Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Henchmen :
Lorsque Lester (Thomas Middleditch), un jeune garçon rêvant de devenir le sbire d'un génie du mal, est assigné à l'équipe d'entretien de l'Union du Mal, il rencontre Hank (James Marsden) et tous ses collègues. Jusqu'à ce qu'il endosse par erreur une armure surpuissante, et attire sur lui l'attention des médias et de la profession : avec l'aide de Jolene (Rosario Dawson), une archiviste, Hank va devoir alors sacrifier ses principes pour secourir la jeune recrue...
Film d'animation canadien pas très convaincant, adapté par son créateur (un ex-animateur de chez Pixar) sur la base d'un court-métrage, et qui, pour faire simple, reprend (de loin) le concept des Minions pour se concentrer sur les acolytes et autres sbires des super-méchants de comic-book.
Le souci, c'est qu'entre son rendu visuel très inégal (un mélange de 3d et de peinture), son rythme vraiment bancal et décousu, son humour pas très inspiré, et ses personnages peu sympathiques (malgré des doubleurs très compétents - Nathan Fillion, James Marsden, Rosario Dawson, Alfred Molina, Bobcat Goldthwait, Jane Krakowski, Rob Riggle, etc), le tout s'avère tout simplement insipide, dérivatif et sous-développé, peinant à intéresser le spectateur sur la durée.
C'est raté, donc.
2/6
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien....
Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...
Première Neige, Premier Amour (SnowComing - 2019) :
De retour dans sa ville natale à l'occasion de SnowComing, une fête locale, Samantha (Lindy Booth) y retrouve Jake (Trevor Donovan), une superstar du football, et son ex-petit-ami, avec qui sa relation s'était mal terminée. Malgré leurs différends, Sam et Jake acceptent alors de faire équipe pour préparer SnowComing, mais rapidement, le couple comprend qu'il va falloir sauver la bibliothèque locale, à l'agonie...
Téléfilm Hallmark du Winterfest 2019, ce SnowComing m'a laissé de glace (sans mauvais jeu de mots).
Ce n'est pas la faute de son couple principal, globalement sympathique, et à l'alchimie décontractée... mais plutôt au script, qui enchaîne les grandes lignes clichées des rom-coms de la chaîne (la citadine qui rentre dans sa ville rurale natale, et finit par organiser le bal du lycée avec son ex ; la citadine qui fait équipe avec son ex pour sauver une institution locale ; l'ex-sportif superstar qui revient dans sa ville natale et décide de changer de vie), le tout enveloppé d'une couche de football américain et d'adoration du coach local qui ne m'a pas du tout intéressé.
Ça plaira probablement à certains, et il est probable que ça parlera plus aux spectateurs/trices des USA, mais moi, je suis resté de marbre (d'autant que certains des seconds rôles ne m'ont pas convaincu).
Un petit 3/6 (parce qu'intrinsèquement, ce n'est pas plus mauvais qu'autre chose, et parce que Booth et Donovan semblent s'amuser)
Nous deux, c'était écrit (The Story of Us - 2019) :
En apprenant que sa librairie et les commerces de sa ville de l'Oregon risquent de fermer leurs portes dans le cadre d'un projet de rénovation urbaine, Jamie Vaughn (Maggie Lawson) décide de se battre pour que cela ne se produise pas. Plus facile à dire qu'à faire, d'autant que Sawyer (Sam Page), son ex-petit ami, qu'elle n'a pas revu depuis 15 ans, est l'architecte en charge du projet...
Une comédie romantique Hallmark de Saint Valentin malheureusement pas très intéressante, malgré son couple principal très sympathique.
Le problème, en fait, c'est que non seulement le côté "il faut sauver xxx ou yyyy de la ville de ces méchants développeurs immobiliers" est ultra-convenu et dérivatif de pléthore d'autres productions Hallmark, mais en plus le ton global de ce Story of Us est assez confus. Ponctuellement, c'est relativement sérieux et dramatique, au point de presque ressembler à du Hallmark Movies & Mysteries, et le reste du temps, entre la bande originale primesautière et omniprésente, et l'interprétation et les réactions un peu outrées, il se dégage du métrage une impression de forcé et d'artificialité (à l'image de ce grand final logistiquement impossible).
En résumé, ça manque de subtilité à pas mal de niveaux, et ça manque un peu de rythme, pour un résultat assez banal et oubliable.
2.5 + 0.25 pour le chat et pour le capital sympathie du couple principal = 2.75/6
Mariage à l'Anglaise (I Give It A Year - 2013) :
Nat (Rose Byrne), ambitieuse responsable de projets, et Josh (Rafe Spall), un auteur à succès en panne d'inspiration, ont eu un coup de foudre, et sont mariés depuis neuf mois... mais leur relation n'est pas aussi idyllique qu'ils l'espéraient, et rapidement, tandis que Josh reste le confident de Chloe (Anna Faris), son ex, Nat se rapproche de plus en plus de Guy Harrap (Simon Baker), un client américain irrésistible...
Une comédie romantique anglo-américaine du co-scénariste de Borat et de Brüno, qui mise grandement sur une distribution de qualité (Byrne, Spall, Faris, Baker, Stephen Merchant, Minnie Driver, Jason Flemyng, Olivia Colman...), et sur un humour fortement axé cringe comedy (forcément, avec Stephen Merchant).
Une comédie à l'anglaise, donc, qui tente de prendre à contre-pied les clichés du genre, mais finit par retomber dedans, et troque malheureusement un peu trop la romance contre le malaise et la maladresse, ce qui l'handicape un peu.
En soi, ce n'est pas forcément rédhibitoire, et cela n'empêche pas le tout d'être amusant à suivre, mais il manque tout de même quelque chose pour que I Give it a Year fonctionne pleinement - peut-être des personnages plus attachants, ou des relations plus approfondies, pour mieux comprendre les problèmes de ce couple et s'y attacher.
Car en l'état, le film, qui tente de jouer à la fois la carte de la comédie anglaise satirique, de la farce de mœurs, de la comédie romantique, et de la comédie graveleuse (avec full frontal masculin en érection), semble un peu manquer de sincérité et se perdre en chemin.
Un petit 3/6, en étant généreux.
(et puis bon, honnêtement, Anna Faris et ses lèvres de poisson, je fais un rejet physique... donc ça n'aide pas à la trouver convaincante en tant que rivale amoureuse de Rose Byrne)
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Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...
Trop Belle ! (She's Out of my League - 2010) :
Kirk (Jay Baruchel) est un mec paumé et quelconque, qui travaille au TSA, à un poste qui ne l'intéresse pas le moins du monde. Jusqu'au jour où il s'éprend de Molly (Alice Eve), une jeune femme talentueuse, splendide, et ne jouant pas dans la même catégorie que lui - une jeune femme qui, à sa grande surprise, s'intéresse aussi à lui. Mais entre ses nombreux complexes, les conseils improbables de ses amis (T. J. Miller, Nate Torrence, Mike Vogel), et ses proches (Debra Jo Rupp, Adam LeFevre, Kyle Bornheimer, Jessica St. Clair, Hayes MacArthur) et son ex jalouse (Lindsay Sloane), Kirk va avoir bien du mal à faire fonctionner cette relation improbable...
Une comédie romantique ma foi assez sympathique et amusante, qui fonctionne en grande partie sur le charisme et le capital sympathie de tous ses acteurs (principaux comme secondaires), et qui, si elle n'est pas parfaite (les quelques saillies graveleuses façon American Pie font vraiment pièce rapportée), s'avère globalement assez charmante et agréable à suivre.
4.25/6
The Break-Up Artist (2009) :
Spécialiste en ruptures amoureuses et cynique ne croyant plus à l'amour, Britney (Amanda Crew) en a fait son métier, avec ses deux amies Tiffany (Ali Liebert) et Robyn (Moneca Delain) : elle se charge des ruptures d'autrui, en échange d'une rémunération confortable. Jusqu'au jour où un concurrent sérieux commence à lui faire de l'ombre : Rick (Peter Benson), celui-là même qui avait su séduire Britney quelques temps plus tôt. En difficultés financières, la jeune femme s'effondre et, désormais seule, elle accepte de s'occuper de Mike (Ryan Kennedy), un artiste qui demande à Britney de l'aider à reconquérir sa soeur, Ashley (Serinda Swan)...
