Articles avec #musique catégorie

Noël approche, et chez les Téléphages Anonymes, c'est donc l'heure de la Christmas Yulefest, et de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...

Comme Cendrillon 5 - Un Conte de Noël (A Cinderella Story : Christmas Wish - 2019) :

Apprentie-chanteuse orpheline, Kat Emerson (Laura Marano) vit désormais avec sa belle-mère Deirdra (Johannah Newmarch) et ses deux demi-sœurs, la vaniteuse Joy (Lillian Doucet-Roche) et l'idiote Grace (Chanelle Peloso), qui la traitent comme une esclave et dilapident son héritage. Jusqu'à ce qu'elle rencontre, dans le Santaland où elle travaille, le séduisant Dominic (Gregg Sulkin), Père Noël remplaçant au charme duquel elle n'est pas indifférent... et qui s'avère être le fils du propriétaire du parc, un riche milliardaire.

Mouais.

Techniquement, j'ai de la sympathie pour cette distribution, de Marano à Peloso, en passant par la sympathique Isabella Gomez en meilleure copine décomplexée ; la direction artistique du tout n'est pas désagréable, avec des costumes amusants pour le parc, etc ; et Marano/Sulkin fonctionnent bien ensemble.

Mais ce qui aurait pu donner un téléfilm regardable mais générique (du 3.25/6, en somme) s'écroule totalement dès lors qu'il tente d'être une comédie musicale. Déjà parce qu'il n'y a que trois ou quatre chansons dans tout le film, mais aussi et surtout parce que toutes ces chansons (sauf une) sont de la soupe immonde et affreusement autotunée, qui ne donne qu'une envie : arrêter immédiatement le métrage.

Tout le côté musical est donc un flop intégral, et pour ne rien arranger, on se retrouve aussi avec un trio de "méchantes" en cabotinage total (surtout Newmarch, qui semble tenter d'imiter Carolyn Hennesy), que l'écriture inégale rend assez fatigantes sur la durée.

Bref, le tout est tiré vers le bas par ces défauts, et c'est assez dommage de gâcher ainsi ces acteurs et leur talent.

2.25/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films de Noël passés en revue sur ce blog dans le cadre de la Christmas Yulefest en cliquant directement sur ce lien (classement alphabétique), ou celui-ci (classement saisonnier)...

Noël approche, et chez les Téléphages Anonymes, c'est donc l'heure de la Christmas Yulefest, et de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...

Sur un Air de Noël (The Road Home For Christmas - 2019) :

Lindsay (Marla Sokoloff) et Wes (Rob Mayes) sont deux musiciens de La Nouvelle-Orléans qui s'affrontent tous les soirs au piano dans un club de jazz. Malgré leurs différences (il est nonchalant et chaleureux, elle est organisée et stricte), le duo doit apprendre à se supporter alors qu'il entreprend un road trip à travers le pays jusqu'à leur région natale...

Un téléfilm Lifetime assez agréable à suivre, malgré quelques problèmes qui deviennent évidents sur la durée.

Dans l'absolu, le capital-sympathie du couple principal permet au film de bien fonctionner pendant 45-50 minutes : l'atmosphère de la Nouvelle-Orléans est agréable, l'illustration musicale est ludique et sautillante, les deux acteurs chantent bien et sont crédibles, bref, ça se regarde tranquillement pendant la première moitié du métrage.

Et puis progressivement, on s'aperçoit que l'équilibre entre les péripéties improbables du road-trip (des nonnes déguisées, une convention de Pères Noël, un spectacle de fin d'année, une tempête de neige, etc), la promotion croisée pour la tournée de Marie Osmond, et surtout les moments estampillés émotion et tête à tête sincère entre les deux protagonistes, est un peu bancal et maladroit.

Résultat : plus le film avance, et plus le rythme est en dents de scie, ce qui provoque, à la longue, un essoufflement du récit, et une perte d'intérêt progressive. Ce n'est pas rédhibitoire, et la distribution conserve suffisamment de charisme pour que l'on ne décroche pas totalement, mais dans l'ensemble, le téléfilm ne parvient pas à conserver l'énergie de sa première demi-heure, et se conclut même par une note un peu kitschouille, avec tout ce petit monde réuni autour d'un petit-déjeuner dans des pyjamas assortis.

Mouais.

3.25/6

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Noël approche, et chez les Téléphages Anonymes, c'est donc l'heure de la Christmas Yulefest, et de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...

Sacré Noël 4 - Nativity Rocks ! (2018) :

Séparé de son père à son arrivée en Angleterre, Doru (Brian Bartle) , un jeune réfugié syrien, arrive dans l'école primaire de St Bernadette, où il croise le chemin de Jerry Poppy (Simon Lipkin), assistant d'enseignement fraîchement recruté, et totalement excentrique. Ensemble, et avec toute la classe, Doru va participer à une opéra rock de Noël organisé par l'école, et dirigée par Emmanuel Cavendish (Craig Revel Horwood), une star du monde de la musique...

Les fidèles de ce blog le savent : j'ai beaucoup de mal avec la série des Nativity/Sacré Noël qui, d'épisode en épisode, de film en film, perd en prestige et gagne en caractère insupportable. De Martin Freeman et Ashley Jensen dans le premier opus, on est passé à David Tennant et Jessica Hynes dans le second, puis à Martin Clunes et Catherine Tate dans le troisième, avec systématiquement, au fil des films, un point focal se déplaçant de ces personnages vers celui de Mr Poppy (Marc Wootton), comic relief surexcité et enfantin.

Là, c'est pire, puisque tout le film est centré sur Mr Poppy... enfin, sur son frère caché, Jerry, une sorte de croisement entre Stéphane Plaza (pour le physique) et Jack Black (pour la voix et l'énergie cocaïnée). Marc Wootton, lui, a préféré ne pas reprendre son rôle, ce qui en dit long sur le niveau du script.

Un Simon Lipkin qui, s'il assure le côté vocal de son personnage, est probablement encore plus insupportable, puéril et immature que le Mr Poppy original, au point de donner envie, à de multiples reprises, d'arrêter le film en cours de route.

D'autant qu'il n'y a personne, face à lui, pour jouer les clowns blancs : pas de Tennant, de Freeman, de Clunes, etc, c'est Jerry, Jerry, et encore Jerry, en roue libre, dans un film qui se fond dans le moule de ses prédécesseurs, avec un rythme épuisant, un montage à la serpe, une écriture approximative et bordélique, et un concert final qui dure plus de 20 minutes.

Alors certes, Jessica Hynes refait une petite apparition, et les enfants semblent s'amuser (à défaut de chanter juste), mais cette Nativity à la sauce School of Rock reste, du début à la fin, un métrage décousu, impossible à aimer si l'on a plus de 10 ans.

Et ce n'est pas ce propos bancal et sous-développé sur les réfugiés qui y change quoi que ce soit...

1/6 (je crains le pire pour le cinquième volet, déjà en chantier)

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Chez les Téléphages Anonymes, d'octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

Dead Ant (2019) :

Groupe de hair-metal has-been, Sonic Grave - Pager (Rhys Coiro), Merrick (Jake Busey), Art (Sean Astin), Stevie (Leisha Hailey) - font route, avec leur manager Danny (Tom Arnold), et la compagne de Merrick (Cameron Richardson) pour se produire dans un festival au milieu du désert californien. En chemin, cependant, ils n'écoutent pas l'avertissement d'un vieil indien dealer de peyote (Michael Horse) et de son compère nain, Firecracker (Danny Woodburn), et ils profanent la vie sauvage du territoire sacré voisin : ils deviennent alors la proie de fourmis géantes bien décidées à mettre un terme à la vie du groupe...

Une comédie indépendante tournée en 2017 et qui aurait pu être diffusée sur SyFy (encore que, les effets spéciaux sont encore plus médiocres que la niveau actuel des productions SyFy) tant elle est générique et inoffensive, hormis son ouverture totalement gratuite  et absurde sur Cortney Palm poursuivie par une fourmi, et qui se déshabille totalement pour lui échapper.

Le reste ne vole jamais bien haut, à commencer par l'humour du métrage, assez faiblard et quelconque : les trente-quarante premières minutes sont ainsi particulièrement plates, pas aidées par des interprètes en roue libre, et des postiches capillaires ultra-fauchés. Heureusement, quand les premières fourmis attaquent vraiment, le métrage décolle un peu, même s'il faut attendre la dernière demi-heure pour que ça devienne vraiment amusant (notamment avec sa conclusion façon Mars Attacks).

