Résultat pour ""the good place""

Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française... ​​ ​

King Guillaume (2009) :

Lorsque le roi de l'île indépendante de Guerrelande, au large de la Bretagne, décède soudain, William-Fernand (Pierre Richard), son intendant, doit au plus vite retrouver l'héritier du trône, sous peine de voir l'île revenir aux mains de la Grande-Bretagne. Il se met donc en route, et trouve Guillaume et Magali Brunel (Pierre-François Martin-Laval & Florence Foresti), un couple tranquille, à qui il promet monts et merveilles pour les convaincre de rejoindre cet île perdue et désolée...

Libre adaptation de la bande dessinée Panique à Londres par Pef, cette comédie absurde et lunaire donne, dans un premier temps, l'impression d'une excellente surprise, notamment au travers de son ouverture façon cours d'histoire donné par Terry Jones, des Monty Python.

On retrouve alors rapidement l'humour décalé des Robins des Bois, notamment au travers de ces répliques non-sensiques qui parsèment la première moitié du film, et l'on se dit "si ça continue comme ça, ça peut être très sympathique". Et puis en fait, pas tant que ça.

Sur la durée, en effet, le film peine à maintenir son rythme, et finit par faire place au Florence Foresti-show, sous-développant systématiquement tous les autres personnages secondaires (notamment Omar Sy), pour laisser la comédienne faire son numéro.

Résultat : ça finit par tourner en rond et à vide, ça lasse, et quand le film tente de jouer la carte de l'émotion et de la sincérité, sur la fin, on n'y croit pas vraiment.

Dommage.

2.5/6

Le Petit Spirou (2017) :

Sur le point de rejoindre une école de grooms, le Petit Spirou (Sacha Pinault) commence à douter de son avenir, et décide de s'enfuir avec Suzette (Lila Poulet-Berenfeld), sa bien-aimée, pour un voyage autour du monde...

Adaptation franco-belge des bandes-dessinées du Petit Spirou par le réalisateur des Enfants de Timpelbach (film que j'avais bien apprécié, à l'époque), ce métrage souffre de problèmes récurrents aux adaptations de ce type.

À commencer par l'interprétation des enfants : si Spirou et Suzette s'en sortent plus ou moins bien, tous leurs compères sont nettement plus inégaux ; du côté des adultes, pas de gros problèmes, même si, comme pour les enfants, on peut se poser des questions quant au choix des acteurs par rapport à leurs personnages (je pense notamment à Maman Spirou, ici blonde, sans raison).

Ensuite, il y a un véritable problème de trame narrative dans toutes ces adaptations de séries de gags unitaires : l'intrigue globale semble toujours bâclée ou artificielle. Ici, les angoisses de Spirou (moteur principal de l'intrigue) sont entrecoupées de gags tirés de la bande dessinée, qui donnent un côté décousu au tout, et un ton globalement étrangement dramatique et mélancolique... ce qui est loin de ce à quoi on pouvait s'attendre du Petit Spirou.

Le résultat : un métrage terne et nostalgique, sage, bon enfant mais presque vieillot, qui n'est jamais particulièrement rythmé et qui manque de mordant. Pas assez d'énergie, pas assez d'impertinence, pas assez de fun... et pas de Spip.

2.25/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...

Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française...

OSS 117 : Rio ne répond plus (2009) :

Douze ans après la mission du Caire, OSS 117 (Jean Dujardin) est envoyé à Rio pour y retrouver un micro-film révélant les noms des collaborateurs français sous l'occupation. Sur place, il y rencontre Dolorès Koulechov (Louise Monot) du Mossad, des Nazis, et des Chinois particulièrement rancuniers...

Après un premier OSS 117 à 4.75/6 (un excellent pastiche de film d'espionnage des 50s, avec un Dujardin formidable en agent idiot, chauvin et paternaliste, une musique mémorable, et un script bien plus malin et subtil qu'il n'y paraît), la suite, sortie 3 ans plus tard : on prend les mêmes, et on recommence, mais dans les années 60, et en Amérique du Sud.

Si l'effet de surprise n'est plus forcément là, on retrouve sans problème tout ce qui faisait le charme du premier OSS, mais un charme un peu différent, cette fois-ci. Rio ne répond plus change en effet légèrement son fusil d'épaule, insistant de manière un peu plus appuyée sur la bêtise de son héros, totalement dépassé par un monde en pleine mutation.

À l'instar de l'époque qu'il aborde, Rio... est ainsi plus décousu et libéré, affranchi du cadre rigide du premier opus et des années 50 : cela donne lieu à une première demi-heure en demi-teinte, manquant un peu du punch et de la mécanique implacable de l'original, mais ensuite, progressivement, le film monte en puissance et en absurde dès que les Nazis entrent en jeu.

On finit par passer un moment tout aussi agréable qu'avec le film précédent, même si, il faut bien l'avouer, il manque peut-être d'un moment instantanément culte et mémorable, comme pouvait l'être Bambino en 2006.

4.5/6

Les Aventures de Philibert, Capitaine Puceau (2011) :

Au XVIème siècle, en Bretagne, Philibert (Jérémie Renier) découvre à la mort de son père cultivateur qu'il est en réalité l'héritier d'un riche noble assassiné par le machiavélique Comte d'Artois (Alexandre Astier). Accompagné de Martin (Manu Payet), son nouvel écuyer, Philibert part en quête de vengeance, bien décidé à protéger au passage sa virginité et sa Foi, et à conquérir le cœur de la belle Inès (Élodie Navarre)...

Le co-scénariste des OSS 117 remet le couvert, mais appliqué cette fois-ci aux films de cape et d'épée des années 50-60, et sans Michel Hazanavicius à la réalisation, confiée ici à un réalisateur de sketches de Canal +, dont c'est là le premier long-métrage.

Le résultat : un pastiche très réussi visuellement, mais laborieux au possible, et qui peine à convaincre sur la durée, car cruellement dépourvu de punch et d'énergie. Pourtant, on sent que la production a abattu là un sacré travail, et que les acteurs font tout leur possible (même si Astier, envahissant, semble un peu refaire sa partition habituelle, et si la diction très particulière sied plus ou moins bien à chacun).

Mais c'est insuffisant : dans l'ensemble, ça se regarde gentiment, sans jamais vraiment arriver à la cheville des OSS, ni particulièrement passionner, tant tout ça manque du rythme des deux films de Dujardin, et de leur mordant.

J'ai envie de mettre la moyenne pour l'effort de reconstitution, et pour certains gags, mais en fait, j'ai commencé à regarder ma montre avant même l'heure de métrage, ce qui n'est vraiment pas bon signe...

2.75/6

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus... et pendant deux semaines, à l'occasion des 40 ans de la franchise Alien, retour sur les films de la saga, et sur ceux de sa grande rivale, Predator.

Alien, le Huitième Passager (Alien) - Director's Cut :

En décidant d'enquêter sur un étrange signal de détresse, l'équipage du Nostromo (Tom Skeritt, Sigourney Weaver, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm, Yaphet Kotto) ignore qu'il est sur le point de ramener à son bord un parasite extraterrestre meurtrier, qui va se développer pour devenir une créature assoiffée de sang...

40 ans que le film est sorti, et je dois faire un aveu :  je n'ai vu l'intégralité de cet Alien fondateur, en tout et pour tout, qu'une seule fois. Lorsque j'étais très jeune. Trop jeune, puisque le film m'a laissé des cauchemars qui m'ont poursuivi pendant plusieurs années... jusqu'à ce que je découvre Aliens, et que la testostérone des Space Marines de Cameron ne me guérisse de ma peur des xénomorphes.

Cependant, malgré d'occasionnels passages revus à l'occasion de rediffusions, je n'ai jamais eu vraiment envie de m'installer devant l'intégralité du film, étant naturellement plus porté vers la franchise Predator, et peu rassuré par les critiques plus que mitigées d'Alien 3 et 4.

Bref, plusieurs décennies plus tard, je replonge aux origines du mythe, cette fois-ci dans sa version Director's Cut, et en faisant comme si je n'avais jamais vu le métrage (ce qui n'est pas loin de la vérité, tant je n'en garde que de vagues souvenirs).

Et c'est aujourd'hui d'autant plus compliqué d'aborder ce film avec un regard objectif, tant sa réputation est démesurée, que l'univers et ses créatures se sont développés au fil des ans, et que de nombreux films ont réutilisé ses ressorts narratifs et ses effets, jusqu'à les galvauder.

D'autant qu'il faut bien l'avouer, certains des aspects du film ont pris un petit coup de vieux : son rythme très particulier, lent et pesant (renforcé par le remontage du Director's Cut) ; certains de ses effets informatiques et matériels (l'embryon qui sort du torse de Kane, par exemple, fait vraiment artificiel, et ne peut que rappeler directement la parodie de La Folle Histoire de l'Espace) ; la caractérisation assez agaçante et larmoyante de Lambert ; ou encore les quelques incongruités du script, comme l'état amorphe de l'alien dans la navette, vers la fin (j'ai bien compris que dans le script original, la créature était supposée être en fin de vie après avoir transformé deux membres d'équipage en cocons/œufs, mais que ce soit dans la version cinéma ou dans le director's cut, cela reste trop vague pour fonctionner).