Une comédie romantique canadienne qui, étrangement, semble avoir 10 ans de retard, tant elle cumule tous les clichés des rom-coms pour jeunes de la fin des années 90 : chansons pop insipides, distribution jeune qui n'aurait pas dépareillé sur la CW, écriture simpliste, interprétation très caricaturale (certains seconds rôles sont calamiteux ; d'autres, comme Ali Liebert en blonde un peu idiote, sont tout simplement géniaux), quiproquos forcés, grand montage final nostalgique qui passe la relation principale en revue, et narration qui refait Cyrano en pilotage automatique.
Franchement rien de vraiment folichon au programme, donc, malgré une distribution principale pas désagréable du tout.
2 + 0.25 pour Liebert, excellente = 2.25/6
People Places Things (2015) :
Dessinateur et professeur d'art new-yorkais, Will Henry (Jemaine Clement) découvre soudain, à l'occasion de l'anniversaire de ses deux fillettes, que sa femme Charlie (Stephanie Ellynne) le trompe. Un an plus tard, Will tente de se reconstruire, mais la tâche est plus compliquée qu'il n'y paraît, entre ses élèves, ses jumelles, son ex-compagne égoïste, et sa romance naissante avec Diane (Regina Hall), mère d'une de ses élèves (Jessica Williams)....
Une semi-comédie romantique indépendante relativement frustrante, car sympathique, mais avec quelques défauts évidents, qui empêchent d'adhérer totalement au film.
Le thème du père célibataire/veuf qui tente de se reconstruire en élevant seul sa ou ses filles semble être quelque chose qui parle vraiment au scénariste/réalisateur James C. Strouse, puisque c'est récurrent dans sa filmographie. Néanmoins, ici, Strouse accable le personnage de Charlie (la femme infidèle) de tous les défauts : infidèle, geignarde, capricieuse, égoïste, jalouse, versatile... on en vient à vraiment détester son personnage, d'autant plus que l'écriture se contente d'équilibrer à peine la balance des torts, dans ce mariage.
En se limitant à faire de Charlie la "méchante" du film et de cette relation, Strouse donne presque l'impression de vouloir régler des comptes ou exorciser des démons.
Autre souci, le casting : pas de problème au niveau de Clement, ou de ses filles. Par contre, en face, j'ai eu nettement plus de mal avec Jessica Williams - que j'aime beaucoup, mais qui semble clairement nettement plus âgée que son rôle d'étudiante de 19 ans - et avec Regina Hall - qui, elle, m'a paru en pilotage automatique durant toutes ses premières scènes.
C'est très subjectif, j'en conviens, mais ça m'a empêché d'adhérer à cette nouvelle relation, supposée contraster avec l'ancienne. Ajoutez à cela une fin un peu en queue de poisson, qui en laisse beaucoup à l'imagination, et on se retrouve avec un métrage pas forcément désagréable, à l'interprète principal attachant, mais qui donne, par moments, l'impression d'être un peu inabouti, ou du moins, assez frustrant.
3.5/6
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Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...
Grand romantique passionné de comédies sentimentale, Matt (Brandon W. Jones) voit sa proposition de mariage rejetée par Alexis (Cassi Thomson), sa petite amie. Secoué, il se tourne alors vers son amie de toujours, Liz (Christa B. Allen), ele aussi célibataire, et ensemble, ils décident de s'épauler dans leur quête du bonheur...
Une comédie romantique PixL Tv, ce qui est généralement synonyme de téléfilm refusé par Lifetime et Hallmark, à la distribution variée composée de seconds couteaux manquant souvent de charisme ou de naturel, et au scénario basique inutilement compliqué par des sous-intrigues visant à faire un peu de remplissage pour compenser un budget microscopique.
Paradoxalement, cela donne occasionnellement lieu à des comédies romantiques plus énergiques, excentriques et décomplexées que la moyenne, mais, le plus souvent, cela débouche sur des métrages assez brouillons et approximatifs, comme cet Hopeless Romantic.
Ce n'est même pas que c'est mauvais, mais entre le casting à moitié convaincant (Jones a une tête sympathique, Maiara Walsh et Jorge Diaz sont attachants, French Stewart idem, mais les autres sont nettement plus inégaux, notamment Christa Allen, transparente), qui rend la moitié des couples inintéressante, les sous-intrigues multiples pas toutes aussi convaincantes les unes que les autres, la musique agaçante, les rebondissements cousus de fil blanc, etc, on se retrouve avec une rom-com assez quelconque, qui ne fonctionne qu'en partie, et n'est jamais particulièrement enthousiasmante.
Bof, en somme.
2.25/6
Little Italy (2018) :
Leo (Hayden Christensen) et Nikki (Emma Roberts) se connaissent depuis leur plus tendre enfance, et sont épris l'un de l'autre. Mais leurs deux familles se détestent depuis des années, et tiennent des pizzerias voisines dans le quartier de Little Italie, à Toronto. Lorsque Nikki, qui travaille comme sous-chef à Londres, revient au Canada pour faire changer son visa, elle retrouve Leo, et retombe dans le conflit qui oppose les deux familles...
Que se passe-t-il lorsque le réalisateur de Mystic Pizza (avec Julia Roberts), de Miss Détective, de Lucky Girl, de Vacances à la Grecque et de Comment se faire larguer en 10 leçons ? (soit une belle panoplie de comédies souvent romantiques et souvent médiocres) décide de réaliser, au Canada, une comédie romantique au script digne d'un téléfilm Hallmark, lorgnant fortement sur Roméo et Juliette dans deux pizzerias rivales, avec dans les rôles principaux Emma Roberts (au demeurant toujours sympathique, là n'est pas le problème), nièce de Julia, et un Anakin Skywalker fatigué qui accuse une différence d'âge (visible) de 10 ans avec sa partenaire, en plus d'être ici fraîchement teint en chatain très foncé (pour faire Italien) ?
Et bien on se retrouve avec une rom-com médiocre, datée et vieillotte, où tout paraît forcé et artificiel, des accents ultra-marqués de toute la distribution aux gags et autres vannes télégraphiées et clichées, en passant par l'alchimie très relative du couple vedette. On a même droit à un grand final à base de protagoniste masculin qui se précipite à l'aéroport pour tenter d'empêcher celle qu'il aime de partir, soit le plus cliché de tous les clichés du genre.
C'est dommage, parce que tout le monde semble s'amuser, mais non : un tel étalage de caricatures et d'idées éventées, en 2018, ce n'est plus possible.
2.5/6 - 0.5 pour l'absence totale d'efforts des scénaristes = 2/6
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
No Clue :
Leo (Brent Butt), un vendeur d'articles publicitaires gauche mais flegmatique, reçoit un jour la visite de Kyra (Amy Smart), une superbe blonde qui le prend pour un détective privé, et qui recherche son frère porté disparu. Sous le charme, Leo accepte alors de mener l'enquête, et se lance dans une investigation complexe et violente, qui le dépasse totalement...
Une comédie canadienne écrite et produite par Brent Butt, le showrunner de Corner Gas, dont on retrouve ici le sens de l'humour et quelques visages familiers.
Seul problème : ce qui fonctionnait assez bien au format sitcom a tendance à s'émousser assez rapidement sur une centaine de minutes.
On se retrouve donc ici avec un pastiche de film noir au rythme assez mollasson, mené par un Brent Butt en pseudo Columbo abrasif et insolent, aux dents refaites, et à l'attitude assez agaçante sur la durée.
Bref, un métrage inoffensif, qui se regarde facilement, mais très passivement et distraitement.
2.25/6
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Noël approche, et chez les Téléphages Anonymes, c'est donc l'heure de la Christmas Yulefest, et de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...
Elliot, The Littlest Reindeer :
Lorsque l'un des rennes du Père Noël annonce soudainement son départ en retraite, à quelques jours de Noël, Santa (George Buza) doit lui trouver un remplaçant au plus vite, sous le regard inquisiteur de Corkie (Morena Baccarin), une journaliste fouineuse. Elliot (Josh Hutcherson), un cheval nain, décide alors de partir pour le Pôle Nord en compagnie de sa meilleure amie, la chèvre Hazel (Samantha Bee), pour participer aux sélections organisées par les lutins de Santa. Non seulement Elliot doit se déguiser pour espérer avoir une chance, mais en plus sa ferme natale est en péril, menacée par la maléfique Ludzinka (Martin Short), et un complot se trame parmi les lutins du Pôle : le petit cheval va désormais devoir choisir entre ses amis, et sa carrière potentielle à la tête du traîneau...
Un dessin animé canadien indépendant en images de synthèse, à la distribution vocale pas désagréable, et au rendu visuel globalement compétent, mais qui ne parvient jamais à se démarquer de ses nombreuses influences, notamment les dessins animés Dreamworks.