Dans l'ensemble, Dead Ant reste cependant mollasson, pas aussi drôle et excentrique qu'il semble penser l'être, et trop fauché pour vraiment convaincre. Mais la distribution sympathique, qui semble s'amuser (Tom Arnold, en particulier, semble à fond dedans), et le second degré du tout font que ça se regarde tranquillement.

2.5 + 0.25 pour le duo Indien/Nain et pour Tom Arnold qui applaudit avec ses moignons pissant le sang = 2.75/6

(on est loin du délire d'un Arac Attack !)

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Chez les Téléphages Anonymes, d'octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

Anna and the Apocalypse (2018) :

À l'approche de Noël, alors que son lycée organise le spectacle de fin d'année, Anna (Ella Hunt) et ses amis (Malcolm Cumming, Sarah Swire, Christopher Leveaux, Ben Wiggins, Marli Siu) sont confrontés à leur vice-principal tyrannique, Mr Savage (Paul Kaye), alors même qu'une épidémie transforme progressivement tout le monde en zombies...

Un film un peu à cheval entre l'Oktorrorfest et la Yulefest, mais qui finit par s'avérer nettement plus horrifique que festif, une fois ses 25 premières minutes dépassées.

Car, ayant abordé ce métrage sur la seule base de ses bonnes critiques, je ne savais pas trop à quoi m'attendre... et en fait, pendant ces 25 premières minutes, le choc est rude, puisqu'on se retrouve devant une comédie musicale lycéenne écossaise très premier degré, façon High School Musical.

Alors certes, musicalement, vocalement et au niveau des chorégraphies, toutes proportions gardées, ça n'a pas à rougir de la comparaison... mais tout de même, ça fait un choc, surtout si, à la base, on n'est pas forcément très friand de ce genre.

Pendant ce premier tiers, donc, j'ai eu énormément de mal à accrocher au tout. Ce n'est pas la faute de la distribution, efficace et sympathique, mais autant dire que j'étais bien content de voir débarquer les zombies à la barre de la demi-heure...

Ensuite, le métrage lorgne gentiment sur un Shaun of the Dead adolescent, sans en avoir l'humour aussi prononcé, et avec des chansons mélancoliques placées çà et là.

Pas de grande surprise au programme, on devine très rapidement dans quelle direction tout ça va nous mener, il y a une vague utilisation de l'apocalypse zombie comme métaphore du passage à l'âge adulte et de la fin du lycée, et le mélange émotion sérieuse, dépression, et comédie décalée ne fonctionne que partiellement, souffrant d'un étrange déséquilibre qu'on mettra sur le compte de la tristesse écossaise.

Je l'avoue, je n'ai pas vraiment été convaincu par Anna and the Apocalypse. Je comprends totalement pourquoi ce High School Musical of the Dead a pu séduire les critiques, mais de mon côté, j'ai trouvé le tout un peu trop inégal pour vraiment être efficace, et le côté musical m'a tout simplement laissé de marbre.

3/6 (pour récompenser l'effort de proposer quelque chose de quasi-inédit)

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​ 

Rien n'arrête la musique (Can't Stop the Music - 1980) :

Compositeur new-yorkais peinant à trouver le succès, Jack Morell (Steve Guttenberg) cherche un groupe pour chanter ses chansons et trouver le succès. Avec l'aide de Samantha (Valerie Perrine), sa colocataire mannequin à la retraite, et de Ron (Bruce Jenner), un avocat, Jack forme alors un groupe de six chanteurs excentriques (Alex Briley, David Hodo, Glenn Hughes, Randy Jones, Felipe Rose, Ray Simpson) trouvés dans leur quartier de Greenwich Village... et le succès répond enfin présent.

Le blog fête le millième épisode de la rubrique Un film, un jour (ou presque) : c'est donc l'occasion de faire la fête, avec paillettes et boules à facettes, en passant en revue Can't Stop The Music, la pseudo-biographie (plus que romancée) du groupe Village People. Une comédie musicale à haute teneur en disco (forcément) qui, en fait de retracer la création assez commerciale et basique du groupe, part dans une histoire improbable et irréaliste, pas franchement maîtrisée ni bien construite, et se déroulant dans un Greenwich Village de fantaisie.

Difficile, donc, de juger ce métrage comme un véritable biopic, ou comme une véritable comédie musicale.

D'autant plus difficile que, hormis leurs numéros à la chorégraphie flamboyante et totalement (pas) virile (le numéro YMCA est un summum d'homo-érotisme finalement assez hilarant), les Village People sont des personnages très secondaires de leur film, jamais développés (en même temps, vu leur interprétation, ce n'est pas plus mal), et relégués au second plan d'un récit centré sur le personnage de Guttenberg (surjoué au possible, et avec "bouche bée et air idiot" comme expression par défaut), sur le couple formé par Valerie Perrine et Bruce Jenner (ça fait bizarre de voir dans le rôle de l'avocat/athlète irrésistible et séduisant, coincé et jaloux, mais après qui toutes les femmes courent, celui qui aujourd'hui est devenu Kaitlyn Jenner), et sur tous ceux qui les entourent, tous plus excentriques et cabotins les uns que les autres.

Résultat, on se retrouve ici avec une comédie musicale interminable (plus de deux heures), mal rythmée, à la post-synchronisation parfois très approximative, et à l'enthousiasme forcé omniprésent, qui (soyons francs), mérite le flop critique et public qu'elle a connu à l'époque.

Alors certes, il y a bien des moments WTF (le clip "produits laitiers" ^^) qui redonnent un coup de fouet au tout, et le film a le bon goût de toujours conserver un second degré déconneur (la mamie braqueuse), qui permet de faire passer la pilule, mais... allergiques au disco s'abstenir. Allergiques à une représentation parfois hypocrites des membres du groupe (toujours en costume, et en train de séduire de se frotter de très près aux femmes en boîte de nuit, sans que l'homosexualité ne soit jamais effleurée autrement qu'en allusion très vague), idem. Enfin, allergiques au kitsch et à une certaine révision de l'histoire, passez votre chemin.

Pour les autres, ceux qui apprécient l'époque, le style musical, le groupe, ou qui sont capables de regarder un film au second degré et sans cynisme, pour se laisser porter par la bonne humeur du tout, Can't Stop The Music reste regardable. Trop long, pas très bien interprété, et sombrant ponctuellement dans le grand n'importe quoi, mais regardable.

Grosse moustache de biker/6

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Rocketman (2019) :

La vie plus ou moins fantasmée d'Elton John (Taron Egerton), petit prodige musical qui, dès qu'il rencontre Bernie Taupin (Jamie Bell), un parolier, trouve la voix du succès, mais aussi celle des excès et des addictions en tout genre...

Après Bohemian Rhapsody, sur lequel il était intervenu en dépannage après l'éviction de Bryan Singer, Dexter Fletcher s'est intéressé à un autre grand de la scène pop anglaise, Elton John.

Mais ici, le réalisateur et son scénariste (déjà à l'écriture de Billy Elliot et de Cheval de Guerre) font le choix d'aborder la vie d'Elton John comme une grande fantaisie flamboyante et psychédélique : Bohemian Rhapsody était une biographie formellement assez basique et réaliste du groupe Queen, Rocketman sera une biographie romancée et excentrique d'Elton John, une véritable comédie musicale où les personnages entonnent les tubes d'Elton pour décrire leurs états d'âme, des tubes qui rythment le récit, et sont accompagnés de grands numéros dansés et chantés des plus bigarrés.

Et ce côté déjanté, mélange d'imagination, d'hallucinations, de réalité et de folie fonctionne plutôt bien, d'autant que le film a un sens de l'humour assez prononcé (tout le métrage est une sorte de flashback d'Elton John, habillé dans un costume de démon flamboyant, qui participe à une réunion du type Alcooliques Anonymes), et que Taron Egerton se donne complètement à son rôle, allant jusqu'à interpréter lui-même toutes les chansons du film (à contrario de Rami Malek, doublé pour Freddie Mercury).

