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LES TÉLÉPHAGES ANONYMES

Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...

Résultat pour "good place"

Un film, un jour (ou presque) #1207 : Go Back To China (2019)

Publié le 15 Mai 2020 par Lurdo dans Biographie, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Drame, Review, USA, Chine

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Go Back to China (2019) :

Riche héritière d'un industriel chinois, Sasha Li (Anna Akana) vit une vie de luxe en Amérique, jusqu'à ce que son père lui coupe les vivres : dépourvue de toute ressource, la jeune femme est donc contrainte de partir travailler un an en Chine dans l'usine de jouets de son père (Richard Ng), pour espérer avoir un jour de nouveau accès à sa fortune. Mais sur place, elle découvre des valeurs et un monde radicalement différents...

Un film semi-autobiographique écrit, réalisé et produit par Emily Ting, et qui s'inscrit un peu dans la lignée de Crazy Rich Asians, mais en adoptant ici le point de vue inverse, celui d'une jeune femme américaine très aisée et privilégiée qui découvre le mode de vie des Chinois "de base".

Quel dommage cependant que le tout soit à ce point générique et superficiel : entre son écriture assez basique et simpliste, son interprétation très inégale (Akana s'en sort bien, malgré quelques passages où elle aurait bénéficié d'une direction d'acteurs plus expérimentée et plus subtile, Lynn Chen est convaincante, mais les autres rôles sont nettement plus en dents de scie), et son déroulement cousu de fil blanc, le film ne semble jamais original, frais ou naturel.

On sent clairement les rouages grincer en arrière-plan, on devine trop facilement les rebondissements et les leçons de vie convenues que le film cherche à asséner sans la moindre subtilité, et finalement, on se dit que le métrage aurait bénéficié à aller soit plus ouvertement dans une direction comique (auquel cas l'abattage occasionnel d'Akana aurait eu sa place), soit dans la comédie dramatique plus sérieuse.

Mais pas cet entre-deux jamais totalement convaincant, et un peu creux.

2.75

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

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Un film, un jour (ou presque) #1203 : Finding Steve McQueen (2019)

Publié le 11 Mai 2020 par Lurdo dans Action, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Histoire, Review, Policier, Romance, Thriller, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Finding Steve McQueen (2019) :

En 1972, Harry Barber (Travis Fimmel), un amateur de belles voitures et fan de Steve McQueen un peu idiot, rejoint, avec son frère Tommy (Jake Weary), l'équipe de Enzo Rotella (William Fichtner), de Paul Callahan (Louis Lombardi) et de Raymond Darrow (Rhys Coiro), pour une mission improbable : braquer une banque rurale à l'autre bout du pays, et y dérober la fortune cachée de Richard Nixon. Mais les choses ne se déroulent pas comme prévu...

Un film de casse se déroulant dans les années 70, réalisé par Mark Steven Johnson (l'illustre réalisateur de Daredevil et de Ghost Rider ^^) et supposément inspiré d'une histoire vraie, celle du plus grand casse de l'histoire des USA.

Le seul problème, en fait, c'est que tous les choix scénaristiques de ce Finding Steve McQueen desservent ce récit, qui devrait être dynamique, plein de suspense et de tension : MSJ laisse en effet une place énorme à la romance (générique) du protagoniste avec le personnage interprété par Rachal Taylor (affublée de perruques très moches et fauchées), une place toute aussi importante à l'enquête (inutile) menée par Forest Whitaker et Lily Rabe (et leur romance inaboutie), et choisit de narrer son récit de manière déconstruite, en flashbacks, depuis les années 80.

Résultat : le film est mollasson de bout en bout, ne parvient jamais à développer le moindre rythme ou la moindre énergie, le casse est anecdotique au possible, et l'abus de morceaux d'époque (presque dans une scène sur deux) finit par donner l'impression d'un juke-box tournant en boucle dans un bar désert, où il n'y a ni client ni animation.

Bref, ça tombe vraiment à plat, et sans l'énergie de Travis Fimmel, qui s'amuse énormément dans son rôle de criminel pas très futé, il n'y aurait rien à se mettre sous la dent ici.

2 + 0.5 pour Fimmel = 2.5/6

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Critiques éclair - Star Trek Discovery - Short Treks 2x06 (2020)

Publié le 18 Janvier 2020 par Lurdo dans Review, Critiques éclair, Télévision, Drame, Science-Fiction, Les bilans de Lurdo, Star Trek, Anthologie

Avec son approche décomplexée et très cartoony de l'univers Trek, le cinquième épisode de ces Short Treks, courts-métrages d'une dizaine de minutes prenant place (théoriquement) dans la continuité de Star Trek Discovery, avait divisé les fans ; place au dernier épisode de cette mini-saison, un épisode supposé servir de passerelle menant à la série consacrée à Picard...

Short Treks 2x06 - Children of Mars :

Kima (Ilamaria Ebrahim) et Lil (Sadie Munro), deux fillettes dont les parents travaillent sur Mars, ne se supportent pas, et en viennent même aux mains à l'école. Mais contre toute attente, une attaque dévastatrice sur la Planète Rouge va les rapprocher...

Et c'est à peu près tout ce qu'il y a à en dire. L'épisode, de huit minutes à peine, ne raconte rien de plus : en grande partie muet, et illustré (de manière un peu pompeuse) par une reprise lugubre de Heroes de Bowie, ce court est très contemplatif, et se termine par des bulletins d'information annonçant l'attaque, qui amène les deux fillettes à se tenir par la main.

Un côté "serrons-nous les coudes dans l'adversité" un peu naïf, qui m'a gentiment agacé, car il m'a directement renvoyé à Star Trek Enterprise, pour son portrait d'une Amérique Fédération traumatisé par une attaque terroriste pratiquée par les Talibans Sulibans.

Et ce n'est pas la brève apparition de Picard sur un écran qui y change grand chose : la promesse d'un Star Trek - Picard dépressif et sinistre, où la Fédération serait meurtrie et blessée, ne m'inspire guère, tout simplement.

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Retrouvez aussi toutes les critiques de Star Trek Discovery et de la saga Trek publiées sur ce blog en cliquant ici...

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Un film, un jour (ou presque) #1111 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Amour, Romance et Chocolat (2019)

Publié le 1 Février 2020 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Hallmark, Romance, Review, Télévision, USA, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Amour, Romance et Chocolat (Love, Romance and Chocolate - 2019) :

Styliste alimentaire pour un magazine et apprentie pâtissière, Emma (Lacey Chabert) est abandonnée par son compagnon peu de temps avant la Saint Valentin, alors qu'ils avaient prévu un voyage à Bruges. Partant seule pour la ville belge, Emma rencontre sur place Luc Simon (Will Kemp), un chocolatier tentant de décrocher le seau d'approbation de la famille royale, à l'occasion d'un concours organisé par le palais. Malgré leur relation tendue, Emma se propose alors pour aider Luc, et le duo se met en quête d'une recette inédite...

Comédie romantique Hallmark de la Saint Valentin 2019, ce LRC suit la formule éprouvée du genre, son format immuable, avec ex-compagnon insipide et goujat, héroïne spontanée et talentueuse, love interest un peu trop rigide dans ses méthodes de travail et manquant de créativité, quiproquo de dernière minute, et même un bal princier, histoire de cocher toutes les cases de la liste Hallmark.

Ici, cependant, le film sort un peu du lot par son food porn, et par ses décors naturels, tournés à Bruges : ça donne un charme pittoresque à cette escapade par ailleurs assez banale, pas forcément aidée par un casting inégal (Chabert retrouve Brittany Bristow de Coup de Coeur Sauvage, et Will Kemp n'est pas désagréable, mais tout le monde est affublé de coupes de cheveux ratées, et le grand rival de Kemp n'est pas du tout convaincant), et par un script cousu de fil blanc.

3 + 0.25 pour les décors = 3.25/6, en étant généreux.

