Résultat pour "home alone"

Halloween approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...

Rosemary's Baby (2014) :

Après une fausse couche, un couple américain s'installe à Paris, dans le luxueux appartement d'un couple de nouveaux amis fortunés ; mais bien vite, en découvrant qu'elle est à nouveau enceinte, Rosemary (Zoe Saldana) s'aperçoit que quelque chose ne tourne pas rond...

Une mini-série NBC qui remake le film de Roman Polanski, en deux fois 90 minutes. Problème : si transposer le tout à Paris permet aux Américains de se sentir dépaysés, Zoe Saldana n'a tout simplement pas le charisme nécessaire pour porter trois heures de métrage sur ses épaules.

Et pour ne rien arranger, dans leur désir d'en montrer plus, les scénaristes rendent Rosemary paradoxalement beaucoup trop perspicace, volontaire et indépendante, ce qui enlève beaucoup de l'efficacité du métrage : car si elle ne comprend pas dès le début qu'elle est confrontée à quelque chose de satanique, elle paraît stupide, et dans le cas inverse, si elle comprend trop tôt, cela enlève tout suspense.

Donc c'est mou, c'est plat, c'est parfois assez risible dans sa mise en image (la scène de sexe floutée avec le diable et les spectateurs en t-shirt noir, laule), ce n'est pas subtil pour un sou (la fin est piteuse), c'est parfois gratuitement gore, bref : c'est un remake inutile et assez raté, malgré les efforts de tout le monde. Ah, et du Carla Bruni en illustration musicale ? Non merci.

1.5/6

Open Grave :

À son réveil dans un charnier empli de cadavres, un homme (Sharlto Copley) découvre qu'il est amnésique ; bientôt, il rejoint un groupe de survivants dans le même état que lui, réunis dans une demeure toute proche, et ensemble, ils tentent de résoudre cette situation inexplicable...

Un film d'horreur mis en images par le réalisateur du déjà très médiocre Apollo 18 (1.5/6), et qui ne fera rien pour remonter la côte du bonhomme. En effet, sous le couvert d'un film plein de mystère et d'amnésies, on se retrouve très vite avec un film d'infectés assez banal et quelconque, qui demande absolument à ce que l'on ferme les yeux sur la logique et le bon sens supposés de son postulat de départ.

Malheureusement, la musique et les bruitages exagérés n'aident pas vraiment à s'immerger dans le tout et à faire abstraction de l'écriture médiocre : en somme, les problèmes de logique finissent par devenir handicapants, et le rythme mollasson achève de désintéresser le spectateur. Bref, un postulat initial très intéressant, particulièrement desservi et plombé par son portage à l'écran.

1/6

Rabid Love :

Dans les années 80, Heather Ross (Hayley Derryberry) et ses amis s'installent dans un chalet dans les bois, pour passer d'ultimes vacances ensemble. Mais bientôt, des disparitions se produisent, et tout le monde cherche le coupable : l'ours qui rôde dans les parages ? L'un des chasseurs d'ours qui le traquent ? Ou bien le chercheur dérangé qui fait des expériences dans le voisinage ?

Un film pour lequel le mot d'ordre était clairement "nostalgie". La nostalgie des années 80, en particulier, puisque toute la forme va dans ce sens : image, musique, son, grain, maquillages et costumes ; la production comptait clairement sur l'effet 80s pour apporter une toile de fond particulièrement mémorable à son film.

Problème : ce qu'il y a sur cette toile n'est franchement pas fameux ; c'est très très lent, voire même soporifique, c'est assez moyen dans son interprétation, et parfois le métrage franchit allègrement la limite de la nostalgie pour sombrer dans le fauché et le cache-misère, ce qui n'aide guère.

Dommage, car les intentions étaient louables.

1.5/6

See No Evil 2 :

Dans la morgue où Jacob Goodnight (Kane) est amené après les évènements du premier métrage, une bande d'amis décide d'organiser une fête surprise pour l'une d'entre eux, assistante légiste. Mais Goodnight revient bientôt à la vie, et décide de tous les tuer...

Uber Kane vs Danielle Harris, Chelan Simmons et Katharine Elizabeth, ça fait toujours plaisir, même si je n'ai absolument aucun souvenir du film précédent. Ce coup-ci, c'est réalisé par les soeurs Soska (American Mary) et c'est hautement dérivatif, tout en ne se prenant pas trop au sérieux (le personnage totalement caricatural de Katharine Isabelle est assez fun).

D'ailleurs, en vérité, tant que ça reste dans cette veine plus légère, le film est plutôt sympathique, avec sa distribution pas désagréable, son Kane monolithique, et ses dialogues amusants.

Dans le dernier tiers, par contre, quand ça retombe dans le schéma balisé du slasher basique, c'est tout de suite nettement plus oubliable et anecdotique.

2.25/6

Lorsque j'étais plus jeune, que je regardais encore TF1, et que je ne connaissais pas encore les univers de Star Trek ou de Babylon 5, j'aimais beaucoup Seaquest. J'en gardais un bon souvenir, souvent déjanté, à base de Dieux Grecs, d'extraterrestres, de voyages dans le temps, de monstres marins, etc... et surtout, je me souvenais d'un équipage ma foi bien sympathique. 

Et je me souvenais aussi d'épisodes beaucoup plus soporifiques, avec peu d'action, beaucoup de blabla, et plein de dialogues pseudo-scientifiques. Ceux-là, lorsque j'étais plus jeune, ils ne me plaisaient pas du tout... Maintenant, près de 20 ans après la création du show, qu'est-ce que ça donne ?

Bon, d'office, on ne peut pas nier la filiation avec Star Trek (notamment avec The Next Generation, qui entamait à l'époque sa dernière saison). Que ce soit au niveau des personnages (le capitaine, la doctoresse séduisante qui n'est pas insensible à son charme, l'adolescent prodige, etc), ou au niveau de l'univers (l'UEO, qui est un copié-collé de la Fédération ; le vaisseau, porte-étendard de sa flotte) et des thèmes (on retrouve cette même ambition de délivrer un message "moral", une réflexion dans chaque épisode)....

La filiation est même clairement assumée, avec un épisode qui a William Shatner en guest star, dans la peau moustachue d'un Seigneur de Guerre serbo-croate en fuite, et qui apparaît sur un écran avec la mention "JTK NCC1701" puis "NCC1701A" : les amateurs de Star Trek apprécieront (du moins, ils apprécieront la référence, hein, parce que l'épisode en lui-même est l'un des moins réussis de la saison, et Shatner n'y est pas franchement bon).

Les différences avec Next Generation ?

Déjà, une différence fondamentale : le Wesley Crusher de bord n'est pas antipathique. Dans les premiers épisodes, il peut paraître saoulant, d'autant que l'interprète est alors parfois faux, mais il devient rapidement attachant, et n'est pas surexploité à la Crusher. D'ailleurs, c'est le cas de quasiment tous les personnages du navire : il ne leur faut pas 4 ou 5 saisons pour devenir intéressants ou sympathiques.

La distribution est immédiatement chaleureuse, les personnages bien écrits - ils ont tous leur histoire, leurs relations, qui sont développées à un degré ou un autre durant la saison. Que ce soit le morale officer toujours à l'affût des magouilles et autres coups douteux, son ex-femme (Stacy Haiduk :love:), le premier officier assez raide, la doctoresse qui râle tout le temps, Ted Raimi, etc, ils ont tous quelque chose qui fait que l'alchimie entre les persos fonctionne très bien. Et ils évoluent.

Quid alors des souvenirs mitigés que j'avais ?

J'ai réalisé une chose : la saison 1 est une excellente saison de science-fact. Pas science-fiction, mais sci-fact.

Parce que les thèmes traités ne sont quasiment pas de la science-fiction. Pas de monstres tentaculaires (du moins, pas dans le sens "film de monstres"), pas d'extraterrestres, pas de surnaturel dans 95% des épisodes de la saison.

Ici, on parle science, géopolitique, problèmes de bureaucratie, de hiérarchie, d'écologie et de terrorisme, avec un mot d'ordre guère éloigné de ce que James Cameron fait à longueur de temps : faire partager le merveilleux et la beauté du monde sous-marin. D'ailleurs, la petite minute éducative présente dans chaque générique de fin aide à cerner les intentions de la production (Steven Spielberg inside, d'ailleurs).

Même les épisodes à priori plus "ésotériques" se voient traités de manière réaliste et intelligente (comme l'épisode se déroulant dans le Triangle des Bermudes), sans toutefois verser dans le trop sérieux, grâce à une pointe de second degré toujours présente...

Il y a cependant quelques exceptions, dans cette saison 1. En effet, comme de la sci-fact intelligente et engagée, ça fonctionnait très moyennement niveau audience, NBC a demandé à la team Seaquest de revoir totalement sa copie.

Aussi,en fin de saison, alors que jusqu'à présent, les seuls éléments "fantastiques" avaient été un épisode parodique spécial Halloween à base de fantômes, et une vague mention de capacités psychiques (semblables à l'empathie dans Star Trek) chez l'homme et le dauphin, on voit soudain débarquer dans deux épisodes successifs un vaisseau extraterrestre enfoui au fond de l'océan, et un "Dr Moreau"-bis, en la personne de Charlton Heston, qui crée des humains amphibies par mutation génétiques et greffe de branchies. O_o

Et le n'importe quoi m'ayant plu plus jeune (aliens, mutants, Atlantide, Poseïdon, monstres) est en fait directement issu de la saison 2, qui part clairement dans cette direction. Mais là où c'est amusant, c'est que je me retrouve à adorer les épisodes "sérieux" que je détestais étant jeune, et à difficilement supporter les épisodes plus "fantastiques" que j'adorais autrefois, et qui me paraissent désormais franchement à côté de la plaque/de ce qu'était le show en saison 1.

Sans oublier que ce fameux changement d'orientation entre les deux premières saisons se traduit aussi par une disparition des 2/3 du personnel de la saison 1. En cela, le final de la saison 1 à quelque chose de Whedonesque : il boucle les intrigues de tous les personnages, conclut celle du Seaquest de manière explosive, tout en laissant la porte ouverte à une suite potentielle... qui aura lieu.

Bref, une bonne première année pour ce show, une saison qui rivalise sans trop de difficultés avec la première de Star Trek : The Next Generation. Elle n'est pas parfaite, loin de là : il y a l'occasionnel épisode soporifique (l'avant dernier de la saison, qui n'est intéressant que par le personnage du Général Luis Guzmano... interprété par Luis Guzman :p ), quelques clichés typiquement américains sur les autres pays (notamment la France, mais aussi l'Amérique Latine), et des idées qui auraient mérité d'être mieux développées.

Mais dans l'ensemble, la saison 1 est assez homogène, et se regarde facilement à raison de plusieurs épisodes par jour, ce qui est généralement bon signe quand à la qualité du programme.

Et puis une série dans laquelle le Président des USA, c'est Steven "Mr X" Williams, ça force le respect !

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Le Retour de mon Ex (The Sweetest Heart - 2018) :

Maddie (Julie Gonzalo), propriétaire d'une boutique de cupcakes, est prête à tout pour assurer son succès. Elle reçoit ainsi l'aide d'un séduisant investisseur (Victor Zinck Jr.), alors même que l'amour d'enfance de Maddie, Nate (Chris McNally), revient en ville, pour travailler dans l'hôpital local...

Bon gros bof que cette comédie romantique Hallmark diffusée au printemps 2018, et adaptée d'un roman. Le problème, en fait, c'est que ce métrage est à ranger parmi les productions les plus génériques et oubliables de la chaîne, celles dans lesquelles Hallmark investit le moins d'efforts possible.

Ce qui se ressent à tous les niveaux de la production : musique envahissante et insipide, maquillages et coiffures médiocres (Gonzalo brille et a l'air très fatiguée pendant la moitié du film, certains personnages masculins sont clairement passés chez le même coiffeur), seconds rôles transparents, casting approximatif (McNally n'est pas désagréable, mais bon, il fait un peu jeune pour être crédible en cardiologue, surtout vu son look ; Zinck est non-existant), rythme assez laborieux, récit cousu de fil blanc...

Bref, c'est loin d'être remarquable, et tout le monde a l'air de galérer occasionnellement avec le script, que ce soit par manque de dynamisme ou de matériel intéressant.

Ce n'est pas forcément particulièrement mauvais, en soi, mais entre les montages musicaux, les sous-intrigues inintéressantes, et le rebondissement habituel du dernier quart d'heure qui parvient presque à rendre l'héroïne antipathique ("je sais que ton métier de cardiologue sauve des vies, et que tu as une opportunité unique de toucher le plus grand nombre de personnes possible avec ce nouveau poste qu'on te propose à l'autre bout du pays, mais moi aussi je suis une opportunité unique, alors sacrifie ta carrière pour moi et mes cupcakes !"... euh...), c'est loin de se démarquer de la médiocrité habituelle du genre.

2.5/6

L'Amour Tombé du Ciel (Undercover Angel - 2017) :

Divorcée et mère de Sophie (Lilah Fitzgerald), une jeune adolescente, Robin (Katharine Isabelle) s'installe dans une demeure en piteux état, qui demande des rénovations conséquentes. Voyant sa mère dépassée par l'étendue du chantier, Sophie fait alors un souhait... exaucé par le Paradis, qui envoie aussitôt Henry (Shawn Roberts), un ange assez maladroit, sous les traits d'un ouvrier en bâtiment, afin d'aider Robin et sa fille.

Comédie romantico-fantastique PixL diffusée début décembre 2017 (et bien plus tôt chez nous), et qui donne vraiment l'impression d'un téléfilm un peu bricolé de toutes pièces, et pas particulièrement bien développé, à mi-chemin entre une romance classique et un épisode des Anges du Bonheur.

Cette histoire d'ange gardien maladroit et costaud, presque niais, qui vient aider une famille suite à un vœu, ça aurait pu passer avec un enrobage festif et un peu de neige : après tout, le prétexte de la magie de Noël fait passer bien des choses... mais là, débarrassée de toute justification festive et limitée à des visuels ternes et mal éclairés, cette intervention divine semble vraiment aléatoire et injustifiée.

D'autant que les personnages n'ont même pas l'excuse d'être dans le besoin, ou vraiment malheureux, puisque tout le téléfilm baigne dans une sorte d'enthousiasme et de légèreté forcés (la musique façon mickey-mousing n'aide pas), que ce soit au niveau des premiers rôles (Roberts joue son ange comme un grand gamin immature et benêt, mais heureusement, Isabelle apporte à son personnage un peu de mordant) que des seconds (Britt Irvin est - un peu trop - animée, et sa romance avec son collègue psycho-rigide à gros bras ne fonctionne pas vraiment).

Bref, dans l'absolu, ce n'est pas forcément mauvais, mais ce n'est pas pour autant très convaincant, tout ça (mais je l'avoue, j'ai toujours eu du mal avec Shawn Roberts en protagoniste de comédie romantique), et si le métrage conserve les bons points des productions PixL (des sous-intrigues multiples centrées sur Britt Irvin, sur Sophie, sur la voisine), ainsi qu'une distribution féminine attachante et compétente, le tout reste vraiment prévisible, générique et quelconque, à l'image de l'affiche ci-dessus, qui remplace un Roberts musculeux par un homme à tout faire maigrichon et anonyme.

3 - 0.5 pour la photographie assez terne et délavée = 2.5/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien....

Retrouvez l'intégralité des critiques des Gilmore Girls par les Téléphages Anonymes, en cliquant ici !​​​

​Gilmore Girls - A Year in the Life 1x04 - Fall :

Partie seule en randonnée, Lorelai remet son couple et sa vie en question : exactement ce que redoute Luke, resté seul au diner, et totalement perdu sans sa compagne. Rory, elle, met un terme à sa relation avec Logan, et décide d'entamer l'écriture du livre portant sur sa famille...

Un téléfilm de conclusion à cette nouvelle année en compagnie des Gilmore Girls, et à cette occasion, Amy Sherman-Palladino reprend les reines de ses personnages, pour nous offrir ce qui ressemble plus à deux épisodes de 50 minutes (avec coupure pensive bien délimitée au milieu, sur Rory qui revient dans la maison de ses grands-parents, et s'installe là) qu'à un récit unitaire de 100 minutes.

Ce n'est pas forcément un mal, tant ça permet de bien séparer les deux phases importantes de la vie des femmes Gilmore : le premier "épisode" permet à tout le monde de faire le point, et de prendre des décisions, tandis que le second sert de conclusion plus légère et heureuse aux personnages, une conclusion centrée sur le mariage de Lorelai et de Luke.

La première partie bilan permet à Lorelai de réaliser qu'elle n'est pas faite pour la randonnée : on s'en doutait tous depuis bien longtemps, mais cette excursion en pleine nature donne lieu à des scénettes amusantes, à des caméos de Jason Ritter (Parenthood), de Stacey Oristano (Bunheads) et de Peter Krause (Parenthood, et le compagnon de Lauren Graham IRL), ainsi qu'à un coup de téléphone touchant de Lorelai à sa mère.

Lorelai avait besoin de faire le bilan de sa vie, et de passer un cap : ce sera celui du mariage (qui intervient au terme d'une scène-monologue mémorable de Luke/Scott Patterson, très motivé) mais aussi de l'expansion du Dragonfly Inn, histoire de garder Michel sous contrat, quitte à demander un peu d'argent à Emily.