Fréquemment, en effet, le spectateur un peu aguerri aura l'impression de voir des morceaux d'autres films d'animation et de récits de Noël connus (Rudolph, Rise of the Guardians, etc), une impression encore renforcée par une bande originale composée par quatre personnes, et lorgnant très fortement sur le style John Powell (encore une fois, Dreamworks).
Rajoutez à cela quelques références qui tombent totalement à plat (le poney écossais peint comme Braveheart, ça ne parlera pas une seule seconde aux enfants qui regardent le film, et ça risque de ne pas vraiment parler non plus à leurs parents de 20-30 ans, à peine nés lorsque Braveheart est sorti), un script particulièrement décousu (beaucoup de sous-intrigues, qui finissent par se rejoindre, mais qui donnent au scénario un côté assez brouillon) et l'on se retrouve avec quelque chose de vraiment passe-partout, en un mot, d'ultra-générique.
3/6 (les enfants apprécieront probablement nettement plus ce métrage que les adultes les accompagnant)
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Après une saison 1 vraiment sympathique et agréable, The Detour était partie, pour sa saison 2, dans une direction bien trop caricaturale et outrancière pour me convaincre, avec des personnages qui avaient perdu 50 points de QI entre les deux saisons, et une Robin devenue insupportable.
Espérons que cette saison 3 permettra de remettre le programme à plat, et de repartir sur des bases plus saines et modérées...
The Detour, saison 3 (2018) :
En fuite pour échapper à l'USPIS et à Edie (Laura Benanti), la famille Parker trouve refuge dans une petite bourgade d'Alaska, où elle s'installe sous de fausses identités, et tente de reconstruire son existence. Mais Edie ne tarde pas à les retrouver, et, pour les faire tomber, elle se fait passer pour l'assistante de Nate, désormais coach de l'équipe de hockey de la ville...
En saison 1, 6 épisodes (sur 10) de la série étaient écrits par Samantha Bee et/ou Jason Jones ; en saison 2, ce nombre était passé à 2 épisodes, ce qui expliquait probablement la différence de ton entre les deux années. Pour cette saison 3, Jones et Bee sont à l'écriture du season premiere... et c'est tout.
Ce qui avait de quoi inquiéter, après une seconde année caricaturale et en roue libre. Par chance, dès les premiers épisodes, on est un peu rassuré : la caractérisation des personnages semble s'être nettement assagie, et on est moins dans l'outrancier qu'auparavant.
Du moins au début. Car rapidement, d'autres soucis se présentent, au premier rang desquels une forte impression d'improvisation et de saison décousue.
Contrairement aux saisons précédentes qui bénéficiaient d'un semblant de fil directeur, ici, la série part dans toutes les directions : un épisode d'introduction, un autre sur le road trip de Nate et son équipe de hockey, un autre servant d'ellipse temporelle de sept mois pendant lesquels Nate travaille sur un navire de pèche (aux côté de Roy Wood Jr., du Daily Show), un flashback sur des vacances catastrophiques du couple en République Dominicaine, un épisode du point de vue d'Edie mâtiné de mockumentaire sur les élections municipales de la ville, un épisode s'attardant lourdement sur la théorie du genre et de l'identité sexuelle, et enfin trois épisodes finaux de cavale en pleine nature, culminant par un face à face avec les autorités dans une ville western peuplée de touristes japonais.
Pour lier tout cela, malheureusement, il n'y a pas grand chose, hormis la traque de la famille par Edie, qui s'entiche de Nate. D'ailleurs, c'est probablement là l'un des problèmes majeurs de la saison (et de la série, dans son ensemble) : Nate est au centre de tout, dans ces épisodes (notamment par le biais d'Edie), et les autres personnages se retrouvent repoussés au second plan.
Jareb est ainsi élu maire de la ville (face à un alpaga... ^^), mais n'a rien à faire ni à dire des 3/4 de la saison ; Delilah n'a plus rien à voir avec la gamine déjantée et excentrique de la saison 2, puisqu'elle est désormais en crise d'adolescence, et qu'elle passe toute la saison absente, ou à se plaindre de ses parents ; et Robin... *soupir*.
Malheureusement, Robin continue directement dans la direction de la saison 2 : toujours plus trash, égoïste, menteuse, jalouse, antipathique, bref, l'archétype même de la nagging wife de sitcom, sans plus avoir les qualités permettant de lui pardonner ses défauts (alors que Nate, lui, s'il est toujours idiot, vantard, maladroit et bas de plafond, est toujours écrit comme doté des qualités d'un père de famille aimant, sincère et protecteur).
Cette caractérisation défaillante et assez aléatoire (en fonction du scénariste, certains épisodes sont assez normaux, alors que d'autres tiennent du mauvais cartoon) rend la saison très inégale, décousue, et parfois même assez frustrante (je pense notamment au moment où, en pleine nature, Nate s'enfonce dans des "sables mouvants", et appelle à l'aide sous le regard indifférent de toute sa famille, qui ne lève pas un doigt pour le secourir et préfère débattre du sexisme de celui qui a de la boue jusqu'au menton : à cet instant, on n'a qu'une envie, qu'ils y passent tous).
Et c'est dommage, parce qu'il y a toujours du bon et du très drôle dans cette série. On s'attache notamment assez rapidement au personnage d'Edie, et à son attirance pour Nate... mais entre ses problèmes de structure, d'écriture, et l'impression globale que cette saison a été plus ou moins improvisée, voire conçue autour de l'emploi du temps de Jason Jones (tous les dialogues/coups de coude qui tournent autour de sa barbe sous-entendent un tournage chaotique), j'ai vraiment eu des difficultés à pleinement apprécier cette troisième année, moins caricaturale que la précédente, mais aussi moins homogène et satisfaisante.
En un mot : c'est frustrant.
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Avec sa saison 1 vraiment agréable à suivre, la famille Parker avait su me donner envie de remettre rapidement le couvert, et de suivre leurs mésaventures désastreuses durant une nouvelle année.
Dont acte, avec cette saison 2 de The Detour se déroulant à New-York : une saison 2 rallongée de 2 épisodes (pour atteindre les 12 épisodes), et toujours supervisée par Samantha Bee et son époux, Jason Jones, qui sont cette fois-ci un peu plus en retrait, dans un rôle de showrunners.
Ce qui, malheureusement, va rapidement se ressentir à l'écran.
The Detour, saison 2 (2107) :
Lorsqu'il décroche un emploi inespéré à New York, auprès de JR (James Cromwell), Nate (Jason Jones) décide d'emmener sa petite famille vivre dans la métropole... mais rapidement, la vie en ville - et les nombreux secrets de son épouse (Natalie Zea) - vont leur compliquer sérieusement la vie...
Dès le début de la saison, on remarque que quelque chose ne fonctionne pas totalement dans l'écriture de celle-ci, une impression qui ne fait que se confirmer au fur et à mesure que les épisodes s'enchaînent.
En effet, si la formule générale ne semble pas changer - les problèmes du quotidien de la famille, avec leurs voisins, les enfants, les soucis professionnels, les petits mensonges, la sœur, etc - le tout narré en flashback par Nate et Robin, interrogés par les forces de l'ordre (en l'occurrence, l'inspection des services postaux, représentés par une Laura Benanti déjantée) - le rythme et le ton paraissent souvent un peu moins maîtrisés.
Au niveau du rythme, notamment, on se demande si la saison n'a pas été rallongée in extremis, forçant les scénaristes à faire un peu de remplissage pour arriver à leurs fins. La saison a ainsi deux sous-intrigues principales : la première tourne autour de Carlos (Jeffrey Vincent Parise), l'époux latino de Robin, et de la paternité réelle de Jareb - de quoi donner lieu à un gros passage au tribunal, qui dure plusieurs épisodes, permet un flashback interactif comme en saison 1, et se conclue de manière convaincante à la mi-saison, par un happy-end qui aurait pu servir de conclusion à cette année ; mais la série repart alors de plus belle pour se concentrer sur le nouveau poste de Nate, sur l'identité réelle de son patron (son beau-père), sur les magouilles de ce dernier, etc, pour se conclure par deux épisodes "vacanciers" emmenant toute la distribution à Cuba.
Une structure en deux parties très claires, un peu décousue, et avec quelques épisodes superflus qui n'apportent pas grand chose à leur intrigue principale respective (je pense notamment à ce qui concerne les voisins et leur accouchement, ou encore à l'épisode sur l'Église parodiant la Hillsong Church, assez vain et gratuit).