Cela dit, ce n'est pas pour autant que le métrage est parfait : comme souvent, le rise and fall d'un artiste est plus intéressant dans sa première partie, et lorsque l'on aborde la déchéance de l'artiste, le rythme ralentit drastiquement. Ici, comme ailleurs, c'est le cas, et la deuxième heure s'essouffle un peu, malgré quelques très jolies idées, comme lors du plongeon dans la piscine.

C'est dommage, car sous bien des aspects, Rocketman est (filmiquement) supérieur à Bohemian Rhapsody : plus audacieux, plus libéré, plus créatif... mais le film souffre de problèmes de rythme récurrents au cinéma de Dexter Fletcher (Eddie the Eagle était lui aussi un peu trop long pour son propre bien), d'une main assez lourde sur la psychologie de son sujet, et de la même décision d'arrêter la vie du protagoniste à une date donnée, pour terminer sur une ellipse et des cartons-titres résumant la suite de sa carrière.

Rocketman reste un biopic sympathique et entraînant, très bien interprété, et qui a beaucoup de qualités... mais soyons francs, par moments, c'est tellement balisé que l'on pense quand même un peu à Walk Hard : The Dewey Cow Story, qui se moquait déjà, à l'époque, des clichés du genre.

3.25 + 0.5 pour la performance d'Egerton = 3.75/6

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Aladdin (2019) :

Jeune voleur des rues, charmeur et menteur, Aladdin (Mena Massoud) s'éprend de la jolie Jasmine (Naomi Scott), princesse rebelle de la ville d'Agrabah. Mais le maléfique Jafar (Marwan Kenzari) est bien décidé à s'emparer du trône, et à épouser la princesse ; pour avoir une chance de la sauver de ce sort et de la séduire, Aladdin fait appel au puissant Génie de la lampe (Will Smith), qui peut exaucer trois de ses vœux et faire de lui un Prince...

Voilà donc la fameuse adaptation en prises de vue réelles de l'Aladdin de 1992, une adaptation confiée (on ne sait trop pourquoi) à Guy Ritchie et à John August, et qui, dès ses premières images de Will Smith en génie, a suscité un bad buzz conséquent en ligne.

Un bad buzz encore renforcé par une distribution très inégale - outre Will Smith, Massoud paraissait insipide dans les bandes annonces, et c'était encore pire pour Kenzari -, et par des numéros musicaux visiblement laborieux.

Autant dire que ce n'était pas gagné pour cet Aladdin : heureusement, au final, ce n'est pas si désastreux. Ce n'est pas un bon film, mais ce n'est pas non plus la catastrophe intégrale à laquelle on pouvait s'attendre.

Il faut cependant être clair : Guy Ritchie n'était pas un bon choix à la réalisation. Il n'apporte rien au film, et rend toutes les séquences musicales plates et génériques (certains choix de réalisation sont incompréhensibles : Prince Ali, ultra-statique ; One Jump Ahead, en pleine poursuite, avec des jeux de ralentis et de framerate qui ne s'accompagnent pas de ralentissements vocaux !? ; Speechless, forcée et bancale) ; d'ailleurs, de manière générale, le film ne parvient pas du tout à assumer son côté comédie musicale, et semble uniquement à l'aise lorsqu'il raconte une histoire simple et directe.

C'est donc un problème certain, puisque le film dépasse les deux heures, le scénario ayant été largement rallongé pour l'occasion (et pas de la meilleure des manières, puisque l'écriture des personnages et des dialogues est des plus génériques) : des rajouts qui vont de l'anecdotique (Jasmine a désormais une servante/faire-valoir comique, dont s'éprend le génie) au gênant (la chanson Speechless de Jasmine, donc, une power ballad féministe typique de ce qui se fait actuellement, et qui arrive comme un cheveu sur la soupe), en passant par le sympathique (Will Smith en mode humain, plus proche d'un Hitch que du génie survolté made in Robin Williams) et par le remplissage évident et superflu (certaines péripéties, le perroquet géant, certains passages dansés, certains moments de comédie romantique, l'introduction, le Prince Anders...).

Heureusement, les bases du récit, sa structure, sont toujours saines et efficaces, tout comme le sont les personnages et les chansons originales. Cela donne au film une armature stable et solide, renforcée par le facteur nostalgie du tout : si l'on a grandi avec le film original, on aura forcément tendance à se montrer (un peu) indulgent à mesure que cet Aladdin enchaîne les passages familiers.

D'autant que finalement, le couple principal fonctionne bien : Massoud s'avère finalement plutôt sympathique en Aladdin, un Aladdin plus comique que dans le dessin animé original ; Naomi Scott est excellente ; Will Smith s'en sort plutôt bien en génie sous forme humaine, et semble s'amuser ; Navid Negahban est aussi bon ici que dans Legion... le seul problème, vraiment, c'est Jafar : comme on pouvait le deviner, Marwan Kenzari est une erreur de casting totale, n'ayant pas une once du charisme, de la présence et du port de Jafar, réduit ici à un vulgaire méchant hurlant et grimaçant.

Ce n'est pas nécessairement la faute de l'acteur, mais l'absence d'un antagoniste fort et imposant fait que la tension narrative du film est très faible : un véritable souci pour ce métrage qui souffre déjà de multiples problèmes de conception, au premier rang desquels le simple fait de justifier son existence.

Cette adaptation en prises de vue réelle n'apporte en effet rien à l'histoire du dessin animé, ni à son esthétique ; pire, à trop vouloir coller au film de 1992, à ses chansons, à son génie bleu (ici, Will Smith semble constamment être une tête peinte en bleue superposée sur un corps numérique à l'animation bancale), à son statut de comédie musicale, cet Aladdin 2019 finit par se mettre des bâtons dans les roues, et par traîner mollement la patte jusqu'à la ligne d'arrivée.

Aladdin 2019 a ainsi le postérieur entre deux chaises, à la fois pas assez et trop fidèle à l'original pour avoir sa propre identité, tout en étant trop approximatif pour être efficace en tant que film à part entière : l'énergie du film original est absente, et plutôt que de forcer ce remake à rentrer dans les cases définie par l'original, il aurait fallu plus d'audace et d'originalité.

(toutes les chansons du génie en sont un bon exemple : Will Smith se force à chanter de manière classique, et ça ne fonctionne pas ; alors que sa version rappée de Friend Like Me, dans le générique de fin, est nettement plus amusante et décomplexée)

Une chose est sûre, quitte à voir une autre version du dessin animé original, on préfèrera clairement la comédie musicale de Broadway.

2.75/6

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Studio 54 :

Documentaire du même réalisateur que Scotty and the Secret Life of Hollywood, revenant, avec moultes images et vidéos d'archive, sur les grandes heures, l'histoire et les dérives du Studio 54.

On y suit donc le parcours de ses deux membres fondateurs, le gay flamboyant Steve Rubell, et l'hétéro discret Ian Schrager (encore en vie, et qui témoigne ici), amis de toujours, qui ont révolutionné le monde de la nuit avec cet établissement mythique, rapidement devenu un haut lieu incontournable de New York, pour toutes les célébrités du pays, et pour la communauté homosexuelle de la ville.

Le métrage retrace ainsi l'ascension du duo, leur succès démesuré, leur popularité, leurs excès, leurs magouilles, et la chute du club et de ses propriétaires pour malversations financières et possession de stupéfiants.

Pour qui s'intéresse à cette période très particulière de la culture américaine, entre généralisation de la pilule dans les 60s et apparition du SIDA dans les 80s, le documentaire est assez intéressant, et surtout rythmé par d'innombrables morceaux funk et disco, qui replongent le spectateur dans la folie des années 70.

Mais les années 80 ne sont pas loin, et après un passage en prison, l'aventure s'est terminée pour Rubell et Schrager : le premier est décédé du SIDA, le second s'est reconverti dans l'hôtellerie de luxe, où il a, là aussi, révolutionné l'industrie.

Et le Studio 54, lui, de rester profondément ancré dans les esprits comme le souvenir d'une époque révolue de débauche et d'excentricité, où tout était possible, et les conséquences souvent volontairement ignorées.

4.25/6

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The Dirt :

L'ascension et la chute de Nikki Sixx (Douglas Booth), Tommy Lee (Colson Baker), Mick Mars (Iwan Rheon) et Vince Neil (Daniel Webber), membres du groupe Mötley Crüe, superstars incontrôlables de la scène musicale hard rock du Los Angeles des années 80...