Malgré cela, le film fonctionne toujours, entre son atmosphère étouffante et visqueuse, son équipage somme toute assez sympathique (sauf Lambert), sa curiosité scientifique, son mystère cyclopéen, son univers industriel et corporatiste qui place naturellement le capital au dessus de la vie humaine, son rebondissement centré autour de Ash, et son Ellen Ripley à la fois forte et sexy, indépendante et inflexible.

C'est donc toujours un bon film (malgré quelques transitions et coupes un peu brusques dans la version Director's Cut), qui fait son petit effet, et qui, très sagement, sait toujours dissimuler sa créature, et jouer autour des limites de son budget et des capacités techniques de l'époque.

Pas certain que le film fonctionne aussi bien sur les nouvelles générations, peu habituées à ce qu'un métrage passe 5 minutes sur un banal atterrissage de navette, et pour qui Alien = Prometheus et Covenant (les pauvres), et je lui préfère toujours Aliens, mais ça reste une réussite incontournable dans le genre.

4.25/6​ ​​​​(4.5/6 pour la version cinéma)

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Suite de cette saison 1 de Westworld, après deux premiers épisodes intrigants et pleins de potentiel...

Westworld saison 1 - 1x03 : 

Ford met en place une nouvelle mise à jour narrative dans le parc : Teddy et Dolores se retrouvent liés à un dangereux hors-la-loi cannibale, Wyatt, alors même que Dolores parvient progressivement à dépasser sa programmation, et à se servir d'une arme à feu. Pendant ce temps, William et Logan se trouvent embarqués dans une chasse à l'homme...

Un épisode plutôt réussi, signé Neil Marshall - ce qui n'est pas surprenant, vu que l'épisode est nettement plus bourrin et sanglant que les deux précédents, ou du moins, beaucoup plus tendu.

Contrairement aux épisodes précédents, j'ai apprécié tout le développement autour d'Anthony Hopkins (que ce soit via son double numérique rajeuni, ou dans le présent), qui laisse deviner une facette plus obscure de ce personnage, et donne des indices intéressants quant à la nature des glitches et des bugs des hôtes : Arnold, l'autre créateur, mystérieusement décédé, et qui sert de voix de Dieu aux hôtes.

(d'ailleurs, on retrouve brièvement, dans le flashback sur les origines du parc, l'hôtesse qui avait accueillie William à son arrivée - je suis sûr que c'est un indice ou quelque chose du genre, et que ce n'est pas innocent de la part des scénaristes, mais je ne sais pas encore ce que c'est censé indiquer...)

J'ai aussi apprécié le bref caméo de Gina Torres (ça fait toujours plaisir), ainsi que la manière dont tout fini par se lier, avec l'arrivée d'une Dolores traumatisée dans les bras de William.

1x04 :

En pleine chasse à l'homme, Logan et William découvrent une quête secondaire inédite ; en parallèle, l'Homme en Noir continue de chercher les indices menant au Labyrinthe, ce qui l'amène à participer à une évasion spectaculaire. Maeve explore les origines de ses visions, et retrouve le reste de balle logé dans son abdomen pourtant intact. Dans le monde réel, Ford, lui, se montre menaçant lorsque lorsque Cullen remet en question ses nouveaux développements narratifs...

Un épisode qui m'a laissé un peu plus mitigé.

La faute à une sous-intrigue assez prévisible centrée sur Maeve - on se doutait que ce reste de balle logé dans son abdomen allait être réutilisé par les scénaristes à un moment ou un autre, et qu'elle allait s'ouvrir le ventre pour le retrouver - et à un artifice de scénario/mise en scène qui commence à me lasser un peu : les entretiens de Bernard & Dolores, qui ont tendance à virer à la démonstration d'acting pour Evan Rachel Wood à chaque fois qu'elle doit passer de sa personnalité ultra-émotive à sa froideur robotique. En soi, pourquoi pas, mais ça a plus tendance à attirer mon attention sur la performance de l'actrice qu'autre chose, et ça me sort un peu du récit.

Cela dit, ces entretiens ont aussi permis, ici, d'éclaircir un peu le concept du Labyrinthe, qui semble symbolique, ou destiné à libérer les hôtes de leur condition de robot ; on comprend mieux pourquoi la fillette avait dit à l'Homme en Noir, un humain, que le labyrinthe n'était pas fait pour lui...

Un Homme en Noir qui, d'ailleurs, semble très connu à l'extérieur du parc, et paraît en savoir beaucoup au sujet de ses créateurs, notamment d'Arnold. Le scénario continue par ailleurs de faire évoluer William et l'Homme en Noir en parallèle, dans le parc, ce qui reste hautement suspect, et le toutéliage continue, puisque l'Homme en Noir cherche désormais Wyatt, le cannibale, au terme d'une jolie séquence d'action.

Enfin, si je suis plus mitigé sur l'ensemble de l'épisode, je dois dire que j'apprécie la manière dont la réalité du parc, ses savants, ses techniciens, ses bugs, tout ça, est progressivement intégré par les hôtes sous forme de religion et de figures mystiques inexplicables. Une preuve de plus que les robots de Westworld sont tous déjà plus ou moins des êtres vivants à part entière...

(retrouvez aussi sur ce blog la critique des épisodes 1x01-02)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus... et pendant deux semaines, à l'occasion des 40 ans de la franchise Alien, retour sur les films de la saga, et sur ceux de sa grande rivale, Predator.

AVPR : Aliens vs. Predator - Requiem (Unrated Cut) :

Lorsqu'un vaisseau extraterrestre s'écrase dans le Colorado, près de la ville de Gunnison, des xénomorphes s'en échappent et commencent à se reproduire en attaquant les habitants de la bourgade (Steven Pasquale, Reiko Aylesworth, John Ortiz, Johnny Lewis, Sam Trammell, Kristen Hager...) La panique s'empare progressivement de la bourgade, alors même qu'un Predator solitaire arrive sur place pour éliminer la menace xénomorphe...

Réputé pour être le pire opus des deux franchises Alien et Predator, AVPR ne m'a jamais semblé aussi mauvais qu'on voulait bien le dire. Le film est certes médiocre, et bourré de problèmes, à commencer par sa composante humaine : la distribution est vraiment insipide, digne d'une série tv tournée à Vancouver, et chaque fois que l'action se désintéresse des créatures, le film perd tout intérêt.

D'autant que, pour ne rien arranger, la photographie est ultra-sombre : le résultat d'un tournage sans beaucoup d'éclairages (il existe en ligne une vidéo du tournage où le chef opérateur de cet AVPR semble démoralisé, à force de répéter en vain qu'il n'y a pas assez de lumière), et d'une post-production qui a encore assombri le contraste et les images. Pourquoi ? Bonne question.

Le résultat est donc sans appel : bien souvent, on ne voit pas grand chose de ce qui se passe à l'écran, dans l'obscurité et sous la pluie. On a beau augmenter la luminosité de son écran, reste que l'étalonnage du film est calamiteux (et encore, c'était pire lors de la diffusion salles).

Ajoutez donc à cela des humains inintéressants au possible, et l'on se retrouve... tout de même avec de bonnes idées, dont un affrontement chasseur solitaire-nettoyeur Predator contre horde d'aliens menée par un hybride Alien/Predator (que l'on ne distingue pas assez pour vraiment pouvoir apprécier son design) plutôt réussi et pêchu.

C'est vraiment le problème de cet AVPR : s'il n'y avait pas les humains pour tout plomber, ça aurait fait un film sympathique, et ce malgré un côté fanservice/compilation des meilleurs moments des deux franchises un peu trop appuyé (notamment dans la bande originale de Brian Tyler), et dans le grand face à face final.

En l'état, et en dépit de tous les problèmes du film, j'ai toujours pensé qu'une fois que l'action était véritablement lancée (dans les 40 dernières minutes, en fait), le film était plutôt dynamique (bien qu'approximatif), avec certaines idées bien brutales... en somme, un film plus qu'imparfait, assez typique de ses réalisateurs, les frères Strause : script quelconque, personnages à baffer, mais tout ce qui à trait aux effets spéciaux est plutôt réussi, notamment ce Predator qui retrouve l'agilité et la réactivité totalement absents des chasseurs bodybuildés du précedent AVP.

Il faut donc simplement se farcir des personnages dont on n'espère qu'une chose : qu'ils y passent tous (ce qui se produit presque !).

