythme faiblard, très peu de suspense, des dialogues en carton.
Au final, le métrage se résume à des imbéciles qui courent dans le noir dans une ville déserte, et crient un peu de temps en temps. Avec en prime un caméraman qui tente de donner au film des allures de found footage (caméra qui regarde à droite et à gauche ou bien monte/descend de voiture comme si elle était un personnage) sans en avoir l'air.
Mwé.
1.5/6 (pour le décor)
Deliver Us From Evil :
Ralph Sarchie (Eric Bana), un officier de police new-yorkais à la vie de famille compliquée, réalise bientôt qu'une série de crimes inexplicables a des origines surnaturelles ; contraint et forcé, Sarchie finit alors par faire appel à un prêtre aux méthodes peu conventionnelles (Edgar Ramirez), afin de lutter contre le démon...
Un pseudo-film d'horreur, supposément inspiré "de faits réels", mais qui en fait tient plutôt du thriller policier à l'ambiance et la photographie photocopiées sur Seven.
Tout est pluvieux, sombre, glauque et poisseux, jusqu'à la caricature, y compris des personnages : les flics badasses, le prêtre rock'n'roll, la compagne compréhensive mais pas trop, les démons très très maychants, etc...
Scott Derrickson (le réalisateur de L'Exorcisme d'Emily Rose) sait poser une ambiance et des images convaincantes, mais alors dès qu'il s'agit de l'écriture ou de faire monter la tension, il est aux abonnés absents.
Le film est ainsi particulièrement plat, dérivatif, il se traîne en longueur en enchaînant les clichés, avant de finir par un exorcisme bien convenu, qui n'apporte jamais rien au genre. Sans oublier le propos (involontairement) réac au possible, puisque le Mal vient du Moyen-Orient, et est repoussé grâce à la foi chrétienne et aux valeurs américaines.
C'est d'autant plus frustrant, tout ça, que la distribution est sympathique (même si l'accent de Bana est assez aléatoire par moments), et que le visuel est réussi... mais non, c'est un film malade et particulièrement bancal, qui va prendre nettement moins de temps à s'oublier qu'à se regarder.
Halloween approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...
Vamperifica :
Carmen (Martin Yurkovic), un jeune gay flamboyant et superficiel, découvre un beau jour qu'il est la réincarnation de Raven, roi des vampires, et guerrier sanguinaire à la réputation terrifiante ; mais lorsque ses anciens disciples le retransforment en suceur de sang, Carmen doit choisir entre sa vie de lycéen/showman frustré, et son destin de seigneur de la nuit...
Une vamp-comedy franchement fun, et qui m'a bien pris de court, tant je n'en attendais absolument rien. Forcément, quand on inverse le postulat de Buffy contre les Vampires, et qu'on fait du héros un gay efféminé ultra-bitchy qui passe son temps à se plaindre de toutes les règles du vampirisme, ça ne pouvait que donner quelque chose de très sympathique, d'autant que le gore est au rendez-vous, et qu'on a droit à un morceau musical très Once More With Feeling ou Rocky Horror Picture Show.
Alors certes, ce n'est pas forcément un chef d'oeuvre totalement réussi, il reste quelques maladresses, quelques pistes qui sont abandonnées en cours de route (vers la fin), et le métrage aurait clairement bénéficié de dix minutes de moins (ou bien d'un rythme plus maîtrisé sur sa globalité), mais le tout aborde le vampirisme sous un angle assez attachant, renforcé par la présence de Dreama Walker, toujours adorable, dans le rôle de la meilleure copine toute aussi bitchy. Et puis mine de rien, le film sait se montrer subtil sur certains sujets, ce qui est toujours appréciable.
4/6
Deep In The Darkness :
À l'initiative de son épouse (Kristen Bush), le Dr Michael Cayle (Sean Patrick Thomas) quitte New-York pour emménager avec toute sa famille dans la petite ville d'Ashborough. Mais rapidement, il s'avère que toute la communauté est sous l'emprise d'une race de créatures étranges et sanguinaires qui vivent dans les bois et les grottes environnant la municipalité...
Les premières impressions laissaient augurer du meilleur : une musique orchestrale intéressante, une affiche stylisée et esthétiquement réussie, une famille de personnages principaux sympathiques, l'adaptation d'un roman d'horreur à succès pour une chaîne cablée... on se dit même, en voyant un personnage avertir le héros afro-américain de ne pas prendre mal les réactions des autochtones en le voyant "parce qu'ils ne sont pas vraiment habitués aux gens comme vous... les gens de la ville", qu'on va peut-être avoir un double niveau de lecture (la peur de l'autre, le racisme, la différence, tout ça, exploité en tant que fausse piste, par exemple : le héros qui croit que tout le monde se méfie de lui parce qu'il est noir et que ce sont tous des rednecks, alors qu'en fait ce sont tous de dangereux cultistes, etc), voire même un métrage qui jouerait avec les clichés et les idées reçues...