Un long-métrage produit pour Netflix et adapté de l'auto-biographie de Mötley Crüe, une auto-biographie qui ne cachait rien des faits et méfaits du groupe de musiciens depuis ses débuts à nos jours.

Ici, le film s'avère un biopic musical assez classique, pour ne pas dire académique dans son illustration du succès et de la déchéance de ses protagonistes, avec deux parties bien distinctes : la première, de la formation du groupe à son succès le plus incontestable, donne lieu à un étalage complaisant de moments gentiment trashouilles, et de toutes les conneries que les membres du groupe ont pu faire.

Sex, drugs and rock'n'roll, comme on dit, mis en scène sans grand panache, mais avec un certain jusqu’au-boutisme par Jeff Tremaine, réalisateur attitré des Jackass et de tous les métrages et programmes tv qui en ont été dérivés. Sans surprise, compte tenu de ces antécédents, c'est cette partie du film qui est la plus dynamique, la plus ludique, et la plus extravagante.

Ça reste cependant malheureusement trop balisé, avec tous les passages obligés de ce genre de film musical (la rencontre, le nom du groupe, le manager, le premier morceau, etc), avec en prime un certain décalage vocal entre les enregistrements utilisés lors des chansons et la voix de Daniel Webber, qui fait que l'on y croit pas totalement.

C'est dommage, puisque la distribution (composée de beaucoup d'acteurs anglais... et de Pete Davidson du SNL ^^) est plutôt bonne et efficace (j'ai eu plus de mal avec Kathryn Morris, gentiment en surjeu dans ses quelques scènes), et que dans l'ensemble, le tout se regarde assez facilement.

Lorsque le métrage entame son virage en direction de la partie "déchéance du groupe", cependant, il commence à montrer ses limites : la structure du film se fait plus aléatoire et incertaine, la réalisation plus maladroite, et les astuces narratives (voix off, faces caméra, etc) qui pouvaient fonctionner dans la première moitié s'avèrent insuffisantes pour donner vraiment corps au mélodrame générale. Je pense notamment à l'annonce du cancer de la fille de Neil, avec fondus au noir, etc : assez forcé et contre-productif, malgré une fillette assez convaincante.

De toute façon, je crois que le problème de ce métrage est résumé dans son générique de fin, qui met côte à côte de nombreuses scènes du film et des vrais Mötley Crüe, pour montrer à quel point Tremaine et compagnie étaient proches de la réalité : un peu comme la reconstitution intégrale du concert de Wembley dans Bohemian Rhapsody, j'ai eu envie de dire "oui, et alors... ?"

Au final, The Dirt est divertissant, mais sa seconde moitié plus dramatique ne fonctionne pas vraiment, et affaiblit vraiment l'ensemble : lorsque l'on arrive à la conclusion, on ne peut s'empêcher d'avoir l'impression que le film a largement survolé une partie de la carrière de ses membres, et qu'il manque quelque chose pour que le tout tourne à plein régime. Et si en plus on n'est pas forcément très client de la musique du groupe, alors là, ça devient compliqué...

3.25/6

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Mayor of The Sunset Strip :

Le portrait de Rodney Bingenheimer, un petit bonhomme timide et réservé, caché sous sa frange, complexé, et qui accessoirement est une légende de la radio et de la scène musicale américaine : il a côtoyé toutes les plus grandes stars, de Sinatra à Bowie en passant par Elvis et les Beatles, qui toutes sont unanimes dans leurs interviews données pour le documentaire, et adorent Rodney.

Il faut dire que le bonhomme était l'un des pionniers du rock aux USA dans les années 60 : doublure lumière du leader des Monkees, c'est lui qui a importé Bowie en Amérique, puis les Sex Pistols, Coldplay, etc...

Au cours du documentaire, qui retrace grosso modo sa vie de manière chronologique, on voit ainsi des photos et des images de Rodney en compagnie de Lennon, de Hendrix, de Zappa, bref, de tous les géants de la musique du 20è siècle. Et l'on découvre un personnage discret, qui pourtant était de toutes les fêtes et de toutes les orgies, et conserve dans son "musée" des reliques aussi diverses que le permis de conduire d'Elvis, les tenues d'Elton John, un autographe de Kennedy et de Marilyn, etc, etc, etc...

Et paradoxalement, ce documentaire est empreint d'une profonde tristesse, directement dégagée par Rodney.

Oui, il connaît tout le monde, mais il reste toujours seul. Il a toujours côtoyé les stars, sans jamais réussir à en devenir une lui-même. Il a quelques amis proches, dont sa confidente de toujours, mais il apparaît perpétuellement songeur et triste, presque dépressif... sauf lorsqu'il oublie ses soucis dans la musique.

Une mélancolie d'autant plus amplifiée par les propos d'un employé de la radio, interviewé à part, et qui explique que si Rodney a toujours son émission après toutes ces années, c'est que personne n'a le courage de le mettre à la porte, alors qu'il est clairement en décalage total avec la cible de la radio.

On se rend alors compte que Rodney est parfaitement conscient de son statut de has-been aux yeux de beaucoup. Et que la mort de sa mère l'a profondément touché. Ce qui vaut d'ailleurs une scène très émouvante, vers la fin du métrage, lorsque Rodney retourne en Angleterre pour la première fois depuis des années, pour y déverser les cendres de sa mère dans la Manche.

Le documentariste conclut alors en posant une question face caméra à Rodney : "Est-ce que tu préfères que ce film ait une fin heureuse, ou une fin triste ?" Rodney, plus déprimé que jamais, répond alors qu'il veut une fin heureuse, et que les spectateurs se soient amusés en regardant le film. Et le réalisateur de le montrer s'en allant d'un bon pas, lunettes de soleil sur le nez, avec en fond sonore une musique dynamique et optimiste.

Mais le spectateur n'est pas dupe. En regardant MOTSS, on a parfois le sentiment d'assister à l'histoire vraie de ce qui aurait inspiré Almost Famous. Sauf qu'Almost Famous célébrait ces années musicalement et culturellement exceptionnelles. MOTSS, lui, sonne plutôt comme l'éloge quasi-funèbre d'un (petit) monsieur de la musique américaine, la fin d'une ère, et de ceux qui s'en souviennent.

4.75/6

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Le Retour de Mary Poppins (Mary Poppins Returns - 2018) :

En pleine Crise économique, lorsque la famille Banks - Michael (Ben Whishaw), ses trois enfants et sa soeur Jane (Emily Mortimer) - apprend qu'elle est sur le point d'être expulsée de chez elle, l'arrivée de Mary Poppins (Emily Blunt) lui fait l'effet d'une bouffée d'oxygène. Et, avec l'aide de Jack (Lin-Manuel Miranda), un allumeur de réverbères optimiste, Mary va (une nouvelle fois) bouleverser l'existence du petit clan...

Alors d'office, je préviens : je n'ai aucune nostalgie particulière pour le film original, que je n'ai pas revu depuis plus de 25 ans, et dont je n'ai qu'un très vague souvenir. Par conséquent, le facteur nostalgie/fanservice de ce métrage (un facteur qui semble jouer un rôle prépondérant dans la réception du film, notamment en ligne, où émettre la moindre critique de ce métrage équivaut à un sacrilège, et vous vaut apparemment d'être traité de tous les noms) n'est pas du tout entré en ligne de compte lors de mon visionnage de cette suite/remake.

Une suite/remake pas franchement utile, il faut bien l'admettre, et qui, pendant le plus gros de ses deux heures et quelques, choisit de ne pas se ranger sur le créneau de l'innovation technologique (contrairement à l'original, qui poussait la technique Disney dans ses derniers retranchements), et de produire à la place une copie fidèle et appliquée de l'original, destinée à susciter un effet Madeleine de Proust chez ses spectateurs adultes.

Et c'est bien là que le bât blesse, puisque si l'on n'est pas sensible à cet aspect doudou nostalgique, on a un peu tendance à rester de marbre devant un métrage certes bien produit et bien interprété (Blunt est excellente dans un rôle finalement peu avantageux et assez strict ; elle a heureusement l'occasion de se lâcher un peu lors d'un numéro cockney amusant), mais assez décousu, et relativement creux : les chansons assez génériques laissent de marbre, la réalisation est académique, les clins d’œil au film original sont inégaux (Dick Van Dike, ça passe ; Angela Lansbury en remplaçante évidente de dernière minute de Julie Andrews, mouais), certains choix de casting laissent dubitatifs (Meryl Streep en cousine de Poppins, la moustache de Whishaw, et même Lin-Manuel Miranda, qui fait un peu pièce rapportée), et certains choix créatifs, eux, sont discutables (les allumeurs de réverbères en BMX, qui escaladent Big Ben... alors qu'au final, ça ne sert à rien dans l'intrigue ; la conclusion, façon "la charité envers les pauvres mendiants, c'est bien, mais investir son argent pour assurer l'avenir de sa famille, c'est mieux", fait un peu grincer des dents)...