Et bien sûr, le point commun à ces deux sous-intrigues ? Robin et ses mensonges. C'est le plus frappant, dès le début de la saison : le personnage de Robin est massacré par les scénaristes, qui forcent tellement le trait qu'ils la rendent franchement antipathique. Caractérielle, menteuse, égocentrique, manipulatrice, geignarde, capricieuse, impulsive, intolérante (l'épisode sur l'Église est dans la continuité de son athéisme de la saison 1, mais avec un curseur poussé au maximum, au point de l'insupportable), ravie de voir son mari souffrir et se faire mal, Robin devient cette année une vraie "épouse de sitcom", très souvent horripilante.
Un autre personnage souffre aussi de cette écriture plus caricaturale : Delilah (Ashley Gerasimovich), la fille, qui en saison 1 était à peu près normale, en comparaison de son frère idiot. Malheureusement, cette année, Delilah devient "excentrique", ce qui se traduit par une Gerasimovich intenable, en surjeu, et par un personnage quasi-méconnaissable.
Vraiment dommage, car au bout d'un moment, tous ces soucis d'écriture s'accumulent, et font que l'on suit les mésaventures des Parker avec beaucoup moins de plaisir qu'en saison 1, surtout dans la seconde moitié de la saison, qui part un peu en vrille. Le budget clairement plus confortable permet de produire une parodie de Hamilton amusante, certes, et envoie (comme je le mentionnais plus haut) la famille à Cuba, mais c'est l'occasion pour les scénaristes de forcer à nouveau le trait, en montrant Robin et Nate comme les clichés ambulants des touristes américains beaufs et indifférents aux habitants du pays qu'ils visitent.
Et quand on découvre enfin le fin mot de toute cette histoire et de tous les mensonges de Robin (ainsi que la nature réelle de cet objet improbable qu'elle cache depuis le début de la saison), on se dit : oui, c'est décalé, c'est plus ou moins amusant, mais tout cela en valait-il bien la peine ?
Pas sûr, tant le format et l'écriture de cette saison ont fait, à mes yeux, beaucoup de mal à certains des personnages du show. Et ce malgré de bons moments assez drôles, comme l'épisode d'Halloween.
Reste à voir si la saison 3 (critique la semaine prochaine) remontera le niveau, avec des personnages envoyés dans le grand nord...
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Série comique lancée en 2016 et créée par le couple Jason Jones et Samantha Bee, The Detour semble, au premier abord, lorgner très fortement sur la série des National Lampoon's Vacation : une famille d'incapables sur la route des vacances, des mésaventures improbables, et des personnages déjantés.
Mais en réalité, au fil des 10 épisodes de cette première saison, The Detour parvient à faire oublier cette influence, et à forger sa propre identité...
The Detour, saison 1 :
Sur la route des vacances, la famille Parker - Nate (Jason Jones), son épouse Robin (Natalie Zea), et leurs enfants Delilah (Ashley Gerasimovich) et Jareb (Liam Carroll) - tentent de rejoindre la Floride en voiture, depuis Syracuse, New York. Plus facile à dire qu'à faire, d'autant que Nate cache bien des secrets à ses proches, et qu'il a aux trousses les autorités, ainsi que les agents de sécurité du laboratoire pharmaceutique où il travaille...
Dès son générique, le ton de The Detour est donné : des images et une musique entraînantes, qui rapidement dégénèrent à mesure que la bande son et les images sont corrompues. Soit une assez bonne illustration de ce qu'est le programme, un bon gros road trip qui vire progressivement au cauchemar.
En vrac, on a ainsi droit à des pannes de voiture, à une visite dans un strip-club, à un restaurant à thématique colonialiste, à un bed & breakfast pédophile, au village du Père Noël, au yacht d'un milliardaire, et bien plus encore : de quoi remplir les 10 épisodes de la saison, une saison qui part vraiment dans des directions toujours plus improbables et déglinguées.
Alors certes, il faut parfois subir les légers penchants graveleux du couple de scénaristes - Bee et Jones ont toujours eu tendance à taper occasionnellement en dessous de la ceinture, ce qui, ici, se traduit par quelques moments plus faibles, à base d'humour scatologique et sexuel un peu lourd.
Néanmoins, les acteurs (Jones en tête) se donnent totalement à leurs personnages, ce qui fait que ça passe. Les enfants, notamment, sont exceptionnels de naturel et d'enthousiasme, et s'avèrent même fréquemment plus drôles que les adultes qui les entourent.
Et puis, en parallèle, il y a cet artifice de narration, qui voit Jason Jones interrogé par les autorités, et raconter les événements de la série en flashbacks : ce qui aurait pu être superflu s'avère en fait réussi, puisque toute cette partie est joliment absurde, et amène un cliffhanger réussi à la fin de la saison.
En résumé, une bonne surprise que cette première année de The Detour : ce n'est pas parfait, et l'on pense toujours un peu aux mésaventures des Griswold, mais c'est tout de même très amusant, et ça se regarde sans le moindre effort.
Donc, naturellement, j'enchaîne avec la saison 2, dont je publierai le bilan la semaine prochaine.
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L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, du 1er octobre à début novembre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques...
Spooksville, saison 1 (2013-2014) :
Lorsqu'il s'installe à Springville avec son père (Steve Bacic) après la disparition mystérieuse de sa mère, Adam Freeman (Keean Johnson) rencontre rapidement Sally (Katie Douglas) et Watch (Nick Purcha), deux jeunes habitants de la ville qui lui expliquent que "Spooksville" (le surnom donné à Springville par ses habitants) est emplie de phénomènes paranormaux inexplicables, dont un grand nombre est lié à Shadowmire, le manoir de la mystérieuse Ann Templeton (Morgan Taylor Campbell), adolescente réputée pour être une sorcière...
Série pour enfants semi-anthologique adaptée des romans du même nom de Christopher Pike, Spooksville se veut un croisement entre Marshall et Simon (Eerie, Indiana), Chair de Poule, et Buffy (le générique de Spooksville ressemble ainsi fortement, dans son style, dans sa musique, et dans sa mise en images, à celui de la série de Joss Whedon), avec des enquêtes hebdomadaires, tout au long de 22 épisodes d'une vingtaine de minutes, parcourus d'un fil conducteur ténu lié à Adam, à sa mère disparue, et à leur relation avec la ville et ses mystères.
En soi, pourquoi pas. Malheureusement, très rapidement, on remarque bon nombre de défauts récurrents, qui empêchent Spooksville d'atteindre le niveau de certaines autres séries fantastiques jeunesse, et la tirent vraiment vers le bas.
À commencer par l'écriture qui, combinée à une direction d'acteurs assez moyenne, font que les personnages ne sont jamais vraiment attachants. Sally, notamment, écrite comme une petite ado arrogante, prétentieuse, abrasive, et sarcastique : un personnage qui aurait pu fonctionner en étant joué au second degré ou avec un certain recul (façon Cordelia), mais qui, ici, est totalement premier degré pendant le plus clair de la saison, et interprété de manière un peu stridente par Katie Douglas.
Sally agace rapidement, donc, d'autant que face à elle, tant Adam que Watch sont assez transparents. Idem pour la machiavélique Ann... qui n'a que très peu de charisme et de présence, et fait une antagoniste quelconque (à l'interprétation parfois mécanique). Par chance, au fil des épisodes, les jeunes acteurs se rodent un peu plus, et se font plus naturels : pas forcément assez pour estimer qu'ils "jouent bien", mais c'est suffisant pour faire illusion.
Cependant, faute d'avoir une distribution emportant l'adhésion, il ne reste plus que les événements surnaturels de chaque épisode pour capturer l'attention du spectateur.
Là, problème, à nouveau : le budget est clairement microscopique au possible, et la série finit par en être involontairement drôle, entre ses effets numériques dignes de 1999, ses squelettes anatomiques bien propres et articulés disposés sur le sol, ses monstres risibles aux costumes recyclés, ses machines à fumée évidentes, son bottle episode à base de nains de jardin immobiles (ils coûtaient probablement trop cher à animer ^^), sa musique "inspirée" d'autres œuvres (ici, ça sonne comme Dexter, là, c'est "Grim Grinning Ghosts" qui est repris en version cirque, ailleurs, c'est du Danny Elfman), etc, etc, etc...
Pour un jeune spectateur qui découvre le genre, ça peut passer, à la limite. Pour quelqu'un d'un peu plus âgé et de plus regardant, les problèmes d'écriture, de direction artistique, de budget et d'interprétation sont vraiment trop nombreux, et on a tendance à décrocher en cours de route, alors que les épisodes ne sont pourtant pas très longs.