Une Emily qui se cherche elle aussi, mais finit par comprendre durant ses vacances en compagnie de son nouveau beau (auquel elle ne semble pas particulièrement attaché ^^) et de toute la famille de sa gouvernante (interprétée depuis le début de la saison par Rose Abdoo, aka Gypsy), qu'elle n'a plus grand chose en commun avec la haute société qu'elle fréquentait du vivant de Richard.

Une rupture franche, qui est confirmée durant la seconde moitié de cet Automne, et qui semble partie pour durer, puisque Emily vend la demeure familiale, plaque le comité DAR, et part s'installer à Nantucket pour y entamer sa vie de femme libérée (et y pourrir la vie des visiteurs d'un musée local !). Une émancipation bienvenue et logique, pour un personnage qui aura su se réinventer après la mort de Richard...

Et puis reste le problème Rory. *soupir* 

Pour de nombreux spectateurs (et surtout spectatrices), il a toujours existé une certaine identification au personnage de Rory, alias "l'adolescente jeune, pâle, intelligente, timide, mécomprise, réservée, passionnée par les livres et ambitieuse, promise à une brillante carrière de journaliste, et qui en plus parvient à séduire tous les hommes qui attirent son regard, tant elle est charmante". En ce qui me concerne, je n'ai jamais été concerné par une telle identification, d'autant que très rapidement, dans la série, on pouvait comprendre que Rory prenait, comme sa mère avant elle, de nombreuses décisions peu inspirées et judicieuses.

Mais contrairement à sa mère (qui, si elle n'est pas exempte de défauts, a pendant le plus gros de sa vie adulte et dès l'âge de 16 ans, su grandir, s'affranchir des avantages liés à sa famille, et devenir une adulte plus ou moins responsable à la carrière florissante), Rory a eu un parcours bien différent. Malgré ce qu'elle a beau affirmer, Rory a, depuis l'âge de 16 ans, commis autant d'erreurs que sa mère, mais ce que cette mini-série nous montre, c'est qu'elle n'a pas su capitaliser dessus, ni en tirer la moindre leçon : à 32 ans, elle est toujours aussi immature, toujours aussi dépendante de sa famille, de son héritage, et d'autrui, et n'a jamais eu la douche froide qu'a connu sa mère adolescente, et qui a fait redescendre cette dernière sur Terre.

Tout cela s'inscrit donc plutôt bien dans la continuité du personnage tel qu'il existe depuis le pilote, et il est donc difficile pour moi de voir dans l'évolution de Rory aux mains des Palladino la trahison que bon nombre de fans ont cru déceler. En même temps, si on s'identifie au personnage, et qu'on espère pour elle (comme pour soi) le meilleur, je peux comprendre qu'on s'estime blessé en la voyant totalement paumée, entretenue, et immature à l'âge de 32 ans (c'est frustrant, on ne peut le nier).

Et si l'on rajoute, en plus, le rebondissement des trois mots finaux (assez prévisibles), on comprend que la boucle est bouclée, et qu'il faudra peut-être que Rory marche littéralement dans les pas de sa mère pour qu'elle devienne enfin une adulte responsable.

Mais à part ça, que dire de plus sur cet épisode, et sur ce revival ?

Qu'il était imparfait, mais dans l'ensemble assez réussi et touchant.

Que le mariage de Luke et Lorelai était à l'image de cette dernière : improbable et dégoulinant de guimauve.

Que toute la séquence quasi-onirique de Rory et de la Life and Death Brigade était à vomir (malgré quelques visages familiers de Bunheads parmi les danseuses du club de tango), et tout ce que je détestais déjà, à l'époque de la série, dans l'environnement bourgeois-bohème- irresponsable de Logan & compagnie.

Que le caméo d'Alex Borstein en Miss Cécile était gratuit ; que celui de Dean était très efficace ; et que le retour de Sookie a réussi à me toucher.

Et que je doute que l'on ait droit à une suite, un jour, donc autant profiter de ce revival agréable : le circle of life a repris ses droits, tout le monde passe à autre chose, et une page se tourne sur la petite bourgade de Stars Hollow.

Ce serait un euphémisme que de dire que la première moitié de la saison 2 de Legion, chroniquée ici la semaine dernière, m'a déçu. Car autant la saison 1 pouvait justifier toutes ses errances et excentricités visuelles et formelles par le fait qu'une énorme partie du récit prenait place dans la tête de David, autant cette saison 2, elle, se déroule dans le monde "réel"... et pourtant, Noah Hawley et son équipe ont fait le choix d'en rajouter encore une couche dans le surréalisme, dans le bizarre, l'étrange et le décalé.

Ce qui fait que le spectateur, pour peu qu'il ait du mal à accrocher à la destinée des personnages présentés à l'écran, se retrouve confronté à un barrage d'images quasi-nonsensiques dont on ne peut nier la qualité esthétique, qui donne l'impression que Hawley a quelque chose à dire, et une direction bien précise en tête, mais qu'il ne parvient pas forcément à transmettre ses objectifs à son public.

Il n'est donc guère surprenant de lire, au fil de la saison, d'innombrables avis pouvant être résumés à "je ne comprends pas tout, voire même, je ne comprends rien du tout, mais c'est beau, et comme je suis sûr que la fin de saison rendra le tout très clair, je trouve ça génial"...

Legion, saison 2 - suite et fin (2018) :

Malheureusement, au terme de cette saison 2, je dois dire que cette confiance aveugle qu'ont certains fans en Noah Hawley me semble relativement mal placée.

Non pas qu'elle soit totalement infondée : effectivement, Hawley avait quelque chose en tête, et voulait narrer l'évolution progressive de David en Legion, son alter-ego semi-maléfique. C'est suffisamment répété au fil de la saison : le héros devient le méchant, et le méchant, le héros.

Ou du moins, il voulait donner l'impression de narrer cette évolution, ce heel turn, alors qu'en fait (pour reprendre un meme de l'ère Moffat de Doctor Who), Hawley lies.

En effet, cette évolution de David en un Legion surpuissant et incontrôlable n'est jamais vraiment convaincante... et pour cause : elle repose en très grande partie sur la relation sentimentale existant entre Syd et David, une relation qui explose cette année, et qui - malheureusement - ne m'a jamais vraiment convaincu.

D'autant que, durant la promotion de cette saison, Hawley a souvent répété qu'à ses yeux, c'était Syd la véritable héroïne de cette saison, et que cela allait devenir clair au fil des épisodes, en parallèle du basculement progressif de l'attitude des personnages de la série envers David.

Le problème, c'est que Syd ne suscite jamais la sympathie du spectateur, y compris lorsque, sur la fin de saison, elle accuse David de "viol" (techniquement psychique).

Car même en mettant de côté mon semi-rejet de Rachel Keller et de son interprétation inégale, l'écriture de ce personnage fait que l'on ne se range jamais de son côté, que ce soit à cause de ses flashbacks la montrant tout aussi manipulatrice que David (voire même bien pire que lui), de sa jalousie risible envers son double du futur, de sa naïveté et de son acceptation totale de ce que "Melanie" lui montre, ou de sa tentative de meurtre sur David à la fin de la saison, façon Minority Report : contrairement à ce qu'affirme Hawley (et à ce qu'elle dit elle-même), Syd n'est pas l'héroïne de cette histoire, mais plutôt son antagoniste (c'était d'ailleurs la prédiction de multiples spectateurs à mi-saison, après l'épisode lui étant consacré : Syd allait devenir une mutante maléfique, et David allait devoir la sauver/la tuer).

Et justement, dès lors que l'on écarte tous les effets de manche de la réalisation et du montage, le sous-texte de la saison est assez clair : le Shadow King manipule tout le monde, et amène l'intégralité de la Division 3 à se retourner contre David pour éviter qu'il ne détruise le monde (sur la base de la seule parole de Future Syd...). À fin de saison, David (présenté comme un méchant en devenir) est en fuite avec Lenny, et tout le monde est à ses trousses.

C'est un concept clair, efficace, et percutant... en théorie.

Sauf que pour en arriver là, la série brouille tellement les pistes, elle s'échine tellement à se perdre dans des digressions improbables, à faire réagir ses personnages de manière illogique, à utiliser des raccourcis incertains, etc, que lorsque la fin de saison arrive, et que tout se cristallise enfin (notamment au terme d'un duel assez spectaculaire dans le désert), la chute manque cruellement d'efficacité.

Car en dépit de tous les efforts du script pour rendre le tout confus, et donner à la Division 3 un semblant de justification en paraissant faire perdre tout contrôle à David, je n'ai jamais quitté le camp de David, spontanément rangé à ses côtés...

Et au lieu d'être trahi par la Division 3, je me suis senti un peu trahi par les scénaristes ; des scénaristes qui ont pris le chemin le plus compliqué pour arriver à un résultat simple et limpide, qui se sont perdu en cours de route, qui sont devenus victimes de leur propre ambition, et qui ont préféré troquer l'efficacité de leur récit contre des expérimentations visuelles et structurelles toujours plus excentriques.

Ils ont fait de cette saison une saison de transition, sans réelle résolution, ils ont privilégié l'esthétique au fond, ils ont "oublié" en chemin pas mal de pistes ou de personnages (pauvre Ptonomy), et même s'ils en gardent clairement sous le coude, le problème, c'est qu'après une dizaine d'épisodes n'allant (presque) nulle part et faisant beaucoup de surplace, j'en suis au même point que David, et j'ai fortement envie de faire comme Cartman dans South Park : dire "Screw you guys, I'm going home !".

Legion, ça reste ultra-ambitieux et travaillé, vraiment original, mais ça a passé le point de non-retour pour moi, et au terme de cette saison déséquilibrée, frôlant régulièrement la prétention et la vanité dans sa forme et dans son écriture, je pense que je vais m'arrêter là.

(et sans surprise, les avis que je mentionnais en ouverture de bilan se sont changés en "je n'ai pas tout compris, mais je suis sûr qu'ils expliqueront tout la saison prochaine, donc je trouve ça génial !" ^^)

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Retrouvez les critiques de la saison 1 en cliquant ici et ici, ainsi que toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici et ici.

Noël est passé, les Rois sont arrivés, mais avant de tirer sa révérence, la Christmas Yulefest 2014 joue les prolongations sur le blog des Téléphages Anonymes, avec un Bonus Round d'une semaine afin de boucler dignement ce marathon de cinéma festif de fin d'année...

Sinbad - La Légende des Sept Mers (Sinbad - Legend of the Seven Seas) :

En compagnie de son équipage et de la belle Marina (Catherine Zeta-Jones), Sinbad (Brad Pitt) est contraint de partir en quête du Livre de la Paix, un ouvrage magique volé par la déesse Eris (Michelle Pfeiffer), s'il veut pouvoir sauver son ami d'enfance Proteus (Joseph Fiennes) d'une mort certaine.

Une relecture animée de Sinbad, assez typique, visuellement, du style Dreamworks de l'époque, dans ce que ça peut avoir de bon et de mauvais.

Au niveau du bon, c'est dynamique, bien réalisé, le chien en images de synthèse est très amusant et expressif, et le doublage est plus que compétent (même si les accents respectifs des acteurs peuvent parfois être perturbants).

Au niveau du moins bon, le mélange animation 2D/3D est tout sauf convaincant, ce qui donne un résultat assez frustrant, puisque l'on peut passer de moments qui fonctionnent du feu de dieu en 2d traditionnelle, à de la 3D moche et ratée, qui jure avec le reste des images.

Aussi au rayon des trucs très moyens, l'antagoniste, Eris, est particulièrement générique et quelconque, tant visuellement parlant qu'au niveau de ses motivations ; les dialogues sont parfois un peu trop modernes ; et le cadre Grec plutôt que Perse peut agacer, d'autant que ce changement n'était pas du tout nécessaire (m'enfin bon, c'est du John Logan, il ne faut pas trop en demander).

Cela dit, malgré ses défauts, le film recèle tout de même des moments de swashbuckling particulièrement réussis et mémorables, comme lors du passage avec les sirènes, excellent et porté par les compositions inspirées d'Harry Gregson-Williams.

4/6

Le Trésor de la Montagne Sacrée (Arabian Adventure) :

Le maléfique Calife (Christopher Lee) lance un défi à quiconque veut bien le relever : il offre la main de sa fille, la jolie Princesse Zuleira (Emma Samms), à celui qui parviendra à lui ramener une rose magique rarissime. Avec l'aide d'un jeune garçon et d'un tapis magique, le Prince Hasan se lance dans cette quête périlleuse, qui va le confronter à des génies, à des marécages funestes, et à des monstres cracheurs de feu...

Un long-métrage assez frustrant, puisqu'il promet une quête héroïque... qui ne commence qu'à partir de 40 minutes, et est rapidement terminée.

Tout autour, ça meuble beaucoup, donnant trop d'importance au petit garçon avec son singe, et pas assez au héros (qui souffre pourtant déjà d'un sévère déficit en charisme, et d'un look improbable), laissant Mickey Rooney cabotiner, en roue libre, pendant trop longtemps, et hésitant constamment entre environnements convaincants et décors de studio fauchés... et comme en plus la réalisation est assez plate et limitée, le tout s'avère assez laborieux.

Les plus jeunes devraient apprécier, et l'affrontement des tapis volants, vers la fin, est sympathique, mais ça s'arrête là.

Un très petit 3/6.

Le Voleur et le Cordonnier (The Thief & The Cobbler - ReCobbled Cut Mark IV) :

À l'époque des Mille et Une Nuits, la Cité d'Or est sous la protection de trois globes dorés surplombant le plus haut minaret de la ville. Selon la légende, si les globes disparaissent un jour, la ville sera réduite à feu et à sang... et une nation toute entière de borgnes belliqueux surnommés "Les Cyclopes" n'attend que cette occasion pour frapper. D'autant que c'est sur ces globes qu'un voleur incapable et malodorant a jeté son dévolu... mais avant de parvenir à ses fins, il s'introduit chez Tack, un jeune cordonnier innocent et généreux. Les deux hommes se battent : un affrontement qui à des conséquences imprévues : Tack attire l'attention de la séduisante Princesse Yum-Yum, qui s'entiche de lui, et provoque la colère du Grand Vizir Zigzag (Vincent Price), un être maléfique bien décidé à épouser Yum-Yum, et à prendre le trône du Roi Nod...

Un film d'animation au destin particulièrement chaotique, puisqu'il a été commencé en 1964, poursuivi pendant des décennies, abandonné faute de fonds, racheté par un studio qui a sorti une version bouclée à l'arrache, puis il y a eu une autre version encore pire, etc... jusqu'à cette version ReCobbled, faite par des fans, qui ont compilé le meilleur de chaque version disponible, ont recréé les images manquantes, les sons, les voix, tout ça pour tenter de revenir au plus près du projet original de Richard Williams, son créateur borné et intransigeant.

Le résultat est donc un morceau incontournable de l'histoire de l'animation, et quelle animation !

Visuellement, c'est splendide, psychédélique, inventif, révolutionnaire, ultra-stylisé et absolument hypnotisant, même dans cet état semi-incomplet. C'est tellement frappant, en fait, que ça en devient presque complaisant : à force d'exhiber un niveau technique et artistique hors du commun (les poursuites sont géniales, bourrées de trompe l'oeil et d'illusions d'optique, et les vingt dernières minutes sont un vrai festival visuel), le film trahit son scénario basique, peu inspiré, et assez mal rythmé (même si une partie de ces défauts provient sans nul doute de la nature patchwork du métrage), et souffre un peu de son destin et de l'époque de sa conception (ainsi que de l'influence indirecte - et un peu surestimée - que ce métrage a eu sur l'Aladdin de Disney).

Cela dit, ça reste une date dans l'histoire du film d'animation, et ça mérite sans conteste une réhabilitation à tous les niveaux.

4.25/6

Après une première saison pauvre en action et souffrant d'un protagoniste transparent et guère convaincant, puis une apparition guère plus reluisante dans Defenders, Iron Fist avait commencé, avec son épisode de Luke Cage saison 2, à évoluer dans une direction enfin intéressante et plus légère. Et avec le changement de showrunner pour sa saison 2, on pouvait s'attendre à quelque chose de plus réussi, de plus nerveux, et de moins insipide. D'autant que les critiques nettement plus enthousiastes portant sur cette saison 2 pouvaient permettre d'être un minimum optimiste...

Iron Fist, saison 2 (2018) :

Bien décidé à défendre la ville après la disparition de Matt Murdock, Danny Rand (Finn Jones) tente de faire régner la loi et l'ordre à New York aux côtés de Colleen (Jessica Henwick)... mais Davos (Sacha Dhawan) et Joy (Jessica Stroup) se sont alliés pour se venger de lui, et ils ont engagé les services de Mary (Alice Eve), une ex-militaire aux personnalités multiples, pour se débarrasser de l'Iron Fist.

Nouveau showrunner (M. Raven Metzner, au CV de scénariste assez... hum... discutable), format plus court, nouveau chorégraphe pour les combats et cascades : après le tollé critique ayant touché la saison 1, la saison 2 d'Iron Fist semblait décidée à changer de cap.

Malheureusement, s'il y a effectivement du mieux par rapport à la saison 1 de la série, Iron Fist saison 2 reste une saison assez faible. Déjà, parce qu'elle souffre du syndrome Luke Cage : pour mieux gérer leur héros, les scénaristes optent pour le priver de ses pouvoirs pendant une grosse partie de la saison.