Bref, un long-métrage assez décevant, qui n'a (pour moi, j'entends bien) pas un quart du charme de l'original, et ressemble un peu à une pâle imitation manquant de rythme et de dynamisme. Ce n'est pas mauvais, loin de là, et ça assure un minimum le spectacle, mais c'est simplement inutile.

3/6

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Nerdgasm :

Documentaire qui suit Tom Lenk (Buffy contre les Vampires) alors qu'il prépare une représentation unique de son spectacle de stand-up en Écosse, dans le cadre du Edinburgh Fringe Festival.

En soi, rien de particulièrement rédhibitoire, et c'est tout à fait dans la lignée de multiples autres documentaires de tournée de comédiens ou de musiciens... le problème, en fait, c'est que Tom Lenk s'avère un comédien de stand-up assez quelconque, et que Nerdgasm finit presque par ressembler à un documentaire de voyage, entrecoupé de moments scéniques inégaux et à la prise de son assez médiocre, devant un public conquis d'avance et acquis à sa cause depuis Buffy & compagnie.

Franchement, j'aime bien le bonhomme, et le tout se regarde distraitement, mais est-ce que cette représentation méritait vraiment un documentaire ? Ou pour être plus exact, est-ce que ça a le moindre intérêt si l'on ne fait pas partie de la fanbase de Lenk ?

Je n'en suis pas franchement convaincu.

2.25/6

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Bohemian Rhapsody :

La vie et l'oeuvre de Freddie Mercury (Rami Malek) qui, avec Brian May (Gwilym Lee), Roger Taylor (Ben Hardy), et John Deacon (Joe Mazzello), ont formé l'un des groupes les plus populaires du vingtième siècle, Queen...

Passons rapidement sur la polémique autour de la paternité réelle du film, initialement réalisé par un Bryan Singer en pleine descente aux enfers, et confié aux 2/3 à Dexter Fletcher (déjà à l'origine du biopic sportif Eddie The Eagle, et futur réalisateur de Rocketman, le biopic consacré à Elton John) pour tenter de sauver les meubles : c'est Singer qui finit par être crédité, pour des raisons syndicales, et donc c'est lui qui récolte tout le crédit du film - et les lauriers qui l'accompagnent.

Car niveau reconstitution visuelle d'une époque et d'un groupe, ce Bohemian Rhapsody est très réussi, avec notamment un Rami Malek exemplaire, qui a bien mérité son Oscar (malgré une dentition artificielle qui aurait clairement gagné à être un peu plus subtile - la subtilité n'est pas un point fort du film, comme on le verra plus loin). Et le tout est un bel hommage à un chanteur hors-du-commun, et à un groupe culte...

Mais le problème, c'est que c'est aussi un hommage tous publics, assez scolaire, lisse et consensuel, qui adhère constamment aux conventions du genre, et manque cruellement de la folie et de la fantaisie indissociables de Queen.

Un problème clairement issu du script d'Anthony McCarten, un scénariste spécialiste des biopics très formatés, et probablement de la supervision directe de Brian May et de Roger Taylor : si les changements apportés à la chronologie des faits réels ne gênent pas forcément, et sont compréhensibles à des fins de narration plus forte, on peut grincer un peu des dents en constatant la manière très manichéenne et caricaturale dont est dépeint Paul, l'amant et manager personnel de Freddie, et qui sert de grand méchant manipulateur au métrage.

À l'identique, on peut trouver que la manière dont le film dépeint (involontairement) l'homosexualité de Freddie comme une pente glissante vers le malheur et la dépression, qui le conduit à succomber à tous les excès et à toutes les tentations, par opposition à la structure et à la paix de l'esprit représentés par les autres membres (hétéros) du groupe, et par sa relation avec Mary (Lucy Boynton).

Diaboliser l'homosexualité du protagoniste n'est clairement pas le propos du film, mais le simple fait que l'écriture du film puisse laisser cette impression à de nombreux spectateurs pose problème.

Et le manque de subtilité de l'écriture se retrouve un peu à tous les niveaux de la production : les dents de Malek, comme je l'ai déjà dit, mais aussi le maquillage des parents de Freddie, assez pataud, les coups de coude au spectateur (Mike Myers), pas très fins, les dialogues, souvent génériques, et la toute fin du film, centrée autour du concert Live Aid, qui dure un bon quart d'heure.

Un bon quart d'heure qui ne parvient jamais à égaler la captation du concert original, et ne sert donc pas à grand chose.

Alors on peut se demander si ce manque de subtilité découle de la production chaotique du film, si elle est inhérente à la supervision du projet par les membres du groupe, ou si elle provient tout simplement d'un script faiblard et peu inspiré... mais peu importe, le résultat est là : un biopic inégal, vraiment très balisé, mais qui se regarde néanmoins très facilement, sur la base d'un acteur principal habité, disparaissant totalement dans son personnage, et d'une musique (forcément) exceptionnelle.

Ce qui fait que, malgré des défauts très présents et évidents, Bohemian Rhapsody reste un bon moment à passer. Ça aurait pu être bien mieux, certes, mais ça aurait pu être pire.

3.25 + 0.5 pour Rami Malek = 3.75/6

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Dance Movie (Dance Flick) :

Lorsqu'elle arrive dans son nouveau lycée artistique, Megan (Shoshana Bush), une apprentie-danseuse coincée et traumatisée par la mort de sa mère, se rapproche rapidement de Thomas (Damon Wayans Jr.), danseur urbain nonchalant, et de sa soeur Charity (Essence Atkins)...

Énième parodie made in Wayans Brothers, qui appliquent ici la formule Scary Movie aux films de danse et autres comédies musicales, pour un résultat... prévisible.

Disons que dès la première scène (une dance battle entre deux crews, au cours de laquelle Wayans lève la jambe et urine littéralement sur ses adversaires), le ton est donné, et inscrit directement le film dans la continuité du pire des Wayans.

D'autant que l'immense majorité des gags et des parodies est téléphonée et sans inspiration : on a souvent l'impression que les Wayans, à l'instar des parodies façon Friedberg et Seltzer, ont écrit leur film en pilotage automatique, se contentant d'aligner des références et des clins d’œil assez lourd à tout ce qui passait devant leurs yeux.

En vrac, on a ainsi des parodies de Footloose, de Save the Last Dance, de Ray (?), des Sexy Dance, de Flashdance, d'Il était une fois (?), de High School Musical, de Fame, de Twilight, d'Hairspray, de Black Snake Moan (?), etc, etc, etc.... des parodies (y compris musicales) trop souvent plates, creuses, éventées, surjouées, aléatoires, et qui tombent totalement à plat.

Ne reste alors, pour sauver un peu les meubles, que quelques moments amusants, et l'énergie de tout le clan Wayans : autant dire que l'intérêt global du métrage est limité, et qu'on oublie le tout à l'instant même où le film se termine...

1/6

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Freaky Friday :

Ellie (Cozi Zuehlsdorff) et sa mère Katherine (Heidi Blickenstaff) passent leur temps à se disputer à l'approche du remariage de cette dernière. Mais lorsqu'un sablier magique se brise au cours de l'une de leurs disputes, la mère et la fille se retrouvent dans le corps l'une de l'autre, et doivent apprendre à découvrir le monde sous un autre angle...

Quelque part, à un moment ou un autre, en voyant le succès des High School Musical, Teen Beach Movie, Descendants, etc, quelqu'un, chez Disney, a décidé qu'il serait bon de transformer toutes leurs nouvelles productions télévisées en comédies musicales.

Dont acte, avec cet énième remake de Freaky Friday : Dans la Peau de ma Mère, transformé ici en comédie musicale insipide - ou plutôt, pour être exact, en adaptation filmique de la comédie musicale scénique elle-même adaptée du (des) film (films) original (originaux) et du roman qui a tout lancé.