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Un film, un jour (ou presque) #1106 : Jojo Rabbit (2019)

Publié le 28 Janvier 2020 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Review, Comédie, Drame, Histoire, Nouvelle-Zélande

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Jojo Rabbit (2019) :

Âgé de dix ans, Jojo Betzler (Roman Griffin Davis) vit avec sa mère Rosie (Scarlett Johansson) en Allemagne, alors qu'approche la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Passionné par Hitler (Taika Waititi), qui est par ailleurs son ami imaginaire, Jojo décide de rejoindre les Jeunesses Hitlériennes, mais un accident le blesse sérieusement, et l'oblige à rester un temps alité. Il découvre alors que sa mère dissimule une jeune fille juive, Elsa (Thomasin McKenzie), dans les murs de sa maison : indigné mais curieux, Jojo décide d'apprendre à mieux connaître celle-ci, afin d'écrire un livre décrivant en détail les mœurs des Juifs, et, à terme, d'impressionner le Fuhrer...

Dernier film de Taika Waititi (Thor Ragnarok, Vampires en toute intimité, Hunt for the Wilderpeople), adapté d'un livre, ce Jojo Rabbit était fréquemment vendu comme une comédie décomplexée sur les nazis, une sorte de Springtime for Hitler de 90 minutes, avec un Waititi cabotin dans le rôle d'un Hitler imaginaire.

Dans les faits, Jojo Rabbit est loin d'être cette satire déconneuse façon Papy fait de la Résistance : si toute la mise en place du film (un gros quart du métrage) est en effet de cet acabit, rapidement, le métrage évolue dans une direction plus dramatique, sincère et touchante. L'humour typiquement Waititien cède alors la place à plus d'émotion, et à un ton plus sérieux : un mélange des genres et des variations de tons qui ne fonctionnent pas toujours de manière optimale, mais qui restent tout de même intéressants de bout en bout, notamment grâce à une distribution convaincante (Johansson, Waititi, Sam Rockwell, Alfie Allen, Stephen Merchant, sans oublier les deux enfants, Thomasin McKenzie et Roman Griffin Davis, impeccables) et à la bande originale ludique de Giacchino.

Après, comme pour Wilderpeople, j'ai eu l'impression qu'il manquait un petit quelque chose pour totalement me convaincre. Peut-être une trame narrative plus forte et moins prévisible, je ne sais pas. Mais dans l'ensemble, ça reste très sympathique à suivre.

4/6

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Un film, un jour (ou presque) #497 : Hop (2011)

Publié le 20 Avril 2017 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Animation, Jeunesse, Pâques

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Hop :

Juste avant de devoir prendre sa place, E.B. (Russell Brand), le fils du Lapin de Pâques (Hugh Laurie), décide de découvrir le monde, et part pour Hollywood, pour y devenir un batteur méga-célèbre. Là, il s'invite alors dans le quotidien de Fred (James Marsden), un jeune homme un peu glandeur et bon à rien... mais sur l'île de Pâques, la situation se complique, lorsque Carlos (Hank Azaria), le poussin bras droit du Lapin de Pâques fomente un coup d'état, et décide de prendre la place de son employeur...

Revu à l'occasion de Pâques, ce film d'animation made in Illumination (avec apparition des Minions en début de film) ne m'avait déjà pas fait vraiment grande impression à sa sortie : mélangeant de manière assez inutile, façon Alvin et les Chipmunks, une créature numérique turbulente avec des humains en prise de vue réelle, ce métrage m'était apparu comme un photocopillage éhonté de bon nombre de films de Noël, dans lesquels le fils/la fille du Père Noël refuse de prendre la succession de son paternel, décide de partir explorer d'autres options, finit par être ramené par un trio d'elfes ninjas, etc... c'est un postulat plus qu'éventé, qui ici reçoit une skin oeufs de Pâques et poussins qui n'arrive pas à cacher ce recyclage facile.

Ajoutez à cela un caméo assez forcé de David Hasselhoff, une tendance aux chansons pop-rock médiocres, et un script qui oublie clairement des personnages en cours de route (je ne suis même pas certain que le trio de lapines ninjas ait une ligne de dialogue de tout le film, et reparaissent après avoir été "enchocolatées" ; c'est bien dommage, car il y avait là un certain potentiel comique passé à la trappe), avec sa fin précipitée et décevante. 

Pas un film formidable ou mémorable, donc, même si visuellement et techniquement, c'est assez réussi et mignon, que Marsden se donne vraiment à fond (comme dans Il était une fois, d'ailleurs), et que les films de Pâques pour les enfants sont suffisamment rares pour être un peu indulgent.

3/6 + 0.25 pour le doublage français qui fonctionne assez bien, pour une fois (peut-être même mieux que la VO par moments) =

3.25/6

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Catch Review : Chikara - 14x04 - Goldfinger (22/06/2014)

Publié le 6 Septembre 2014 par Lurdo dans Catch, Critiques éclair, Review, Télévision, Chikara

You Only Live Twice, le premier show de la saison, ne m'avait pas convaincu ; Quantum Of Solace, encore moins. Diamonds Are Forever, cependant, avait un peu remonté le niveau, sans s'avérer cependant très marquant. Place à Goldfinger...

- Public un peu mou et stoïque.

- Odditorium vs Ac/Dc vs Throwbacks vs BDK, 4-way Elimination Tag. Un tag match assez quelconque, avec pas mal de comédie (dont la slo-mo), et rien de particulièrement mémorable.

- Ophidian vs Movado (un gros agile avec un masque). Quelques moments efficaces, mais sinon, ça ronronne sérieusement, et Movado ne fait pas grand chose.

- Jaka vs Estonian Thunderfrog. À nouveau, rien de particulier à signaler, un match assez classique, solide mais peu mémorable.

- Devastation Corp vs 3.0. Un tag match dynamique, et avec un finish sympa, mais un tout trop brouillon pour vraiment convaincre.

- Chuck Taylor vs Jervis Cottonbelly. Panne de musique d'entrée pour Jervis, et un comedy-match amusant, mais anecdotique.

- Gekido & Missile Assault Ant vs Spectral Envoy. Un affrontement par équipes assez classique, et sans enjeux particuliers.

- Eddie Kingston vs Shynron. Une exhibition de Shynron, qui place des acrobaties dans tous les sens (le 450°+180° depuis la deuxième corde = :wub:), tandis que Kingston refuse le combat, jusqu'à l'apparition de Jimmy Jacobs. Ensuite, Shynron se fait squasher. Assez bizarre d'enterrer Shynron en 25 secondes chrono.

- The Colony & The Batiri vs Jimmy Jacobs & The Flood. Un brawl général dans toute l'arène le night club, avec des paires qui tour à tour viennent un peu se battre dans le ring. Bordélique, décousu, et paradoxalement assez routinier, avec la sempiternelle séquence de l'enchaînement de finishers des dix hommes, tour à tour. Bref, pas très marquant, et même le post-match à base de Deucalion qui se pointe, et choke-breake celui de ses sbires qui a perdu le match pendant que tous les autres se prosternent était assez moyennement convaincant (le choke/breakslam manque vraiment de punch et d'impact).



Encore une fois, un show particulièrement plat et sans enjeux/direction. Il n'y avait rien de particulièrement mauvais, honnêtement, et aucun botch déplorable, mais le tout manque vraiment de sens, d'énergie dans le booking, ou d'action hors du commun. Dommage.

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Un film, un jour (ou presque) #1125 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Une Américaine à Paris (2019)

Publié le 8 Février 2020 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Hallmark, Review, Romance, St Valentin, Télévision

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Une Américaine à Paris (Paris, Wine & Romance - 2019) :

Depuis peu à la tête du vignoble familial, dans l'Oregon, Isabelle (Jen Lilley) décide, sur un coup de tête, d'inscrire son vin à l'une des compétitions les plus prestigieuses de France. Sur place, elle rencontre alors son futur rival, Jacques (Dan Jeannotte), héritier d'une famille de vignerons respectée, et qui a pour projet de moderniser l'entreprise familiale... mais rapidement, Isabelle et Jacques se rapprochent l'un de l'autre.

Une rom-com Hallmark (partiellement) tournée à Paris (quelques extérieurs), et (nettement plus) dans les pays de l'Est, avec trois tonnes de clichés sur la France (les escargots, les croissants, les monuments, la mode, l'arrogance française, l'accordéon, blablabla), des accents calamiteux, une France de pacotille (ne manquait honnêtement qu'une 2CV ou une DS), des réactions exagérées (lorsque Jacques goûte le vin d'Isabelle, on a l'impression qu'il a un orgasme) et un sentiment d'urgence jamais vraiment justifié, qui pourtant anime l'héroïne du début à la fin.