2.25/6 (2/6 pour la version cinéma)

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AVPR : Aliens vs. Predator - Requiem (Redux) :

Une version remontée disponible sur le web, et qui élimine plus d'une heure de métrage (tout ce qui concerne les humains, en fait), pour produire 34 minutes d'Aliens se battant contre un Predator. C'est limpide (d'autant plus que l'internaute responsable a ré-étalonné l'image pour la rendre plus lisible), c'est direct et efficace, ça va droit au but, et ça souligne bien le fait qu'il y a là, dans ce métrage, un bon tiers de réussi.

Après, comme tous les remontages amateurs de films, ça reste forcément imparfait (les personnages humains, dépourvus d'introductions et totalement coupés au montage, font d'autant plus tache lorsqu'ils réapparaissent, donnant lieu à des transitions parfois abruptes), et ça n'a de valeur qu'en tant qu'exercice de style. Mais tout de même, ça fonctionne plutôt bien.

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Après une saison 1 lorgnant très fortement sur Police Squad, une saison 2 choisissant une approche plus modérée et sérialisée, et une saison 3 tentant maladroitement de combiner les deux, voilà la saison 4 d'Angie Tribeca, une nouvelle fournée diffusée d'un bloc fin 2018, avec encore un changement radical de direction au programme.

Angie Tribeca, saison 4 (2018) :

Tout juste sortie de vingt années de prison pour usurpation d'identité, Angie retrouve son équipe, une équipe qui a bien changé, puisque Geils et Tanner ne sont plus là. À leur place, Maria (Kiersey Clemons), et AJ Geils Jr. (Bobby Cannavale), le fils adulte d'Angie. Désormais rebaptisée Special Division Force, l'escouade agit maintenant sous les ordres du Vice-Président Joe Perry (Matthew Glave), autrefois responsable de l'emprisonnement de Tribeca...

Et en effet, cette saison se déroule 20 ans après la précédente, une fois Angie sortie de prison.

Ce qui entraîne un renouvellement partiel de la distribution : Angie revient (avec une coupe de cheveux plus courte, et totalement synthétique), Atkins (Jere Burns) aussi (atteint d'un parasite qui le dévore de l'intérieur - une sous-intrigue qui ne va nulle part), Scholls (Andrée Vermeulen) idem (mais avec toujours plus d'antipathie pour Angie)... et avec eux, le petit fils du chien Hoffman, Geils Jr (le fils d'Angie, vingtenaire interprété par le quasi-quinquagénaire Bobby Cannavale), et Maria (Kiersey Clemons), une sorte de mentaliste millenial ultra-perceptive.

Toute cette petite équipe est désormais réunie sous l’appellation Special Division Force (SDF ^^), un groupe officieux au code moral douteux, travaillant directement sous les ordres du Vice President Perry, et qui, dans chaque épisode, se confronte, en infiltration, à des affaires toujours plus étranges.

Et c'est là que la nouvelle direction de la série entre en jeu : cette année, après avoir navigué entre sérialisation poussée et humour ZAZ, le show s'essaie à la parodie directe.

Chaque épisode voit ainsi la série parodier, avec ses guest stars, un genre ou un film en particulier (Grey's Anatomy, avec Eliza Coupe ; 21 Jump Street & Glee, avec Isla Fischer et Dove Cameron ; le monde des e-sports avec Jimmy Tatro et Gillian Jacobs ; Le Diable s'habille en Prada avec Anjelica Huston - et un caméo de Deon Cole ; Wall Street avec Jim Rash et Rose Byrne ; Fargo et No Country for Old Men avec Tony Cavalero ; Scandal avec Gina Torres et Heather Graham ; Erin Brockovich et Boston Legal avec John Michael Higgins et Harry Hamlin ; Indiana Jones & Benjamin Gates ; Air Force One, Face/Off et Esprits Rebelles avec Kathryn Hahn et Carol Burnett), et la série prend progressivement de faux airs de film de Friedberg et Seltzer (la série des _______ Movie).

Ce qui n'est pas forcément une bonne chose, et ce quand bien même une intrigue récurrente centrée sur Pierre Cardin (Taran Killam), diplomate/espion français voulant reprendre aux USA les terres cédées lors de la vente de la Louisiane servirait de fil rouge (souvent absurde et non-sensique) à la saison.

Le problème, en fait, c'est que cette succession de parodies ne fonctionne, comme souvent, que très ponctuellement, et que la série a un peu de mal à équilibrer sa nouvelle direction, et ses gimmicks habituels. Certains des épisodes, ainsi, tournent à vide, avec un abus de vannes littérales tel que l'on n'en avait pas vu depuis la saison 1, et des gags tellement mécaniques que leurs chutes en sont télégraphiées, tandis que d'autres se prennent un peu trop au sérieux dans leur enquête et finissent par paraître mollassons.

Pourtant, Angie Tribeca reste globalement sympathique, principalement parce que tout le monde a conscience de jouer dans une série farfelue, et qu'un évident souci du détail rend les parodies assez réussies (surtout dans le cas de Fargo et de Wall Street).

Mais comme dans les saisons précédentes, il semble toujours manquer un petit je-ne-sais-quoi pour vraiment rendre Angie Tribeca homogène, et éviter que la série ne ressemble à un succédané d'autres œuvres absurdes plus maîtrisées.

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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici et ici. 

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Jupiter - Le Destin de l'Univers (Jupiter Ascending) :

Jupiter Jones (Mila Kunis) est une femme de ménage de Chicago, mécontente de sa vie banale et générique. Sans le savoir, cependant, elle est la réincarnation génétique de l'héritière d'un trône intergalactique, ce qui la place au carrefour des intérêts de nombreux politiciens extraterrestres. Caine (Channing Tatum), un chasseur de primes mutant travaillant pour l'un d'entre eux, arrive ainsi sur Terre, et doit localiser Jupiter avant ses rivaux...

Sans réelle surprise, ce Jupiter Ascending est un film typique des Wachowski. Comprendre par là que c'est un gloubiboulga d'influences mal digérées et de références évidentes, un patchwork de pop-culture datée qui réussit l'exploit de déborder d'idées, tout en manquant cruellement d'inspiration et d'originalité.

Ce qui est donc particulièrement frustrant pour le spectateur avisé, qui ne peut s'empêcher d'identifier toutes les inspirations des Wachos à mesure qu'elles apparaissent à l'écran, de Dune à Star Wars en passant par du cyberpunk typiquement 80s-90s, des animes, et autres visuels repris à droite et à gauche.

D'ailleurs, le film laisse parfois même une drôle d'impression, celle d'un script bâti sur quelques images et concepts forts mais basiques ayant marqué les Wachos ("un ange aux ailes robotiques plane dans le ciel d'une métropole aux côtés d'une fille en rollers à réaction", "une héroïne saute de plate-forme en plate-forme pour escalader une tour qui s'effondre") et à partir duquel ils auraient développé un scénario de manière peu organique.

Car le scénario est un autre des points faibles de ce métrage. Particulièrement classique et pataud (la Cendrillon qui se découvre un destin de princesse, le loup solitaire au grand coeur, les intrigues de cour), le script peine à captiver ou à susciter la moindre émotion : on se contente de suivre les évènements sans grande passion, les dialogues abscons et bavards achevant de forcer le spectateur en position passive.

Et visuellement, c'est un peu une même impression de patchwork qui domine, quelques images et décors frappants (certains plans sont tellement travaillés et réussis qu'ils semblent directement issus de concept-artworks) cotoyant un certain nombre de fautes de goût flagrantes et autres environnements peu inspirés : la plupart des planètes visitées sont affreusement génériques, les mercenaires semblent tout droit sortis d'une mauvaise partie de Shadowrun grandeur-nature, les costumes oscillent entre kitschs et imposants, et le design des vaisseaux spatiaux, pour la plupart modulaires, donne un rendu à l'écran inutilement compliqué et brouillon (notamment en trouadé).

"Brouillon" résume bien le métrage, à vrai dire.

Un métrage pas forcément aidé par ses interprètes principaux, que ce soit Tatum et Kunis, pas particulièrement enthousiasmants ou inspirés, ou bien à l'opposé, Eddie Redmayne, dont la seule instruction de jeu devait être "plus tu cabotineras, mieux ce sera".

Et pourtant, malgré tous ces défauts omniprésents, malgré son propos finalement naïf et improbable dans une production hollywoodienne ("le capitalisme c'est le mal, il écrase les petites gens, il vaut mieux être une prolétaire qui récure les wcs qu'une princesse régnant sur l'univers, car les pauvres se serrent les coudes et mettent tout en commun"... ne manque plus qu'un petit livre rouge !), difficile de détester ce film.

Peut-être est-ce parce que ponctuellement, le spectacle fonctionne à plein régime pendant quelques minutes successives. Peut-être est-ce parce que Sean Bean ne meurt pas (!!). Peut-être est-ce parce que la musique de Giacchino est excellente. Ou peut-être encore est-ce que la présence de quelques visages familiers et sympathiques ici ou là (Bean, Maria Doyle Kennedy, Tuppence Middleton, James D'Arcy, Gugu Mbatha-Raw, Christina Cole, et bien sûr Terry Gilliam, au sein d'une séquence "administrative" tellement WTF et décalée par rapport au reste du métrage qu'on se dit qu'elle a été rajoutée spécialement pour lui) suffit à provoquer l'indulgence.