Ce n'est pas une réussite, donc, et l'on peut facilement faire l'impasse sur ce programme sans le regretter. Dommage, d'autant que certains épisodes parviennent tout de même à emporter l'adhésion, comme celui dans les "cartons" du SDF, assez inventif (ou encore l'épisode totalement WTF sur les amygdales de Watch, très Troma, dans l'esprit).
Mais entre ses loners quelconques et fauchés au possible, son interprétation assez limite, et son intrigue de fond trop en filigrane pour fonctionner (et assez téléphonée de bout en bout), Spooksville ne convainc pas assez, tout simplement.
Et c'est probablement pour cela que la série s'est arrêtée au bout d'une saison.
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Les Chroniques de la Peur, saison 1 (Creeped Out - 2017) :
Anthologie télévisuelle pour enfants anglo-canadienne en 13 épisodes (techniquement, 11 épisodes + 1 double épisode final) de 20-25 minutes, Creeped Out s'inscrit directement dans la tradition des anthologies pour enfants du typeFais-moi Peur, Chair de Poule et autres L'Heure de la Peur : des récits sinistres et moraux, un enrobage plutôt bien travaillé, une présence musicale (signé Joe Kramer) efficace, et un personnage récurrent qui ouvre et ferme les épisodes, le Curieux, un observateur étrange caché derrière un masque.
# Marti : Kim, une adolescente, devient subitement populaire lorsqu'elle acquiert un smartphone doté d'un assistant intelligent hors du commun. Mais progressivement, ce dernier devient jaloux des amis de la jeune fille...
Une sorte de Black Mirror pour teens, pas mal joué, mais vraiment très (trop) classique, et manquant un peu de rythme. Pas désagréable, sans plus.
# Slapstick : agacée par ses parents, Jessie fait le souhait, lorsqu'elle rencontre une marionnette, de pouvoir contrôler sa famille. Mais lorsque son souhait se réalise, elle réalise bien vite que le résultat n'est pas à la hauteur de ses attentes...
Bof. Très balisé (ça rappelle fortement ce qui s'est déjà fait dans le genre, du côté de Chair de Poule et de Fais-moi Peur), trop mollasson, et globalement prévisible.
# Kindlesticks : baby-sitter négligente et peu sérieuse, Esme profite de son dernier engagement (surveiller Ashley) pour passer du temps avec son petit ami. Mais Ashley a un ami imaginaire, Kindlestick, qui n'apprécie guère le comportement d'Esme...
Un épisode assez prévisible, mais bien réalisé et bien mené, avec une jolie tension. On regrettera simplement l'interprétation très inégale de la protagoniste.
# Bravery Badge : une troupe de jeannettes parties en forêt tombe sur une forme de vie étrange, qui les possède une à une avec son étrange chanson...
À nouveau pas désagréable, mais très très générique et prévisible, depuis sa mise en place jusqu'à ses personnages, en passant par sa résolution.
# A Boy Called Red : lorsqu'il découvre, dans le sous-sol de la maison de sa tante, un portail vers le passé, Vincent voit là une chance de changer le cours de l'histoire, et la vie de son père divorcé et dépressif...
Un épisode classique et prévisible, mais plutôt touchant et réussi, avec en prime une référence musicale à Retour vers le Futur. Rien d'angoissant ou de menaçant, mais simplement un voyage temporel bien mené.
# Trolled : dans son école privée, Sam est le seul dont la mère connaît des problèmes d'argent. Pour se venger de ses semblables, Sam adopte une identité virtuelle, et passe ses nuits à troller en ligne les autres élèves, propageant des rumeurs et des mensonges à leur sujet. Jusqu'à ce que lui même soit menacé en ligne par un inconnu...
Un épisode cousu de fil blanc, et pas particulièrement original ni mémorable, hormis la toute dernière scène de transformation.
# Shed No Fear : lorsqu'il décide de suivre son meilleur ami, qui s'absente de classe sans raison, Greg découvre que ce dernier possède, dans son abri de jardin, une entité étrange et inexplicable, qu'il tente de déloger de là...
Pas terrible, celui-ci, malgré son ambiance high school américaine et enfants débrouillards. Il n'y a que la toute fin qui soit assez sympathique.
# Cat Food : quand il se fait passer pour malade, afin d'éviter d'aller à l'école, Stu n'imagine pas que sa voisine, une vieille femme aux nombreux chats, est en réalité une créature affreuse et difforme...
Un épisode assez classique dans sa première moitié, avec une interprétation inégale de son jeune interprète, mais qui retrouve de l'intérêt dans sa seconde partie, lorsqu'il confronte directement celui-ci à la voisine. La chute est prévisible, cela dit.
# The Call : à l'approche de son anniversaire, Pearl ne se sent pas bien dans sa peau, et au sein de sa famille adoptive ; elle réalise alors que l'océan l'appelle, et qu'elle n'est pas de ce monde...
Pas exceptionnel, celui-ci, avec une histoire de sirènes assez prévisible, et qui se termine malheureusement par un affrontement aux effets visuels assez peu inspirés.
# Spaceman : en promenade dans les bois, Spud et Thomas découvrent un enfant extraterrestre tentant de communiquer avec sa planète pour qu'on vienne le chercher...
Bof. Le postulat de base de ET, des effets spéciaux et costumes très limités, et un rebondissement final plus que téléphoné.
# The Traveler : Jodie et Brandon, deux adolescents à problème, mettent un jour la main sur une valise qui leur permet d'arrêter le temps. Mais le propriétaire de cette dernière semble bien décidé à la récupérer...
Sympathique, cet épisode, à défaut d'être particulièrement original. Mais il est bien interprété, bien réalisé, bien rythmé et bien produit, donc ça fonctionne.
# Side Show 1 & 2 : Ace, un jeune garçon appartenant à un cirque ambulant, est hanté par des rêves de sa vie préalable, dont, étrangement, il n'a, à l'instar de tous ses collègues, aucun souvenir. L'arrivée d'Indigo, jeune acrobate elle aussi amnésique, amène alors Ace à se rebeller, et à exiger de quitter le cirque pour retrouver sa véritable famille...
Double épisode final de la saison, à thématique de fête foraine. Rien de vraiment exceptionnel, ou angoissant, mais une histoire qui n'aurait pas dépareillé dans un épisode de Fais-Moi Peur.
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Le tout fonctionne donc globalement assez bien, même si, comme la plupart des anthologies de ce genre, la série est assez inégale, très prévisible (tout a été fait dans le genre, depuis un bon moment - ce qui, convenons-en, ne dérangera probablement pas les plus jeunes, qui sont le public-cible) et dépend fortement de l'intérêt intrinsèque de chacun des épisodes.
Cependant, malgré cette hétérogénéité inévitable en matière d'intérêt et de sujet, Creeped Out finit par s'avérer un successeur tout à fait honorable aux anthologies jeunesse d'antan, aidé en cela par un motif musical tout à fait mémorable, qui confère une atmosphère très particulière à la série... Rien d'exceptionnel ou de must-see, mais une petite série sympathique à cette période de l'année.
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Chez les Téléphages Anonymes,du 1er octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur....
Pyewacket (2017) :
Gothique et fascinée par l'occulte depuis la mort de son père, Leah (Nicole Muñoz) a des rapports de plus en plus tendus avec sa mère (Laurie Holden), qui sombre dans l'alcool et la dépression. Un jour, alors que cette dernière l'emmène visiter leur nouvelle demeure, loin de la ville et des amis de Leah, c'est la dispute de trop : Leah part dans les bois et, grimoire en main, elle invoque Pyewacket, un démon, pour qu'il la débarrasse de sa mère. Mais rapidement l'adolescente finit par changer d'avis, alors que les phénomènes paranormaux se multiplient autour d'elle...
Malgré son accueil critique enthousiaste, je n'avais pas été très convaincu par Backcountry, le précédent film de ce réalisateur/scénariste canadien, un survival à base d'ours qui passait énormément de temps à faire de la mise en place, souvent de manière pataude, et peinait à vraiment faire monter la tension.
Et, sans savoir initialement que ce Pyewacket était le produit du même réalisateur, je me suis retrouvé à y déceler les mêmes défauts, et à être tout aussi déçu, malgré, là encore, un accueil critique relativement positif.
Le rythme est ainsi identique : une bonne demi-heure de présentation contemplative des personnages et de leur situation, encore 10-15 minutes pour que le démon apparaisse, et ensuite... retour à de la retenue, de la demi-mesure, des phénomènes en filigrane, jamais très inquiétants, malgré les violons grinçants qui dominent l'accompagnement musical.