Une héroïne à la naïveté, à l'impatience, et à l'ambition qui ne siéent pas vraiment à Lilley, 35 ans, clairement enceinte au moment du tournage (ses tenues, son apparence, les cadrages serrés), et qui se sent obligé de surjouer un peu pour rendre son personnage impulsif et pétillant.

Alors je suis persuadé que pour un public américain, cette vision de carte postale doit fonctionner, d'autant que le couple principal n'est pas désagréable. Mais pour un spectateur français, ça coince un peu beaucoup - sans pour autant être un désastre.

3 - 0.25 pour tous ces clichés = 2.75/6

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Un film, un jour (ou presque) #1123 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Coup de foudre et chocolat (2019)

Publié le 7 Février 2020 par Lurdo dans Comédie, Critiques éclair, Hallmark, Review, Romance, Télévision, Cinéma, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Coup de foudre et chocolat (Easter Under Wraps - 2019) : 

À l'approche de Pâques, la famille Cavendish, chocolatiers de pères en fils (et filles), a besoin de se renouveler : Erin (Fiona Gubelmann), fille du PDG et responsable du département marketing, est alors envoyée en immersion anonyme dans l'usine principale de la marque, sujet de bon nombre de débats au sein du conseil d'administration. Là, elle découvre la tradition des chocolatiers de sa famille, rencontre Bryan (Brendan Penny), maître chocolatier de l'usine, frustré par le manque d'innovation créative de la marque... et elle tombe sous son charme.

Une sorte de Patron Incognito sans les déguisements pourris, mais avec pas mal de clichés du genre (le veuf passionné par son métier manuel, père d'une fillette impertinente, la cadre maladroite qui redécouvre le plaisir des travaux manuels et de l'amour, les quiproquos et les mensonges... ), pas beaucoup d'alchimie entre ses protagonistes (Brendan Penny est vraiment inégal, sur ce plan-là : parfois, lorsque son personnage le lui permet, il est sympathique, mais lorsqu'il est enfermé dans un cliché ambulant, comme ici, il est assez insipide), et un cadre pascal qui n'est pas désagréable, mais qui n'est finalement qu'un habillage à une histoire basique, qui aurait aussi bien pu prendre place à la Saint Valentin ou à Noël.

Bof, en somme : ce n'est pas forcément mauvais, mais c'est instantanément oubliable.

3/6 (en étant gentil, parce que ça fait toujours plaisir d'avoir un récit se déroulant à Pâques)

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Un film, un jour (ou presque) #1121 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Le Jardin des Coups de Foudre (2019)

Publié le 6 Février 2020 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Hallmark, Review, Romance, St Valentin, Télévision

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Le Jardin des Coups de Foudre (True Love Blooms - 2019) :

Très impliquée dans la vie de sa communauté, Vikki (Sara Rue) gère pour le compte de cette dernière un jardin collectif très populaire, au centre de bon nombre d'animations et d'événements. Jusqu'au jour où elle apprend avec stupeur que le terrain a été vendu à Chace Devine (Jordan Bridges), un développeur immobilier bien décidé à remplacer le jardin par des immeubles. Avec l'aide de la communauté, Vikki décide alors de se battre contre ce projet, alors même qu'elle n'est pas insensible au charme de Chace...

Comédie romantique Hallmark printanière qui, malheureusement, s'avère au final assez frustrante, malgré des personnages et un sens de l'humour bienvenus.

Le problème, en fait, c'est que, outre son postulat de départ éventé au possible ("il faut sauver le machin de la ville/du quartier, et l'héroïne mène la charge contre un cadre séduisant mais implacable", on a vu ça 250 fois chez Hallmark), l'écriture (à laquelle a participé Sara Rue) est affreusement générique, verbeuse et descriptive : oui, les personnages secondaires (le couple de vieux ronchons, la designeuse d'intérieur minimaliste...) sont amusants et gentiment décalés, oui, Sara Rue et Jordan Bridges fonctionnent plutôt bien ensemble, mais entre l'exposition forcée, les dialogues qui énoncent clairement tout ce que pensent et ressentent les personnages (sans jamais laisser de place à l'interprétation, à la subtilité ou au non-dit), et cette dernière ligne droite affreusement clichée et énervante (le quiproquo, la séparation, la dispute, les retrouvailles, la solution au problème qui est au centre du récit), prévisible de bout en bout, et qui assène un grand coup de pied dans les rotules du métrage avant qu'il ne franchisse la ligne d'arrivée... on se retrouve avec un téléfilm qui agace plus qu'il ne convainc, et ce en dépit de ses qualités.

Dommage.

2.5/6

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Un film, un jour (ou presque) #1127 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Un Coup de foudre vertigineux (2019)

Publié le 9 Février 2020 par Lurdo dans Comédie, Cinéma, Critiques éclair, Drame, Hallmark, Review, Romance, Télévision, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Un Coup de foudre vertigineux (Love Takes Flight - 2019) :

Directrice administrative, le Dr. Lizzie Beauman (Nikki DeLoach) fait tout son possible pour que son établissement soit sélectionné pour une opération prestigieuse, afin d'attirer des fonds et de la publicité pour l'hôpital. Pour y parvenir, elle recrute Charley Allen (Jeff Hephner), pilote d'hélicoptère un peu tête brûlée, dont le père veuf, Walter (Tom Thon), vient de se lier d'amitié avec Quinn (Skylar Olivia Flanagan), la fille de Lizzie...

Un téléfilm estampillé Hallmark Hall Of Fame, ce qui signifie plus de drame familial et de larmes que dans une rom-com lambda de la chaîne . Dont acte : effectivement, ici, la romance principale est en filigrane, faisant une place plus importante au mélodrame familial des Allen, et à l'amitié entre la fillette et le vieillard.

Et tout cela fonctionne plutôt bien, grâce notamment à la distribution sympathique et efficace. Cela dit, encore faut-il vraiment aimer le genre téléfilm larmoyant : si l'on est allergique à cela, ou si l'on veut une romance plus classique, du genre habituel de la chaîne, mieux vaut passer son chemin.

3.5/6 (parce que dans l'absolu, ça reste très classique et basique, et que ça ne m'a pas plus passionné que ça)

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Christmas Yulefest 2018 - 55 - Mon Noël en Alaska (2018)

Publié le 31 Décembre 2018 par Lurdo dans Christmas, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Hallmark, Noël, Review, Romance, Télévision, Yulefest

Chez les Téléphages Anonymes, la Christmas Yulefest et son marathon de cinéma de Noël continuent jusque début janvier...

Mon Noël en Alaska (Northern Lights of Christmas - 2018) :

Pilote confirmée rêvant de posséder son propre avion, Zoey (Ashley Williams) hérite du ranch de son oncle à l'approche de Noël, et se rend sur place, en Alaska, pour lui trouver un acheteur. Mais sur place, entre les rennes de la ferme, la communauté, le festival de Noël local et Alec (Corey Servier), le séduisant responsable de la ferme, Zoey commence à envisager une toute autre vie...
 
Encore une production Hallmark qui s'ouvre sur la Space Needle de Seattle (ça commence à m'agacer, je dois dire), encore une production Hallmark qui utilise une fausse neige assez immonde, pulvérisée partout, et qui colle à tout (sauf à l'enclos de rennes, bizarrement, qui n'a pas un "flocon"), et encore un métrage qui sacrifie un peu trop de sa fantaisie et du potentiel de son actrice principale (une Ashley Williams comme toujours radieuse et attachante) sur l'autel d'un script à l'écriture pataude et maladroite. Le premier quart d'heure, notamment, est vraiment laborieux, enchaînant des couloirs d'exposition et de scènes assez artificiellement amenées...
 
Heureusement, sous l'impulsion de Williams (qui a tendance à avoir des réactions au moins partiellement improvisées), le film finit par décoller un peu, et par trouver un peu de rythme et d'énergie. Pas forcément assez pour mériter plus que la moyenne, mais la distribution secondaire était suffisamment sympathique (Laura Miyata, notamment) pour me rendre indulgent.