Oui, peut-être tout ça à la fois. Ou peut-être que c'est simplement un nanard destiné à devenir culte pour plein de mauvaises raisons. Allez savoir.

0/6, 3/6, 6/6 ?

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Désespérément romantique (Hopeless Romantic - 2016) :

Grand romantique passionné de comédies sentimentale, Matt (Brandon W. Jones) voit sa proposition de mariage rejetée par Alexis (Cassi Thomson), sa petite amie. Secoué, il se tourne alors vers son amie de toujours, Liz (Christa B. Allen), ele aussi célibataire, et ensemble, ils décident de s'épauler dans leur quête du bonheur...

Une comédie romantique PixL Tv, ce qui est généralement synonyme de téléfilm refusé par Lifetime et Hallmark, à la distribution variée composée de seconds couteaux manquant souvent de charisme ou de naturel, et au scénario basique inutilement compliqué par des sous-intrigues visant à faire un peu de remplissage pour compenser un budget microscopique.

Paradoxalement, cela donne occasionnellement lieu à des comédies romantiques plus énergiques, excentriques et décomplexées que la moyenne, mais, le plus souvent, cela débouche sur des métrages assez brouillons et approximatifs, comme cet Hopeless Romantic.

Ce n'est même pas que c'est mauvais, mais entre le casting à moitié convaincant (Jones a une tête sympathique, Maiara Walsh et Jorge Diaz sont attachants, French Stewart idem, mais les autres sont nettement plus inégaux, notamment Christa Allen, transparente), qui rend la moitié des couples inintéressante, les sous-intrigues multiples pas toutes aussi convaincantes les unes que les autres, la musique agaçante, les rebondissements cousus de fil blanc, etc, on se retrouve avec une rom-com assez quelconque, qui ne fonctionne qu'en partie, et n'est jamais particulièrement enthousiasmante.

Bof, en somme.

2.25/6

Little Italy (2018) : 

Leo (Hayden Christensen) et Nikki (Emma Roberts) se connaissent depuis leur plus tendre enfance, et sont épris l'un de l'autre. Mais leurs deux familles se détestent depuis des années, et tiennent des pizzerias voisines dans le quartier de Little Italie, à Toronto. Lorsque Nikki, qui travaille comme sous-chef à Londres, revient au Canada pour faire changer son visa, elle retrouve Leo, et retombe dans le conflit qui oppose les deux familles...

Que se passe-t-il lorsque le réalisateur de Mystic Pizza (avec Julia Roberts), de Miss Détective, de Lucky Girl, de Vacances à la Grecque et de Comment se faire larguer en 10 leçons ? (soit une belle panoplie de comédies souvent romantiques et souvent médiocres) décide de réaliser, au Canada, une comédie romantique au script digne d'un téléfilm Hallmark, lorgnant fortement sur Roméo et Juliette dans deux pizzerias rivales, avec dans les rôles principaux Emma Roberts (au demeurant toujours sympathique, là n'est pas le problème), nièce de Julia, et un Anakin Skywalker fatigué qui accuse une différence d'âge (visible) de 10 ans avec sa partenaire, en plus d'être ici fraîchement teint en chatain très foncé (pour faire Italien) ?

Et bien on se retrouve avec une rom-com médiocre, datée et vieillotte, où tout paraît forcé et artificiel, des accents ultra-marqués de toute la distribution aux gags et autres vannes télégraphiées et clichées, en passant par l'alchimie très relative du couple vedette. On a même droit à un grand final à base de protagoniste masculin qui se précipite à l'aéroport pour tenter d'empêcher celle qu'il aime de partir, soit le plus cliché de tous les clichés du genre.

C'est dommage, parce que tout le monde semble s'amuser, mais non : un tel étalage de caricatures et d'idées éventées, en 2018, ce n'est plus possible.

2.5/6 - 0.5 pour l'absence totale d'efforts des scénaristes = 2/6

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L'Aventure à Deux - Le Mariage (2018) :

Tandis que l'auberge de Jenny (Lacey Chabert) affiche complet, et qu'elle prépare son mariage avec Brian (Brennan Elliott), Meg (Pauline Egan), une parente éloignée d'Emily, l'ancienne propriétaire de l'auberge, ressurgit dans leurs vies, et affirme posséder une partie des droits de la propriété. Jenny et Brian se trouvent alors en difficultés financières, alors qu'ils tentent de réunir suffisamment d'argent pour sauver leur demeure, et financer leur mariage...

Après un premier épisode en 2015, Une Maison pour Deux (vraiment générique et quelconque au possible - 2.5/6), et un second épisode en 2017, L'Aventure à Deux (comme le premier, en plus caricatural et en moins sincère - 2/6), Hallmark continue son petit bonhomme de chemin avec les personnages de Jenny et de Brian...

... et à ma grande surprise, ça fonctionne nettement mieux. Certes, le postulat est cousu de fil blanc, mais tout est plus détendu, léger, il n'y a pas de mélodrame forcé, il y a une bonne humeur très agréable, les personnages secondaires récurrents sont tous utilisés, et surtout, plus important, il y a des chèvres partout, ce qui assure toujours un capital sympathie conséquent au film.

On sent que la scénariste et la production ont remarqué que le deuxième épisode avait nettement moins plu aux spectateurs, et qu'ils ont donc tenté de rectifier le tir (notamment au niveau du caractère de Jenny, nettement moins râleuse) : c'est une bonne chose, puisque malgré les facilités habituelles de ce genre de métrage, ce troisième volet est probablement celui est le mieux équilibré de la série.

3.25/6

Love Addict (2018) :

Séducteur invétéré incapable de résister à la moindre femme, Gabriel (Kev Adams) perd son emploi après avoir couché avec les proches de son patron. Décidé à se reprendre, et à réussir à conclure un gros contrat pour son nouvel employeur, il a recours à un coach personnel (Mélanie Bernier) pour qu'elle tente de le débarrasser de ses mauvaises habitudes...

Une comédie romantique assez moyenne, voire médiocre.

Ça ne commence pas trop mal, malgré le jeu inégal de Kev Adams, et une caractérisation un peu WTF de certains personnages (Marc Lavoine, notamment, en oncle déjanté du héros... un personnage amusant... que l'on pourrait aussi bien supprimer du film sans que celui-ci ne change d'un iota), mais rapidement, alors que le montage alterné suit Gabriel et la coach avant leur rencontre (une rencontre qui n'a lieu qu'après 40 minutes de film), on s'aperçoit que les deux personnages principaux (et en particulier la coach) sont tout sauf sympathiques et attachants.

Ce qui, combiné à un rythme bancal et inégal, fait que la romance des deux protagonistes ne fonctionne jamais vraiment à l'écran, en plus d'être cousue de fil blanc (peut-être qu'avec une autre actrice que Bernier, quelqu'un de plus pétillant et charmant, ça aurait mieux fonctionné).

Bref, une comédie romantique qui peine à convaincre, un humour qui ne fonctionne que ponctuellement, un métrage qui s'essouffle sur la durée, une interprétation un peu trop appliquée... bof.

2.25/6 (peut-être un peu plus si l'on est fan de Kev Adams)

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Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec chaque jour plusieurs critiques de films romantiques...

Juliet, Naked (2018) :

Malheureuse et ressentant le besoin d'avoir un bébé, Annie (Rose Byrne) a l'impression de perdre son temps aux côté de Duncan (Chris O'Dowd), avec qui elle vit depuis des années, et dont elle ne partage pas la fascination obsédante et envahissante pour Tucker Crowe (Ethan Hawke), un obscur musicien américain ayant disparu des radars. Jusqu'au jour où Duncan la trompe, et, désormais seule, Annie reçoit un e-mail de Crowe. Bien vite, une romance épistolaire débute entre Annie et le musicien, un musicien paumé et has-been vivant dans le garage d'une ex, et dont les nombreux enfants sont éparpillés aux quatre coins de la planète...

Mouais. En théorie, on a un peu l'impression que Juliet Naked, adapté d'un roman de Nick Hornby, et produit par Judd Apatow, lorgne un peu sur le cinéma de Cameron Crowe, passionné par la musique, etc.

Ce qui, avec cette distribution sympathique, devrait donner quelque chose d'agréable à suivre... sauf qu'en fait, je suis vraiment resté de marbre face à cette histoire jamais très crédible, jamais très originale, jamais très drôle ou très romantique, et surtout, qui souffre de personnages peu attachants, entre la protagoniste passive coincée dans une vie malheureuse, et qui entame une relation sentimentale à distance avec l'idole de son compagnon ; ce dernier, un fanboy assez agaçant, et relativement mesquin (il n'y a qu'à voir la critique finale du nouveau disque de Crowe, une scène d'ailleurs assez amusante) ; et Crowe, un musicien tourmenté et n'assumant pas son talent, ni ses enfants.