C'est plus pratique : pas d'effets spéciaux ni de combats à gérer (on garde les affrontements pour la toute fin de la saison, et encore...), uniquement des tunnels de dialogues (maladroits) entre les personnages. Le problème, c'est que cela ne fait que souligner à quel point Danny est un personnage creux et inexistant. En le privant de ses pouvoirs, les scénaristes laissent la part belle aux autres protagonistes, notamment Colleen et Misty Knight, qui ressurgit ici et aide son amie à mener l'enquête pendant que Danny est convalescent.

L'occasion pour les scénaristes de tâter le terrain pour un potentiel show Daughters of the Dragon mettant en scène les deux femmes... et force est de constater que ce serait nettement plus intéressant que Danny Bland contre son double négatif, Davos l'inexpressif en manque d'amour maternel.

Au point que l'on se dit que l'affrontement Iron Fist vs son grand rival aurait vraiment dû être mis de côté pendant une bonne demi-saison, si ce n'est plus : c'est plat, générique, et aucun des deux hommes n'a le charisme et l'énergie suffisantes pour faire fonctionner cette rivalité.

Du côté des autres personnages secondaires, rien à signaler, si ce n'est la caractérisation de Joy, totalement fluctuante sous la plume de la nouvelle équipe et du nouveau showrunner (au point que l'on ait parfois du mal à la rattacher à la Joy de la saison 1... sans même parler de la Joy de la fin de saison 2, qui fait un 180° par rapport au début).

Mary, elle, est plutôt convaincante, même si son personnage demande tout de même que le spectateur ferme les yeux sur le fait qu'elle parvienne physiquement, du haut de son mètre 65, à tenir tête/à maîtriser des experts en arts martiaux comme Danny et Davos. Mais Alice Eve fait tout son possible pour rendre ses deux personnalités distinctes, et cela fonctionne assez bien.

Et là, après quelques paragraphes, je m'aperçois que je n'ai pas grand chose à dire de plus au sujet de cette saison. Oui, c'est plus court, et les combats sont mieux chorégraphiés (mais rares). Oui, la fin est intéressante (même si l'on sait désormais qu'Iron Fist n'aura pas de suite sur Netflix) et logique, compte tenu du parcours de Colleen durant ces épisodes (mais cette fin est aussi relativement bâclée, et franchement assez mal écrite, notamment au niveau des dialogues).

Mais dans l'absolu, avec son écriture gentiment pataude (toute la sous-intrigue de Ward et de son addiction/son histoire avec son sponsor sont la définition même de remplissage, ne servant qu'à créer un parallèle maladroit avec Danny/le Fist, et à donner quelque chose à faire à l'acteur), qui peine à caractériser ses personnages de manière convaincante et à imposer un rythme cohérent à la série, la saison, assez décousue, se regarde tout aussi passivement que la précédente, sans jamais passionner ou captiver.

Moins insipide que la saison 1, certes, mais guère plus probant.

Retrouvez les autres séries de l'univers Marvel/Netflix passées en revue sur ce blog en cliquant ici...

Sygbab regarde (beaucoup) la tv, Sygbab écrit (parfois) des bilans : retrouvez-les sur le blog des Téléphages Anonymes !

Tru Calling - Saisons 1 & 2, Bilan Général :

Si vous avez entendu du bien de la série, ce n'est pas pour rien : elle est plutôt sympathique, grâce à une mythologie bien développée et des personnages intéressants. Elle comporte également quelques noms connus au sein de sa production, parmi lesquels Jane Espenson (Buffy, Battlestar Galactica, Star Trek : Deep Space Nine, ...) et Richard Hatem (Miracles). Pourtant, cela débute de manière assez moyenne, avec une succession d'épisodes dont le schéma rigide laisse penser que le show sera vite limité : un mort demande de l'aide à Tru, la journée recommence, et elle mène sa petite enquête en courant (beaucoup) dans toute la ville pour sauver des gens.

La seule variation apportée se situe au niveau des circonstances qui l'amènent à se trouver en présence de cadavres, sachant que c'est le plus souvent à la morgue que cela se produit. Dans la mesure où c'est son lieu de travail, c'est plutôt commode et ça offre une certaine originalité à un concept usé jusqu'à la corde qui voit le personnage principal tenter de modifier le futur car il connaît déjà ce qu'il réserve. Cela n'aboutit pas à des scripts exceptionnels, mais il y a toujours un petit quelque chose qui rend le tout agréable à regarder. Ce n'est pas forcément par rapport à l'empathie que Tru ressent pour les personnes qu'elle tente d'aider (le traitement est d'ailleurs assez maladroit), mais plutôt parce que les personnages sont attachants et vivent bien ensemble à l'écran.

Cette assertion n'est évidemment pas valable pour Meredith, qui est caractérisée de manière assez grossière et ne parvient jamais à exister. On comprend alors aisément pourquoi les scénaristes s'en sont vite passés tant elle n'apportait rien. À l'inverse, les trois hommes qui gravitent autour de Tru sont dignes d'intérêt, même si Luke n'est pas aussi bien exploité qu'il aurait pu l'être. Le couple qu'il forme avec Tru est cependant assez touchant et les deux acteurs ont une bonne alchimie ; cela permet d'oublier que cette relation a pour but principal d'illustrer les sacrifices de l'héroïne, qui met de côté vies sentimentale et scolaire pour mener à bien sa mission.

Harrison, quant à lui, détonne avec son côté insouciant associé à son statut de petit voyou combinard au grand coeur. Il est dans la confidence assez rapidement et sa réaction est à l'opposé de ce que l'on pourrait attendre puisqu'il voit aussitôt le côté pratique de la situation. Enfin, Davis, l'excentrique un peu geek sur les bords et connaissant des difficultés sur le plan social, est un atout majeur. Son aide et son soutien sont inestimables, et il fait souvent parler la voix de la sagesse. Il distille régulièrement des informations sur le pouvoir de Tru et de sa mère : ces revélations participent de la mythologie mise en place et sont gérées avec parcimonie, ce qui permet d'entretenir un certain mystère.

C'est à partir de la mi-saison que les scénaristes commencent à s'amuser avec leur concept, en proposant notamment un épisode type "journée sans fin" quasiment incontournable dans toute série fantastique qui se respecte, et qui a tout à fait sa place ici. Les situations évoluent également, pendant que Tru prend conscience qu'elle ne peut pas sauver tout le monde et que parfois la personne qu'elle doit aider n'est pas celle qu'elle croit. C'est ensuite l'arrivée de Jason Priestley qui change la donne, déjà parce qu'il est excellent, et surtout parce que le personnage qu'il incarne intrigue rapidement.

Les insinuations constantes de Jack incitent à penser qu'il en sait plus qu'il ne le dit, et on le soupçonne rapidement d'être une sorte de nemesis. C'est le cas, mais d'une manière inattendue puisque l'idée d'une balance cosmique fait surface : les morts que Tru évite doivent être compensées. Deux points de vue s'entrechoquent : d'un côté la possibilité de sauver des gens qui n'auraient pas dû mourir, de l'autre la volonté de laisser les choses en l'état car cela entraîne des conséquences fâcheuses sur l'univers lui-même. Ce qui n'est rien d'autre que le premier dialogue dans la crypte entre Tru et Jack : il y avait là un sacré effet d'annonce.

Cela apporte un regain d'intérêt à la série à plusieurs niveaux. Elle évite ainsi le manichéisme et propose une réflexion sur la meilleure manière de procéder en bousculant l'ordre établi. Finalement, qui de Tru ou de Jack a raison ? En devant accepter que les morts le restent, ce dernier n'a-t-il pas une mission bien plus dure que celle de Tru, qui se montre parfois arrogante ?

Elle décide notamment de sauver Jensen qui n'a rien demandé, alors que Jack est déchiré lorsqu'il lâche la main de Megan, qui lui a demandé son aide et dont il est tombé amoureux (dans ce qui est sans conteste le meilleur épisode de la série). Le ton est différent, et leur confrontation offre beaucoup plus de possibilités qu'auparavant.

En revanche, le personnage de Jack perd des points à cause de son association avec le père de Tru - assez antipathique au demeurant, puisqu'il a fait tuer sa femme - et de leurs manigances pour infiltrer le réseau de connaissances de sa fille afin de saper son travail. Pour autant, l'importance de préserver de l'ordre dans l'univers apparaît petit à petit primordiale ; le pétage de plombs progressif de Jensen soutient cette thèse. Malheureusement, il n'y aura jamais de réponse, alors que l'avancée mythologique était conséquente, notamment avec l'inversion des rôles entre Tru et Jack qui permet d'apprendre que ce dernier voit la dernière journée de la personne décédée, ce qui explique qu'il en sache autant.

Mais toute série n'est pas parfaite, et celle-ci comporte bel et bien des défauts. En premier lieu, le fait que les proches de Tru meurent tous est redondant et souligne beaucoup trop (voire même surligne) la difficulté de sa mission et les conséquences qu'elle peut avoir sur ceux auxquels elle tient. On peut aussi regretter l'abandon de l'enquête de la journaliste, alors que Tru venait de lui dire la vérité et que, ne la croyant pas, elle promettait de tout faire pour découvrir son secret.

Cela aurait pu rendre les choses plus compliquées pour Tru, qui aurait dû se battre sur plusieurs fronts à la fois. Enfin, l'idée de replacer Tru dans un contexte étudiant au début de la saison 2 n'est pas mauvaise en soi, mais ses camarades sont totalement transparents donc ça ne fonctionne absolument pas. Toutefois, au regard de la façon intelligente dont le show a évolué, cela ne gâche en rien le visionnage.

Encore une série qui fait partie du cimetière de la FOX, annulée bien trop vite et qui mérite le détour.

Au bout de deux saisons mitigées, et d'un Christmas Special reposant intégralement sur le charme de Jon Hamm, Black Mirror, anthologie anglaise conçue, écrite et supervisée par Charlie Brooker, quitte Channel 4 pour atterrir sur Netflix...

Deuxième partie de cette troisième saison, donc, une saison dont la première moitié était, pour moi, bien trop inégale pour être satisfaisante...

Black Mirror - Saison 3.2 :

3x04 - San Junipero :

En 1987, dans la ville balnéaire de San Junipero, Yorkie (Mackenzie Davis), une jeune femme timide, tombe amoureuse de Kelly (Gugu Mbatha-Raw), plus décomplexée et libérée. Mais tant Yorkie que Kelly sont en réalité les avatars virtuels d'autres individus, à la vie réelle bien moins rose que les néons de San Junipero...

L'épisode le plus primé de Black Mirror, et un épisode des plus atypiques pour la série : une histoire d'amour à la conclusion plutôt optimiste, centré sur un couple lesbien, et se déroulant pour sa plus grande partie dans un simulacre des années 80, avec visuels et musique de rigueur pour cette époque.

Et effectivement, c'est probablement l'épisode le plus homogène et convaincant de la série, jusqu'à présent : alors certes, la nostalgie années 80 est un peu facile, l'épisode est en mode juke-box 80s, et le facteur LGBT garantissait un certain succès public et critique, mais c'est néanmoins une réussite, touchante, très bien interprétée et visuellement réussie, et il est assez ironique de constater que l'épisode le plus probant de la série est celui qui correspond le moins à la satire misanthrope habituelle de Brooker.

3x05 - Men Against Fire :

Dans un futur dystopien, Stripe (Malachi Kirby), un soldat, rejoint une escouade chargée d'exterminer les "cafards", des humains mutants et agressifs qui vivent cachés. Mais lorsque l'un de ces cafards utilise un objet inconnu sur Stripe, en pleine mission, les implants neurologiques du jeune homme commencent à dysfonctionner, et sa vision du monde à changer...

Un ratage. C'est bien produit, mais c'est totalement creux et prévisible de bout en bout, et la durée abusive de 60 minutes fait que l'on a facilement une demi-heure d'avance sur les personnages, sur le récit, et sur son propos sur la déshumanisation des soldats, la manipulation, la propagande, etc.

Vraiment décevant (notamment parce que Sarah Snook est sous-exploitée). Et gentiment racoleur, avec ce rêve érotique collé en plein milieu.

3x06 - Hated in the Nation :

Lorsque des personnes impopulaires sur les réseaux sociaux sont assassinées, l'Inspectrice Karin Parke (Kelly Macdonald), sa partenaire technicienne Blue Coulson (Faye Marsay) et l'agent gouvernemental Shaun Li (Benedict Wong) découvrent bien vite que des abeilles cybernétiques sont responsables de ces morts...

Alors je ne m'en cache pas, j'aime beaucoup Kelly Macdonald, et la présence de Benedict Wong est toujours la bienvenue, mais là, 89 minutes d'une enquête policière assez routinière, c'est beaucoup trop. Il n'y a rien ici qui justifie vraiment cette demi-heure supplémentaire, et ça se ressent clairement dans le rythme global de l'épisode, et dans le fait que le spectateur a très souvent deux longueurs d'avance sur le script.

La première demi-heure de mise en place (et tout son suspense sur "qu'est-ce qui tue ces victimes innocentes ?") aurait largement pu être condensée et résumée, tout comme certains autres passages (tout ce qui entoure l'attaque des abeilles sur la maison campagnarde, ou encore le dernier tiers, qui se traîne vraiment), pour ramener le tout à une heure de métrage.

Et c'est dommage, parce que le concept est très intéressant, bien interprété, avec une musique stressante, et un propos pertinent, bien que familier - sur la justice populaire, les dérives des réseaux sociaux, la surveillance gouvernementale, etc.

Dans l'ensemble, ça reste néanmoins un bilan positif pour cet épisode qui, encore une fois, met de côté l'ironie et la corrosion, pour quelque chose de plus sérieux et premier degré.

(même s'il est difficile de ne pas penser à Nicolas Cage et à ses abeilles, de temps à autre !)

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Bilan :

Un peu comme dans le cas des saisons précédentes, un bilan très mitigé pour cette troisième cuvée de Black Mirror. Avec comme problème principal la nouvelle durée de ces épisodes, qui dépassent allègrement l'heure de métrage : c'est quasi-systématiquement bien trop long pour ce que ça raconte, et ça affaiblit d'autant le postulat de ces récits.

Après, j'ai toujours le même problème avec l'écriture de Brooker et cette anthologie : c'est souvent trop forcé, trop évident, trop téléphoné pour fonctionner.

Mais paradoxalement, c'est aussi cette saison qui propose deux de mes épisodes préférés de la série : San Junipero, avec sa romance virtuelle, et Hated in the Nation, avec son polar très sérieux. Deux épisodes qui abordent leur genre respectif sans tentative de satire moqueuse, sans humour, sans traits trop forcés ni personnages antipathiques... ça change, et ça fonctionne.

J'espère que la saison 4 sera plus dans cette lignée, plutôt que dans celle de Nosedive ou de Men Against Fire.

Je continue avec l'intégrale de cette anthologie Channel 4/Amazon, supervisée par Ron D. Moore (Battlestar Galactica, etc), et adaptant directement des récits de Philip K. Dick pour le petit écran...

Après quatre premiers épisodes inégaux et dans l'ensemble peu convaincants, on peut d'ores et déjà se poser des questions quant à la viabilité de ce projet : oui, K. Dick était à l'origine de bon nombre de ce que l'on considère maintenant comme des clichés du genre de l'anticipation et de la science-fiction, mais d'innombrables anthologies, de La Quatrième Dimension à Black Mirror en passant par Au Delà du Réel, etc, ont exploité ses concepts, ses rebondissements, et ses idées jusqu'à plus soif, et cet Electric Dreams donne vraiment l'impression d'arriver après la bataille...

- The Hood Maker -

Dans un monde autoritaire et dystopien, les rares télépathes sont mis au ban de la société, et contenus dans des ghettos. Alors que les tensions montent entre télépathes et normaux, l'Agent Ross (Richard Madden) fait équipe avec Honor (Holliday Grainger), une télépathe, pour enquêter sur le mystérieux Hood Maker, qui distribue aux humains normaux des cagoules empêchant les télépathes de lire leurs pensées...

Un épisode adapté de la nouvelle Immunité (un titre qui grille un peu le rebondissement final), et qui se concentre principalement sur la romance naissante entre Ross et Honor (sur fond de monde délabré à la photo délavée et verdâtre) plutôt que sur l'enquête en elle-même.

C'est regrettable, parce que le tout n'est pas désagréable dans sa mise en images et dans son déroulement, mais l'épisode souffre d'un problème de taille : Richard Madden, jamais particulièrement convaincant ou suffisamment expressif en flic aguerri, avec son imperméable et son chapeau façon cosplay de film noir, et sa mèche blonde.

À partir de là, forcément, il est difficile de vraiment accrocher à la romance présentée, et quand arrive le dernier quart d'heure, assez maladroit, l'enchaînement de rebondissements et de révélations ne fonctionne pas très bien.

Dommage, parce que ça restait assez regardable, à part ça..

- Safe and Sound -

Dans un monde divisé entre villes ultra-surveillées et campagnes considérées comme refuges de terroristes, Foster Lee (Annalise Basso) et sa mère Irene (Maura Tierney), une militante, arrivent de la campagne pour s'installer en ville. Mais pour Foster, l'intégration passe par l'achat d'un Dex, un dispositif virtuel qui la connecte au réseau global, et la met en contact avec Ethan (Connor Paolo), un technicien qui l'avertit d'une menace terroriste imminente...