3/6

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Un film, un jour (ou presque) #1453 : Magic Camp (2020)

Publié le 3 Juin 2021 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Disney, Jeunesse, Review, Romance, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Magic Camp (2020) :

Magicien en perte de vitesse, Andy (Adam Devine) accepte l'invitation de son ancien mentor Roy Preston (Jeffrey Tambor) à rejoindre le temps d'un été l'Institut de la magie, un camp de vacances où les enfants apprennent à devenir des magiciens. Sur place, il retrouve Kristina Darkwood (Gillian Jacobs), sa grande rivale et ancienne partenaire, qui s'occupe d'un autre groupe : bien décidé à la vaincre lors du spectacle annuel opposant les apprentis illusionnistes, Andy va tout faire pour transformer les enfants dont il a la charge...

Un long-métrage de Mark Waters (qui a fait ses preuves dans le genre comédie Disney familiale et a un CV long comme le bras) tournée en 2016-2017, et à la sortie suspendue jusqu'en 2020, sur Disney +. Traduction : Disney n'allait pas se risquer à un flop en salles, et a préféré sauver les meubles en prétendant que ce film avait été spécialement tourné pour sa plateforme de VOD naissante.

Et honnêtement, on peut les comprendre : Magic Camp n'est pas honteux, mais c'est clairement d'un calibre télévisuel, une production qui aurait été à sa place sur Disney Channel à l'époque des D-coms en tous genres, une histoire ultra-générique (Rock Academy, mais dans le monde de l'illusion) pleine de bons sentiments calibrés, avec un Adam Devine qui fait son numéro habituel (même s'il a une bonne alchimie avec Gillian Jacobs), un Jeffrey Tambor qui cachetonne mais s'amuse, et des enfants inégaux (Isabelle Crovetti est excellente, cela dit).

Ajoutez à cela une bonne dose d'illusion "cinématographique" (comprendre que les tours de magie, lorsqu'ils ne sont pas aidés par des effets numériques, sont assez mal filmés), et voilà, un film totalement anecdotique, et qui, effectivement, remplira le fond de catalogue de Disney +... mais pas beaucoup plus.

2.75/6 (le public-cible du métrage et les parents seront probablement plus indulgents)

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Un film, un jour (ou presque) #1134 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Quand Charlie tombe amoureux (2019)

Publié le 12 Février 2020 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Drame, Review, Romance, USA

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films romantiques...

Quand Charlie tombe amoureux (Ode To Joy - 2019) :

Victime de cataplexie lui faisant perdre connaissance dès qu'il ressent une émotion joyeuse, Charlie (Martin Freeman) tente d'éviter au maximum tout enthousiasme et toute émotion forte, avec l'aide de son frère Cooper (Jake Lacy). Jusqu'au jour où il rencontre la pétillante et spontanée Francesca (Morena Baccarin), dont l'énergie et la joie de vivre contrastent fortement avec le quotidien du bibliothécaire...

Une comédie romantique américaine indépendante écrite et réalisée par des scénaristes de sitcom (dont le réalisateur du médiocre remake d’Arthur, avec Russell Brand) et qui, après un premier quart d'heure amusant et prometteur, finit par s'avérer assez inégale ; principalement parce qu'elle ressemble beaucoup trop à son personnage principal pour son propre bien : étrangement rigide et distant, ce métrage refuse d'assumer sincèrement sa romance (assez basique), et se place des bâtons dans les roues en passant par des digressions forcées et assez artificielles.

À l'image du personnage interprété par Melissa Rauch, une actrice au demeurant talentueuse et sympathique, qui ici compose un personnage amusant, mais qui n'est pas souvent crédible, et semble sorti d'un sketch du SNL plutôt que d'être un véritable être humain.

C'est d'autant plus dommage que la distribution est de qualité, que ce soit au niveau des rôles principaux (Freeman et Baccarin ont une bonne alchimie) qu'au niveau des personnages secondaires (notamment Shannon Woodward dans un petit rôle).

Mais dans l'ensemble, si le métrage se regarde sans grande difficulté, le tout ne trouve jamais vraiment son rythme de croisière, et reste assez laborieux, un peu tiré vers le bas par son protagoniste désabusé et cynique, qui est constamment tiraillé entre son caractère peu attachant, et le capital-sympathie de son interprète.

2.5 + 0.5 pour la distribution = 3/6

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Halloween Oktorrorfest 2021 - 04 - Freaky (2020)

Publié le 30 Septembre 2021 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Halloween, Horreur, Oktorrorfest, Review, Thriller, USA

Chez les Téléphages Anonymes, de fin septembre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

Freaky (2020) :

À Blissfield, un mystérieux tueur en série (Vince Vaughn) frappe régulièrement, à l'occasion du bal de promo des lycéens. Cette année, cependant, un étrange concours de circonstances (et une dague ensorcelée) va échanger l'âme de ce tueur avec celle de Millie (Kathryn Newton), une lycéenne timide et harcelée. Une course contre la montre s'engage alors pour Millie et ses amis (Celeste O'Connor, Misha Osherovich) afin d'arrêter le tueur qui, dans le corps de l'adolescente, est bien décidé à faire un carnage parmi les élèves de l'établissement...

Après le succès de Happy Birthdead (Un jour sans fin à la mode slasher) et de Nightmare Island (L'Île fantastique à la mode slasher), Blumhouse continue de décliner des concepts préexistants en version slasher, avec ici Freaky Friday à la sauce slasher... très logiquement intitulé Freaky.

Et contre toute attente, ça fonctionne plutôt pas mal, porté par un Vince Vaughn qui s'amuse à interpréter les tueurs en série possédés par une adolescente, et qui adapte son jeu en fonction (la scène du flirt dans la voiture de police est à ce titre plutôt amusante). À l'identique, tout le film conserve ce ton léger, à mi-chemin entre parodie et hommage (de nombreux clins d'œil aux classiques du genre), qui fait que le métrage reste très divertissant, porté par une bande originale efficace de Bear McCreary.

Paradoxalement, cela dit, c'est dans ses moments les plus premier degré que le film trébuche un peu : toute la mise en place délibérément clichée au possible, mais aussi et surtout la toute fin, qui confronte une ultime fois Millie et sa famille au tueur, dans le seul but de placer une punchline finale après un travail d'équipe des trois femmes - ce qui n'a pas vraiment fonctionné sur moi.

Rien de bien méchant, cela dit, et dans l'ensemble, Freaky s'avère une bonne surprise, à la fois sanglante et pleine d'énergie.

4/6

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Un film, un jour (ou presque) #1543 : An Unknown Compelling Force (2021)

Publié le 16 Novembre 2021 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Documentaire, USA, Histoire, Review, Drame

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

An Unknown Compelling Force (2021) :

Un documentaire anglo-saxon qui se propose de revenir sur le mystère de la Dyatlov Pass, un incident entré dans l'histoire russe et durant lequel un groupe de 9 jeunes randonneurs partis dans la neige des montagnes de l'Oural ont été retrouvés morts, éparpillés autour de leur camp de base, dans des tenues insuffisantes, et couverts de contusions inexpliquées.

Des morts mystérieuses, inexpliquées et ayant donné naissance à d'innombrables conspirations plus ou moins farfelues, pas aidées par le secret d'état imposé par l'Union Soviétique autour de l'incident, un secret d'état qui a attisé toutes les tensions.

Liam Le Guillou, le réalisateur, décide donc de partir en expédition sur place et de résoudre le mystère de la Dyatlov Pass, armé d'experts en criminologie, et de son égo.

Parce que oui, c'est bien ce qui ressort le plus de ce métrage : la manière dont Le Guillou se met constamment en avant, narre l'intégralité du documentaire à la première personne, façon travelogue bourré de "moi" et de "je", se montre en aventurier dans la tempête avant de basculer, dans la dernière partie du film, en mode Christophe Hondelatte dans Faites entrer l'accusé, avec mise en scène en studio, éclairage de film noir, tableau d'affichage couvert de photos et de rapports d'autopsie, etc.

Bref, si le récapitulatif global des événements, l'humanisation des victimes de la tragédie et la présentation des différentes théories l'entourant sont assez compétents, on s'agace devant l'omniprésence du réalisateur, qui narre le film, se met en scène, nous parle de ses sentiments, à mi-chemin entre un Louis Theroux ou un Werner Herzog du pauvre, et conclut le documentaire en arrivant à la conclusion (très discutable) que les indigènes vivant sur place sont les responsables de cette tragédie.

Mouais.

3/6, parce que formellement, c'est plus que professionnel et efficace, malgré toutes les scories inhérentes à Le Guillou.