Mais en fait, que nenni. Non seulement le métrage se traîne lamentablement (plus de 100 minutes) sans que rien de vraiment captivant ne se produise, et avec une mise en images molle et sans énergie, mais en plus les lueurs d'espoir initiales s'éclipsent rapidement : le potentiel racial de l'histoire n'est jamais effleuré (alors que le récit est en plein dedans, avec ces notions d'hybridation, etc), la musique fait parfois dans le hors-sujet (dommage, parce que sinon, elle est réussie), et le script s'effondre sous le poids de ses propres raccourcis, facilités, clichés et autres zones d'ombre inexpliquées.
Sans oublier les créatures, nettement plus menaçantes en théorie, mais qui dès qu'elles sont révélées, perdent tout de leur mystique, puisqu'elles ne sont que des hommes préhistoriques crades, à dreadlocks et à lentilles réflectives. Très décevant, tout ça.
1.5/6
Lost Time :
De retour d'une visite chez le médecin, Valerie Dreyfuss (Rochelle Valese), malade atteinte d'un cancer du sein, et sa soeur Melissa arrètent un instant leur automobile sur le bord de la route, pour tenter de réparer une panne de moteur. Mais soudain, leur automobile est avalée par une immense lumière éblouissante, et lorsque Valerie devient à elle, douze heures plus tard, elle est totalement guérie, et sa soeur a disparu... Valerie décide alors de mener l'enquête, avec l'aide de Carter (Luke Goss), un officier de police qu'elle fréquente, et du Dr Xavier Reed (Robert Davi), un ufologue étrange et manipulateur.
Un métrage qui, pendant un bon moment, ressemble assez à un polar plat et quelconque, avec quelques visages familiers, et une illustration musicale pop ambiante/soft rock/new age assez insipide et fatigante.
Après l'introduction du personnage de Robert Davi, ça prend des allures de thriller sf, et ça se concrétise un peu... mais pas pour très longtemps, malheureusement : la faute en incombe à un scénario ) à la fois prévisible et bordélique, qui mélange réalités parallèles et aliens en tous genres, dans un gloubiboulga sans grande structure ni intérêt.
Sans même mentionner la lead, qui a tendance à un peu partir en roue libre ça et là...
1/6
Come Back To Me :
Lorsqu'il emménage près de chez eux, Sarah (Katie Walder) & Josh (Matt Passmore) vont se présenter à leur nouveau voisin, Dale (Nathan Keyes), un jeune homme étrange qui s'intéresse aussitôt à Sarah. Bientôt, Sarah découvre qu'elle est enceinte malgré la stérilité de Josh, et chaque matin, lorsqu'elle se réveille en sursaut, elle réalise qu'elle n'a aucun souvenir de la nuit précédente, hormis des cauchemars intenses et sanglants.
Une adaptation littéraire particulièrement frustrante : d'un côté, le postulat de départ (Dale est un tueur en série psychopathe au complexe Oedipien, qui possède le pouvoir de ramener à la vie ses victimes tout en les rendant amnésiques, et il passe donc tout le film à violer & tuer ses victimes, en boucle, et à les mettre enceintes au passage) est original, mémorable, glauque et franchement efficace... et de l'autre, le film en lui-même est répétitif et monotone au possible.
C'est un peu le problème principal de ce métrage, qui abat rapidement toutes ses cartes, et ne propose ensuite qu'une héroïne trop longtemps passive, aux réactions improbables, et sur laquelle le spectateur a constamment dix longueurs d'avance. Et comme en prime le personnage de Dale est assez caricatural et cliché dans son interprétation, on peut résumer tout ça à : idée excellente, exécution médiocre et maladroite.
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.
Salsa Fury (Cuban Fury) :
Après un incident malheureux, Bruce (Nick Frost) a totalement délaissé sa passion d'enfance : la salsa ; désormais trentenaire rondouillard, il va redécouvrir la magie de la danse pour les beaux yeux de sa nouvelle collègue Julia (Rashida Jones)...
Comédie anglaise sympatoche, avec une distribution attachante (Nick Frost, Chris O'Dowd, Ian McShane, Olivia Colman, Rashida Jones) : ça se regarde tout seul, c'est assez dynamique, mais malheureusement ça ne transcende jamais son sujet, et c'est un peu trop prévisible. Le caméo de Simon Pegg était amusant, cela dit.
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