Un épisode vaguement adapté de la nouvelle Foster, vous êtes mort !, et qui joue la carte de la surveillance totalitaire, de la manipulation gouvernementale, et de la pression sociale, pour accoucher d'un récit assez inégal, et un peu inabouti.

C'est bien simple : heureusement qu'Annalise Basso est très attachante, et joue bien, parce que sinon, le tout aurait été vraiment quelconque. Très tôt, on comprend en effet que Ethan n'est pas digne de confiance, et on passe donc le plus clair de l'épisode à regarder Foster se faire manipuler - et ce, de manière assez moyenne et cousue de fil blanc.

Et puis la toute fin arrive, peu convaincante (le changement de camp de Foster parait précipité), avec en prime un montage façon Usual Suspects, totalement inutile tant le reste du script était téléphoné.

Dommage (bis), mais bon : au moins, le tout se suit sans trop de problèmes.

- The Father Thing -

Suite à une pluie de météores inhabituelle, Charlie (Jack Gore), un jeune garçon, découvre bientôt que son père (Greg Kinnear) a été remplacé par un double venu des étoiles, et qu'autour de lui, un à un, les humains subissent le même sort...

Un épisode ultra-dérivatif adapté de la nouvelle Le Père Truqué, avec ici de faux airs de Fais-moi Peur mâtiné de Stranger Things... sans toutefois avoir la distribution ou le style de cette dernière.

On se retrouve donc avec un sous-Body Snatchers plat et sans grand intérêt, qu'on a l'impression d'avoir déjà vu à d'innombrables reprises (tout le propos sur le baseball qui évoque Signes de Shyamalan, la tentation d'une famille unie sous l'emprise des aliens, l'appel final à la mobilisation et à la résistance...) et qui ne vaut vraiment que pour une scène ou deux, comme ce moment où les pièges à la Maman, j'ai raté l'avion échouent tous de manière spectaculaire.

C'est peu.

- Impossible Planet -

Dans un futur très lointain, deux guides touristiques spatiaux, Brian (Jack Reynor) et Ed (Benedict Wong), acceptent de conduire Irma (Geraldine Chaplin), une vieille femme sur le point de mourir, jusqu'à la Terre, pour exaucer son dernier souhait. Seul problème : la Terre n'est plus qu'une légende, et les deux escrocs décident alors de l'emmener visiter une planète vaguement similaire à cette Terre disparue...

Une adaptation relativement fidèle de la nouvelle du même nom, cet épisode en dévie néanmoins sur deux points importants... qui changent complètement la donne.

Le réalisateur/scénariste (par ailleurs scénariste du mauvais The Ones Below, du bordélique Hanna, et de The Night Manager) a ainsi choisi d'opter pour une approche plus éthérée, mystérieuse... et romantique.

Une romance assez étrange et onirique entre Jack Reynor et Geraldine Chaplin, à base de réincarnation (?), de rêves inexplicables, de visions improbables, etc...  Une romance bizarre, pas tant à cause de la différence d'âge, mais bien parce qu'au final, Irma est amoureuse de Brian... parce qu'il lui rappelle son grand-père.

Donc, cette romance sert de filigrane à tout l'épisode, et amène une réécriture de la conclusion à base d'hallucination paradisiaque et fatale. Exit la pièce de monnaie du récit original, qui permettait de comprendre que la planète visitée n'était pas totalement inconnue, et place à une fin volontairement absconse... et assez inutile.

D'autant que le reste de cet épisode mollasson est visuellement assez kitschouille, avec des couleurs bigarrées, un robot qui ressemble à L'Homme Bicentenaire, et assez peu d'imagination dans la direction artistique.

Mais bon, peu importe : le résultat global est tout à fait regardable, mais est globalement ronronnant et frustrant, malgré l'interprétation amusante de Benedict Wong.

Désireuse de se tailler une part du gâteau de la VOD et du streaming, NBC a lancé, en 2016, Seeso, sa propre plate-forme de streaming payant, à thématique comique : au programme, des rediffusions de sitcoms, de talk-shows, de spectacles de stand-up, et des séries inédites, au nombre desquelles Harmonquest et ce Bajillion Dollar Propertie$...

(sans surprise, la plate-forme a fermé ses portes fin 2017)

Bajillion Dollar Propertie$ saisons 1-3 :

Chez Platinum Reality, une prestigieuse agence immobilière de Los Angeles, tout le monde se méprise, ou presque. Dean Rosedragon (Paul F. Tompkins) est un patron excentrique qui aime mettre ses subordonnés en compétition ; Glenn (Tim Baltz), qui vient d'arriver, est naïf et un peu benêt - en plus d'être le fils caché de Rosedragon ; Andrew (Ryan Gaul) et Baxter (Drew Tarver) forment un duo inséparable ; Chelsea (Tawny Newsome) repose sur ses millions d'abonnés sur les réseaux sociaux pour trouver des maisons à vendre ; Amir (Dan Ahdoot) semble convaincu que Glenn est le fils caché de Rosedragon ; et Victoria (Mandell Maughan), elle, est prête à tout pour écraser ses collègues et prendre du galon...

Un programme au format sitcom de 25 minutes, et qui parodie ouvertement le format et le style des émissions de télé-réalité immobilière comme Property Brothers, Million Dollar Listing, etc.

On retrouve donc les codes de ces émissions, comme les interviews face caméra, le montage ultra-nerveux, les plans de coupe, etc, le tout semi-improvisé par les acteurs (c'est d'ailleurs assez amusant de les sentir toujours au bord du fou-rire quand l'un des guests commence à improviser et à partir dans des directions improbables), et showrunné par une femme (chose assez rare pour être remarquée, dans le monde de la comédie).

Au fil des 26 épisodes de ces trois premières saisons (une quatrième saison est déjà tournée, mais n'a pas de diffuseur), on suit donc le quotidien de cette équipe de bras cassés, qui tentent de vendre d'innombrables propriétés de Los Angeles aux prix vertigineux, à des clients toujours plus excentriques et déjantés.

Chaque saison est axée autour de quelques lignes directrices vaguement développées, et qui permettent de donner un semblant de structure au tout : la première année, ainsi, repose sur une compétition organisée par Dean, pour choisir qui sera son associé à la tête de la compagnie. Tout le monde passe ainsi la saison à se tirer dans les pattes, jusqu'à ce que Dean change la donne, et choisisse son fils caché, Glenn.

En seconde année, Dean veut à tout prix décrocher un prix prestigieux, et met la pression à tous ses subordonnés pour impressionner le reste de la profession : un arc narratif qui passe un peu à la trappe en cours de route, mais qui finit par tout chambouler dans le season finale, un épisode qui divise tout le monde, et sème la zizanie dans l'équipe.

Enfin, en s3, Dean choisit un associé, son fils légitime, DJ (Eugene Cordero). Un fils qui finit par profiter d'une crise cardiaque de son père pour prendre le contrôle de la compagnie, alors même que tous les employés se battaient pour pouvoir écrire la préface de l'autobiographie de Dean.

Là-dessus se brodent pas mal de sous-intrigues improbables (des brouilles, des histoires d'amour avortées, des magouilles, la rivalité d'une agence concurrente), et de ventes de maisons toujours plus luxueuses et hors de prix.

L'occasion pour de nombreux visages familiers de faire des apparitions de quelques minutes pouvant aller de l'anecdotique au totalement barré : Adam Scott en superstar droguée, Jason Mantzoukas en photographe, Andy Richter en divorcé dépressif, David Koechner en consultant, Thomas Lennon (par ailleurs producteur) en rival mafieux, Paul Scheer en révérend, Zack Galifianakis en renifleur, Casey Wilson en cliente amatrice de roleplay, Busy Philipps en décoratrice arrogante, Dave Foley, Patton Oswalt, Deanna Russo, Weird Al Yankovic, Nick Kroll, John Morrisson, Randall Park, John McBrayer, Rhys Darby, Lauren Lapkus, Nicole Parker en agente, Sarah Silverman en rockeuse, Gillian Jacobs, Keiko Agena, Steven Yeun, June Diane Raphael, Jessica St Clair, Brett McKenzie en homme ayant une peur bleue des baleines...

La liste est longue, et il est impossible de tous les citer en détail, mais une chose est sûre : plus la série avance, plus les visages et les noms sont reconnaissables, et plus la série se permet d'audaces et d'excentricités.

Ce qui ne veut pas dire pour autant que la série fonctionne systématiquement : en effet, de par son format et son côté semi-improvisé, BDP est un programme assez inégal. Autant les personnages sont assez réussis et attachants, et on s'amuse à les suivre d'épisode en épisode, autant certains épisodes ont un intérêt très limité, passant un quart d'heure sur telle ou telle idée de gag qui tombe totalement à plat.

Et réciproquement, d'autres sont hilarants de bout en bout, comme cet épisode à thématique horrifique, dans lequel une poupée maléfique hante l'agence et possède des employés, alors même que Glenn va visiter le manoir d'un pseudo-Vincent Price : c'est totalement déjanté, hors-continuité, et improbable, mais ça marche.

En fin de compte, Bajillion Dollar Propertie$ s'avère un programme amusant et bien mené, mais qui souffre aussi des limites de son format. C'est typiquement le genre de série comique qui aurait trouvé sa place sur Comedy Central, TBS ou Adult Swim, à l'époque de NTSF:SD::SUV et autres Childrens Hospital, mais qui est maintenant reléguée au web : un sort regrettable, qui voit la série se terminer en cliffhanger insoutenable, faute de diffusion de sa dernière saison déjà tournée...

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Chez les Téléphages Anonymes, d'octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

The Field Guide To Evil (2018) :

Anthologie internationale regroupant huit segments tournés par des réalisateurs et scénaristes étrangers, avec pour objectif de raconter les contes et légendes populaires et effrayantes de leurs pays d'origine respectifs. Pour cela, ce Field Guide adopte des atours de livre médiéval, avec un joli générique d'introduction façon gravures anciennes, et des transitions à base de pages qui se tournent entre les différents chapitres...

- Autriche - The Sinful Women of Höllfall : dans un village rural autrichien, l'attirance d'une jeune femme pour l'une de ses amies lui vaut les remontrances de sa mère, et la visite d'un démon nocturne se nourrissant de sa culpabilité...

Oui, c'est esthétiquement très joli, bien filmé, et la thématique de l'éveil de la sexualité mis en parallèle de la religion, de la culpabilité, du pêché, et du surnaturel fonctionne toujours... mais alors que beaucoup de critiques parlent de ce segment comme du plus réussi de l'anthologie, je suis resté plus circonspect devant ce métrage, qui se dissimule derrière de l'ambiguïté (et un peu de racolage, avec de la nudité et du sexe saphique) pour cacher un manque de limpidité et de clarté dans ce qu'il raconte. Cela dit, la créature est assez réussie. 3.25/6

- Turquie - Haunted by Al Kasiri, the Childbirth Djinn : une jeune femme enceinte s'occupant de sa grand-mère paraplégique commence à faire l'expérience de phénomènes menaçants après avoir dérobé une broche à son aïeule...

Un résultat assez mitigé pour le réalisateur de Baskin, qui semble vouloir mêler les légendes de son pays (la chèvre démoniaque, etc) à une manifestation de la dépression post-natale dans l'esprit coupable d'une jeune femme. Un peu grotesque, çà et là, mais pas forcément désagréable, et avec un début, un milieu et une fin (ce qui n'est pas toujours le cas, dans cette anthologie). 3/6

- Pologne - The Kindler and the Virgin : lorsqu'une entité lui promet tout le savoir et la sagesse du monde s'il ingère les cœurs de trois défunts, un ramasseur de fagots accepte... sans savoir que ses actes auront des conséquences.

Pas franchement aimé, celui-ci, notamment parce qu'il est hyper-vague, et assez typique des pays de l'Est, entremêlant quelques moments sanglants avec des séquences plus abstraites de l'entité qui "danse" seule au rythme des actes du ramasseur de fagots. Ajoutez à cela une fin en queue de poisson, et voilà, un segment décevant, qui peine à exploiter son concept pourtant intéressant. Ou alors je suis tout simplement passé à côté. 2/6

- USA - Beware the Melonheads : une famille passe le week-end dans un chalet, en bordure de forêt, mais découvre rapidement que des enfants difformes vivent dans les bois, et tentent d'enlever leur fils...

Un bon gros ratage, entre la réalisation assez laide, les maquillages risibles, l'interprétation inégale, les effets gore approximatifs, et le fait qu'il n'y ait pas la moindre originalité là-dedans. Mouais. 1.5/6

- Grèce - Whatever Happened to Panagas the Pagan : Noël 1984 : un gobelin s'aventure dans un petit village grec pour y participer aux festivités, mais il devient la proie des villageois assoiffés...

Plutôt atmosphérique et réussi visuellement, notamment au niveau du gobelin et de la grotte mystique enfumée, le tout n'est pas toujours particulièrement lisible, mais reste intéressant, notamment pour son atmosphère païenne assez unique.  3.5/6

- Inde - The Palace of Horrors : en Inde, au début du 20è siècle, deux occidentaux parviennent à se faire mener jusqu'à un Palais perdu, gardé par une femme aveugle, et qui abritent des horreurs indicibles...

Segment très lovecraftien dans l'esprit (il y a même un homme-poulpe ^^), filmé en noir et blanc, avec une narration épistolaire en voix-off, des décors naturels, et plutôt réussi dans l'ensemble, malgré une post-synchro assez inégale. 4.5/6

- Allemagne - A Nocturnal Breath : en Bavière, en 1780, un frère découvre que sa sœur abrite en elle un démon, qui quitte son corps en pleine nuit pour aller s'en prendre à leur bétail...

À nouveau un métrage aux allures médiévales, qui met en parallèle le désir sexuel interdit (en l'occurrence, l'inceste que l'on devine en filigrane) avec le pêché, et la punition surnaturelle. Une punition surnaturelle qui prend la forme d'une petite souris en décomposition (assez bien réalisée par ordinateur), et qui permet à ce court d'être plutôt satisfaisant, malgré un effet flouté assez laid sur les bords de l'image, et une caméra bien trop souvent penchée. 3.75/6

- Hongrie - Cobbler's Lot : deux frères cordonniers, épris de la même Princesse, tentent d'obtenir du Roi la main de sa fille, et doivent pour cela parvenir à trouver une fleur magique poussant dans une eau mystérieuse...

Un court-métrage muet et en couleurs, mélange de film expressionniste, de Cocteau, de cinéma russe ou de Monstres et merveilles, qui revisite un conte à l'issue macabre de manière efficace, à défaut d'être particulièrement surprenante ou innovante. Un exercice de style, en somme. 3.75/6

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Une anthologie inégale, en fin de compte, qui n'a comme véritable point négatif que le segment américain, générique et insipide.

Le reste va de l'intéressant au réussi, mais jamais sans problèmes, qu'ils soient narratifs, formels, ou, assez fréquemment, au niveau de leurs chutes : bon nombre de ces courts semblent vouloir jouer sur plusieurs niveaux de lecture, sans forcément totalement maîtriser leur récit de manière à rendre ces niveaux de lecture plus affirmés, et l'on se retrouve souvent devant des fins abruptes, peu claires, probablement plus compréhensibles si l'on est familier du conte ou de la légende d'origine... mais qui perdent bien souvent les spectateurs étrangers.

Cela dit, en comparaison d'autres anthologies de genres trop souvent calamiteuses, ce Field Guide, bien que manquant de liant, s'en sort à peu près bien, avec un

3.25/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue dans le cadre de l'Oktorrorfest dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...

L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, tout le mois d'octobre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques...

[Dark/Web], saison 1 (2019) :

Alors qu'ils reçoivent des mails étranges de Molly (Noemi Gonzalez) , une amie de lycée qu'ils n'ont pas revue depuis des années, des individus aux profils différents - Ethan (Brian Ellerding), journaliste au chômage, Sam (Lana McKissack), influenceuse web, et James (Michael Nardelli), enseignant au fond du trou - décident de mener l'enquête, sans se douter que leurs appareils technologiques vont les trahir...

Pseudo-anthologie en 8 épisodes diffusés sur Amazon, et issue de l'imaginaire des créateurs du film de science-fiction Cercle, [Dark/Web] joue sur les peurs et les incertitudes liées au web, au monde moderne, et à la technologie, pour mettre en place un programme qui semble fortement lorgner sur Black Mirror et compagnie...

Ayant pour fil conducteur l'enquête des amis de Molly, la série s'articule ainsi autour de ces segments, entrecoupés de courts-métrages de 10-15 minutes s'intéressant aux menaces des nouvelles technologies, et supposés être des récits de fiction inclus par Molly dans les mails envoyés à chacun de ses amis. Une structure pas forcément inhabituelle (V/H/S faisait de même avec ses vidéos) mais qui ici est parfois étrangement déséquilibrée, et pas aidée par des épisodes à la durée très variable, pouvant aller de 25 minutes à plus d'une heure...

1x01 - Un conducteur de vtc au bout du rouleau découvre que son appli lui parle directement, lui révèle tous les secrets de ses passagers, et l'incite à les punir...

Pas désagréable, mais une interprétation très inégale des passagers, et un sujet pas forcément très original. À noter Julie Benz, qui fait la voix de l'application.

1x02 - Une serveuse de fast-food devient mondialement connue sur le web lorsqu'une star publie sa photo sur sa page de réseau social - mais cette célébrité inattendue attire sur elle l'attention du dark web...