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Christmas Yulefest 2021 - 08 - Eights Gifts of Hanukkah (2021)

Publié le 6 Décembre 2021 par Lurdo dans Christmas, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Hallmark, Review, Romance, USA, Yulefest, Télévision, Noël, Hanoucca, Hanukkah

C'est bientôt Noël : chez les Téléphages Anonymesc'est l'heure du marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefest, et ce jusque début janvier...

Eight Gifts of Hanukkah (2021) :

À l'occasion des huit jours de Hanoucca, Sara (Inbar Lavi), une optométriste, reçoit des cadeaux très personnels de la part d'un admirateur secret. Tout au long de cette fête juive, elle tente ainsi de trouver lequel de ses prétendants est responsable de ces cadeaux mystérieux... mais peut-être est-ce Daniel (Jake Epstein), son meilleur ami d'enfance qu'elle considère comme un frère ?

Quelques jours de retard sur la Hanoucca pour cet unique téléfilm festif de la saison à être destiné au public juif américain (visiblement, les tentatives des années précédentes n'ont clairement pas porté leurs fruits niveau audience)... et il faut se contenter d'un remake basique de Romance secrète à Noël, sur lequel on a appliqué un filtre "Judaïsme" en lieu et place du filtre "Noël" habituel.

Le résultat est somme toute assez décevant, totalement générique, et pas aidé par une distribution assez frustrante : si Jake Epstein (déjà dans Prête-moi ta main à Noël) conserve son charme très "Mark Ruffalo", et si Inbar Lavi tient bien son rôle (même si le manque de continuité dans son apparence - dans certaines scènes, elle a des poches sous les yeux et semble ne pas avoir dormi depuis des lustres - trahit un tournage chaotique), tout le reste de la distribution est oubliable au possible, pour ne pas dire insipide (surtout les innombrables prétendants fades et quelconques).

Ajoutez à cela le recyclage habituel de la chaîne, qui réutilise ici l'un des hôtels canadiens enneigés récurrents dans ses productions, et place le tout à Seattle, une fois de plus, et voilà : un téléfilm qui, pris indépendamment, n'est pas forcément plus mauvais que la moyenne du genre, mais manque cruellement de personnalité une fois replacé dans son contexte global.

Après, je suppose que si l'on est juif est que l'on désespère de voir ses traditions reflétées à l'écran en fin d'année, l'absence totale d'efforts d'Hallmark pour ce film sera compensée par le simple fait qu'au moins, ce téléfilm a le mérite d'exister...

3 - 0.25 pour tout le côté redite du métrage, qui m'a bien agacé = 2.75/6

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Christmas Yulefest 2021 - 14 - Coyote Creek Christmas (2021)

Publié le 9 Décembre 2021 par Lurdo dans Cinéma, Christmas, Comédie, Critiques éclair, Hallmark, Noël, Review, Romance, Télévision, USA, Yulefest

C'est bientôt Noël : chez les Téléphages Anonymesc'est l'heure du marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefest, et ce jusque début janvier...

Coyote Creek Christmas (2021) :

Organisatrice dans l'événementiel, Paige (Janel Parrish) retourne passer les fêtes de fin d'année dans l'hôtel familial, où elle décide d'organiser un grand festival international de Noël pour tous les clients. Mais elle apprend bientôt que ses parents (Cameron Bancroft, Linda Minard) ont décidé de vendre l'hôtel, et que le séduisant Dylan (Ryan Paevey), père célibataire qu'elle a rencontré sur place, est le représentant d'un développeur immobilier venu évaluer la propriété...

Pas grand chose à dire, en soi, sur ce téléfilm Hallmark très dérivatif (on pense par exemple à Un millier de flocons, entre autres) qui utilise beaucoup de clichés du genre (l'event planneuse, le père célibataire et son fils précoce, la vente de l'hôtel familial, le festival des traditions, le secret révélé au dernier moment, la meilleure copine et sa relation) de manière très calibrée, et ne parvient jamais vraiment à les transcender.

Il y a pourtant des personnages secondaires amusants - le chef flamboyant, la meilleure amie lesbienne qui n'ose pas se déclarer à sa flamme (d'ailleurs, je ne serais pas surpris de revoir Naomi King dans un premier rôle, un de ces quatre, tant elle m'a fait plus forte impression que Parrish) - le petit garçon a du répondant, et c'est somme toute assez compétent au niveau production et écriture (léger bémol pour les morceaux de ouate ultra-fauchée placée sur les arbres, lorsqu'ils cherchent un sapin de Noël, et pour la surcouche de maquillage appliquée sur Parrish), mais voilà, ça ne décolle jamais particulièrement et ça ne marque absolument pas les esprits.

Regardable, sans plus.

2,75 + 0,25 pour Naomi King = un minuscule 3/6

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Christmas Yulefest 2021 - 59 - Candy Cane Candidate (2021)

Publié le 5 Janvier 2022 par Lurdo dans Christmas, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Lifetime, Noël, Review, Romance, Télévision, USA, Yulefest

Noël est derrière nous, 2022 est là, mais chez les Téléphages Anonymes, le marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefest continue jusque début janvier...

Candy Cane Candidate (2021) :

Politicienne carriériste venant de connaître un échec aux élections municipales d'une grande ville, Julia (Jacky Lai) retourne dans sa bourgade natale de North Falls pour y passer les fêtes de Noël en famille. Sur place, cependant, elle retrouve Parker (Jake Epstein), ancien rival de lycée, homme à tout faire de la ville, et seul candidat au poste de Maire de North Falls, dans des élections devant se tenir le 24 décembre. Sur un coup de tête, Julia décide alors de se présenter elle aussi...

Mouais. Un téléfilm Lifetime qui tente de retrouver le charme du Noël en pain d'épices de l'année dernière (déjà avec Jacky Lai) sans en avoir le caractère ou la fantaisie : à la place, de la politique, un postulat encore moins crédible et plausible que la moyenne du genre (on croit à fond à ces élections municipales organisées en 10 jours la veille de Noël, avec des candidats sans la moindre expérience ni le moindre programme, et qui passent l'essentiel de leur temps ensemble à flirter), et une protagoniste assez peu attachante, tant dans son look (le style de Lai ne lui fait pas de faveurs, ici, et la durcit notablement) que dans sa caractérisation.

Alors certes, Epstein fait son numéro habituel, qui fonctionne toujours, et a une relation assez décontractée et amusante avec Lai, mais dans l'ensemble, ça ne fonctionne pas vraiment, trop orienté politique municipale et pas assez Noël, avec une écriture un peu balourde (le couple secondaire gay, très caricatural, la première rencontre assez forcée, et tous les clichés habituels) qui fait lever les yeux au ciel plus qu'autre chose.

Bof.

2.25/6

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Un film, un jour (ou presque) #951 : Les Huit Salopards (2015)

Publié le 30 Avril 2019 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Drame, Review, Thriller, Western, Histoire

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Les Huit Salopards (The Hateful Eight) :

Quelques années après la Guerre de Sécession, un voyage en diligence amène quatre passagers - John Ruth (Kurt Russell), un chasseur de primes ; Daisy (Jennifer Jason Leigh), sa prisonnière ; le Major Marquis Warren (Samuel L. Jackson), ancien soldat désormais chasseur de primes ; et Chris Mannix (Walton Goggins), qui prétend être le nouveau shérif de la ville où se rend la diligence - dans une auberge enneigée. Là, pris au piège par les intempéries, ils rencontrent les autres occupants de l'auberge, Bob (Demián Bichir), Oswaldo (Tim Roth), Joe (Michael Madsen) et un vieux général sudiste, Sanford Smithers (Bruce Dern)... des occupants aux intentions incertaines, d'autant que Minnie (Dana Gourrier), la propriétaire des lieux, est étrangement absente.

Second western de Quentin Tarantino, après un Django Unchained plutôt sympathique, déjà mis en musique par Ennio Morricone...

... et je suis bien embêté.

En effet, autant j'avais vraiment apprécié Django, autant ici, les 2h50 du film m'ont semblé nettement plus longues, et assez superflues. Il faut dire que Tarantino choisit ici le huis-clos façon whodunit, un huis-clos qu'il étire ainsi pendant un bon moment, imposant un rythme et une tension très particuliers à son film.