L'angoisse n'est jamais vraiment très présente, même vers la toute fin, et l'on se retrouve progressivement à regretter la première apparition du démon (au demeurant très réussie, une silhouette floue et noire qui se déploie lentement dans la chambre de l'héroïne pendant son sommeil), seul vrai moment un peu tendu du métrage, qui ne parvient jamais à remonter à ce niveau.
Surtout pas durant ses dernières minutes, ultra-prévisibles et décevantes. Dommage, parce que le tout est globalement bien interprété, et plutôt bien filmé.
2.25/6
Blood Fest (2018) :
Organisé par Anthony Walsh (Owen Egerton), un réalisateur culte, le festival Blood Fest est un hommage à tous les classiques du cinéma d'horreur, un événement exclusif organisé dans un parc immense et clos où sont reconstitués les plus célèbres décors du genre. Dax (Robbie Kay), passionné d'horreur depuis la mort tragique de sa mère aux mains d'un psychopathe, est prêt à tout pour s'y rendre en compagnie de ses amis Sam (Seychelle Gabriel) et Krill (Jacob Batalon) ; mais sur place, le trio découvre rapidement que Walsh a décidé de tourner son dernier film avec, dans le rôle des victimes, les innombrables visiteurs de la Blood Fest...
Une comédie horrifique produite par Rooster Teeth (Lazer Team), et qui a pour problème principale de n'être ni particulièrement comique (c'est plat et pas très rythmé), ni particulièrement horrifique (c'est dérivatif, et les effets sont souvent approximatifs).
Le film se retrouve donc le postérieur entre deux chaises, et bien trop sous influence - on pense notamment à La Cabane dans les Bois, avec sa rencontre des sous-genres et de leurs créatures, ou encore à Scream, avec ses "règles" à suivre : malgré sa distribution sympathique (le trio de tête n'est pas désagréable, et Egerton, à la fois réalisateur, acteur et scénariste du film, s'en sort bien ; c'est plus inégal au niveau des seconds rôles), le métrage tourne assez rapidement à vide, se contentant d'enchaîner les petits coups de coude référentiels au spectateur et les dialogues ronflants façon pseudo-analyse du genre, avant de s'écrouler dans ses vingt dernières minutes, sous le poids d'un twist creux et d'une conclusion assez plate.
2.25/6 surtout pour la fin très faible.
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Our House (2018) :
Lorsque ses parents trouvent la mort dans un accident de voiture, alors même qu'il passait la nuit au laboratoire à travailler sur un projet révolutionnaire, Ethan (Thomas Mann) se sent responsable, et abandonne études et petite amie (Nicola Peltz), pour s'occuper désormais de sa petite soeur (Kate Moyer) et de son frère adolescent (Percy Hynes White). Mais rapidement, ses expériences - menées dans son garage - ont des conséquences surnaturelles sur la maisonnée, où une porte semble s'être ouverte vers l'au-delà...
Une co-production américaine, allemande et canadienne qui, sur la base d'un postulat assez basique (transcommunication, invention révolutionnaire aux conséquences inédites, esprits menteurs) parvient néanmoins à imposer une certaine patte, en traitant le tout sur un mode sérieux, sincère et tout en retenue.
Amateurs de jump-scares s'abstenir : ici, la production préfère s'attarder sur les personnages et sur le deuil de cette petite famille finalement assez sympathique et attachante, plutôt que sur la peur et le suspense.
Il faut ainsi attendre une bonne demi-heure pour qu'un embryon de surnaturel se manifeste ici, et une bonne heure pour que tout se concrétise vraiment. Dans un film d'horreur plus classique, comme Poltergeist ou White Noise (auxquels on pense forcément), cela aurait pu s'avérer problématique, mais ici, ça ne gêne pas trop, à vrai dire.
Le point fort du film étant sa distribution, crédible et juste (surtout les enfants), on apprécie de passer un moment en compagnie de cette famille endeuillée, et ce quand bien même Thomas Mann manquerait un peu de charisme.
Après, le souci, c'est que le tout est très, très balisé : on devine les rebondissements du récit bien à l'avance, on regarde le tout sans grande passion, ni sans angoisse, bref, au niveau de l'horreur et du fantastique, on reste sur sa faim malgré des créatures vaporeuses intéressantes.
Par conséquent, selon que le spectateur est réceptif ou non à la sincérité et à la mesure du film/de ses personnages, il appréciera plus ou moins ce métrage qui a tout d'un petit film indépendant : ce n'est pas exceptionnel, ça ne révolutionnera rien, mais c'est suffisamment bien filmé pour que l'on ne passe pas un moment désagréable.
3.5/6
Bad Samaritan (2018) :
Apprenti photographe et valet de parking profitant de sa position pour cambrioler les demeures de ses clients avec l'aide de son collègue (Carlito Olivero), Sean (Robert Sheehan) découvre un jour une jeune femme (Kate Hopgood) enchaînée dans le bureau de leur dernier "client", Cale Erendreich (David Tennant). Paniqué, il la laisse sur place, mais pris de remords, il tente alors de tout faire pour la libérer... quitte à attirer sur lui et ses proches la colère du sadique.
Un bon gros ratage signé Dean Devlin, qui filme ce thriller à tendance serial killer de manière plate et insipide, laisse David Tennant en roue libre, et qui demande à Joseph LoDuca de mettre le tout en musique comme s'il composait la bande originale d'un film d'action des années 90 (les sonorités triomphantes lorsque Sheehan démolit à coups de pelle un Tennant rampant à plat ventre, WTF), avec score musical poussé à fond sur le devant de la scène.
C'est donc assez mauvais, écrit avec les pieds, longtemps dépourvu de tension, bourré de grosses ficelles, ça finit par tourner en rond, et ça place un moment de nudité semi-gratuite dès les cinq premières minutes, histoire de dire.
À éviter.
1.5/6
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Neverknock :
Depuis le meurtre brutal de plusieurs adolescents un soir d'Halloween de 1986, la porte du 59 Oakwood Lane est devenue le sujet d'une légende urbaine : si l'on y frappe le soir d'Halloween (et si du sang est versé), alors la personne responsable devient la nouvelle proie du NeverKnock, une créature se nourrissant de ses peurs. Grace (Dominique Provost-Chalkley), sa petite soeur Jenna (Lola Flanery), sa petite-amie Leah (Jodelle Ferland) et leurs amis (Eliana Jones, Kiana Madeira, Varun Saranga) décident alors de mettre cette légende à l'épreuve...
Un téléfilm Syfy écrit et réalisé par Sheldon Wilson (réalisateur et scénariste de bon nombre de téléfilms Syfy, depuis Carny, jusqu'à The Night Before Halloween, en passant par The Unspoken, The Hollow, Scarecrow, Mothman : rarement des chefs d’œuvre, mais toujours des créatures et des idées intéressantes, et un sens prononcé du casting qui fait plaisir), et qui ressemble beaucoup à Baba Yaga / Don't Knock Twice.
Ici, cependant, la créature est bien plus étrange (et assez réussie) : une entité goudronneuse à la forme sombre se contorsionnant à quatre ou cinq pattes telle une araignée humanoïde, et dont la mise en images ne fonctionne pas trop mal.
Autre chose qui fonctionne : la distribution. Les personnages secondaires ne sont pas désagréables, la petite sœur est plutôt juste, et Jodelle Ferland tient l'un des rôles principaux, formant un couple gay avec Grace, l'héroïne... comme dans The Unspoken. Une récurrence amusante dans "l’œuvre" du réalisateur, et qui change un peu la dynamique du tout sans verser dans le démonstratif ou dans la représentativité forcée.
Après, il faut bien avouer qu'on reste dans le téléfilm Syfy basique, qui est assez dérivatif, en plus de ne pas être particulièrement bien rythmé : ça ronronne rapidement, ça piaille beaucoup, et ça tourne plus ou moins en rond.
Mais l'ambiance de petite ville américaine fêtant Halloween est néanmoins bien retranscrite (malgré une première demi-heure se déroulant en plein soleil), ce n'est pas trop mal filmé, et ma créature est donc, comme je le disais, assez réussie. Ce qui est mieux que rien.
2.5/6
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Another Wolfcop :
Lorsqu'un entrepreneur médiatique, Sydney Swallows (Yannick Bisson), arrive en ville puis propose de rouvrir la brasserie de Woodhaven et de financer l'équipe locale de hockey, Lou Garou (Leo Fafard) est méfiant. Car Swallows a prévu d'utiliser son breuvage pour contaminer les habitants de la ville, et les asservir à la cause des reptiliens venus de l'espace...