Assez mauvais, gentiment surjoué (la post-synchro des clients, et de manière générale, les voix-off, sont calamiteuses), et à la conclusion plutôt idiote.

1x03 - Un hôpital empli de zombies, des survivants, et un jeu vidéo...

Un épisode bizarre, plus centré sur les trois protagonistes que sur la "nouvelle", ce qui se traduit par un segment très court écrit, réalisé et interprété par Zelda Williams ; un segment anthologique qui semble se terminer en queue de poisson, et être totalement déconnecté du reste.

1x04 - Un veuf sexagénaire a besoin d'un nouveau cœur en urgence, sa fille lui en trouve un sur le marché noir, mais lorsque le greffé commence à avoir des visions étranges, il ne sait pas s'il est possédé, ou si c'est la culpabilité qui le ronge...

Alors là, un bon gros WTF, puisque l'épisode dure 54 minutes, qu'il est cousu de fil blanc, que le segment en lui-même se termine en queue de poisson après avoir été prévisible de bout en bout, et surtout, qu'une place inutile est laissée aux trois protagonistes habituels qui rendent visite à un patient dans un hôpital psychiatrique.

À noter, un caméo de Robert Davi en chirurgien louche.

1x05 - Un jeune homme arrive chez une cougar, pour passer la nuit avec elle...

Retour à une durée plus classique, pour une histoire cousue de fil blanc (on devine la chute de ce segment très Contes de la Crypte dès son titre pas très finaud), avec Clare Kramer en lingerie, et une réalisation maniérée.

Au niveau du fil conducteur, on a droit à une présentation précipitée d'Amy, la petite amie lesbienne hackeuse rebelle habillée de cuir de Molly, la disparue : un joli cliché ambulant, pas très convaincant, et qui n'apporte pas grand chose à des personnages toujours aussi antipathiques.

1x06 - La vie et la carrière de Molly, avant sa disparition.

Un épisode d'une trentaine de minutes, intégralement narré en flashback, et consacré au personnage de Molly, et à son poste au sein de l'entreprise de sécurité informatique de Nicholas Brendon. Pas forcément désagréable, bien qu'un peu surjoué çà et là.

1x07 - Une jeune femme studieuse se laisse convaincre par sa colocataire bimbo d'essayer une application de rencontre à la mode, et rencontre quelqu'un, mais rapidement, elle devient la victime d'une rumeur virale l'accusant d'être atteinte d'une STD, et elle voit son corps se transformer...

67 minutes d'épisode, plus déconnecté que jamais : le récit (axé body horror) est efficace, mais très balisé et bien trop long (Dora Madison est excellente, cela dit), en plus de se perdre dans un propos bancal sur la créativité, la narration, etc (ça s'ouvre sur une explication du test de Bechdel, quand même) et d'avoir un thème très similaire à celui du 1x04 (la culpabilité, etc) ; et le reste n'est pas très intéressant, avec des personnages toujours plus stupides et agaçants.

1x08 - Accompagnés par Amy, et les autorités à leurs trousses, le trio découvre une trappe secrète menant au cadavre de Molly, décédée devant ses écrans, face à une intelligence artificielle qu'elle avait dérobée à son entreprise...

Une conclusion d'une demi-heure, assez inaboutie, car à la fois télégraphiée (dès le début du premier épisode de la saison, on pouvait déjà plus ou moins deviner les tenants et les aboutissants de l'histoire), et pas très bien écrite ou interprétée. Résultat : lorsque vient le moment de la grande décision des protagonistes, on est très loin de se ranger à leurs côtés, et on a même un peu tendance à les trouver énervants (l'interprétation y est pour beaucoup).

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En résumé, une semi-anthologie vraiment peu convaincante, entre ses personnages antipathiques, son propos gentiment éventé (Black Mirror a déjà fait pareil, en mieux), sa direction d'acteurs mitigée, son rythme décousu, etc.

Dark/Web donne ainsi souvent l'impression que ses créateurs (l'un d'eux est aussi scénariste/réalisateur et interprète de l'un des personnages principaux) ont refourgué leurs courts-métrages à Amazon, et qu'ils ont recyclé un pitch de long-métrage inabouti et/ou brodé autour de leurs courts une vague histoire de conspiration, d'intelligence artificielle et d'e-mails, histoire d'en faire "une anthologie d'anticipation".

Un projet vraiment bâtard et bancal, au final, pas vraiment satisfaisant ou original.

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​Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Prescription Thugs (2015) :

Bigger, Stronger, Faster (du même réalisateur) se terminait sur un constat assez cynique, découragé et déresponsabilisant : les stéroïdes ne sont pas un problème vraiment sérieux en soi, mais bien un symptôme d'une société ultra-compétitive qui force chacun à prendre des substances pour se dépasser et être le meilleur, et qui ne laisse pas d'autre choix.

Prescription Thugs continue donc sur cette lancée avec, pendant la majeure partie de ses 86 minutes, une charge contre "Big Pharma" et ses médicaments (en vrac, les antidépresseurs, les antalgiques, les opioïdes, etc), charge menée, un peu comme dans le précédent métrage, à grands renforts de témoignages de "victimes" de la société moderne : ici, des catcheurs de seconde zone (Luther Reigns) qui dénoncent la facilité avec laquelle ils pouvaient se droguer aux antalgiques et autres médicaments pour pouvoir continuer leur profession ; là, une lobbyiste dont la nièce fortement dépressive suite à un accident a cessé brusquement tout traitement et s'est suicidée dans les jours qui ont suivi ; là, un expert en psychiatrie qui dénonce les traitements pharmaceutiques à l'aide d'une comparaison fumeuse ("la vraie médecine, c'est bien : les vaccins parviennent à éradiquer des maladies, c'est donc que ça marche. Mais les antidépresseurs et autres ne parviennent pas à éradiquer la dépression au fil du temps, dans la population générale, c'est donc qu'ils sont inefficaces.") ; ou encore, un médecin homéopathe fier de son diplôme ; etc, etc, etc... et systématiquement, ces personnes blâment le système, Big Pharma, le gouvernement, etc, pour leurs problèmes et leurs difficultés.

Idem pour le réalisateur du documentaire : depuis son métrage précédent, son frère catcheur s'est suicidé d'une overdose médicamenteuse. Plutôt que de tenter de mieux comprendre les raisons de ce suicide (elles sont pourtant limpides, transparaissant clairement de toutes les scènes du réalisateur avec sa famille, une famille qui a toujours noyé ses problèmes dans les excès de nourriture et - pour les trois enfants - dans les muscles, le sport à outrance, la compétition, etc : tout ça pour échapper à une condition qu'ils n'ont jamais assumé, et tenter de devenir "une star"...), de remettre en question leur mode de vie, leur passion pour les stéroïdes (qui, rappelons-le, ont tendance à favoriser la dépression), la compétition, etc, leur mal-être chronique, le réalisateur a immédiatement trouvé un bouc-émissaire : les laboratoires pharmaceutiques.

Attention, je ne dis pas que les laboratoires pharmaceutiques sont blancs comme neige, loin de là, ou que les opioïdes sont inoffensifs/la réponse idéale à apporter à tous les problèmes ; mais c'est trop facile d'accuser autrui de ses propres faiblesses. "Si je me drogue, ce n'est pas parce que je suis incapable de me contrôler, que j'ai des problèmes psychologiques, ou que j'ai besoin d'aide, c'est parce que la société me force à me droguer avec la publicité pour les médicaments, que les médecins ne sont là que pour gagner de l'argent, que les laboratoires pharmaceutiques sont inhumains et fabriquent délibérément des médicaments addictifs, que le gouvernement nous manipule, etc, etc, etc."

On retrouve là directement le propos du documentaire sur les stéroïdes, qui faisait reposer toute la culpabilité de leur usage sur une société américaine favorisant les gagnants et normalisant la triche à tous les étages. Ici, on retombe sur cet argumentaire du "tout le monde le fait, donc pourquoi pas moi", un argumentaire d'autant plus présent que le réalisateur avoue lui-même, à mi-parcours, qu'il est accro à de multiples substances.

Un réalisateur qui se met nettement plus en scène que dans le premier documentaire, et qui semble avoir bien appris à l'école Morgan Spurlock : musique cool, extraits fréquents de vieux films et de dessins animés pour illustrer le propos de manière comique et ironique, etc, etc. Ici, cependant, on retrouve le biais du premier documentaire, mais inversé : alors que Bigger, Stronger, Faster s'efforçait de rejeter systématiquement les accusations portées à l'encontre des stéroïdes dans les médias, à base de témoignages biaisés et défenses évasives, ici, "Big Pharma" n'a pas le droit à la parole, et le documentaire est globalement à charge, du début à la quasi-fin.

Mais quoi qu'il en soit, comme son prédécesseur, ce documentaire se termine par une réflexion assez amère et désenchantée du réalisateur sur le monde qui l'entoure : une nouvelle fois, l'homme est présenté comme faible, impuissant, victime d'un système qui l'étouffe et l'oblige à prendre des substances pour espérer atteindre les sommets et accomplir ses ambitions, sous peine de s'écraser et d'en mourir.

Dans ce cas, propose le réalisateur (et son père), ne vaudrait-il mieux pas faire fi de toute ambition, et se contenter d'être quelqu'un de moyen, de médiocre, avec un emploi médiocre, une vie de famille médiocre, et une retraite médiocre, pour ne pas risquer d'être broyé par la société moderne ?

Mouais.

2.5/6 

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Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Petits Coups Montés (Set It Up - 2018) :

Épuisée par sa patronne autoritaire (Lucy Liu), Harper (Zoey Deutch) décide de faire équipe avec Charlie (Glen Powell), lui aussi assistant d'un patron insupportable et capricieux, Rick (Taye Diggs). Pas insensibles au charme l'un de l'autre, les deux vingtenaires mettent ainsi leurs talents en commun pour jouer les entremetteurs, et amener les deux cadres à se rencontrer, à tomber amoureux l'un de l'autre, et à enfin laisser un peu respirer leurs subordonnés...

Comédie romantique diffusée sur Netflix, fruit des efforts d'une réalisatrice de nombreuses sitcoms et autres séries tv comiques, et premier scénario de la productrice de films comme Hot Pursuit : En Cavale et Célibataire, Mode d'Emploi.

Pas grand chose d'original au programme, donc, puisque tous comptes faits, on aurait pu avoir exactement le même script (avec une distribution un peu moins mémorable) sur UpTV ou Hallmark.

La seule différence, ici, est donc ce cast plutôt sympathique et dynamique, entre Zoey Deutch et Glen Powell (déjà ensemble dans Everybody Wants Some !!, en 2016), Lucy Liu et Taye Diggs en patrons insupportables (Diggs en fait un peu trop, mais Liu rebascule avec grand plaisir en mode Ling d'Ally McBeal), et quelques seconds rôles sympatoches, parmi lesquels Pete Davidson en meilleur pote gay, et Titus Burgess en technicien étrange.

Sans cette distribution agréable à suivre, le film peinerait à atteindre la moyenne, dans le genre, d'autant que le métrage souffre (étrangement, compte tenu des antécédents de la réalisatrice) d'un manque de rythme assez paradoxal, et d'un bon quart d'heure de trop.

En l'état, c'est tout à fait regardable (les 20 dernières minutes sont même assez amusantes), mais le tout est honnêtement très peu mémorable.

3/6

Ibiza (2018) :

Envoyée par sa patronne à Barcelone pour y conclure une affaire, Harper (Gillian Jacobs), épuisée et au point mort dans sa vie privée, y est accompagnée par ses deux meilleures amies, Nikki (Vanessa Bayer) et Leah (Phoebe Robinson), bien décidées à profiter de l'occasion pour prendre des vacances festives entre copines. Mais à Barcelone, Harper a le coup de foudre pour Leo (Richard Madden), un DJ qui n'est pas insensible à son charme. Elle décide alors d'oublier la raison de sa présence en Espagne, pour se rendre à Ibiza et retrouver l'objet de son affection...

Initialement, je pensais que ce Ibiza (premier film de son réalisateur et de sa scénariste) était une énième girl comedy façon Mes Meilleures Amies et autres métrages du même genre avec humour trash et femmes qui font autant de conneries que les hommes (une certaine conception du féminisme, je suppose), d'autant que Will Ferrell et Adam McKay sont producteurs, et qu'une ex du Saturday Night Live (Vanessa Bayer) est à la distribution.

Mais en fin de compte, il s'avère que ce Ibiza est une comédie romantique entre Gillian Jacobs et Richard Madden, rom-com qui n'est que déguisée en party movie se voulant déglingué.

Le seul problème étant que le film ne fonctionne pas vraiment, que ce soit en tant que party movie (sur les 90+ minutes du métrage, il doit bien y avoir 25-30 minutes de remplissage creux avec des scènes de night-club, de foule qui danse, de DJs qui mixent, et d'EDM surmixé pour donner l'illusion d'un métrage dynamique), en tant que comédie trash de filles (les gags sont vraiment faiblards et assez timides), ou en tant que comédie romantique (puisque la romance, qui sert pourtant de fil conducteur, est finalement assez vite expédiée, et sans grand développement).

Ibiza finit par être plus proche d'un simple film de vacances, avec de beaux paysages, pas forcément mis en valeur par une photographie très saturée, et par une caméra constamment portée.

Dans l'ensemble, malgré sa distribution pas forcément désagréable (même si Watkins et Bayer surjouent gentiment, et que Robinson est transparente au possible), Ibiza est un film plat, sans réelle direction, et qui présente des personnages immatures et irresponsables, en espérant que le spectateur s'identifient à eux malgré leurs défauts.

Mouais.

1.75/6 (allergiques à la dance music s'abstenir)

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Après la série originale de 1965-1968, et la piteuse adaptation cinématographique de 1998 écrite par Akiva Goldsman (qui officie désormais sur Star Trek Discovery, malheureusement), voici une nouvelle version de la série d'Irwin Allen, une version en 10 épisodes produite par Netflix, écrite par les scénaristes des bancals Dracula Untold, Le Dernier Chasseur de Sorcières, Gods of Egypt et Power Rangers, et pilotée par le showrunner de Once Upon a Time in Wonderland (par ailleurs scénariste de Prison Break)...

Perdus dans l'Espace (Lost In Space - 2018) - première partie (1x01-02) :

- 1x01 : En 2046, alors que la Terre est menacée de destruction, l'humanité lance le Resolute, un vaisseau colonial ayant à son bord de nombreuses familles choisies pour coloniser une nouvelle planète, au nombre desquelles les Robinson (Molly Parker, Toby Stephens, Taylor Russell, Mina Sundwall, Maxwell Jenkins). Mais lorsque le Resolute est attaqué, les Robinson sont contraints de monter à bord du Jupiter 2, une navette, qui s'écrase bien vite sur une planète inconnue...

Un pilote qui n'est pas désagréable à suivre, avec des effets spéciaux globalement réussis et convaincants, une distribution sympathique, et un budget présent à l'écran.

Dans l'ensemble, ça fonctionne grâce à ses acteurs (le petit Will est notamment plutôt bon ; le caméo de Bill Mumy fait plaisir ; Taylor Russell n'est pas désagréable, mais sa présence fait un peu quota ethnique imposé par un exécutif quelconque), à la réalisation de Neil Marshall, au score de Christopher Lennertz, et parce que ça sait ménager ses effets et son suspense (la structure en flashbacks et en in media res, centrée sur les personnages et leur passé, rappelle Lost mais... in space !)... mais ce n'est pas pour autant dénué de défauts, loin de là.

À commencer par la direction artistique : autant les extérieurs et les plans spatiaux fonctionnent, autant dès qu'on est en intérieur (les grottes, les glaciers façon polystyrène), c'est gentiment fauché et artificiel. Pas forcément dramatique, puisque ça donne un petit côté rétro kitsch qui rappelle la série originale, mais je dois dire que ma première réaction, lorsque Will a découvert la forêt et que son père lui a demandé, par radio, "où est-ce que tu te trouves ?", a été de répondre "dans une forêt au nord de Vancouver, mais pas de panique, il devrait y avoir une Stargate dans les parages". Ils auraient pu se fatiguer un peu plus pour rendre ces environnements crédibles...

Idem pour le robot : tant qu'il était en images de synthèse, pourquoi pas (même si le design du robot n'est pas des plus convaincants), mais dès qu'il prend forme humaine, on devine aussitôt "l'homme dans le costume", et le personnage perd aussitôt énormément de son aura et de sa superbe (en plus d'évoquer un peu Mass Effect).

Ajoutez à cela une plausibilité scientifique totalement inexistante (dès les dix premières minutes, on doit éteindre son cerveau tant les problèmes sont nombreux), et l'on se retrouve, en fin de compte, devant un épisode pilote pas inintéressant, mais à l'écriture assez moyenne, ce qui n'est pas forcément surprenant compte tenu des scénaristes et du showrunner.

(par contre, j'ai un peu peur du surjeu de Parker Posey, et de l'absence totale de charisme d'Ignacio Serricchio... on verra bien)

- 1x02 : Tandis que les Robinson explorent la forêt voisine et le vaisseau du robot, le Dr Smith (Parker Posey) & Don West (Ignacio Serricchio), seuls survivants de leur navette, tentent de trouver des secours...

Un épisode de placement produit, puisqu'un paquet d'Oreos tout ce qu'il y a de plus basique (même pas repensé et modernisé pour les années 2040) figure de manière très visible dans l'intrigue et dans l'épisode. C'est un peu pitoyable, mais bon, je suppose que c'était inévitable pour faire rentrer de l'argent...