On adhère ou pas, c'est évident, et je ne peux nier que le tout est très bien filmé (forcément), très bien casté (forcément), très bien mis en musique (forcément), très bien interprété (forcément... même si j'ai quelques réserves sur le jeu possédé de Jennifer Jason Leigh, qui se fait toujours plus hystérique à mesure que le film progresse), et globalement intéressant. Mais honnêtement, je n'ai pas accroché à cette longue mise en place de 95/100 minutes, et la raison principale à ce semi-rejet du métrage, c'est son script.

Un script qui, dès ses premières minutes, instaure la méfiance vis à vis de ses personnages, et m'a instantanément mis sur mes gardes : il y est immédiatement clair que tout le monde ment potentiellement sur son identité, ce qui, plutôt que de créer de la tension chez moi, a eu pour effet de rendre les personnages assez distants, et de créer un détachement entre moi, spectateur, et les protagonistes de l'histoire.

Par conséquent, je m'attendais tout simplement, dès l'arrivée à l'auberge et la présentation de ces personnages aux accents trop forcés et caricaturaux, à ce que ces derniers s'avèrent tous être des chasseurs de prime concurrents voulant mettre la main sur la prisonnière de Kurt Russell (ou quelque chose du même genre). Ce qui aurait pu donner lieu à beaucoup d'action, à des alliances, à des trahisons, à des poursuites dans la neige, ou que sais-je encore.

En lieu et place de ce que j'anticipais, Tarantino a opté pour quelque chose de similaire, mais d'encore plus simple : une bande de hors-la-loi venue libérer la prisonnière. Soit. Niveau surprise, le script se la joue donc petits bras, d'autant qu'en mentionnant à répétition La Chose de Carpenter comme l'une de ses influences principales sur ce métrage, Quentin téléphone par ailleurs un peu la fin de son film.

Mais avant d'arriver à cette fin, donc, il passe par une centaine de minutes d'exposition, présentant ses personnages en long, en large et en travers, plaçant des digressions sur l'Amérique divisée post-Sécession, sur sa reconstruction complexe, sur le racisme, sur le mensonge et les apparences, sur la vengeance, etc : de quoi rendre le métrage très bavard, et même assez difficile d'approche.

Ce n'est donc guère surprenant de constater que, lorsque le film décolle enfin (un monologue spectaculaire de Samuel Jackson, et peu après, un empoisonnement sanguinolent), l'intérêt remonte considérablement.

La violence assez caricaturale et décomplexée de Tarantino ressurgit alors (à la limite du slapstick façon Sam Raimi), ainsi que le sens de l'humour (très noir - ou rouge sang) du réalisateur, qui s'improvise d'ailleurs narrateur le temps d'une scène ou deux (une narration pas forcément plus utile que les dialogues au ralenti de la toute dernière partie du film, mais bon, c'est Tarantino, il s'amuse...).

Et puis, à l'approche de la barre des deux heures, le côté whodunit entre enfin en piste : soudain, il devient clair que le film aurait grandement bénéficié à insister plus là-dessus, tant ça redonne un semblant de mystère au métrage... malheureusement, le tout est rapidement bouclé, passant à une bonne grosse fusillade, qui laisse vite place à la dernière demi-heure de film, dont un gros flashback revenant en détails sur le pourquoi du comment de l'histoire.

Un flashback qui n'était pas forcément très pertinent : il a beau permettre de placer un caméo de Zoë Bell et de Channing Tatum, il s'avère assez vain et mécanique, explicitant ce que l'on pouvait déjà deviner par soi-même.

Ce qui rejoint bien là le problème que j'ai avec le métrage dans son ensemble : oui, il est exigeant et maîtrisé sur la forme, mais sur le fond, je l'ai trouvé trop "évident" et démonstratif. Je n'ai pas détesté, mais j'aurais préféré quelque chose de plus inspiré et dynamique, qui justifierait vraiment les premières 90 minutes de mise en place, au delà du simple "c'est pour instaurer de la tension".

3/6

(en même temps, je l'admets sans problème : en vieillissant, j'ai de plus en plus de mal avec les films dépassant gratuitement les 110-120 minutes, sans forcément avoir la matière suffisante pour accompagner une telle durée)

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Critiques éclair : The Munsters - téléfilms et spin-offs

Publié le 26 Novembre 2011 par Lurdo dans Critiques éclair, Review, Télévision, Les bilans de Lurdo, Comédie, Fantastique, Horreur

Munster, Go Home ! (1966) :

Premier portage cinéma de la saga, en couleurs, ce qui est tout aussi déstabilisant que lors du pilote avorté de la série. Instantanément, en effet, le maquillage des acteurs paraît beaucoup plus outrancier et artificiel, alors que réciproquement, tout ce qui est décors et environnement gagne en crédibilité.

Au programme : Les Munsters apprennent qu'ils viennent d'hériter d'un manoir anglais, et du titre qui va avec. Ils embarquent donc pour la Grande-Bretagne, au grand dam de cousins jaloux, prêts à tout pour leur prendre le titre, et continuer d'utiliser le manoir pour leur trafic de fausse monnaie.

Une exemple typique d'adaptation fidèle, mais pas particulièrement réussie : oui, ça ressemble à ce que la série pouvait avoir comme scénarii, et les personnages sont fidèles à eux-mêmes, avec en plus quelques apparitions d'acteurs connus (le Dr Bombay de Bewitched, ou encore Big Moustache de la Grande Vadrouille)... mais le tout est affreusement plat et peu rythmé. On passe trois plombes sur le navire de croisière, avec Grandpa transformé en loup et mis en quarantaine, ou avec Marilyn (qui a encore changé d'interprète, et est désormais une rouquine affreusement transparente) qui tombe amoureuse d'un homme à bord ; on se retrouve ensuite dans le manoir, avec une exploration longuette des souterrains, piégés... et on finit par une course automobile façon Satanas & Diabolo entre les familles du coin, l'occasion pour les Munsters de tuner un peu plus leur dragster.

Bref, le tout est très très moyen.

The Munsters Revenge (1981) :

On prend les mêmes (ou presque), et on recommence, quinze ans après. Début des années 80 : motivé par le succès de la réunion tv de la Famille Addams, quelques années plus tard, on met en place ce téléfilm réunion pour les Munsters, dans lequel les Munsters sont placés en état d'arrestation après qu'un criminel-scientifique ait utilisé et animé les mannequins de cire du musée local (où se trouve des modèles des Munsters au grand complet) pour commettre des braquages. Au reste de la famille, aidé du nouveau petit ami de Marilyn, un policier, fils du commissaire de la ville, de sauver Grandpa et Herman, en cavale.

Gros coup de vieux pour Yvonne de Carlo, et pour Grandpa ; Fred Gwynne, lui, s'en sort nettement mieux, ne paraissant pas changé depuis les 60s. Les autres persos ? Hum... disons qu'un gamin rital trop vieux avec du duvet en guise d'Eddie impertinent, ça ne le fait pas du tout, et que Marilyn, relookée 80s, est encore moins bien castée que d'habitude, et d'autant plus transparente. Reste que ce télefilm se regarde tranquillou, que la bande fait une escale amusante en Transylvanie, et que le concept de la fête d'Halloween donnée par les Munsters à tous leurs cousins rappelle beaucoup le Halloween with the New Addams Family... m'enfin bon, ce n'étais pas désagréable.

The Munsters Today (1988-1991) :

Les Munsters se cryogénisent en 1966, se réveillent en 1988 (ce qui contredit le téléfilm précédent, de 1981, et clairement placé à cette époque), et reprennent leur vie comme si de rien n'était. Un show introuvable, hormis quelques épisodes sur youtube, des épisodes qui te détruisent les neurones, te bousillent les yeux, et ne sont guère plus que du cosplay immonde, malgré Lee Meriwhether en Lily Munster.

 

Reste alors Here Come The Munsters, téléfilm de 1995 introuvable sur la famille qui renoue avec le beau-frère Norman Hyde, et qui croise au passage tous les acteurs originaux dans un caméo savoureux. Malgré un Herman beaucoup trop humain, et un Grandpa assez moche, ce que j'en ai vu semblait honorable, et à la limite, dans la continuité du show original.

Ce qui n'est pas le cas du téléfilm de l'année suivante, The Munsters' Scary Christmas, tout aussi introuvable, mais dont la distribution semble clairement défaillante et hors-sujet.