Suite du premier Wolfcop, on prend donc les mêmes et on recommence, en recyclant un bon paquet de concepts et de gags (encore une wolfcock, Willie qui revient, la scène de sexe), en leur ajoutant d'autres idées plus ou moins inspirées (la chatte-garou, les parasites à la Bad Milo, les robots), avec en prime un Yannick Bisson qui semble s'amuser en grand méchant, et Kevin Smith qui en fait trois tonnes dans un rôle vraiment pas indispensable.
Le vrai problème étant, malheureusement, que le rythme est encore moins présent que dans le premier opus, et que le film apparaît d'autant plus bordélique, décousu et mollasson... ce qui enlève une grosse partie de son côté divertissant.
Résultat : si la série est déjà à ce point à cours d'idées, la perspective d'une deuxième suite est loin de donner envie.
2/6
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Wolfcop :
Lou Garou (Leo Fafard), flic alcoolique et glandeur, se réveille un matin orné d'un pentagramme gravé dans sa chair : il a été choisi par de mystérieux cultistes pour devenir un loup-garou, et être sacrifié à l'occasion d'un rituel étrange. Mais Lou, lui, décide alors de profiter de ses nouveaux pouvoirs pour faire régner la loi et l'ordre dans sa bourgade canadienne de Woodhaven...
Une petite comédie d'horreur canadienne indépendante, financée via indiegogo, et qui ne s'embarrasse pas de faux semblants pour narrer son histoire improbable et décalée : c'est direct (moins de 80 minutes), c'est tout sauf subtil (entre l'alcoolisme du héros, sa première transformation aux toilettes, le comportement du Wolfcop, le gore, la scène de sexe façon années 80 avec body double pour Sarah Lind, les motivations improbables des méchants, et leur apparence finale ringarde), et il ne faut pas se montrer trop regardant, mais c'est aussi joyeusement décomplexé et amusant, pour peu qu'on soit de bonne humeur.
Après, ça reste un film indépendant aux nombreux composants plus ou moins amateurs - interprétation inégale, script approximatif, montage cache-misère lors des scènes d'action, voitures accélérées en post-production - et au budget minimaliste, que l'on devine entièrement passé dans le costume du Wolfcop (au demeurant assez réussi, malgré un côté rouge-à-lèvres regrettable), au détriment de la fin du film, avec ses reptiliens ridicules, et ultra-fauchés.
Pas forcément désagréable, dans l'ensemble, mais ça aurait mérité d'aller encore plus loin dans son délire et dans son n'importe quoi.
Un minuscule 3/6
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A Little Bit Zombie :
Steve (Kristopher Turner) est sur le point d'épouser Tina (Crystal Lowe), une jeune femme particulièrement maniaque et autoritaire, et le couple passe un dernier week-end en compagnie de la soeur de Steve, Sarah (Kristen Hager), et de l'époux de celle-ci, Craig (Shawn Roberts). Là, cependant, il est piqué par un moustique contaminé par le sang d'un zombie, et rapidement, Steve commence à avoir des envies de cervelle....
Une comédie indépendante canadienne à très petit budget, financée de manière participative, et qui s'avère une farce absurde et amusante ne se prenant jamais au sérieux.
La réalisation est basique, l'interprétation volontairement forcée et en roue libre, et les effets sont approximatifs, mais dans l'ensemble, c'est agréablement absurde et décomplexé, et toute la distribution (y compris Stephen McHattie) s'en donne à coeur joie, quitte à en faire occasionnellement trop.
Un petit film gentillet et distrayant, qui ne restera cependant pas forcément dans les mémoires.
3.25/6
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Dead Shack :
Décidé à passer un peu de temps avec sa nouvelle compagne, Lisa (Valeria Tian), Roger (Donavon Stinson) emmène ses enfants Summer (Lizzie Boys) et Colin (Gabriel LaBelle) - accompagnés de Jason (Matthew Nelson-Mahood), leur ami - passer quelque temps dans un chalet tranquille, au milieu des bois. Rapidement, cependant, les trois adolescents assistent au massacre de deux jeunes aux mains de la voisine (Lauren Holly), qui livre alors les cadavres à ses enfants "cannibales"...
Une comédie horrifique canadienne financée via Kickstarter et qui, en théorie, pouvait être sympathique, mais dans les faits, plombe son potentiel par une mise en images et en musique tout simplement soporifiques.
C'est bien simple, les choix faits par le réalisateur/scénariste plongent le métrage dans une ambiance cotonneuse, qui s'appuie sur des filtres colorés appliqués à l'image, sur un rythme particulièrement nonchalant, et sur une musique rétro-synthétique assez éthérée.
Résultat, le film souffre d'un manque cruel de tension et d'énergie, mettant plus de 25 minutes pour démarrer (jusque là, on a droit à des adolescents qui se vannent en marchant dans les bois), et échouant constamment à combiner humour, horreur et suspense.
L'intérêt remonte un peu lorsque l'on comprend qu'on a droit à des zombies (et pas à des cannibales), mais le film ne décolle jamais vraiment, et n'est ni jamais vraiment drôle, ni tendu : c'est bien dommage, car l'interprétation est plutôt bonne, et les effets plutôt corrects.
2.25/6 (j'aurais probablement préféré le métrage s'il avait conservé ses acteurs plus jeunes, comme dans sa preuve de concept Kickstarter)
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Sahara :
Constamment victimisés par leur communauté, Ajar (Omar Sy) le serpent et Pitt (Franck Gastambide) le scorpion partent pour l'oasis voisine, nettement plus huppée, pour tenter d'y retrouver Eva (Louane), une serpente dont Ajar est épris...
Quand la France (et le Canada) tentent de singer Pixar/Dreamworks et de raconter une histoire d'animaux anthropomorphisés, ça donne ce Safari, un film d'animation visuellement relativement agréable, mais qui ne fonctionne jamais vraiment totalement.
À tous les niveaux, en fait, on sent le désir de bien faire, limité par un manque de compétences ou d'efficacité. Le récit, ainsi, une sorte de road trip dans le désert, s'avère globalement mal rythmé, et bourré de petits ventres mous ; la direction artistique est intéressante, mais parfois un peu trop dérivative ; l'illustration musicale est assez transparente ; l'humour est éventé ; et la distribution vocale, malheureusement, est totalement inégale.
Ainsi, autant Gastambide, Michael Youn, Clovis Cornillac ou encore Jean Dujardin s'en sortent parfaitement bien dans leurs rôles respectifs, autant d'autres sont en roue libre (Vincent Lacoste), et d'autres encore sont tout simplement médiocres et/ou mal dirigés (Louane, Grand Corps Malade).
Pire : si Omar Sy n'est pas mauvais, l'animation de son personnage ne colle que rarement à sa voix. L'interprétation d'Omar est nettement plus agitée et dynamique que ne l'est le serpent à l'écran, et cela donne lieu à un décalage qui s'avère parfois problématique, et souvent gênant.
Bref, une tentative bien intentionnée, mais vraiment peu concluante.
2.5/6
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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...
Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
La Mort de Staline (The Death of Staline) :
En 1953, lorsque Joseph Stalin (Adrian McLoughlin) s'effondre, victime d'une hémorragie cérébrale, c'est la panique au sein du Conseil des Ministres de l'URSS, parmi lesquels Georgy Malenkov (Jeffrey Tambor), Nikita Khrushchev (Steve Buscemi), Vyacheslav Molotov (Michael Palin), Georgy Zhukov (Jason Isaacs) et Lavrenti Beria (Simon Russell Beale), qui commencent alors tous à comploter, pour parvenir à prendre la tête du gouvernement...
Une adaptation d'une bande dessinée française, qui adopte le ton de la satire décomplexée pour traiter des dernières heures de la vie de Staline, et le chaos politique qui a suivi.
La distribution est impeccable, et semble vraiment beaucoup s'amuser - d'autant que tout le monde joue avec son accent et son phrasé naturel, ce qui amène un décalage supplémentaire assez savoureux ; l'écriture est grinçante, tour à tour glaçante et improbable ; et ce n'est pas désagréable du tout à regarder, même si je dois dire que dans l'ensemble, j'ai trouvé que le tout ronronnait pas mal, et manquait de punch.
C'est loin d'être mauvais, mais ça aurait mérité un peu plus d'énergie, notamment dans le montage et dans la mise en images.
3.5/6
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Lost Heroes :
Un documentaire intéressant sur le manque inexplicable de super-héros canadiens dans l'industrie des comic-books, et sur ce que cela reflète de la société et de l'état d'esprit canadiens.