Ce qui n'aide pas, c'est que l'épisode, dans son ensemble, fait beaucoup de surplace, et que l'écriture n'est pas assez efficace pour faire illusion : toute la sous-intrigue de Smith et West (qui semble bien assez transparent... malgré sa poule) est ainsi vraiment cousue de fil blanc, le spectateur a constamment de l'avance sur les événements, et pourtant, les scénaristes se sentent obligés de nous placer un flashback explicatif à la toute fin, pour quelque chose qui n'avait pas besoin d'être expliqué...

Du côté des Robinson, on se dispute, que ce soit au niveau des deux sœurs, ou des parents : rien de vraiment mémorable à signaler, mais ça se regarde (malgré le placement produit). Et l'épisode retrouve un peu de punch et d'énergie dans sa dernière partie, lorsque les effets spéciaux entrent en jeu, et que ça s'énerve gentiment.

Cela dit, je regrette toujours que le robot paraisse aussi fauché (de près, il fait un peu trop plastique, on voit l'acteur respirer, son langage corporel n'est pas naturel, ses proportions changent selon qu'il est en images de synthèse ou en costume), et paradoxalement, je trouve la bande originale de Lennertz bien trop dramatique et tonitruante pour ce qu'elle illustre.

Je suis certain qu'elle fonctionne nettement mieux en écoute isolée, mais là, sortir le grand orchestre et les trompettes claironnantes alors que Penny fixe les pneus du rover planétaire, c'est peut-être un peu trop...

Halloween approche à grands pas, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...

The Rocky Horror Picture Show  - Let's Do The Time Warp Again :

Aaaah, le RHPS, ce film culte de 1975, adaptation cinématographique de cette comédie musicale underground et corrosive, hommage à tout un pan du cinéma de genre, dans laquelle un couple de jeunes WASPs bien pensants typiques des années 50 se voient corrompus et dévergondés par des extraterrestres pan-sexuels menés par le Dr Frank-n-Furter, un travesti à la fois séduisant, dangereux, dévorant et complexe.

Un show - qu'il soit scénique ou cinématographique - tellement provocant, culte, transgressif et avant-gardiste, que chacune de ses représentations donne désormais lieu à un véritable spectacle participatif sur scène, à l'écran et dans la salle... une comédie musicale irrémédiablement marquée par son esthétique proto-punk androgyne, kitsch et déjantée, conséquence d'un budget limité, par l'interprétation et le charisme de Tim Curry, et par certaines images indélébiles, comme cette paire de lèvres rouges qui ouvrent le métrage.

Autant dire qu'en annonçant un remake télévisé, la chaîne Fox tendait largement le bâton pour se faire battre, surtout qu'elle s'était déjà plantée en adaptant aseptisant le RHPS dans un épisode de Glee.

Et plus les informations arrivaient sur ce remake télévisé, plus  l'on pouvait craindre le pire : si à la limite, choisir Victoria Justice et Ryan McCartan (deux acteurs connus pour leurs carrières Disney et Nickelodeon) pour interpréter les niais Brad et Janet était assez logique (voire même approprié et pertinent), le choix de Laverne Cox (actrice transexuelle n'ayant jamais fait ses preuves dans le milieu de la comédie musicale) pour interpréter le personnage de Frank-n-Furter (un mâle travesti) laissait dubitatif, et semblait indiquer que les exécutifs de la Fox ne savaient pas trop où ils mettaient les pieds, ou voulaient simplement faire le buzz.

Et puis ensuite, on a découvert que le téléfilm serait réalisé par Kenny Ortega, réalisateur des High School Musical, chefs-d'oeuvre de subversion et de décadence s'il en est (oui, c'est de l'ironie). Et enfin, histoire de conclure en beauté, on nous a expliqué que le film jouerait la carte du méta-discursif : plutôt que d'enregistrer le show en live sur une scène, comme les autres succès d'audience US récents en matière de comédie musicale télévisée (et comme il aurait été pertinent de le faire pour une comédie musicale reposant à ce point sur l'interaction avec le public), ce RHPS16 allait être filmé de manière traditionnelle, avant d'être encadré par des segments montrant le film "diffusé" dans une salle fictive emplie d'un public fictif (aux déguisements improbables), qui interagirait ainsi avec le métrage pendant sa diffusion (spoiler : ça n'apporte rien, et ça sort systématiquement du métrage à chaque fois que le réalisateur décide de montrer ces réactions).

Sur papier, le tout était donc très casse-gueule. Et dans les faits, toutes les craintes (ou presque) que l'on pouvait avoir se sont réalisées. Oui, le RHPS sur la Fox est surproduit, surbudgeté, tout est poli, propre, artificiel : des décors, aux costumes, à l'interprétation, en passant par toutes les réorchestrations musicales, tout sonne forcé et lissé. À l'image des numéros musicaux, tellement surchorégraphiés qu'ils en perdent paradoxalement tout rythme et toute énergie : le Time Warp est anémique, l'entrée de Frank-N-Furter n'a pas le moindre impact, Touch Me perd toute transgression et sexualité, ou encore, I'm Going Home, chanson touchante dans la version originale, est ici plombée par tout un appareillage scénique et par une Laverne Cox beaucoup trop radieuse et triomphante, façon Diva à la Whitney ou Mariah Carey.

D'ailleurs, attardons-nous sur l'interprétation : tout le monde surjoue un peu (problème de direction), mais dans l'ensemble, ça chante à peu près juste, et Justice et McCartan s'en sortent plutôt bien ; Annaleigh Ashford, dans le rôle de Columbia, est tout à fait dans le ton, tout comme Staz Nair, en Rocky (qui troque son slip moulant lamé or pour un caleçon nettement moins apte à choquer la ménagère) ; en Frank-N-Furter, Laverne est très inégale, juste et convaincante dans ses dialogues et réactions (malgré son accent bancal), un peu moins dans ses chansons, chorégraphies, et tout simplement dans sa présence : en effet, en faisant de Frank-N-Furter une femme à la poitrine pigeonnante et aux tenues spectaculaires (à la Beyonce ou Lady Gaga), le métrage perd complètement le malaise et le trouble créés par un Tim Curry carnassier en bas résilles. Ce qui m'amène à Adam Lambert, le chanteur actuel de Queen, un talent vocal ultra-flamboyant et ouvertement gay, qui aurait été parfait en Frank-N-Furter, mais se contente ici d'une brève apparition en Eddie (le personnage initialement interprété par Meat Loaf).

Enfin, mention spéciale à Riff-Raff (Reeve Carney) et Magenta (Christina Milian) : si le premier fonctionne moyennement tant il essaie d'imiter Richard O'Brien, la seconde est tout simplement calamiteuse, avec un accent ridicule, et un timing déplorable.

Apparaît aussi, en tant que narrateur, ce pauvre Tim Curry, qui se remet de son attaque cérébrale, et qui a tout de même bien souffert...

Avec une telle distribution, et une telle surproduction, à la limite, un bon réalisateur aurait pu sauver les meubles, et pondre quelque chose de rythmé. Hélas, ce n'est pas le cas : la réalisation d'Ortega est basique, simpliste, le montage (avec plans de coupes sur figurants, danseurs, choristes, orchestres, spectateurs dans la salle, etc) casse le rythme des chansons, et le film se traîne mollement jusqu'à la ligne d'arrivée, pas aidé par une aseptisation certaine du propos (moins de sexe, moins de violence, moins de cannibalisme, etc).

Au final, alors que l'original était "sale", osé, décadent et débordait d'énergie, ce remake Fox est (comme on pouvait s'y attendre) trop propre et appliqué pour faire illusion, ne serait-ce qu'un seul instant, et ce malgré les efforts de (quasiment) toute la distribution. On se demande donc qui était le public visé : les fans ne pouvaient que détester un tel projet faiblard et bancal, et les spectateurs lambda sont probablement passés à côté d'une partie du film, tant il repose sur une connaissance du métrage/spectacle original pour comprendre les blagues, les références, les rebondissements, le faux public, etc. 

2/6

Halloween, c'est terminé, et jusqu'à la fin de la semaine, on achève l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme la fin de ce marathon de cinéma fantastique et d'horreur qui a duré un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...

Happy Birthday :

Le jour de son anniversaire, Brady (Matt Bush) découvre que sa compagne (Tristin Mays) le trompe. Pour lui remonter le moral, Tommy (Riley Litman), son meilleur ami producteur hollywoodien, décide de lui organiser un road trip jusqu'au Mexique, pour se changer les idées. Là, ils rencontrent les séduisantes Katie (Vanessa Lengies) et Lucia (Britne Oldford), ainsi que "Le Texican" (Erik Palladino) et son sbire El Caballo (Matthew Willig), et rapidement, cette virée mexicaine vire au cauchemar, lorsque le duo d'Américains tombe dans un piège tendu à leur intention...

Alors là, attention, arnaque : ce film est vendu comme un thriller horrifique, façon "jeunes cons américains s'attirent des problèmes lors de vacances à l'étranger", à la Hostel et compagnie... mais en fait, dès les premières minutes, on comprend que ce n'est pas tout à fait ça.

Le cast est trop atypique, le ton trop léger, les détails fournis sur les personnages trop particuliers et précis, et les 30 premières minutes trop bro-comédie (bromédie ?) pour être honnêtes - et pour être convaincantes lorsque arrive le virage "torture porn" annoncé.

Et effectivement, on réalise bien vite qu'en lieu et place d'un thriller horrifique, on regarde en fait un ersatz de The Game (avec Michael Douglas, d'ailleurs directement cité dans les dialogues) sans intérêt, sans tension, et saupoudré - surtout dans sa première demi-heure - d'humour scatologique.

Ah, et n'oublions pas un caméo improbable de Steven Tyler d'Aerosmith en organisateur de combats de coqs qui fait, en prime, un monologue tout simplement hors-sujet sur le racisme dans les films américains lors d'une balade en voiture.

1/6 en tant que film d'horreur (et probablement un peu plus, mais toujours en dessous de la moyenne dans les autres catégories)

Fear Inc. :

Glandeur et fumeur invétéré, Joe (Lucas Neff) vit aux crochets de sa riche fiancée Lindsay (Caitlin Stasey). Passionné de films d'horreur, il se trouve particulièrement déçu par la visite d'une maison hantée, et croise alors le chemin d'un homme étrange (Patrick Renna), qui représente Fear Inc., une entreprise promettant une expérience de terreur personnalisée. Joe ne donne pas suite, mais quelques jours plus tard, alors qu'il reçoit un couple d'amis chez lui (Chris Marquette & Stephanie Drake), des événements étranges commencent à se produire autour d'eux : Fear Inc. est passé à l'action, et Joe est leur nouvelle victime. 

Le premier problème de ce Fear Inc, c'est qu'il arrive sur les talons de Happy Birthday, avec qui il partage beaucoup de choses, dont ses retournements de situation multiples, et son idée de base.

Le second problème, c'est que Fear Inc. est affublé d'un personnage principal stoner, slacker, sarcastique et moqueur, qui ne prend rien de ce qui se passe dans les 50 premières minutes du film au sérieux. Ce qui, forcément, empêche toute identification, toute empathie pour le personnage, que l'on déteste assez rapidement.

Le troisième problème, c'est que, puisque le métrage est très balisé, et cite ouvertement toutes ses influences (de The Game à Scream), aucun des twists du scénario ne surprend ou ne fonctionne, et par conséquent, le spectateur voit tout venir avec vingt longueurs d'avance.

Autrement dit, cette adaptation de court-métrage tombe totalement à plat, du début à la fin, surtout que le métrage n'a pas assez de budget pour rendre crédible ce qu'on voit à l'écran, et que le scénario ne sait jamais quand s'arrêter : le twist final, ainsi, est totalement de trop, au point de saboter rétroactivement le reste du métrage (d'autant que la scène ne fonctionne pas, car elle est supposée évoquer un moment bien précis du Trône de Fer... mais la musique est à côté de la plaque, l'environnement aussi, et par conséquent, la référence ne fonctionne pas).

1.5/6 (au moins, ce n'est pas de la bromédie stupide, comme Happy Birthday)

Forbidden Siren (Sairen) :

Lorsque Yuki (Yui Ichikawa), une jeune femme vivant avec son père Shinichi (Reo Morimoto) et son petit frère malade, Hideo (Jun Nishiyama), s'installe sur l'île japonaise de Yamijima, elle espère que ce nouvel environnement idyllique et tranquille aidera son fère à retrouver la santé. Mais bien vite, elle remarque que les habitants de l'île ont un comportement étrange, et qu'une sirène d'alarme se déclenche ponctuellement sur l'île, déchaînant les éléments, et libérant des créatures menaçantes dans les rues de la bourgade où elle vit. Yuki décide alors de mener l'enquête, et découvre que ces phénomènes ont une origine légendaire et surnaturelle...

Adaptation japonaise très libre de la série de jeux vidéo Siren/Forbidden Siren, ce long-métrage horrifique évoque forcément, par certains aspects, la franchise Silent Hill, en imposant une atmosphère étrange et pesante, rythmée par la complainte menaçante de la sirène, qui n'annonce jamais rien de bon.

Cela dit, si le tout n'est pas trop mal joué, si l'héroïne est attachante (bien que pas très vive d'esprit), et que le mystère est intéressant, le potentiel menaçant et horrifique du récit n'est jamais totalement exploité, et pour cause : le script a en effet recours dans son dernier quart d'heure, à un rebondissement assez imprévu (du moins, il ne m'est vraiment pas venu à l'esprit pendant le reste du métrage, tant il fait basculer le tout dans un autre genre), qui change tout ce qu'on a vu auparavant.

Et pas forcément en bien, à vrai dire, puisque ce retournement de situation rend caduque une grosse partie du métrage, et que malgré cela, la production tente tout de même d'avoir le beurre et l'argent du beurre, en cultivant une ambiguïté qui agace plus qu'elle ne convainc.

En résumé, 4/6 pour la première heure et quelques, 2/6 pour la fin, pour une moyenne de

3/6

Suite et fin de cette première saison surprenante, qui après trois premiers épisodes laissant augurer d'une série assez basique et simpliste, a évolué en quelque chose de plus intelligent et construit, taclant frontalement et de manière assez pertinente le problème des viols sur les campus américains...

Sweet/Vicious 1x07 :

Secouée par tout ce qui vient de se produire, et hantée par le souvenir de son viol, Jules décide d'oublier son code de conduite, et d'évacuer toute pression en faisant la fête avec Ophelia et Harris... pour le meilleur et pour le pire.

Un épisode beaucoup plus dur et sérieux que les précédents, avec de longs flashbacks sur la soirée du viol, illustré ici dans ses moindres détails, mais sans complaisance. Un joli travail de montage passé/présent, Keiko Agena dans un petit rôle, une Ophelia amusante en mode "petite amie", et dans l'ensemble, un épisode courageux et plutôt réussi.

1x08 :

Ophelia et Jules (qui est  de plus en plus incontrôlable) s'attaquent à un nouveau violeur, alors même Harris et l'Officier Barton leur tendent un piège, et que l'amitié des deux jeunes femmes se fracture...

Seul épisode de la saison à avoir été écrit en collaboration par deux scénaristes, et ça se sent malheureusement beaucoup trop : on a l'impression de deux scripts distincts compactés en un, de deux styles pas tout à fait similaires et qui cohabitent tant bien que mal, bref, pour un épisode aussi important, qui avance de manière notable les intrigues de fond du show, ça méritait mieux. Tout est un peu trop précipité, un peu trop bâclé et décousu, et c'est bien dommage, parce que le tout reste intéressant et bien interprété.

1x09 :

Jules décide enfin de porter plainte pour viol auprès de l'administration universitaire, ce qui amène Ophelia, Kennedy et Jules à resserrer les rangs. Mais les choses se compliquent lorsque le verdict, pourtant en sa faveur, est annulé par le doyen, alors même que les autorités se rapprochent dangereusement des deux justicières...

À nouveau, un peu l'impression d'une écriture compressée, comme si le show avait initialement vu sa commande de 13 épisodes réduite à 10, entraînant par la même des coupes sauvages dans l'évolution des intrigues et des rapports entre certains personnages. Rien de vraiment problématique, ici, puisque le témoignage de Jules, sa mise en scène, et la réponse des autorités sentaient vraiment le vécu, et étaient assez douloureux et forts pour soutenir le gros de l'épisode. Sans oublier ce bref moment de flottement plutôt amusant, après le verdict initial, quand les deux justicières remettent soudain en question la pertinence de leurs actions vengeresses...

1x10 :

Prêtes à tout pour innocenter le petit-ami de Jules, accusé à tort du meurtre de son frère, les deux justicières se mettent à la recherche d'un criminel de la région vers lequel rediriger tous les soupçons des autorités, tout en tentant, avec l'aide de toute la sororité et d'autres étudiants, de punir le violeur de Jules...

Les soucis d'écriture compressée et de raccourcis narratifs sont toujours présents (notamment au niveau de Barton, qui a totalement disparu de la série, ou de l'arrestation, liquidée en quelques scènes), mais dans l'ensemble, ça fonctionne plutôt bien, comme conclusion saisonnière, laissant quelques pistes à régler, tout en réglant les intrigues en cours, et en posant un nouveau postulat pour nos deux héroïnes, désormais établies, et bénéficiant d'un bat-signal virtuel...