Sans oublier la meilleure copine lesbienne, et les ex-femmes toutes plus acariâtres les unes que les autres.

Impossible de m'attacher autrement que superficiellement à ces personnages, et donc impossible de vraiment adhérer à ce métrage.

3/6 (parce que c'est regardable, et que ça ne dure pas trop longtemps)

Time Freak :

Stillman (Asa Butterfield), un petit prodige scientifique, invente une machine à remonter le temps, dont il se sert pour empêcher sa petite amie Debbie (Sophie Turner), une apprentie musicienne, de se séparer de lui. Avec son meilleur ami Evan (Skyler Gisondo), Stillman passe ainsi de moment marquant en moment marquant de sa vie de couple, espérant transformer cette dernière... pour le meilleur et pour le pire.

Hmmm.

Dans l'absolu, pourquoi pas : ce métrage indépendant, adapté d'un court par son créateur, n'est pas forcément d'une originalité folle (le voyage temporel comme moyen de retrouver l'élue de son cœur et d'éviter les erreurs du passé, c'est classique, ne serait-ce que l'année dernière, avec le When We First Met de Netflix), mais il est globalement bien filmé et interprété, et se regarde tranquillement. Le problème, en réalité, c'est le cœur même de ce métrage, la relation entre ce Stillman caractériel, coincé, manipulateur et jaloux, et une Debbie artiste, totalement victime des manipulations temporelles de son cher et tendre.

Avec un personnage principal moins irritant, ou avec un couple principal dont l'alchimie serait plus évidente (Butterfield ressemble plus au petit frère de Sophie Turner qu'à son compagnon), peut-être que tout ça aurait pu fonctionner sans problème.

Là, en l'état, ça coince un peu, et on se surprend à regretter la fin du film, en se disant que le personnage principal méritait un autre sort (alors que le personnage de Skyler Gisondo, lui, nettement plus attachant, connaît une véritable trajectoire intéressante).

Dommage.

3/6 - 0.25 pour le côté énervant du personnage principal = 2.75/6

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Chez les Téléphages Anonymes, du 1er octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur....

Look Away (2018) :

Maria (India Eisley), adolescente déprimée, anorexique et angoissée, vit une vie misérable auprès de son père chirurgien esthétique (Jason Isaacs), infidèle, et de sa mère (Mira Sorvino), qui noie son désespoir dans l'alcool. Jusqu'au jour où elle s'aperçoit que son reflet dans le miroir s'adresse à elle, et quand "Airam" lui propose d'échanger un temps sa place dans le monde réel, Maria voit là un moyen d'échapper à tous ses problèmes. Mais Airam s'avère bien plus incontrôlable qu'il n'y paraît...

Un long métrage horrifique écrit, réalisé et produit par un réalisateur israélien, et  qui ne transcende jamais son postulat de départ finalement assez classique (très rapidement, on se doute que le surnaturel ne se cache pas forcément derrière tout ça, et qu'on est face à quelque chose de plus psychologique), faute d'une écriture particulièrement subtile : tout ce qui concerne le harcèlement scolaire souffre ainsi d'un trait vraiment forcé, un peu à l'instar du personnage de Jason Isaacs, lui aussi très caricatural.

Ce qui fait qu'on regarde cette histoire de manière assez passive, sans vraiment s'impliquer.

C'est dommage, puisque le tout est bien interprété, et plutôt bien filmé, bénéficiant au passage de jolis paysages hivernaux et enneigés.

Mais non, c'est cousu de fil blanc, et ça aurait mérité un peu plus d'originalité et de maîtrise.

3/6 (en étant généreux)

Stephanie (2017) :

Seule chez elle alors que la planète est en proie à une mystérieuse épidémie provenant d'un autre monde, et que ses parents (Frank Grillo, Anna Torv) ont disparu, Stephanie (Shree Crooks) tente de survivre, menacée par une étrange créature qui, occasionnellement, vient lui rendre visite. Pour seule compagnie, elle n'a que sa tortue en peluche, et le cadavre de son frère, qui se dessèche dans sa chambre...

Réalisé (de manière tout à fait compétente) par Akiva Goldsman, sur la base d'un script des scénaristes de Super Dark Times et de SiREN, Stephanie est un film fantastique à petit budget produit par Blumhouse. Ce qui signifie donc qu'il est assez économe en effets, et globalement assez roublard, notamment au niveau de l'exploitation de ses ressources : pendant la première demi-heure, la jeune Shree Crooks est seule à l'écran, dans une maison déserte... et pourtant ça fonctionne.

J'en suis le premier surpris, sincèrement, compte tenu des personnes impliquées derrière la caméra, mais le métrage est plutôt intéressant, dans son ensemble. Stephanie est typiquement le genre de film pour lequel il est préférable d'en savoir le moins possible au delà du postulat résumé ci-dessus : en effet, l'approche des scénaristes et du réalisateur est assez judicieuse, et en cache le plus possible, laissant la narration faire son office et dévoiler progressivement les tenants et aboutissants du récit.

Bon, on ne va pas se voiler la face : dans l'absolu, ce n'est pas d'une originalité folle, et les spectateurs avisés ayant déjà lu John Wyndham (et ses adaptations), par exemple, devineront très (trop ?) tôt ce qu'il en est réellement.

Mais l'interprétation est globalement très solide (surtout la fillette, et même Anna Torv, dont je ne suis pourtant pas un très grand fan), le script n'hésite pas à aller dans des directions ponctuellement assez glauques, et dans l'ensemble, c'est plus intrigant et maîtrisé que bon nombre de sorties en salles, dans le registre de l'horreur et du surnaturel. 

On ne pourra cependant s'empêcher de se dire que le tout aurait mieux fonctionné dans le cadre d'une anthologie télévisée, réduit au format 60 minutes. Et il est d'ailleurs amusant de constater que, lors de sa projection en festival, le métrage était accompagné d'un prologue et d'une conclusion futuristes, replaçant tous ces événements dans un contexte dystopien totalement inutile (avec caméo d'Harold Perrineau en prime), qui avait valu au film pas mal de critiques mitigées. Une preuve de plus que la production a longtemps cherché le format idéal à leur film, sans totalement parvenir à le trouver.

Mais cette version finale reste, toutefois, assez agréable à regarder, et la petite Shree Crooks y est pour beaucoup.

3.5/6 

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Chair de Poule 2 - Les Fantômes d'Halloween (Goosebumps 2 : Haunted Halloween - 2018) :

Pour gagner un peu d'argent de poche à l'approche d'Halloween, Sonny (Jeremy Ray Taylor) et Sam (Caleel Harris) proposent leurs services de ramassage d'objets à leurs voisins : alors qu'ils vident une maison, ils tombent sur un livre étrange, écrit par R.L. Stine, et qui réveille Slappy, une marionnette maléfique à la recherche d'une famille. Avec l'aide de Sarah (Madison Iseman), la grande soeur de Sonny, les deux enfants vont devoir combattre Slappy, et empêcher qu'il ne libère toutes les créatures de Stine sur la petite ville paisible...

N'étant pas très sensible à la nostalgie Goosebumps, le premier Chair de Poule m'avait laissé assez mitigé : entre son Jack Black en roue libre, et son histoire assez quelconque et mal rythmée, le film avait principalement pour lui ses effets spéciaux... et c'était à peu près tout (3/6).

Ici, on prend (quasiment) les mêmes, et on recommence, au point de paraître par moments une redite du premier métrage, avec des créatures un peu différentes.

Jack Black est aux abonnés absents (il  ne fait qu'un caméo, et sort de la franchise à la toute fin du film), Danny Elfman aussi, les adolescents du premier film sont remplacés par un trio pas désagréable (les deux garçons sont efficaces, et Madison Iseman - déjà aperçue dans Jumanji - est finalement assez convaincante en grande sœur débrouillarde), mais au niveau de l'histoire, c'est grosso modo la même chose : c'est gentillet, inoffensif, ça manque de punch ou de péripéties, et c'est très générique, malgré des effets spéciaux et une ambiance d'Halloween plutôt sympathiques.

Très anecdotique, avec des défauts et des qualités différents du premier, pour un résultat assez équivalent.

3/6 (en étant gentil et en gardant à l'esprit le public visé, parce que sinon, c'est un peu en dessous de la moyenne)

Errementari : Le Forgeron et le Diable (Errementari : El herrero y el diablo - 2017) :

Au milieu du 19è siècle, en Espagne, un envoyé du gouvernement (Ortzi Acosta) tente de retrouver un mystérieux forgeron, Patxi (Kandido Uranga), ermite vivant au milieu de la forêt, redouté de tous. Car, selon tous les habitants de la région, Patxi a passé un pacte avec un démon (Eneko Sagardoy), et celui-ci vit avec lui dans sa forge retranchée. Jusqu'à ce qu'Usue (Uma Bracaglia), une fillette désespérée, libère accidentellement le démon, et force le forgeron à prendre les choses en main, alors même que les villageois et le fonctionnaire tentent de s'introduire dans sa forge...