Au travers d'interviews de passionnés, d'images d'archives, et de témoignages, le métrage retrace ainsi l'histoire tumultueuse des comics canadiens, depuis leur naissance spontanée durant la Seconde Guerre Mondiale, jusqu'à aujourd'hui.
On découvre ainsi que les comics canadiens ont vu le jour suite aux restrictions imposées par le Canada durant la Seconde Guerre Mondiale, et qui empêchaient l'importation des bandes dessinées américaines.
Le Canada a donc dû créer ses propres maisons d'édition, et ses propres superhéros, n'hésitant parfois pas à recruter de jeunes adolescents pour dessiner leurs numéros : Maple Leaf Publishing, avec The Iron Man, Brok Windsor, Cosmo ; Anglo-American Publishing, qui réadaptait à sa sauce les scripts des comics Fawcett (Captain Marvel), Commander Steel, Freelance ; Educational Projects, avec Canada Jack ; ou encore Bell Features, avec Johnny Canuck et Nelvana, la première super-héroïne de comics de la planète, avant même Wonder Woman.
Puis, avec la fin de la guerre, l'industrie américaine a repris le dessus, et les super-héros canadiens ont progressivement disparu, jusqu'aux années 60, où, sous l'influence de passionnés, ce pan de la culture canadienne a connu une brève renaissance, aboutissant à la création de Captain Canuck, en 1975.
Un Captain Canuck qui, malgré son succès, n'a jamais réussi à s'implanter durablement, et renaît une fois par décennie, pour disparaître quelques années plus tard, faute d'être économiquement viable.
Le documentaire s'attarde ensuite sur les superhéros "canadiens" les plus connus, à savoir Wolverine (très populaire au Canada, malgré le fait qu'il ne corresponde pas vraiment aux clichés habituels attribués aux Canadiens), et Alpha Flight (nettement moins populaires car trop clichés, et jamais vraiment mis en avant de manière durable et satisfaisante).
Puis, après un passage par la case web-série (Heroes of the North, qui connaît apparemment un succès d'estime), le documentaire tente de comprendre pourquoi les Canadiens ne parviennent pas à avoir de super-héros à leur image.
Problème commercial (la population canadienne est insuffisante pour assurer la survie d'une telle industrie, et les Américains ne s'intéressent pas aux comics étrangers), mais aussi problème d'image mal définie : les Canadiens, de leur propre aveu, peinent à définir leur identité, complexés par leur position de voisins d'USA particulièrement envahissants et dominants, culturellement parlant.
Sans oublier le fait que le Canada a toujours privilégié la discussion, la négociation et a toujours favorisé la paix, des caractéristiques intrinsèques à l'identité canadienne, et qui se marient mal au genre des comics, avec leurs super-héros bariolés qui règlent leurs problèmes par l'action et la violence...
4.25/6 (imparfait, notamment dans sa deuxième moitié, mais pas désagréable du tout)
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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.
Fight Games 2 (Goon : Last of the Enforcers - 2017) :
Désormais marié à sa petite amie Eva (Alison Pill), enceinte, Doug Glatt (Sean William-Scott) est contraint de raccrocher les patins lorsqu'il se fait démolir, sur le terrain, par Anders Cain (Wyatt Russell), un nouveau venu. Reconverti dans les assurances, Doug est cependant contraint de reprendre du service lorsque Cain est placé à la tête de son ancienne équipe, et pour s'entraîner, il se tourne vers son ancien rival, Ross Rhea (Liev Schreiber)...
Le premier Goon/Fight Games (2011) était un film sportif canadien écrit et produit par Jay Baruchel, une comédie sportive pas très subtile ou finaude, mais qui compensait sa lourdeur par son énergie, sa brutalité, et sa distribution sympathique.
Ce second volet, qui reprend la même équipe devant et derrière la caméra, marche dans les traces directes de Rocky II et III, et tente de retrouver le charme du premier volet... mais il se prend un peu trop au sérieux, et privilégie un peu trop le sport et le sentiment, au détriment de la comédie.
On ne rit pas beaucoup, on ne sourit pas vraiment plus (Elisha Cuthbert, en soeur - constamment ivre morte - d'Alison Pill, est amusante, sans plus), et en mettant plus l'accent sur l'émotion et la sincérité (ce qui n'est pas forcément un mal, dans l'absolu), le film y perd en efficacité, finissant par n'être qu'un film de sport (certes bien filmé par Baruchel) parmi tant d'autres.
Un petit 3/6
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Beep - A Documentary History of Game Sound :
Un documentaire canadien qui dure près de deux heures, et qui couvre en long, en large et en travers, l'histoire de la musique des jeux vidéos (principalement dans sa première moitié), et les nombreuses techniques et spécialités du genre (le doublage, le sound design, les musiques plus modernes, l'ambiance, etc).
Problème : le documentaire dure près de deux heures.
Deux heures d'interviews de spécialistes et de compositeurs, qui se répètent régulièrement, deux heures de propos parfois très pointus et austères, privilégiant les explications verbeuses aux démonstrations par le son (il n'y a pas forcément assez d'exemples musicaux reflétant les propos des intervenants, etc), et finissant par lasser, compte tenu de la durée conséquente du métrage.
Assez frustrant, au final, et probablement à réserver aux passionnés du genre, qui n'hésiteront pas à passer deux heures complexes sur ce sujet.
3/6 (pour l'effort de s'intéresser à un genre de niche, et pour l'exhaustivité des intervenants)
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The Birder (aka The Bird Men) :
Ron Spencer (Tom Cavanagh), passionné d'ornithologie et professeur dans un lycée, voit le poste de ses rêves lui échapper au profit de Floyd (Jammie Splichuk), un homme plus jeune, plus moderne et plus cool que lui. Furieux, il décide alors de se venger du nouvel arrivant, et trouve un allié inattendu en la personne de Ben (Mark Rendall), l'un de ses anciens élèves, désormais homme à tout faire du lycée, et glandeur constamment la tête dans un nuage de marijuana. Car Ben est persuadé que Floyd tente de séduire son ex-petite amie Laura (Tommie-Amber Pirie), et il est prêt à tout pour l'en empêcher.
Étrangement le second film traitant d'ornithologie que je vois en moins de deux ans et demi (le premier étant le décevant Drôles d'Oiseaux), ce petit film canadien pose ses cartes sur la table dès les premières minutes du métrage : ce film est un film excentrique, où tous les personnages sont bizarres et improbables, et où tout est décalé et étrange, au point de paraître parfois maniéré et forcé.
Et c'est probablement cela qui fait que le métrage ne fonctionne pas vraiment, malgré un Tom Cavanagh excellent comme toujours : le tout est too much, et repose entièrement sur son aspect un peu foufou pour emporter l'adhésion... mais ni le rythme ni l'humour ne suivent vraiment, et le métrage finit par manquer de punch et d'intérêt intrinsèque, malgré des moments occasionnellement assez réussis.
2.5/6
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Les Zévadés de l'Espace (Escape From Planet Earth) :
Superstar intergalactique, Scorch Supernova (Brendan Fraser) est un héros de l'espace originaire de la planète Baab, et est aidé dans ses missions par son frère Gary (Rob Corddry), responsable de mission au QG de la BASA. Jusqu'au jour où le duo se brouille, et où Scorch décide de partir seul en mission sur Terre, la planète la plus dangereuse de l'univers, où il est capturé par le maléfique Général Shanker (William Shatner). À Gary de partir à son tour sur le terrain, pour secourir son frère...
Un film d'animation tellement générique et insipide qu'on passe son temps à se dire que ça ressemble vraiment à du Dreamworks bas de gamme, à l'époque où le studio se cherchait, et se contentait de faire des récits interchangeables et basiques.
Ici, que ce soit l'écriture, l'humour, la musique d'Aaron Zigman, les chansons pop, ou les choix artistiques très maladroits (toute la conclusion en voix off, au secours !), ça ronronne instantanément, et ça finit par n'avoir pas grand intérêt intrinsèque.
C'est dommage, parce que techniquement, même si ça ne déborde pas d'originalité, ça tient à peu près la route, malgré un doublage très inégal (quelques choix amusants - Ricky Gervais, les aliens -, quelques autres pertinents - Brendan Fraser, Rob Corddry -, et d'autres hors-sujet ou mal exploités - Sarah Jessica Parker, Sofia Vergara, William Shatner, Jane Lynch, etc).
2.5/6 (aussitôt vu, aussitôt oublié, mais ça plaira peut-être aux plus petits)
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