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Un film, un jour (ou presque) #790 : MOIS FRANÇAIS - L'Élève Ducobu (2011) & Les Vacances de Ducobu (2012)

Publié le 8 Août 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Comédie, France, Jeunesse, Aventure, Romance

Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française... ​​

L'Élève Ducobu (2011) :

Cancre et tricheur indécrottable, Ducobu (Vincent Claude) a été renvoyé de toutes les écoles, sauf de Saint Potache. Là, il arrive dans la même classe que Léonie (Juliette Chappey), la meilleure de la classe, qui le jalouse mais s'éprend aussitôt de lui. Mais son instituteur, Gustave Latouche (Élie Semoun) est particulièrement strict, et a Ducobu dans son collimateur...

Adaptation, réalisée et écrite par Philippe de Chauveron (déjà à l'origine de Les Seigneurs, Débarquement Immédiat, et Qu'est-ce qu'on a fait au bon dieu ?), de la bande dessinée du même nom, et qui tente de développer sous forme d'un récit structuré une suite de gags ponctuels et limités.

Ce qui fonctionne à moitié, en fait : si les trois trimestres permettent d'articuler plus ou moins le récit, on reste quand même dans une succession de scénettes distinctes, qui reposent entièrement sur les personnages de Ducobu et Latouche pour fonctionner.

Et là, problème : si Vincent Claude ressemble bien au personnage de la bd (malgré une coloration capillaire discutable), son interprétation ne suit pas forcément ; quant à Élie Semoun, il fait du Élie Semoun, et sa romance avec sa collègue est même parfois un peu glauque (à la fois dans la manière dont elle est filmée et écrite).

Les parents d'élèves (Bruno Podalydès et Helena Noguerra) sont quant à eux inexistants, et c'est Juliette Chappey qui s'en sort le mieux, en fait, puisqu'elle est à la fois crédible et naturelle, et qu'elle incarne sans problème son personnage.

Ajoutez à tout cela une musique gentiment dérivative, et une tentative d'inscrire le récit dans une époque relativement intemporelle - qui vacille dès qu'on fait référence à Koh-Lanta et compagnie, et on se retrouve avec une adaptation assez quelconque, pas forcément désastreuse, mais très oubliable.

2.5/6

Les Vacances de Ducobu (2012) :

À l'occasion des grandes vacances, Ducobu (François Viette) et son père (Pef) partent en vacances avec Léonie (Juliette Chappey) et sa mère (Helena Noguerra). Mais sur place, ils retrouvent avec horreur Mr. Latouche (Élie Semoun) et sa compagne Mlle. Rateau (Joséphine de Meaux). Ensemble, contre toute attente, ils vont alors partir à la recherche du trésor d'un pirate local...

Une suite clairement mise en chantier à l'arrache (elle a été écrite en plein tournage du premier), qui remplace son compositeur, plusieurs acteurs (Pef prend la place de Bruno Podalydès, et François Viette celle de Vincent Claude dans le rôle-titre), et qui y rajoute un Bruno Salomone en roue libre, qui fait du Bruno Salomone.

Ces remplacements ne sont pas toujours forcément des plus avisés - Pef n'est là que pour baver sur Noguerra, elle-même n'étant là que pour être sexy et en maillot ; et si le nouveau Ducobu est un peu plus naturel dans son jeu, il manque un peu de présence et de charisme - et ne sont de toute façon qu'un prétexte anecdotique pour laisser toujours plus de place à Élie Seymoun.

On a donc Élie Seymoun en co-tête d'affiche, Élie Seymoun amoureux, Élie Seymoun jaloux, Élie Seymoun furieux, Élie Seymoun en grand-mère, Élie Seymoun en aventurier, etc... l'overdose d'Élie Seymoun arrive très tôt dans le film, et il faut attendre la dernière demi-heure, quand le film se transforme en film d'aventures pour enfants, pour que Seymoun se fonde à nouveau dans le groupe, et ne l'éclipse plus.

C'est dommage qu'il y ait tant de digressions et de moments inintéressants dans la première heure, car finalement, le côté film d'aventures fonctionne assez bien, et vaudrait presque la moyenne à ces vacances de Ducobu. Mais trop de Seymoun, trop de romance forcée, trop de surplace, ça donne un film bancal, au même niveau que le premier, malgré des qualités et des défauts un peu différents.

2.5/6

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Les bilans de Lurdo - Westworld, saison 1 (2016) - dernière partie (1x09-10)

Publié le 14 Avril 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Review, Télévision, Science-Fiction, Drame, Western, Les bilans de Lurdo, Thriller, HBO

Suite et fin de cette saison 1 de Westworld, qui m'a un peu perdu en cours de route, à cause de légers flottements au niveau de la structure et de l'écriture...

Westworld saison 1 - 1x09 : 

De plus en plus puissante, Maeve révèle sa nature à Bernard ; Bernard, lui, se confronte à Ford, et l'oblige à lui rendre ses souvenirs, mais cela se retourne contre lui. Dolores parvient enfin au coeur du Labyrinthe, où elle retrouve l'Homme en Noir. Hale continue de tenter d'écarter Ford de la direction du parc ; William se radicalise de plus en plus...

Assez mitigé, dans l'ensemble : je me répète, mais j'ai énormément de mal avec la sous-intrigue de Maeve, désormais tellement surpuissante et omnisciente qu'elle parvient même à contrôler Bernard. Peut-être que si ça avait été mieux amené et mis en place...

À l'identique, le virage über-méchant de Ford n'est pas forcément inintéressant, mais semble particulièrement forcé et caricatural dans sa mise en place. Je reste cependant intrigué par l'hôte qui est progressivement fabriqué dans toutes les scènes mettant Ford en scène, dans son antre... je me demande s'ils ne nous préparent pas le double d'un personnage ou d'un autre, pour le remplacer à l'insu de tous.

Un peu à l'image de Bernard/Arnold. Pas forcément totalement surprenant - le nombre de postulants au titre d'Arnold était finalement limité : Ford, Bernard, un nouvel acteur ou une intelligence artificielle désincarnée - mais logique.

Du côté de l'Homme en Noir et de William, enfin, leurs caractères se rapprochent de plus en plus, et on en apprend pas mal sur l'HeN, pour un tout qui semble bien valider la théorie selon laquelle ils ne font qu'un.

Mais dans l'ensemble, s'il était plutôt bien réalisé, cet épisode ressemblait assez à un épisode de mise en place, notamment sur le front de Dolores, avec des scénaristes qui en gardent clairement sous le coude pour l'épisode final.

1x10 :

L'identité de l'Homme en Noir est enfin révélée ; Maeve met en œuvre son plan pour s'évader de Westworld ; Ford déclenche sa nouvelle fresque narrative, et chamboule tout l'écosystème du parc...

90 minutes pour cet épisode final, qui n'en méritait pas forcément tant.

Il y a en effet, dans cet épisode, pas mal de remplissage, ce qui a l'effet désagréable d'étirer en longueur des révélations et des réponses que le spectateur a déjà plus ou moins devinées à l'avance.

Problématique, lorsque toute la série repose sur ce type de structure "à mystères".

Les secrets du labyrinthe, l'identité de l'Homme en Noir, la réaction finale de Maeve, la souffrance en tant que catalyseur du réveil des Hôtes, le recrutement de tous les hôtes désactivés, le massacre du conseil d'administration de Talos, tout ça, ce n'est pas inintéressant, mais c'est aussi particulièrement prévisible et balisé.

Et fréquemment, jusqu'au dernier instant, le scénario tente de faire durer le suspens : je pense notamment à l'identité de l'Homme en Noir, étirée jusqu'à plus soif par la réalisation et par le script, qui tentent une double feinte, celle d'une ambiguïté visuelle (ratée) entre Teddy et William dans le rôle de celui qui "m'aime et va venir me sauver", et celle de l'HeN qui raconte la vie de William à la troisième personne, histoire de faire croire jusqu'au bout qu'il est en réalité Logan.

Le plan final de Ford, qui manipule tout le monde en secret, y compris Maeve, pour amener à un coup contre le conseil et à la réalisation du rêve d'Arnold... mwé. Pas totalement surprenant tant son heel turn semblait grossier et forcé, et pas totalement bien pensé, puisque reposant en partie sur la bêtise humaine, notamment de ses techniciens. Mais bon, passons.