Bilan :

C'est amusant, si on m'avait dit, il y a un an, que les thématiques du viol et du stress post-traumatique, de la manipulation, des rapports homme-femme, de l'amitié féminine, etc, seraient traités avec plus de subtilité, de finesse et d'efficacité dans une série MTV sans prétention que dans un drama "de prestige" estampillé Netflix (Jessica Jones, pour ne pas le nommer), je ne l'aurais pas cru.

Et si en plus on avait rajouté que l'action, le rythme et l'humour seraient eux aussi nettement plus maîtrisés et réussis dans cette série MTV, et que les personnages (principaux comme secondaires) seraient nettement plus attachants (et parfois mieux interprétés), pour un investissement en temps nettement moins moindre de la part du spectateur, je crois que j'aurais demandé qu'on arrête de se payer ma tête.

Et pourtant... Sweet/Vicious a su se débarrasser de son gimmick de départ un épisode/un violeur à punir, pour évoluer en un drama touchant sur les conséquences d'un viol sur sa victime et son entourage, le tout sans jamais se départir de son sens de l'humour ou de son dynamisme de série comic-book.

Un programme qui, malgré quelques défauts dus à l'inexpérience de sa showrunneuse, à une fin de saison compressée et à des attentes du public faussées par la chaîne de diffusion (et par la présence de Joseph Kahn à la réalisation des deux premiers épisodes), s'avère en fin de compte une excellente surprise ; malheureusement, elle est restée relativement confidentielle, et par conséquent risque d'être rapidement annulée (si ce n'est pas déjà fait au moment où ce texte sera publié). C'est bien dommage.

Toute la semaine, Les Téléphages Anonymes passent la carrière télévisuelle & cinématographique de Frank Castle en revue, pour le meilleur... et pour le pire.

The Punisher (1989) Workprint/Unrated :

En 5 ans, le mystérieux Punisher - Frank Castle (Dolph Lundgren), ancien flic décidé à se venger de ceux qui ont abattu sa famille et l'ont laissé pour mort - a décimé plus de 125 criminels de la pègre de New-York. Désormais affaiblie, celle-ci tente de s'unir sous la direction de Gianni Franco (Jeroen Krabbé), lorsque les Yakuzas de Lady Tanaka (Kim Miyori) kidnappent les enfants des mafieux, pour les forcer à leur céder la place. Pris entre deux feux, et traqué par son ancien partenaire (Louis Gossett Jr.), le Punisher doit alors choisir entre laisser les deux camps s'entre-tuer, ou intervenir pour protéger la vie des enfants kidnappés...

La première adaptation cinématographique du Punisher, signée Mark Goldblatt, est un actioner typiquement fin des années 80, et qui divise : de nombreux fans du personnage affirment que c'est là la meilleure adaptation de Castle sur grand écran, et d'autres, tout aussi nombreux, trouvent que ce métrage est une daube datée, et qui n'a même pas l'iconographie culte du t-shirt au crâne pour justifier son titre.

La vérité, comme souvent, se trouve quelque part à mi-chemin entre les deux (même si, personnellement, je penche plutôt pour l'option A). Comme je le disais plus haut, ce Punisher est un film d'action assez typique des années 80, tant dans sa forme que dans son exécution. Ça manque un peu d'ampleur, c'est un peu répétitif, le rythme pourrait être plus soutenu, mais c'est aussi solide et compétent de bout en bout, et tout à fait honorable dans son adaptation du personnage.

Alors certes, ce n'est pas exactement le Punisher revenu de l'armée, pris par accident dans une fusillade mafieuse, et arborant son célèbre crâne : le Punisher-Lundgren ressemble parfois plus un croisé illuminé, qui prie nu dans les égouts, tentant de parler à un Dieu dont il s'est fait le chevalier servant, et l'ange vengeur punissant les coupables. Avec son visage volontairement creusé (pour retrouver l'imagerie du crâne), Lundgren est crédible, et donne naissance à un Castle un peu différent de l'original, mais pas tant que ça.

On pourra aussi pinailler sur le fait que le glissement militaire -> policier adoucit un peu le personnage en le rangeant instinctivement du côté de la Loi, alors que le Castle militaire pouvait ainsi être plus ambigu (je reviendrai plus en détail sur ce point dans ma critique de la version 2004) ; ou encore que d'en faire la victime d'un assassinat mafieux délibéré change un peu la nature de la mission du Punisher, en supprimant le côté "victime collatérale d'une pègre omniprésente" ... mais bon, c'est inévitable, à un degré ou un autre (et c'est un problème qui revient constamment dans les adaptations du personnage, comme on le verra).

La violence et l'action sont ici aussi implacables - ça défouraille à tour de bras, les hommes de main tombent par poignées entières (Castle fait plus d'une centaine de victimes au cours du film), Castle est loin d'être invulnérable, et la fin du métrage parvient même à être très noire, sur le papier : Castle demande au fils du mafieux (qui a ramassé l'arme de son père et la pointe sur la tête de Castle) de l'abattre, s'il en a le courage, puis il le menace une dernière fois en lui intimant de se tenir à carreaux, et repart prier dans les égouts, à la recherche de coupables à punir. 

Vraiment impensable aujourd'hui, cette scène caractérise pourtant bien ce Punisher 1989, et compense un peu le fait que Castle-Lundgren ait tendance à avoir la punchline facile (un trait typique de l'époque) : c'est loin d'être parfait, il n'y a pas "le crâne", mais peut-être plus que toutes les autres adaptations cinématographiques, cette version 80 a su saisir l'essence du personnage, un certain jusqu'au-boutisme sombre et désespéré qui fait de Castle un anti-héros typique du genre.

Et puis le métrage nous offre cette réplique culte : 

"- What the fuck do you call 125 murders in 5 years?
 - Work in progress."

3.75/6

(par contre, l'introduction de 16-17 minutes, coupée de la version salles, et développant en longueur la relation de Frank et de son partenaire, ainsi que la vie de famille de Frank, et le drame qui l'a frappé, est totalement inutile : le tout est un peu fauché, les flashbacks de la version cinéma sont bien suffisants, et la caractérisation des personnages n'y gagne pas grand chose)

Chez les Téléphages Anonymes, l'Halloween Oktorrorfest - notre marathon de cinéma fantastique et d'horreur - continue jusqu'à la fin de la semaine...

Leprechaun :

Dix ans après qu'un Leprechaun (Warwick Davis) ait traqué un homme ayant dérobé son or depuis l'Irlande jusqu'en Caroline du Nord, Tory Redding (Jennifer Aniston) et son père (John Sanderford) emménagent dans les parages pour l'été. Bien vite, cependant, un trio de peintres en bâtiments local (Ken Olandt, Mark Holton & Robert Hy Gorman) libère malencontreusement le Leprechaun, qui commence alors à rechercher son or, et à massacrer tous ceux qui se dressent sur son chemin...

En revoyant le premier opus de cette série, signé Mark Jones (producteur/réalisateur/scénariste de tv), j'ai tout de suite compris pourquoi j'avais nettement plus de souvenirs des suites que de ce premier chapitre : il est, au mieux, médiocre, et clairement très daté.

Il faut au moins une demi-heure pour qu'il se produise quelque chose d'intéressant, le rythme est anémique, les personnages humains insipides et caricaturaux, et il n'y a quasiment jamais la moindre tension dans tout ce métrage (la faute à une réalisation plate et quelconque).

Après, le Leprechaun en lui-même est presque plus sympathique qu'autre chose, que ce soit sur son tricycle ou dans sa voiture, son maquillage est réussi (les autres effets, notamment les mises à morts, sont nettement plus inégaux) et Warwick Davis semble suffisamment s'amuser pour que l'on ne s'ennuie pas trop dès qu'il est à l'écran et fait son numéro, mais à part ça... bof.

2/6

Leprechaun 2 :

Le Leprechaun est de retour à l'occasion de la Saint Patrick, et il se cherche une fiancée, mille ans après que sa promise lui ait échappé. Il arrête alors son choix sur Bridget (Shevonne Durkin), descendante de sa fiancée d'alors, et se mesure alors à Cody (Charlie Heath), le petit ami de Bridget, un jeune bonimenteur qui s'occupe de visites touristiques de la ville avec son oncle magouilleur (Sandy Baron), et qui a l'une de ses pièces d'or en sa possession...

Tout de suite, c'est nettement plus sympathique, de l'introduction historique au développement de la mythologie, avec une réalisation, un rythme, un humour et une écriture plus aboutis.

Là, la star, c'est clairement le Leprechaun, et Warwick Davis s'en donne à cœur joie (la séquence du Leprechaun ivre mort dans le pub, avec tous les nains qui l'encouragent, et la gueule de bois qui s'ensuit face à un Michael McDonald sarcastique, est très rigolote, et son maquillage reste de toute façon très efficace), soutenu par une bande originale de Jonathan Elias, plutôt compétente.

Cela dit, ça ne suffit pas pour en faire un bon film, même avec de brèves apparitions de Clint Howard et de Tony Cox : non seulement il y a toujours quelques longueurs, mais l'actrice principale est en effet franchement médiocre, sa post-synchronisation laisse beaucoup à désirer, son body double est évident, et dans l'ensemble, elle tire le métrage vers le bas, puisqu'elle est la "princesse en détresse" de service, et qu'elle tient donc une place non-négligeable dans le récit.

Mais en comparaison du premier épisode, il y a du mieux.

3.25/6

Leprechaun 3 :

Vendu sous la forme d'une statue à une boutique de prêteur sur gages de Las Vegas, le Leprechaun revient à la vie et tente de retrouver l'une de ses pièces d'or pouvant exaucer des voeux. Mais la pièce circule actuellement dans la ville, et finit entre les mains de Scott (John Gatins), un étudiant qui a des vues sur la belle Tammy (Lee Armstrong)...

Vivaaaaaaaaaaaaaaaaaa Las Vegas.... mouais.

Pas vraiment fan de cette version clinquante et nettement plus comique/décomplexée du Leprechaun. Probablement parce que le rythme n'est pas là (la demi-heure d'ouverture est laborieuse), que les règles entourant les Leprechauns changent à chaque film (ici, on est presque dans du Wishmaster), et parce que l'écriture met tellement l'accent sur les one-liners et les gags entourant le Leprechaun que tout le reste passe au second plan, notamment les mises à mort.

En prime, on a une musique assez fauchée au synthétiseur, des protagonistes principaux et secondaires pas très intéressants, un ton global très caricatural, et, ce qui n'aide pas, un concept de base (la rivalité entre le Leprechaun et le jeune héros qui se transforme lui aussi en Leprechaun, et est interprété de manière aussi subtile que le Rumpelstiltskin grimaçant de Once Upon A Time) qui ne fonctionne jamais vraiment totalement, et se conclue de manière décevante.

Mieux que le premier, mais en-dessous du deuxième.

2.75/6

Rumpelstiltskin :

Enfermé par une sorcière du 15ème siècle dans une statue étrange, Rumpelstiltskin (Max Grodénchick), une créature difforme voleuse de bébés, s'échappe de sa prison à notre époque, lorsque Shelly (Kim Johnston Ulrich), la veuve d'un officier de police de Los Angeles, libère malencontreusement la créature. Celle-ci décide alors de faire sienne le bébé de Shelly, et se lance à sa poursuite...

Un sous-Leprechaun, justement réalisé et écrit par le créateur de ce dernier, deux ans après avoir signé le premier volet (particulièrement médiocre) de la saga mettant en scène Warwick Davis.

Sans surprise, donc, c'est tout aussi médiocre, avec un aspect technique (réalisation, montage, rythme, musique, bruitages, humour, post-synchronisation) globalement assez fauché, daté et basique, et un récit qui prend la forme d'une grosse course-poursuite (avec "hommage" à Terminator 2 et à Duel en prime) de 65 minutes (une fois toute la présentation des personnages évacuée), globalement très molle.

Et sans surprise, là encore, le seul qui s'en tire avec les honneurs (ou presque : l'héroïne n'est pas mauvaise actrice, dans l'absolu, et la photographie d'une scène ou deux paraît plus travaillée que la moyenne) est le monstre, Max Grodénchick (ce bon vieux Rom !) sous un maquillage tout à fait respectable signé Kevin Yagher.

Bref, à peu près autant d'intérêt que Leprechaun, premier du nom (dont ça reprend beaucoup de moments et de ressorts narratifs), un peu plus de moyens mis dans l'introduction en flashback historique et dans les cascades automobiles (!), une héroïne un peu plus tenace et un méchant un peu plus agressif, mais beaucoup moins d'ambiance et de folklore, et surtout une illustration musicale pop/rock vraiment WTF et calamiteuse.

2/6

Je continue cette ultime saison de Star Trek Voyager, une saison dont les quatre premiers épisodes semblaient laisser présager d'une continuité un peu plus marquée, et d'une évolution de certains des personnages... espérons que cela se poursuive.

Star Trek Voyager, saison 7

- 7x05 - Critical Care : Lorsque l'HoloDoc est enlevé par un petit criminel, il est revendu à un hôpital extraterrestre qui fonctionne selon des normes objectivistes inadmissibles : l'HoloDoc décide alors de faire tout son possible pour changer les choses.

Alors sur papier, on a droit ici à une critique à plusieurs niveaux de lecture des systèmes de santé modernes... tellement à plusieurs niveaux de lecture, en fait, que les forums de fans, à l'époque de sa diffusion, étaient emplis de débats enflammés sur les mérites du capitalisme vs socialisme, de leurs systèmes de santé respectifs (à base, bien sûr, de gros raccourcis et clichés patauds, Amérique oblige), et sur le sens réel à donner à cet épisode.

Quoiqu'il en soit, en théorie, le propos est intéressant, et les intentions sont bonnes, mais en pratique, quelque chose me dérange tout de même dans cet épisode : le médecin, en provenance de la Fédération, une société où règne l'abondance, et qui fait la morale à une société aux ressources très limitées, et aux priorités différentes, ça coince toujours un peu, notamment au niveau de la Prime Directive.

Enfin bref : une intrigue principale relativement bien menée, une intrigue secondaire (le Voyager qui traque le criminel pour tenter de retrouver le Doc) relativement anecdotique, mais amusante, pour un tout inégal et imparfait, mais honorable.

- 7x06 - Inside Man : Le Voyager reçoit un hologramme de Reginald Barclay, en provenance du Quadrant Alpha, et l'ingénieur leur explique que Starfleet a trouvé un moyen de ramener le vaisseau sur Terre...

La routine habituelle : le Voyager confronté à un moyen de rentrer à la maison, l'équipage tombe dans le panneau (même si ici, au moins, ils semblent un peu sceptiques, au début, et que les scénaristes reconnaissent ainsi qu'ils abusent de ce postulat), et ça ne débouche sur rien.

En fait, l'épisode est une fois de plus centré sur Barclay et Troi, qui vont à la plage (histoire de mettre Sirtis en maillot), qui discutent, qui mènent l'enquête, et qui interrogent une Dabo Girl qui a passé des mois de sa vie à faire semblant d'aimer Reginald, pour lui dérober des informations. (Oui, Barclay est ici plus pathétique qu'il ne l'a été depuis bien longtemps, mais bon...)

En fait, on a un demi-épisode intéressant, avec cet Inside Man : tout le début, avec Holo-Barclay (joliment interprété de manière confiante et assurée par Schultz), est sympathique, mais quand les Ferengis arrivent, l'épisode ne s'en remet pas, et finit mollement. Bof.

(cela dit, la scène de B'elanna et de Tom se moquant de la naïveté de Kim en fin d'épisode était assez amusante)

- 7x07 - Body and Soul : Capturé avec Neelix et Seven dans un secteur où les hologrammes sont interdits, l'Holo-doc se cache dans les implants borgs de Seven, et prend involontairement le contrôle de son corps...

Sans surprise, là aussi, une moitié de bon épisode, et cette moitié repose entièrement sur Jeri Ryan, tout simplement excellente dans son imitation du Docteur qui possède son corps (une imitation à plusieurs niveaux de subtilité, très bien interprétée sur tous les plans).

Le reste, malheureusement, est affreusement superficiel et creux, et donne un peu l'impression que les scénaristes, cette saison, sont en train de liquider les idées qu'ils avaient en stock depuis le début de la série, sans jamais trouver le temps de les exploiter avant : on a eu la mutinerie du Maquis, le mariage de Tom/B'el, et maintenant, voilà le Pon Farr de Tuvok, une sous-intrigue comique bâclée, qui ne sert qu'à meubler, et n'apporte absolument rien à l'épisode. 

Du côté de Seven & co, on saluera la présence de Megan Gallagher, qui fait toujours plaisir, on soupirera en découvrant le jeu médiocre de Wang (comme d'habitude), et on regrettera que le tout soit à ce point léger et comique, alors qu'il y aurait eu quelque chose d'intéressant à faire au niveau des rapports Seven/Doc, du contrôle de ce dernier sur l'ex-Borg, etc. 

Tant pis.

- 7x08 - Nightingale : Désobéissant à la Prime Directive, Kim décide d'aider l'équipage d'un vaisseau dans le besoin, et prend la tête de leur mission...

Dans la série "idées qu'on n'a pas eu le temps d'utiliser avant", voici "Kim voudrait une promotion, et s'essaie au commandement".