Une excellente surprise que ce film espagnol/basque mélangeant les genres, et produit par Alex de la Iglesia : au carrefour du conte de fées sombre et baroque, de l'horreur, de la fantasy, des peintures infernales de Jérôme Bosch et du film historique, ce métrage s'avère des plus étonnants, notamment lorsque, après une mise en place indispensable, le surnaturel arrive de manière frontale dans le récit, avec ce démon captif et râleur qui tente de s'évader - et plus le film avance, plus le surnaturel est présent, puisqu'on a même droit à une descente aux enfers assez marquante, visuellement parlant.

Le travail visuel du réalisateur est d'ailleurs ce que l'on retient le plus de cet Errementari qui, ponctuellement,  m'a évoqué les meilleurs moments de Monstres et Merveilles : même sens du merveilleux, même sens de l'improbable, même sens du conte, mêmes visuels très travaillés.

Bref : c'est réussi, ce n'est jamais trop long ou trop mal rythmé, ça n'hésite pas à garder un certain sens de l'humour (le masochiste aux enfers ^^), à utiliser une violence sèche et sanglante, et dans l'ensemble, je conseille vivement.

4.25/6

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Avec déjà deux saisons au compteur, Santa Clarita Diet faisait, début 2019, figure d'outsider parmi les nombreuses séries exclusives à Netflix. Discrète et passant totalement sous le radar de la plupart des critiques, cette comédie signée Victor Fresco (Earl, Better off Ted, Andy Richter, etc...) continuait de surfer sur la vague de popularité (pourtant quasi-agonisante) des zombies, en proposant une sitcom familiale un peu décousue, pas toujours maîtrisée, et pourtant assez sympathique, portée par l'interprétation décomplexée de Drew Barrymore et de Timothy Olyphant....

Santa Clarita, saison 3 :

Influencée par Anne (Natalie Morales), qui s'invite de plus en plus dans leur vie, Sheila (Drew Barrymore) remet son existence en question, et se cherche une vocation. Pendant ce temps, les Chevaliers de Serbie se rapprochent de Santa Clarita, à la recherche de morts-vivants, alors que les autorités, elles, mènent l'enquête sur l'acte écoterroriste causé par Abby (Liv Hewson) et Eric (Skyler Gisondo)...

À la fin de la saison 2 de SCD, j'avais un avis un peu mitigé sur la série. La faute à une saison pleine de pistes inexploitées - ou mal exploitées - séparant les Hammond du duo de jeunes pendant toute la saison, s'éparpillant dans des directions pas toujours convaincantes, et peinant à équilibrer le mélange sitcom familiale et fil conducteur surnaturel.

Au vu de la saison 3, je pense qu'on peut dire que Fresco & compagnie n'avaient tout simplement pas vraiment eu le temps de planifier leur seconde saison, et l'avaient peut-être écrite dans la précipitation. En troisième année, ils corrigent bon nombre de ces erreurs, et structurent nettement mieux le tout : les éléments délaissés de la saison précédente reviennent sur le devant de la scène (Mr Ball-Legs, la tête de Nathan Fillion - désormais décomposée et méconnaissable, ce qui permet à la production de remplacer l'acteur par Alan Tudyk - , les Chevaliers de Serbie, Anne, Ramona), Abby finit par réintégrer la cellule familiale, la maladie zombiesque se propage... bref, ça évolue dans une direction intéressante.

Cela ne se fait cependant pas sans quelques heurts : les traits sont toujours plus gros et forcés, au point de donner parfois l'impression que tous les personnages féminins de la série sont impulsifs, autoritaires et castrateurs (et, réciproquement, que les personnages masculins sont tous émasculés, incapables et névrosés) : ce n'est pas forcément délibéré de la part de la série, mais c'est parfois assez agaçant, notamment au niveau de Sheila, de plus en plus égocentrique et énervante.

À l'identique, on retrouve certains des défauts des saisons précédentes : Anne disparaît tout simplement de la série après quelques épisodes (pour permettre à Natalie Morales de tourner sa sitcom ?), les adolescents passent encore la moitié de la saison à se tourner autour, embarqués dans une sous-intrigue totalement détachée des autres personnages, et les trois Serbes (menés par Goran Visnjic) font à peine plus que de la figuration dans cette saison, dont ils étaient pourtant présentés comme les méchants.

Heureusement, la série multiplie les idées excentriques, les guest stars motivées (Ethan Suplee de Earl, qui prend la succession de Zachary Knighton ; Malcolm Barrett, de Better Off Ted...), et finit par placer Sheila à la tête d'une armée grandissante de "disciples" voués à la protéger.

Au terme de cette saison 3 , il y avait donc là le potentiel d'une quatrième année intéressante, partant dans une direction intrigante... pour peu que la série réussisse à ne pas trop partir dans la caricature grossière et forcée, et à conserver un certain équilibre qu'elle peine pourtant déjà trop souvent à atteindre.

Cependant, avec l'annulation du programme, la question ne se posera pas vraiment. Ce que l'on peut se demander, par contre, c'est si la série manquera vraiment dans le paysage audiovisuel des séries tv/en streaming.

Pas sûr, car en plus d'arriver un peu après la bataille des séries de zombies, et malgré son approche plus légère et caricaturale du genre, Santa Clarita Diet n'a jamais semblé trouver son rythme de croisière, tiraillée entre un format sitcom, un désir de continuité et d'intrigues de fond, et une diffusion en mode binge watching, qui s’accommodent mal les uns des autres.

In fine, SCD n'est guère plus qu'une série amusante et divertissante, qui se regarde d'un oeil, mais qui manque un peu trop de rigueur, de structure et de direction pour être vraiment convaincante. Sympathique, mais loin d'être indispensable.

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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici et ici.

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Baby Driver :

Conducteur hors-pair basant toute son existence sur le rythme des morceaux qu'il écoute dans ses nombreux ipods, Baby (Ansel Elgort) travaille malgré lui pour un criminel (Kevin Spacey), le temps de rembourser ses dettes ; il aide tous les hommes de mains de ce dernier à s'enfuir lors de braquages, jusqu'au jour où un casse tourne mal, et menace de faire s'écrouler toute son existence, notamment sa nouvelle relation avec Deborah (Lily James), une serveuse innocente.

Le problème que j'avais avec Scott Pilgrim, le précédent film d'Edgar Wright, c'est qu'il était un exemple parfait de style primant sur le contenu : oui, Edgar Wright est un excellent réalisateur, inventif, dynamique, drôle, décalé, et aux références le rendant immédiatement sympathique aux yeux d'une certaine génération... mais en adaptant Scott Pilgrim pour le grand écran et en confiant le rôle principal du film à Michael Cera, Wright rendait instantanément son héros antipathique, ce qui sabordait l'aspect romantique du métrage (pourtant essentiel et primordial à ce récit), et transformait le film en coquille vide, plus proche d'un exercice de style hipster que d'un hommage sincère et touchant à une certaine esthétique jeu vidéo/bd.

Et là, on retrouve un peu ce même problème (en heureusement moins prononcé), avec ce Baby Driver qui utilise un postulat basique ("le dernier casse avant la retraite"), nourri d'influences très claires (Heat, Driver, Drive...) pour agrémenter une romance qui ne fonctionne pas (pas forcément pour les mêmes raisons que dans Pilgrim, cela dit), et le concept fort du film ("un personnage qui perçoit le monde comme un enchaînement non-stop de morceaux musicaux, qui rythment le moindre de ses faits et gestes").

Or, comme pour Pilgrim, une fois le métrage vidé de sa composante émotionnelle, et victime de personnages secondaires creux (les personnages féminins sont inexistants, les personnages masculins des caricatures) combinés à de grosses ficelles narratives, il ne reste plus que l'exercice de style, avec en lieu et place du référentiel jeux vidéo de Pilgrim un référentiel musical (à plusieurs niveaux).

Alors oui, techniquement, c'est réussi, c'est dynamique, les poursuites en musique sont impeccables, les fusillades synchronisées avec les morceaux, c'est amusant, et le début façon comédie musicale (avec long plan séquence où musique et environnement se répondent) laisse présager d'un métrage plus décalé que ce qu'il est vraiment (le film manque à ce titre d'humour et de fantaisie, contrairement aux autres métrages de Wright)... mais voilà, tout l'intérêt du film se limite à ses poursuites musicales et à son action bien menée, alors que tout ce qu'il y a autour laisse de marbre, et notamment la romance catapultée de Baby et de sa serveuse.