Et franchement, pour être gentil et indulgent, c'est... hum... imbuvable. Les chansons sont de la soupe superficielle et creuse, typique de ce qui se fait de pire, aujourd'hui, à Broadway, les personnages ne sont pas du tout attachants ou intéressants, les clichés abondent en tous sens, et même l'énergie des deux actrices principales (pas plus charismatiques que ça) ne suffit pas à rendre le tout vaguement regardable.

Du moins, de mon point de vue, puisqu'à la diffusion du métrage, les critiques professionnels avaient adoré... tandis que les spectateurs, eux, avaient cordialement détesté, parfois pour des raisons valables, et parfois nettement moins ("la seule version valable, c'est l'originale avec Lindsay Lohan", "ras-le-bol de cette diversité ethnique forcée dans nos programmes tv !").

Bref, je déconseille vivement.

2/6 - 0.5 pour ce moment gênant où la mère, dans la peau de sa fille, pousse une chansonnette dans laquelle elle explique que ses hormones la travaillent et que le jeune lycéen de sa classe lui fait de l'effet... = 1.5/6

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Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Juliet, Naked (2018) :

Malheureuse et ressentant le besoin d'avoir un bébé, Annie (Rose Byrne) a l'impression de perdre son temps aux côté de Duncan (Chris O'Dowd), avec qui elle vit depuis des années, et dont elle ne partage pas la fascination obsédante et envahissante pour Tucker Crowe (Ethan Hawke), un obscur musicien américain ayant disparu des radars. Jusqu'au jour où Duncan la trompe, et, désormais seule, Annie reçoit un e-mail de Crowe. Bien vite, une romance épistolaire débute entre Annie et le musicien, un musicien paumé et has-been vivant dans le garage d'une ex, et dont les nombreux enfants sont éparpillés aux quatre coins de la planète...

Mouais. En théorie, on a un peu l'impression que Juliet Naked, adapté d'un roman de Nick Hornby, et produit par Judd Apatow, lorgne un peu sur le cinéma de Cameron Crowe, passionné par la musique, etc.

Ce qui, avec cette distribution sympathique, devrait donner quelque chose d'agréable à suivre... sauf qu'en fait, je suis vraiment resté de marbre face à cette histoire jamais très crédible, jamais très originale, jamais très drôle ou très romantique, et surtout, qui souffre de personnages peu attachants, entre la protagoniste passive coincée dans une vie malheureuse, et qui entame une relation sentimentale à distance avec l'idole de son compagnon ; ce dernier, un fanboy assez agaçant, et relativement mesquin (il n'y a qu'à voir la critique finale du nouveau disque de Crowe, une scène d'ailleurs assez amusante) ; et Crowe, un musicien tourmenté et n'assumant pas son talent, ni ses enfants.

Sans oublier la meilleure copine lesbienne, et les ex-femmes toutes plus acariâtres les unes que les autres.

Impossible de m'attacher autrement que superficiellement à ces personnages, et donc impossible de vraiment adhérer à ce métrage.

3/6 (parce que c'est regardable, et que ça ne dure pas trop longtemps)

Time Freak :

Stillman (Asa Butterfield), un petit prodige scientifique, invente une machine à remonter le temps, dont il se sert pour empêcher sa petite amie Debbie (Sophie Turner), une apprentie musicienne, de se séparer de lui. Avec son meilleur ami Evan (Skyler Gisondo), Stillman passe ainsi de moment marquant en moment marquant de sa vie de couple, espérant transformer cette dernière... pour le meilleur et pour le pire.

Hmmm.

Dans l'absolu, pourquoi pas : ce métrage indépendant, adapté d'un court par son créateur, n'est pas forcément d'une originalité folle (le voyage temporel comme moyen de retrouver l'élue de son cœur et d'éviter les erreurs du passé, c'est classique, ne serait-ce que l'année dernière, avec le When We First Met de Netflix), mais il est globalement bien filmé et interprété, et se regarde tranquillement. Le problème, en réalité, c'est le cœur même de ce métrage, la relation entre ce Stillman caractériel, coincé, manipulateur et jaloux, et une Debbie artiste, totalement victime des manipulations temporelles de son cher et tendre.

Avec un personnage principal moins irritant, ou avec un couple principal dont l'alchimie serait plus évidente (Butterfield ressemble plus au petit frère de Sophie Turner qu'à son compagnon), peut-être que tout ça aurait pu fonctionner sans problème.

Là, en l'état, ça coince un peu, et on se surprend à regretter la fin du film, en se disant que le personnage principal méritait un autre sort (alors que le personnage de Skyler Gisondo, lui, nettement plus attachant, connaît une véritable trajectoire intéressante).

Dommage.

3/6 - 0.25 pour le côté énervant du personnage principal = 2.75/6

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Three Summers (2017) :

Trois années de suite, durant le festival musical annuel Westival, en Australie, deux musiciens irlandais - Roland (Robert Sheehan), prétentieux et élitiste joueur de thérémine, et Keevy (Rebecca Breeds), une joueuse de violon folk terre-à-terre et enthousiaste - se croisent et se rapprochent, alors qu'autour d'eux s'animent diverses communautés et autres groupes musicaux toujours plus excentriques...

Une comédie romantique écrite et réalisé par Ben Elton, légende de la télévision comique anglaise (Mr. Bean, Mr. Fowler brigadier-chef, Blackadder, The Young Ones)... et qui, en regard des antécédents de son créateur, s'avère étrangement décevante et plate.

Le problème, c'est que, plutôt que de faire un métrage purement romantique, Elton a choisi de faire de ce film une comédie collective, avec bon nombre de personnages secondaires et de moments récurrents, au sein desquels Sheehan (parfait en musicien méprisant et hautain) et Breeds évoluent et se disputent, avant de se retrouver.

Résultat, entre moments de revendication politique aborigène, chansons vaguement décalées, seconds rôles excentriques, plaidoyer pour le vivre-ensemble, humour australo-britannique, etc, la romance évolue mollement, sans vraiment passionner, et ce bien que le couple principal soit agréable.

Ce n'est pas calamiteux, c'est simplement assez quelconque.

3/6

Que s'est-il passé cette nuit-là ? (The Wrong Bed : Naked Pursuit - 2017) :

Peu de temps après avoir été renvoyée d'une compagnie d'assurance, Stella (Jewel Staite) se réveille un beau matin dans une chambre d'hôtel, nue et menottée à un séduisant pompier, Owen (Corey Sevier). Ni Stella ni Owen ne se souviennent comment ils sont arrivés là, ni qui est l'autre, mais progressivement, alors qu'ils se rapprochent, ils comprennent qu'ils sont embarqués dans une histoire de conspiration pharmaceutique qui les dépasse, et qui les oblige à fuir constamment de l'avant..

Pas vraiment une comédie romantique, puisqu'on est ici dans un téléfilm Lifetime façon thriller miteux, mais dans lequel la romance joue tout de même un rôle important (car récit adapté d'un roman Harlequin).

Adapté à quatre mains, ce téléfilm s'avère ainsi un métrage assez bâtard, bourré de choix créatifs contre-productifs (dès que le récit s'éloigne du couple principal, ça patauge) qui semblent uniquement là pour remplir un peu les 85 minutes du programme.

Ce n'est donc pas très intéressant, malgré le capital sympathie du couple principal et les paysages canadiens enneigés, et sur la fin, ça vire même au ridicule, avec ce grand méchant surjoué, qui nous fait son monologue avant de tuer les héros.

2/6

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Petits Coups Montés (Set It Up - 2018) :

Épuisée par sa patronne autoritaire (Lucy Liu), Harper (Zoey Deutch) décide de faire équipe avec Charlie (Glen Powell), lui aussi assistant d'un patron insupportable et capricieux, Rick (Taye Diggs). Pas insensibles au charme l'un de l'autre, les deux vingtenaires mettent ainsi leurs talents en commun pour jouer les entremetteurs, et amener les deux cadres à se rencontrer, à tomber amoureux l'un de l'autre, et à enfin laisser un peu respirer leurs subordonnés...

Comédie romantique diffusée sur Netflix, fruit des efforts d'une réalisatrice de nombreuses sitcoms et autres séries tv comiques, et premier scénario de la productrice de films comme Hot Pursuit : En Cavale et Célibataire, Mode d'Emploi.