C'est bien entendu soporifique, cousu de fil blanc (on voit venir de très loin les mensonges de l'équipage), ça arrive bien trop tard, et hormis le moment où Kim explique qu'il stagne depuis qu'il est à bord (on sent le fanservice à destination de tous ceux qui se plaignent de ça depuis des saisons), le tout n'est jamais convaincant, malgré la présence de Ron Glass.

D'autant qu'en parallèle, on a droit à Icheb qui aide B'elanna à l'ingénierie, et qui confond l'amitié de cette dernière avec un intérêt romantique (en même temps, Dawson joue ces scènes de manière un peu trop douce et attentionnée, on ne peut pas en vouloir à Icheb :p ).

Je suppose que c'était conçu pour établir une sorte de parallèle entre Kim et Icheb, deux jeunes hommes qui tentent de grandir, d'évoluer, et de passer (métaphoriquement) à l'âge adulte, ou quelque chose du genre, mais... bof.

À suivre...

(épisodes 7x01-04)

Sygbab regarde (beaucoup) la tv, Sygbab écrit (parfois) des bilans : retrouvez-les sur le blog des Téléphages Anonymes !

Farscape, saison 2 :

Dès le season premiere, un constat s'impose : afin de régler les problèmes de rythme de la première saison, le format des épisodes passe de 50 à 45 minutes. Une décision nécessaire, qui nécessite cependant certains ajustements dans l'écriture, et qui ne porte pas ses fruits immédiatement dans la mesure où l'interêt des épisodes est très variable. Certains sont même dispensables, comme Taking The Stone ou Home on The Remains, dont le point commun est d'être centrés sur Chiana (autant dire que pour le moment, le développement de son personnage est pour le moins raté).

Il y a cependant quelques réussites, comme The Way We Weren't qui approfondit la relation particulière entre Aeryn et Pilot - qui partagent désormais une partie du même ADN - en revenant sur leur trouble passé et qui jette un nouvel éclairage sur le bouclier protégeant la fécondation de Moya, détruit par D'Argo dans la première saison. D'autres épisodes prennent une tournure un peu plus déjantée, comme Out of Their Minds qui est une variation sur le thème de l'échange de corps puisque cela concerne l'intégralité de l'équipage de Moya (ce qui donne des situations hilarantes) ou encore Crackers Don't Matter, qui introduit sous ses airs de comédie le début de la folie de Crichton (avec un Scorpius sorti tout droit de son esprit).

Cette capacité à rebondir avec brio sur des éléments laissés en suspens et ce goût prononcé pour le délire se rejoignent avec bonheur dans Won't Get Fooled Again, qui revisite de manière intelligente l'épisode de la première saison A Human Reaction. Les Scarrans, qui ont enfin fait leur apparition peu de temps auparavant dans la trilogie Look At The Princess, s'intéressent à Crichton depuis qu'ils sont au courant que corpius le poursuit, et veulent lui soutirer des informations en créant des illusions comme l'avaient fait les Anciens. John est alors sauvé par le clone mental de Scorpius, souvenir des nombreuses séances de torture subies sur l'Aurora Chair.

Les visions de Crichton prennent ainsi tout leur sens, et ne sont pas qu'une simple folie de l'astronaute dûe à une trop longue période d'exposition dans l'espace. C'est le début d'une relation complexe entre les deux individus - qui va mettre Crichton au bord de la crise de nerfs à de nombreuses reprises - et un véritable tournant puisque Scorpius prend de l'envergure et s'installe comme un ennemi plus complexe qu'à première vue de par son statut d'hybride, qui lui confère autant de forces que de faiblesses (son côté Scarran cherche la chaleur mais son côté Sébacéen la fuit, tout un paradoxe).

La série se démarque également en maltraitant son personnage principal, bien loin d'un héros affrontant toutes ses peurs avec courage. Que dire de ce cliffangher, qui laisse John allongé sur une table, incapable de parler car une partie de son cerveau vient de lui être enlevée pour retirer une puce... Cela conclue sur une bonne note un final pourtant peu inspiré, dans lequel le mort d'Aeryn n'est pas crédible une seule seconde (de ce fait, la scène des funérailles ne fonctionne pas).

Ce dernier épisode suit directement la trilogie Liars, Guns and Money, qui demande une également une sacrée suspension d'incrédulité. Pour l'occasion, chaque membre de l'équipage est chargé d'enrôler comme mercenaire des ennemis rencontrés lors de la première saison, alors que ceux-ci sont éparpillés et que Moya n'a même plus de Starbust. Difficile d'imaginer qu'ils puissent être retrouvés si facilement... C'est d'autant plus dommage que ces personnages sont utilisés de manière purement fonctionnelle, sans autre but que de faire rebondir l'intrigue.

Il s'agit en fait de sauver Jothee, suite à des informations donnés par Stark, qui revient comme un cheveu sur la soupe dans The Locket après avoir été oublié pendant 17 épisodes. Celui-ci ferait partie d'une population d'esclaves Baniik, le peuple de Stark massacré par Scorpius (mais ce sujet est évoqué de manière très succinte). Une ficelle scénaristique assez grossière pour intégrer les deux personnages à l'équipage, ce qui n'est pas sans conséquences.

Si ce n'est Zhaan, personne ne fait confiance à Stark, et la relation entre D'Argo et son fils reprend dans un contexte difficile, ce qui rejaillit sur le couple qu'il forme avec Chiana. Ce n'est pas réellement une surprise, puisqu'à part une compatibilité sexuelle indéniable, ils ont souvent des difficultés à communiquer. C'est aussi le cas pour Crichton et Aeryn, qui combat ses émotions car elle est effrayée par ce qu'elle ressent.

Ici se trouve donc l'une des forces de la série : les personnages, et les relations qu'ils entretiennent. Zhaan et Stark ont un lien fort depuis qu'ils ont partagé leurs esprits, Chiana et Rygel sont de connivence sur les questions matérielles, la Nébari est toujours attachée à John car il lui a sauvé la vie... Chaque interaction a ses particularités. Celui qui attire le plus d'antipathie aux yeux de presque tous reste Crais, surtout depuis qu'il est à bord de Talyn.

Les deux ne sont pas très présents dans cette saison car Talyn a clairement affiché la volonté de suivre son propre chemin avec l'aide du capitaine Pacificateur réformé. Cela permet d'attendre avec impatience la présence plus récurrente du Leviathan guerrier, en espérant qu'elle soit exploitée comme il se doit. Crais prend ainsi une envergure différente, et dépasse enfin la vengance aveugle qui aurait fini par le rendre fade. Sa relation avec Aeryn devient plus complexe, dans le sens où il juge qu'elle est nécessaire à l'éducation de Talyn puisque ce dernier lui fait confiance. A plusieurs reprises il cherche à s'assurer ses services, mais n'y est pas encore parvenu.

Par petites touches, la série s'enrichit, et distille quantité d'éléments qui laissent penser que le résultat peut être exceptionnel. Il est simplement dommage que cette saison, comme la précédente, ressemble plus à de la mise en place qu'autre chose.

(bilan saison 1, par Sygbab ; et bilan saison 2, publié dans ces pages par Lurdo en 2012)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

007 Spectre :

Après avoir fait la connaissance de la veuve (Monica Bellucci) d'un criminel recherché, James Bond (Daniel Craig) découvre l'existence d'une organisation criminelle internationale, le SPECTRE, dirigée par le maléfique Blofeld (Christoph Waltz). Privé du soutien du MI6, l'espion doit alors protéger la fille (Léa Seydoux) d'un ancien ennemi des griffes du SPECTRE, et de leur homme de main, Mr Hinx (Dave Bautista).

Je ne m'en suis jamais caché : les Bond période Craig ne m'ont jamais particulièrement convaincus. La faute partielle à l'interprète, monolithique, sans charme, et rarement expressif, qui fait plus tueur du KGB qu'agent flegmatique du MI6 ; mais dans l'absolu il aurait pu etre sauvé par des films de qualité, dynamiques et rythmés.

Malheureusement, Bond période Craig, c'est aussi l'époque du "reboot" sombre et réaliste, où les gadgets sont absents, où le personnage est torturé et introspectif, et où le tout est globalement sérieux et sans joie. Un Bond qui, prétendant faire du neuf, recycle en fait énormément de vieux, et souffre d'énormément de problèmes d'écriture, probablement autant qu'à l'époque de Brosnan.

Casino Royale, ainsi était symptomatique de ces problèmes d'écriture, un film bancal, une romance faisant office de redite, et un film assez moyen, étrangement surcoté pour son style plus que sa substance réelle ; Quantum of Solace... particulièrement médiocre et oubliable ; Skyfall, plein de défauts structurels et formels, éclipsés par un fanservice d'anniversaire, à la fois amusant et frustrant.

Et voilà donc un Spectre qui veut conclure et toutélier (de manière assez forcée, artificielle et peu convaincante) la trilogie des films précédents, en révélant Blofeld, le Spectre, et en en faisant une part intégrale de la vie de Bond. Malheureusement, plutôt que de capitaliser sur les acquis, et d'enfin faire de Bond le Bond qui était en construction depuis Casino (et qui semblait enfin s'assumer, lui et son héritage, dans Skyfall), ici, on capitalise plutôt sur les problèmes de la franchise, et on repart en arrière.

Bond est à nouveau seul, privé du soutien de son gouvernement, et de ses gadgets ; le film a, à nouveau, de faux airs de best-of peu inspiré, dans lequel un Craig vieillissant et fatigué avance en pilotage automatique, indestructible malgré les pires tortures (à la limite de Wolverine, dans cet épisode) ; après trois films refusant l'héritage musical et thématique de James Bond, on fait revenir Thomas Newman, qui fait du Newman et livre ici une partition médiocre et parfois déplacée, nettement inférieure à celle de Skyfall ; le générique, très tentaculaire, a la chance d'être musicalement sympathique ; le rythme est anémique et décousu, passant d'un pays à un autre, enchaînant des scènes d'action pas toujours convaincantes ou abouties, et de l'exposition bavarde guère plus satisfaisante...

Tout cela participe d'ailleurs à cette étrange situation dans laquelle se trouve le film : d'un côté, ultra-stylisé dans sa photographie et sa mise en images (le film est victime dans un étalonnage numérique terne et sans relief - l'introduction, à Mexico, est à ce titre visuellement immonde, baignée dans un jaune pisseux des plus laids, idem pour Tanger), il tente d'être un thriller revanchard et introspectif, et de l'autre, il est obligé de caser ses scènes d'action et de séduction de manière métronomique : le métrage se retrouve le cul entre deux chaises, son style étant paradoxalement trop travaillé et froid pour s'accommoder des cascades improbables de la franchise Bond (Sam Mendes semble tenter de composer de belles images de pubs pour parfum, plutôt que de rendre son récit un tant soit peu dynamique), et vice-versa, puisque ces dernières apparaissent alors molles, bâclées et sans impact (la poursuite automobile en ville, notamment).

Aucun de ces deux aspects n'est suffisamment assumé ni ne convainc, donc, à l'image de ces James Bond girls inévitables et à l'écriture calamiteuse : la première (ici, Bellucci), expédiée en trois minutes chrono, et la seconde (Seydoux, qui continue sa carrière au succès incompréhensible tout en étant fausse dans une scène sur deux), au charisme et à la présence inexistants, et qui pourtant devient celle avec qui Bond part à la fin du film (!?). Mouais.

Et puis il y a les méchants. Batista, tout d'abord, une présence intéressante (mais sous-développée), un affrontement physique crédible (il a clairement le dessus sur Bond, qui est alors vaincu), et une fin... pitoyable. Andrew Scott, en traître ô combien évident et télégraphié. Et Christoph Waltz, alias Blofeld, alias le grand frère adoptif de James Bond jaloux de son petit frère, et qui, complexé, a décidé de devenir sa nemesis, en mocassins sans chaussettes. Un empilement d'idées d'une stupidité confondante, qui instantanément tue toute la crédibilité du personnage, du film et de cet univers "réaliste" (en plus de souffrir d'un Waltz en pilotage automatique).

Avec Spectre, ce nuBond semble vraiment à bout de souffle, et renforce vraiment la nécessité d'une nouvelle équipe, tant devant que derrière la caméra : Bond a besoin de sang frais, et vite !

Reste néanmoins à retenir de ce film l'affrontement dans le train (malgré sa conclusion regrettable). C'est peu.

2/6 

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

An Open Secret :

Documentaire américain sur le problème de la pédophilie et des abus sexuels subis par les jeunes acteurs, mannequins et chanteurs dans le milieu du show-business américain.

Réalisé par Amy Berg (réalisatrice de West of Memphis et de Deliver Us From Evil, deux documentaires chocs), ce métrage s'avère à double-tranchant.

D'un côté, il donne la parole à de nombreuses ex-victimes, dont les témoignages concordent, et soulignent la dépravité et les actes immondes pratiqués par tout un réseau de pédophiles connus, condamnés, mais qui par divers jeux d'influence et d'argent (ils gravitent pour la plupart dans les mêmes cercles que Bryan Singer, dont l'ombre et le nom planent largement sur les témoignages), continuent tous à travailler dans l'industrie, au contact d'enfants, voire même directement sur des chaînes pour enfants, comme Nickelodeon (pas de surprise sur ce plan-là, bon nombre de rumeurs circulent à ce sujet depuis très longtemps).

Cet aspect du film est assez glaçant, bien que pas totalement surprenant pour qui a un peu de recul sur l'industrie.

Et de l'autre, malheureusement, le documentaire est un peu desservi par sa forme.

Berg tente de jouer la carte du sensationnalisme sans en avoir l'air, et emploie donc plusieurs techniques narratives douteuses : elle retrace ainsi la vie d'un couple, dont le fils a été abusé sexuellement par l'un des pédophiles présentés, est devenu alcoolique, et a eu un accident très grave en tentant de se sevrer seul. Ces segments sont étendus, sombres, larmoyants, tout est fait pour que l'on pense que le fils est mort... et puis non, à la toute fin du documentaire, après 95 minutes de déprime et de larmes, retournement de situation : le fils est "seulement" en fauteuil roulant, partiellement handicapé. Cette structure tentant de créer du suspens et une happy end est assez douteuse à mon goût.

Autre manipulation bien voyante, l'interview du fondateur du syndicat des jeunes acteurs, désormais manager et agent, un homme vieillissant au physique et au comportement qui, dès sa première intervention, déclenchent quelques alarmes chez le spectateur attentif ; pendant tout le métrage, Berg le fait intervenir comme tout autre témoin, le laisse expliquer que la pratique est condamnable, que ce n'est pas bien, mais que c'est comme ça que cela fonctionne, et que les parents et les enfants sont aussi à blâmer, etc.... il ne faut donc pas être un génie pour, très rapidement, se dire que le bonhomme est louche, et que sa défense sonne faux.

Et donc la réalisatrice attend la toute fin du film pour monter une scène dramatique, dans laquelle un ancien acteur victime d'actes pédophiles l'appelle au téléphone, et l'amène à reconnaître que lui aussi est un pédophile qui lui a fait des avances. Certes, l'hypocrisie du manager est frappante, puisqu'ensuite, face caméra, il ne se souvient de rien... mais le film frôle alors un peu l'exploitation dans sa mise en scène, ce qui m'a un peu agacé.

Passons aussi sur l'acharnement de la réalisatrice à accuser Bryan Singer sans oser le faire directement : il est constamment associé, que ce soit visuellement ou par des témoignages, aux pédophiles accusés, mais Berg semble vouloir éviter le procès ou le blacklisting (et elle a probablement raison, vu que le documentaire, fini en 2014, n'a toujours pas de distributeur), et finit par prendre trop de précautions, ne s'attaquant qu'aux pédophiles déjà identifiés comme tels.

Et puis, la réalisatrice n'est pas responsable de cela, mais son dossier à charge est malheureusement un peu affaibli depuis que l'un de ses témoins principaux, celui-là même qui est utilisé pour conclure le générique final d'un "Machintruc a récemment porté plainte contre Bryan Singer, Untel, Untel et Untel pour les nombreux abus sexuels dont il a été victime de telle date à telle date", s'est rétracté sur tous les fronts, a admis que ses accusations de viol ne tenaient matériellement et chronologiquement pas la route, et a lui-même été passé en justice pour fraude et accusations mensongères. Bon, d'accord, c'est loin d'exonérer ce que certains appellent la Gay Mafia d'Hollywood et les pédophiles qui profitent de ce système, mais tout de même, c'est malheureux.

Je suppose que si la production trouvait désormais un distributeur, elle changerait probablement un peu la fin du documentaire (à noter que la version que j'ai vue est la version complète du métrage, délibérément leakée sur le web après que des pressions légales aient forcé la production à couper certains aveux et certaines séquences avant la sortie confidentielle du film dans une dizaine de salles américaines, l'année dernière)

Reste que c'était une heure et demi assez intéressante dans son homogénéité et dans sa plausibilité : après tout, il n'y a pas de raison pour que la promotion canapé n'existe pas pour les deux sexes, et qu'elle ne touche que les personnes majeures et vaccinées...

On peut d'ailleurs regretter que le documentaire ne s'intéresse qu'à cette case démographique assez réduite des jeunes garçons de 10-15 ans, et ne replace pas le tout dans le contexte historique d'Hollywood, de la casting couch, des starlettes surexploitées, etc. Il y aurait certainement beaucoup à dire dessus, trop pour un seul documentaire, mais un peu de recul et de perspective sur les pratiques hollywoodiennes n'aurait pas fait de mal...

4/6