En partie parce que je ne trouve pas grand charisme à Lily James (déjà, dans Cendrillon, elle ne m'avait pas du tout marqué, mais alors là, avec son personnage au développement inexistant, c'est encore pire), mais aussi parce que Baby est délibérément un personnage introverti (le jeu d'Elgort, dans la première moitié du film, n'est pas loin de celui de Cera, d'ailleurs), et que par conséquent, toutes leurs scènes de séduction semblent particulièrement forcées et artificielles.

Il faut dire que les dialogues maladroits n'aident pas vraiment, et que l'interprétation de certains non plus (je pense à Jamie Foxx, là)... cela dit, s'il faut bien reconnaître au film une chose, c'est son énergie. Certes, le film aurait clairement bénéficié de 15 minutes de moins, mais une fois que les choses s'emballent, ça le fait, et de bien belle manière.

C'est donc une impression de coquille un peu vide, ou d'occasion manquée, qui se dégage de ce Baby Driver, à mille lieues de l'extase critique entourant ce métrage depuis sa sortie. À voir pour la maîtrise technique de l'action et de la musique, mais pas beaucoup plus...

3.75/6

L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, de mi-Septembre à début Novembre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques...

Channel Zero, saison 2 - No-End House :

Lorsque trois amis - Margot (Amy Forsyth), Jules (Aisha Dee), & J.D. (Seamus Patterson) - reçoivent une invitation pour la No-End House, une maison hantée mythique et introuvable, ils n'hésitent pas un seul instant, et s'y rendent en compagnie de Seth (Jeff Ward), récemment rencontré. Mais la maison a des règles précises, et lorsqu'ils en ressortent, les quatre adolescents se retrouvent pris au piège d'une réalité étrange, où les souvenirs prennent corps et dévorent d'autres souvenirs...

La première saison de Channel Zero se démarquait du tout venant par son imagerie étrange, sa réalisation travaillée, ses protagonistes adultes, et son atmosphère très lourde et pesante ; en abandonnant totalement le creepypasta d'origine dès son second épisode, pour partir dans quelque chose de différent, Candle Cove n'était pas dénuée d'ambition... ce qui fonctionnait plus ou moins bien.

Ici, pour cette seconde saison, Channel Zero opte pour une approche similaire, s'inspirant du postulat de départ du creepypasta No-End House pour s'en détacher en cours de route, et la développer dans une direction un peu différente : les scénaristes créent ainsi un monde parallèle à l'intérieur de la maison, une réalité emplie de "zombies", des entités créées à partir des souvenirs des visiteurs de la maison, et dévorées par d'autres souvenirs qui ne veulent pas disparaître.

En soi, pourquoi pas. Mais le problème, à vrai dire, c'est que cette seconde saison de CZ échoue totalement à créer le moindre malaise ou frisson. Ponctuellement, certains visuels étranges et absurdes peuvent troubler, mais dans l'ensemble, l'intrigue principale est cousue de fil blanc, et il en va de même pour ses thématiques sur l'oubli, le pardon, la responsabilité parentale, l'amour et le sacrifice d'un père dévoué, etc.

L'écriture est donc assez transparente, et cela a un impact direct sur l'intérêt de la saison, qui semble souffrir de beaucoup de remplissage contemplatif : l'intention est clairement d'instaurer un malaise, une atmosphère pesante, et de créer des moments abstraits (toute la sous-intrigue de Jules tourne ainsi à vide, sans la moindre explication, car, de leur propre aveu, les scénaristes voulaient rester "mystérieux") mais comme le tout est nettement plus balisé et plat, visuellement parlant, cela ne fonctionne pas autant qu'en première saison.

Et le fait que les protagonistes soient de jeunes étudiants (avec des problèmes de leur âge, et un accent mis sur la romance de Seth et Margot) a l'inconvénient supplémentaire de donner à ce récit de faux-airs d'un Fais-moi peur ou Chair de Poule un peu friqué, un peu artistique et un peu plus adulte (pas de beaucoup, cela dit). En fait, c'est typiquement le genre de récit qui aurait été à sa place, au format 45 minutes, dans une anthologie comme Fear Itself.

Au final, on se retrouve donc avec une seconde saison une nouvelle fois applaudie plus que de mesure par la critique (m'enfin bon, on parle de ces mêmes critiques qui, tous les six mois, parlent de "nouveau meilleur film d'horreur de la décennie" à propos d'une nouvelle production Blumhouse, d'un film indépendant vaguement arty ou de Ça, et qui vénèrent Stranger Things comme un chef d’œuvre, donc...), mais qui semble perpétuellement jouer la carte du remplissage, prolongeant à plusieurs reprises son récit au delà de points qui auraient pourtant fait de très bonnes conclusions naturelles.

Pas particulièrement troublant, pas particulièrement effrayant, pas particulièrement tendu, pas particulièrement joli (visuellement) ni bien filmé (la manière dont les souvenirs et l'esprit des personnages sont représentés est très laide), pas particulièrement innovant ou original... bof, donc.

Mais au moins, c'est plutôt bien joué par Forsyth, Dee et John Carroll Lynch.

Après deux saisons mitigées de cette anthologie anglaise conçue, écrite et supervisée par Charlie Brooker, place à son premier Christmas Special de 73 minutes, diffusé sur Channel 4 en fin d'année 2014...

Au programme, plusieurs récits que se racontent deux hommes (Jon Hamm & Rafe Spall) enfermés dans un chalet, au milieu d'étendues hostiles et enneigées, et qui ont en commun une même technologie oculaire, le Z-Eye, qui permet à son porteur de filmer autrui, de le bloquer, et bien plus encore...

Black Mirror - Blanc Comme Neige (White Christmas) :

#1 : Matt (Jon Hamm) raconte qu'il avait l'habitude d'utiliser le Z-Eye pour aider des célibataires à trouver l'amour, en leur servant de coach de séduction à distance. Jusqu'au jour où une telle session tourne mal pour Harry (Rasmus Hardiker), lorsqu'il rencontre la mystérieuse Jennifer (Natalia Tena)...

Énorme bof pour ce premier segment, vraiment télégraphié de bout en bout par l'écriture, qui manquait cruellement de finesse. La conclusion, façon Contes de la Crypte, est donc évidente et décevante.

#1.5 : Matt explique qu'après les événements qu'il vient de raconter, sa femme a utilisé le Z-Eye pour le bloquer...

Pas vraiment un segment en soi, juste une présentation du système de blocage... et là, c'est moi qui ai bloqué. Le concept même du blocage oculaire et auditif est tellement contre-productif et improbable qu'il m'a été impossible de suspendre mon incrédulité : l'idée même de la sourdine est tellement inaboutie et bancale qu'elle pose plus de questions qu'elle n'apporte de solutions, et la première chose qu'on se dit, c'est qu'un tel blocage ne peut qu'entraîner une recrudescence de violence de la part de personnes frustrées d'avoir été bloquées sans avoir leur mot à dire. M'enfin bon.

#2 : Matt raconte que son véritable métier est de "programmer" des "cookies", clones virtuels de clients aisés qui les exploitent pour gérer leur quotidien et leur domicile...

Oona Chaplin en clone virtuel/esclave de sa version biologique, et un Hamm qui fait son numéro. Pas désagréable, malgré des personnages assez antipathiques, et une fin manquant un peu de punch.

#3 : Joe (Rafe Spall) prend enfin la parole et explique comment il a été bloqué par sa compagne lorsque celle-ci est tombée enceinte, et comment il n'a rencontré sa fille que des années plus tard...

Alors là, paf, on retombe en plein dans les travers de Black Mirror et de Charlie Brooker, à savoir une espèce de misanthropie agaçante et sans nuances : outre la technologie aberrante du blocage, qui n'a décidément aucun sens ni aucune logique, les personnages s'avèrent hostiles et haïssables. Le beau-père, qui déteste le protagoniste ; la compagne infidèle qui condamne spontanément le héros à l'oubli ; ce dernier, qui réagit soudain de manière ultra-violente, avant de s'enfuir, laissant sa fille seule...

Bref, un segment pas forcément inintéressant dans sa forme, mais qui prend un peu l'eau de partout dans son fond, en plus d'être vraiment prévisible.

#3.5 : De retour dans le chalet, Joe comprend qu'il n'est qu'un "cookie", interrogé par Matt pour le compte de la police, afin d'obtenir ses aveux...

Et on continue avec la misanthropie de Brooker, puisque les forces de police sont ici des personnages mesquins et cruels, qui s'amusent à torturer un clone numérique sans la moindre hésitation, et reviennent sur leur parole pour infliger à Hamm une punition totalement disproportionnée par rapport à son crime.

Alors non seulement le tout manque vraiment de subtilité (depuis le début de cet épisode spécial, l'illustration musicale du chalet rendait ces rebondissements finaux totalement prévisibles), mais en plus ce nihilisme et cette noirceur finissent presque par paraître forcés, et particulièrement agaçants.