La seule chose que je n'ai vraiment pas anticipée, c'est l'identité de Wyatt (à savoir Dolores). Mais c'est principalement parce que je ne me suis même pas posé un seul instant la question de cette identité, et que le sort de Dolores ne m'a malheureusement pas intéressé plus que ça.

Pourquoi ?

Bonne question. Il va falloir que j'y réfléchisse, avant de tenter de synthétiser ce que j'ai pensé de cette première saison très inégale. Rendez-vous la semaine prochaine, pour un bilan plus détaillé.

 

(retrouvez aussi sur ce blog la critique des épisodes 1x01-02 ; 1x03-04 ; 1x05-06 ; 1x07-08)

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Un film, un jour (ou presque) #893 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Le Mariage de mon Ex (2017) & Basmati Blues (2017)

Publié le 15 Février 2019 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Drame, Review, Romance, St Valentin, Inde

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Le Mariage de Mon Ex (Literally, Right Before Aaron - 2017) :

Toujours traumatisé par sa rupture avec Allison (Cobie Smulders), sa compagne de longue date, Adam (Justin Long) plaque tout - y compris sa petite amie actuelle (Briga Heelan) - lorsqu'il apprend qu'Allie va se marier avec Aaron (Ryan Hansen), et qu'il est invité à la cérémonie. Mais une fois sur place, la nostalgie de cette romance idyllique va se montrer trop forte pour que le jeune trentenaire ne fasse rien...

Une comédie dramatique indépendante adaptée d'un court-métrage, et finalement pas si romantique que ça, même si le sujet principal du tout est l'amour, un amour perdu et idéalisé par Adam au travers de flashbacks fréquents, quasi oniriques.

Et l'intérêt du film s'arrête là. Ou plutôt, devrais-je dire, une fois que l'on met de côté la distribution remarquable du métrage (Long, Heelan, Hansen, Smulders, John Cho, Lea Thompson, Dana Delany, Luis Guzman, Charlotte McKinney, Charlyne Yi, ou encore Kristen Schaal), on se retrouve avec un film contemplatif et doux-amer, jamais vraiment drôle ni dramatique, dans lequel un protagoniste égocentrique, névrosé et antipathique, incapable d'aller de l'avant et de se remettre en question, semble prêt à tout pour ruiner le mariage de son ex.

Et si, par moments, on pense un peu à du Woody Allen, le film ne parvient cependant jamais à rendre Adam attachant, ou à l'affubler d'un pathétisme qui amène le spectateur à s'apitoyer sur son sort.

Le tout tombe donc assez à plat, sans que l'on se range jamais du côté du protagoniste (ce qui, même si c'est voulu par son parcours, fait que le spectateur peine à accrocher au récit) et se conclue de manière improbable et moyennement convaincante. Bof.

2/6 (pour la distribution sympathique)

Basmati Blues (2017) :

Inventrice, pour le compte d'une multinationale dirigée par Gurgon (Donald Sutherland), d'une variété de riz génétiquement modifiée, Linda (Brie Larson) part pour l'Inde pour convaincre les agriculteurs locaux d'acheter son riz, et de transformer leur vie - et leurs cultures - pour le meilleur. Sur place, elle se rapproche ainsi de Rajit (Utkarsh Ambudkar), un étudiant contraint de revenir dans sa famille faute d'argent, mais comprend bien vite que son entreprise et son invention vont faire plus de mal que de bien au pays...

En théorie, sur le papier, Basmati Blues devait probablement paraître un projet ambitieux et intrigant : une comédie musicale américaine hommage à Bollywood, avec 90% d'acteurs aux origines indiennes, qui dénonce les manipulations des grandes multinationales du monde de l'agriculture ; un mélange des cultures et des genres improbables, une romance décalée et engagée, bref, quelque chose d'amusant et de potentiellement charmant.

Dans les faits, cependant, ça ne fonctionne pas : l'interprétation est trop caricaturale (Brie Larson ne fait pas vraiment dans la finesse et la subtilité, avec des réactions et un langage physique appuyées), les chansons généralement insipides, la romance peu engageante (car cousue de fil blanc, malgré un meet cute amusant), et le récit n'est tout simplement pas très intéressant ni bien rythmé.

En fait, j'ai trouvé le tout vraiment maladroit, y compris dans son utilisation parfois clichée de la culture indienne ; et c'est dommage, parce que malgré une direction artistique inégale (certains intérieurs sont assez fauchés, notamment du côté américain), ce n'est pas mal filmé, notamment les paysages, joliment mis en valeur, et certains numéros musicaux.

Mais dans l'ensemble, je n'ai pas accroché du tout, et visiblement, à en juger par la réception critique du métrage, je ne suis pas le seul.

2/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien....

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Un film, un jour (ou presque) #882 - QUINZAINE SAINT VALENTIN : Loue-moi ! (2017) & Coup de Foudre au Ranch (2018)

Publié le 10 Février 2019 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Review, Télévision, Comédie, Romance, France, Hallmark, St Valentin

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Loue-moi ! (2017) :

Contrairement à ce que croient ses parents, Léa (Déborah François) n'est pas une avocate brillante. Avec sa colocataire Bertille (Alison Wheeler), elle a en effet fondé une agence de services à la personne : Léa se loue ainsi à de nombreux clients, adoptant ainsi des identités variées en fonction des besoins de ces derniers. Mais lorsque Raphael (Marc Ruchmann), son amour de lycée réapparait dans sa vie, tout se complique, et les multiples mensonges de la jeune femme s'avèrent alors de plus en plus durs à gérer...

Une comédie semi-romantique française, premier film de ses deux co-réalisatrices et co-scénaristes, co-produit par Kev Adams (qui fait un caméo dans le rôle du petit-ami artiste barbu de Léa, et qui s'est invité dans le film en compagnie de Gad et d'Arié Elmaleh)... mais heureusement, on est loin des métrages habituels de Kev, puisque ici, le tout s'avère plutôt divertissant à regarder, porté par le charisme d'une Déborah François sympathique, et par des idées de réalisation agréables (l'héroïne dispose d'une grande imagination, et l'on voit ses différentes incarnations à l'écran).

Certes, ce n'est pas un film parfait : en tant que premier film, il y a quelques problèmes de rythme, notamment à mesure que le ton se fait un peu plus sérieux et sentimental, vers la fin du métrage. Néanmoins, ça ne se prend pas trop au sérieux, la distribution secondaire - Bernard Ménez, Charlotte de Turckheim, Alison Wheeler...) rend le tout agréable à suivre, et ce Loue-moi ! (un titre assez peu engageant) finir par s'avérer une bonne surprise.

3.75/6

Coup de Foudre au Ranch (Under The Autumn Moon - 2018) :  

Convaincue par son patron de procéder à l'acquisition d'un ranch pour les séminaires de l'entreprise, Alex (Lindy Booth), une citadine, décide de s'y rendre pour vérifier les lieux, et tenter de convaincre ses propriétaires. Mais sur place, Josh (Wes Brown), le gérant, refuse absolument de vendre sans avoir de garantie que l'établissement sera préservé en tant que tel, avec son histoire et ses spécificités. Alex décide alors de rester sur place, pour tenter de le convaincre...

Une comédie romantique Hallmark ultra-balisée, puisqu'elle partage un pitch quasi-identique avec Un Millier de Flocons (avec Cameron Candace Bure), mais sans la neige, remplacée ici par une décoration automnale gentiment abusive, à base de citrouilles, de guirlandes de feuilles mortes partout, et de couleurs intégralement rousses, mordorées, brunes et cuivrées).

À part ça, vraiment rien de mémorable ou de passionnant.

Booth et Wes Brown (une sorte de Clark Kent un peu constipé, déjà dans L'Héritage de Noël, entre autres) ont une alchimie modérée, mais ne sont pas désagréables à suivre ; les deux sidekicks afro-américains ont une romance un peu bancale et surjouée ; la soeur de Josh (Natalie Lisinska) et le boss excentrique sont relativement sympathiques, et il n'y pas trop de gros malentendus forcés dans le script, à part les deux rivaux qui n'apportent pas grand chose d'intéressant au récit ; mais dans l'ensemble, le tout s'avère trop générique pour être vraiment intéressant ou passionnant.

Ce n'est pas mauvais, en soi, c'est juste assez quelconque.

Un 3/6, en étant gentil.

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