Pas grand chose d'original au programme, donc, puisque tous comptes faits, on aurait pu avoir exactement le même script (avec une distribution un peu moins mémorable) sur UpTV ou Hallmark.

La seule différence, ici, est donc ce cast plutôt sympathique et dynamique, entre Zoey Deutch et Glen Powell (déjà ensemble dans Everybody Wants Some !!, en 2016), Lucy Liu et Taye Diggs en patrons insupportables (Diggs en fait un peu trop, mais Liu rebascule avec grand plaisir en mode Ling d'Ally McBeal), et quelques seconds rôles sympatoches, parmi lesquels Pete Davidson en meilleur pote gay, et Titus Burgess en technicien étrange.

Sans cette distribution agréable à suivre, le film peinerait à atteindre la moyenne, dans le genre, d'autant que le métrage souffre (étrangement, compte tenu des antécédents de la réalisatrice) d'un manque de rythme assez paradoxal, et d'un bon quart d'heure de trop.

En l'état, c'est tout à fait regardable (les 20 dernières minutes sont même assez amusantes), mais le tout est honnêtement très peu mémorable.

3/6

Ibiza (2018) :

Envoyée par sa patronne à Barcelone pour y conclure une affaire, Harper (Gillian Jacobs), épuisée et au point mort dans sa vie privée, y est accompagnée par ses deux meilleures amies, Nikki (Vanessa Bayer) et Leah (Phoebe Robinson), bien décidées à profiter de l'occasion pour prendre des vacances festives entre copines. Mais à Barcelone, Harper a le coup de foudre pour Leo (Richard Madden), un DJ qui n'est pas insensible à son charme. Elle décide alors d'oublier la raison de sa présence en Espagne, pour se rendre à Ibiza et retrouver l'objet de son affection...

Initialement, je pensais que ce Ibiza (premier film de son réalisateur et de sa scénariste) était une énième girl comedy façon Mes Meilleures Amies et autres métrages du même genre avec humour trash et femmes qui font autant de conneries que les hommes (une certaine conception du féminisme, je suppose), d'autant que Will Ferrell et Adam McKay sont producteurs, et qu'une ex du Saturday Night Live (Vanessa Bayer) est à la distribution.

Mais en fin de compte, il s'avère que ce Ibiza est une comédie romantique entre Gillian Jacobs et Richard Madden, rom-com qui n'est que déguisée en party movie se voulant déglingué.

Le seul problème étant que le film ne fonctionne pas vraiment, que ce soit en tant que party movie (sur les 90+ minutes du métrage, il doit bien y avoir 25-30 minutes de remplissage creux avec des scènes de night-club, de foule qui danse, de DJs qui mixent, et d'EDM surmixé pour donner l'illusion d'un métrage dynamique), en tant que comédie trash de filles (les gags sont vraiment faiblards et assez timides), ou en tant que comédie romantique (puisque la romance, qui sert pourtant de fil conducteur, est finalement assez vite expédiée, et sans grand développement).

Ibiza finit par être plus proche d'un simple film de vacances, avec de beaux paysages, pas forcément mis en valeur par une photographie très saturée, et par une caméra constamment portée.

Dans l'ensemble, malgré sa distribution pas forcément désagréable (même si Watkins et Bayer surjouent gentiment, et que Robinson est transparente au possible), Ibiza est un film plat, sans réelle direction, et qui présente des personnages immatures et irresponsables, en espérant que le spectateur s'identifient à eux malgré leurs défauts.

Mouais.

1.75/6 (allergiques à la dance music s'abstenir)

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Christ(off) :

À la recherche de fonds pour les enfants d'Haïti, le Père Marc (Lucien Jean-Baptiste) décide de partir en tournée dans toute la France avec un groupe monté de toutes pièces, les Apôtres, composé de personnalités des plus improbables : le Père Bernard (Bernard Le Coq), qui a fait voeu de silence ; le Père Luc (Jarry), flamboyant et enroué ; le Frère Julien (Simon Astier), agoraphobe et innocent ; Jeanne (Victoria Bedos), l'organisatrice ; et Christophe (Michael Youn), un loser guitariste que Marc a trouvé dans la rue, et qui lui évoque fortement Jésus Christ...

Une comédie musico-religieuse qui évoque très fortement CoeXister, et qui s'avère encore moins réussie. La faute à un humour très bas de plafond et en dessous de la ceinture (le verre de sperme), mais aussi à une structure décousue et à un rythme haché, qui sabote beaucoup de ses gags, et tire le tout vers bas. Ajoutez à cela une interprétation très inégale et parfois trop récitative, et voilà, une comédie française bien ratée. Une de plus.

1.5/6

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Chez les Téléphages Anonymes, la Christmas Yulefest et son marathon de cinéma de Noël continuent jusque début janvier...

La Première Douce Nuit (The First Silent Night - 2014) :

Documentaire de 55 minutes diffusé en 2014 sur la chaîne publique américaine PBS, à l'occasion du centenaire de la Trêve de Noël durant la Première Guerre Mondiale, ce métrage se propose de revenir sur la genèse de Douce Nuit, Sainte Nuit, dans la région de Salzbourg, en Autriche, au début du 19è siècle.

Une mélodie signée Joseph Mohr et Franz Gruber, qui est depuis entrée au panthéon des chansons de Noël incontournables, reprise dans d'innombrables langues, et qui a directement mené à cette Trêve de Noël au milieu des tranchées.

Le documentaire, lui, est présenté par l'acteur Simon Callow, qui pour l'occasion arpente l'Autriche de long en large... et ne nous raconte pas grand chose de vraiment intéressant. Le problème, en réalité, c'est qu'il n'y a pas grand chose de palpitant ou d'intrigant à raconter au sujet de ce chant de Noël et de sa création ; par conséquent, le plus clair de ces 55 minutes consiste en des plans (superbes) de l'Autriche sous la neige, au point que l'on se demande par moments si le film n'a pas été écrit et financé par l'Office de Tourisme de Salzbourg.

Et puis il faut bien avouer que l'utilisation non-stop de Douce Nuit en guise d'illustration musicale finit par lasser (sans même parler de la version pop réorchestrée insipide que l'on nous présente dans son intégralité, vers la fin du documentaire).

55 minutes assez dispensables, à vrai dire.

3/6

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Casse-Noisette et les Quatre Royaumes (The Nutcracker and the Four Realms - 2018) :

À la recherche d'une clé lui permettant d'ouvrir le dernier cadeau de sa défunte mère, Clara (Mackenzie Foy) suit un fil doré tendu, à l'occasion de Noël, par son parrain, Drosselmeyer (Morgan Freeman), et aboutit dans un monde magique et improbable. Là, elle rencontre un soldat, Phillip (Jayden Fowora-Knight), et les figures royales qui dirigent trois des quatre Royaumes, au nombre desquelles l'excentrique Fée Dragée (Keira Knightley). Bien vite, Clara découvre alors que sa mère était la Reine de ce pays étrange, et qu'en son absence, la maléfique Mère Gingembre (Helen Mirren) y fait régner le chaos. Une Mère Gingembre qui possède justement la clé que cherche Clara...

Bon. Alors visiblement, en guise d'adaptation de Casse-Noisette, Disney a ici opté pour quelque chose de totalement différent : à la fois une suite, une fusion du récit original et du ballet, et un mélange bancal entre les Alice de Tim Burton (l'esthétique étrange du monde de Mère Gingembre, la destinée de l'héroïne qui finit par endosser une armure et par partir au combat, la grande bataille finale...), Star Wars Épisode VII (difficile de ne pas penser au duo Rey/Finn quand on découvre cette Clara dotée de toutes les qualités - volontaire, ingénieuse, dynamique, capable de se battre, de tout réparer, etc - accompagnée de ce Casse-Noisettes afro-américain qui ne sert à rien de tout le film), Pirates des Caraïbes (les deux gardes/cautions comiques du film), Un Raccourci dans le Temps (l'esthétique très clinquante, et la volonté évidente de "diversifier" certains personnages pour assurer les quotas) et Narnia (certains décors, et le schéma global du récit). Que des films Disney, d'ailleurs, ce qui donne vraiment l'impression que la Souris possède un générateur automatique de scripts pour ces blockbusters pour enfants...

Et le résultat est malheureusement particulièrement creux et brouillon : un film d'aventure aux personnages souvent sous-développés, sans substance, ni la moindre magie, malgré des décors physiques assez impressionnants. Faut-il y voir là le résultat de la genèse compliquée du film (le réalisateur original, suédois, a fini par céder la place à Joe Johnston pour un mois de tournage complémentaire) ? Ou bien de la volonté de Mickey & co de transformer le récit pour éviter de faire des souris/rats les grands méchants du récit, contrairement à l'original ? ^^

Quoi qu'il en soit, le film ne fonctionne jamais vraiment. C'est certes un beau spectacle visuel (pour peu que l'on adhère au rococo ambiant et aux visuels surchargés), et Keira Knightley porte le film sur ses épaules en cabotinant ouvertement, avec une interprétation maniérée et une voix de Betty Boop, mais la mayonnaise ne prend jamais, et ce Casse-Noisette et les Quatre Royaumes (titre d'autant plus paradoxal qu'encore une fois, Casse-Noisette fait ici de la figuration) ressemble in fine à un film créé par comité, sans réelle direction créative ou visuelle, et visant à satisfaire le plus grand nombre.

C'est plat, ça n'a pas grande identité, ça n'a pas grand rapport avec le récit initial, et c'est creux : on oublie.

2 + 0.25 pour Mackenzie Foy, qui, dans le rôle principal, n'a rien à se reprocher = 2.25/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films de Noël passés en revue sur ce blog dans le cadre de la Christmas Yulefest en cliquant directement sur ce lien...

Noël approche, et chez les Téléphages Anonymes, c'est donc l'heure de la Christmas Yulefest, et de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...

Every Other Holiday (aka A Holiday Wish Come True - 2018) :

Séparés, Tracie (Schuyler Fisk) et Risk (David Clayton Rogers) se partagent tant bien que mal leurs deux filles à l'approche de la fin d'année. Et lorsque le seul souhait de celles-ci, pour Noël, c'est de passer les fêtes, tous ensemble avec le reste de leur famille, dans la ferme familiale, Tracie et Risk acceptent de mettre un temps de côté leurs différents pour leur offrir ce cadeau de Noël. Plus facile à dire qu'à faire alors que Mimi (Dee Wallace), la mère de Tracie, déteste cordialement son gendre...

Un téléfilm Lifetime qui donnait plutôt l'impression d'arriver tout droit des chaînes comme UpTV ou INSP, avec son mélange de mélodrame familial, de musique country, et de religion. Sans oublier son générique d'ouverture animé façon dessins d'enfants, le genre de fantaisies bannies de Hallmark ou de Lifetime, qui changent souvent le titre de leurs films au dernier moment, quelques jours avant leur diffusion.

Un film très atypique pour la chaîne, donc, entre ses histoires de père musicien absent, de belle-mère envahissante et acerbe, de réunion familiale difficile, de couple séparé qui peine à se réconcilier (enfin, pas tant que ça, puisqu'ils retombent dans les bras l'un de l'autre au bout de 40 minutes), et d'ambiance plus discrète et sincère que bon nombre d'autres films de Noël.

Et bizarrement, c'est probablement ce qui a fait que malgré certains clichés habituellement repoussants pour moi (le côté religieux me donne des boutons, surtout quand le film se termine par une prêche ; la country, idem, surtout quand on se paie un chanteur country au charisme de poulpe mort dans le rôle du rival potentiel du protagoniste masculin), je n'ai pas détesté ce métrage.

La distribution est solide, ce n'est pas trop cliché, bref, je ne le reverrai probablement pas dans un futur proche, mais en l'état, ce n'est pas désagréable, pour peu que l'on adhère au côté mélo du tout.

3/6

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Chez les Téléphages Anonymes, du 1er octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur....

Monsterman :

Documentaire d'une petite heure suivant Mr. Lordi, meneur du groupe du même nom, passé à la postérité pour avoir remporté, de manière totalement inespérée, l'Eurovision en 2006.

Une victoire qui, si elle a eu ses bons côtés, et a permis au groupe de devenir célèbre mondialement, a aussi eu beaucoup de conséquences négatives, puisque l'on découvre, 5 ans après la victoire, un Lordi dépressif, endetté jusqu'au cou, tentant désespérément d'éponger les dettes de son groupe, et de gérer des décisions mal avisées suggérées par le responsable de son label, chez Sony.

On voit ainsi Lordi fermer son restaurant thématique, être contraint de participer (en tant que coach) à une émission de tv réalité musicale sur des batailles de chorales, se produire devant des touristes russes indifférents au Santa Park de Rovaniemi, au milieu des lutins ; puis c'est le batteur du groupe qui trouve la mort, sa claviériste qui décide de raccrocher, le responsable du label qui est renvoyé par ce dernier - les problèmes se succèdent pour Lordi, et ce dernier y fait face avec un fatalisme très nordique, toujours soutenu par sa mère, et par son meilleur ami.

Jusqu'à ce que, depuis son chalet isolé en lisière du cercle polaire, Lordi utilise enfin ces innombrables épreuves comme un carburant pour remonter la pente, et écrire un nouvel album, To Beast or not to Beast. Un album enregistré à Nashville, qui permet à Lordi de renouer avec le succès, de repartir en tournée mondiale, et d'éponger ses dettes.

Ce mini-documentaire s'avère ainsi un making-of plutôt intéressant pour cet album, bien qu'étant un peu trop théâtralisé/mis en scène pour son propre bien : Lordi tient à cacher son visage réel, et celui des membres de son groupe, et la réalisation se plie donc en quatre pour cadrer de manière originale tous les protagonistes de cette histoire... ou pour révéler, de manière dramatique, le visage de la claviériste lorsqu'elle raccroche son masque.

Mais ce côté "représentation" est assez logique, lorsque l'on connaît le projet artistique du groupe : il fallait s'y attendre, et tant pis si l'on ne peut s'empêcher de se demander si ce que l'on a devant les yeux est bien totalement sincère et réel, et pas une dramatisation de difficultés diverses et variées rencontrées par le groupe au fil des ans.

4/6

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Zombies (Z-O-M-B-I-E-S) :

Dans la petite ville de Seabrook, les humains vivent aux côtés de Zombies pacifiques depuis un incident chimique 50 ans plus tôt. Mais la ségrégation bat toujours son plein, et lorsqu'un groupe de jeunes zombies intègre le lycée, cela ne se passe pas sans anicroches, notamment pour Zed (Milo Manheim), zombie rêvant d'intégrer l'équipe de football, et Addison (Meg Donnelly), apprentie-cheerleader, qui sont épris l'un de l'autre.

Je le mentionnais en parlant des Descendants, mais Disney a totalement abandonné l'idée de produire des D-Coms d'Halloween, alors que c'était, pendant près d'une vingtaine d'années, un incontournable du Disney Channel.

En 2017, il en a été de même, et Zombies (adaptation d'un pilote de série avortée intitulée Zombies & Cheerleaders, produit en 2011, au sommet de la vague zombies, et peu de temps après les High School Musical) a donc été diffusé... deux jours après la Saint Valentin. Certes. Il ne faut pas chercher à comprendre, je crois.

Zombies, donc, est une sorte de Roméo & Juliette à la sauce mort-vivant, ou pour être plus exact, c'est un mélange très clair de Hairspray (même métaphore, même environnement, même déroulement), des Descendants (mêmes producteurs, même postulat), des chorégraphies modernes des Step Up (même chorégraphe), et de High School Musical, forcément.

Alors, DCom oblige, on se retrouve avec pas mal des clichés habituels du genre, depuis la distribution (la jolie héroïne, le héros comique mais pas trop, la petite sœur, la rebelle, l'idiot, le méchant un peu efféminé, la meilleure copine rondouillarde et afro-américaine...), en passant par le maquillage des zombies (plus proches du Joker - cheveux verts et grosses cernes - que de morts-vivants), et les chansons tour à tour insipides ou lorgnant sur un style Hamiltonien.

Mais ce n'est pas forcément désagréable à regarder : les chorégraphies sont efficaces, les deux acteurs principaux ne sont pas mauvais, et il y a en prime un propos très approprié, en ces temps de Trump, sur l'intégration, la tolérance, et l'inutilité d'un mur pour repousser "l'Autre".

Bref, je ne vais pas noter, n'étant pas du tout le public visé, mais je regrette néanmoins que le film ait été sacrifié à la sortie de l'hiver, alors qu'il aurait tout à fait eu sa place en octobre.

?/6

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