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Bilan :

Je n'ai pas aimé ce Christmas Special. Oui, il y a des idées plus ou moins inspirées ; oui, c'est globalement assez bien réalisé, et bien interprété ; oui, Jon Hamm déborde vraiment de charisme, et porte une grande partie de ce Special sur ses épaules... mais j'ai vraiment beaucoup de mal avec l'écriture de Brooker, avec son point de vue sur l'humanité & la technologie, et avec son manque de subtilité ou de finesse dans ce qui finit, une fois de plus, par ressembler à de la mauvaise satire un peu simpliste.

Encore deux saisons, mais je suis vraiment tenté de me contenter de les survoler, en me limitant à une poignée d'épisodes de ci de là...

Avengers : Infinity War, la conclusion de 10 années de films Marvel, arrive à grand pas, et le moment est donc idéal pour revoir tous les films du MCU, dans leur ordre de diffusion initial...

Après des débuts un peu faiblards, la Phase 2 a atteint sa vitesse de croisière avec les très bons Captain America - Le Soldat de l'Hiver et les Gardiens de la Galaxie. il est temps désormais pour cette Phase de se conclure...

Avengers 2 : Age of Ultron (2015) :

Lorsque Tony Stark (Robert Downey Jr.) et Bruce Banner (Mark Ruffalo) lancent prématurément un programme de défense planétaire globale à l'intelligence artificielle nommé Ultron (James Spader), celui-ci prend vie et devient une menace indépendante décidée à éradiquer la race humaine. Aux Avengers de se réunir et d'empêcher le pire de se produire, avec l'aide inattendue de deux humains aux pouvoirs improbables, Pietro (Aaron Taylor-Johnson) et Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen)...

J'ai déjà fait une critique détaillée de ce film, en long, en large et en travers (voir le lien juste en dessous de la note), expliquant pourquoi je n'étais pas le plus grand fan au monde de cet Avengers 2 signé Whedon.

Cette fois-ci, je vais donc résumer mes avis précédents, et faire bref : les qualités et les défauts de ce film sont peu ou prou les mêmes que ceux & celles du premier Avengers, exacerbés par la présence d'un méchant très faible et raté visuellement, ainsi que par la nécessité de lancer des pistes et de préparer le terrain pour toute la suite du MCU, de Thor à Infinity War en passant par Black Panther et Captain America 3.

Le tout s'avère finalement rythmé mais brouillon, spectaculaire mais plein de trous, intéressant mais décousu, et s'il n'y avait pas l'alchimie et la bonne humeur existant entre les membres de cette équipe pour donner de la substance et de l'homogénéité à tout ça, le métrage se rapprocherait dangereusement de ce qu'est devenue la Justice League, plus récemment (mais avec les mêmes Whedon et Elfman aux commandes).

Nul doute que les frères Russo parviendront à faire d'Avengers 3 et 4 quelque chose de plus structuré, et de plus convaincant.

Un petit 3/6

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2015, et mise à jour en 2017, à lire ici)

Ant-Man (2015) :

Dépossédé de sa propre compagnie par son ancien bras droit et protégé, Darren Cross (Corey Stoll), le Dr Hank Pym (Michael Douglas) recrute le cambrioleur Scott Lang (Paul Rudd) pour s'introduire dans les laboratoires Cross, saboter leurs archives, et empêcher qu'une technologie de pointe inspirée des travaux de Pym ne soit vendue à Hydra. Pour cela, Scott va devoir s'entendre avec Hope (Evangeline Lilly), la fille de Hank, apprendre à contrôler les fourmis, et à maîtriser les extraordinaires pouvoirs miniaturiseurs du costume d'Ant-man...

Une comédie fantastique sympathique, façon film de casse, avec une distribution plutôt bonne et attachante (mention spéciale à la petite qui joue la fille de Lang), des effets spéciaux convaincants, et un sens de l'humour qui fonctionne.

Quel dommage alors que la genèse compliquée du métrage (voir ma critique plus complète) se sente autant dans son exposition, et dans sa mise en place : le rattachement au reste du MCU, la présentation des personnages, le premier tiers du film, tout ça manque de finesse et d'énergie, pour enfin décoller une fois que les effets spéciaux (et les fourmis) entrent en jeu.

Le métrage s'avère néanmoins efficace dans les bases qu'il pose pour ses personnages, et s'il manque de la folie qu'Edgar Wright aurait pu lui insuffler, cet Ant-Man reste néanmoins tout à fait honorable.

3.75/6

(critique originale plus complète publiée sur ce blog en 2015, et mise à jour en 2017, à lire ici)

Suite et fin de cette mini-saison 5 de Black Mirror, mini-saison de trois épisodes diffusée sur Netflix en juin dernier.

Black Mirror 5x03 - Rachel, Jack and Ashley Too :

Superstar de la pop, Ashley O (Miley Cyrus) est lasse de cette vie creuse, et de son image intégralement contrôlée par Catherine (Susan Pourfar), sa tante. Rachel (Angourie Rice), elle, est une jeune adolescente timide, repliée sur elle-même depuis la mort de sa mère : fan d'Ashley O, elle reçoit un petit robot à l'image de la star pour son anniversaire. Mais bien vite, alors qu'Ashley O est placée dans un coma artificiel par sa tante pour empêcher sa rébellion, il s'avère que la personnalité de la popstar a été transplantée dans le robot à son image. Rachel, sa sœur Jack (Madison Davenport), et le robot vont alors tout faire pour aider la véritable Ashley O à échapper à un sort funeste...

Un épisode bancal, considéré par beaucoup comme l'un des pires depuis le début de la série... et il est facile de voir pourquoi. Le ton (globalement positif et plus léger que la norme Black Mirror), les protagonistes adolescents, le côté Amblin de l'aventure, le sens de l'humour, et la présence de Miley Cyrus dans un rôle important sont amplement suffisants pour braquer les spectateurs s'attendant à une réflexion cynique et post-moderne sur les nouvelles technologies, si possible avec une fin dépressive.

Et pourtant, si l'on met de côté des problèmes de rythme flagrants (la structure de la première moitié de l'épisode est grinçante et laborieuse), cet épisode s'avère plutôt agréable à suivre, justement parce qu'il ne se fond pas dans le moule habituel de la série.

D'un côté, le script propose un portrait désenchanté de la gloire, avec une pop-star dépressive, qui cherche à échapper à son image et à sa manager (c'est d'actualité, quand on pense à Britney Spears et au mouvement #FreeBritney). De l'autre, l'épisode dépeint le quotidien d'une adolescente renfermée, qui n'arrive pas à gérer le deuil de sa mère, et n'a d'autre amie qu'un robot commercial et formaté.

Tant Angourie Rice que Miley Cyrus incarnent très bien leurs personnages respectifs (d'autant plus simple qu'on sent une grosse part de vécu chez Cyrus), et si ce n'était pour la structure bancale de l'épisode, le parallèle serait des plus intéressants.

Le reste de la famille de Rachel, par ailleurs, ne gère pas mieux le deuil qui les a frappés, le père s'immergeant dans son projet improbable (une souris mécanique armée d'un taser, pour dératiser des habitations), et la sœur rebelle dans la musique que sa mère écoutait : c'est relativement convenu, mais c'est assez bien traité, et pas asséné lourdement, comme dans certains épisodes de Twilight Zone 2019.

Idem pour tout le propos sur les dérives de l'industrie de la musique : hologrammes, autotuning, intelligence artificielle, drogues, merchandising... rien de vraiment révolutionnaire dans cette dénonciation du milieu, mais ça reste tout à fait honorable, sans imposer sa critique sociale et politique au spectateur de manière explicite.

La seconde partie de l'épisode, façon cambriolage à l'initiative du robot débridé (très amusant d'entendre ce petit robot bien animé balancer des insultes avec la voix de Miley, comme un mini-Chucky sans le côté meurtrier), redonne alors un bon coup d'accélérateur à l'épisode, qui jusque là peinait à trouver son rythme.

Et au final, avec ses morceaux signés Trent Reznor et remixés à la sauce pop, ce 5x03 laisse une bonne impression, pour peu que l'on parvienne à se défaire de ses attentes. Plus facile à dire qu'à faire, j'en conviens...

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Après... il faut bien reconnaître que dans l'ensemble, cette mini-saison 5 est faiblarde sur le fond comme sur la forme, et que les libertés (de format, de ton, de contenu) accordées à la série depuis son arrivée sur Netflix ne se sont pas transformées en quelque chose de particulièrement probant.

Brooker aurait bien besoin de faire des coupes dans ses scripts, et de pousser le bouchon encore un peu plus loin, s'il ne veut pas décevoir son public...

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Retrouvez aussi les critiques des saisons précédentes de Black Mirror sur ce blog en cliquant ici...

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Dumbo (2019) :

Lorsque Max Medici (Danny DeVito), propriétaire de cirque en perte de vitesse, confie une éléphante enceinte à la famille Farrier (Colin Farrell, Nico Parker, Finley Hobbins), ces derniers ne se doutent pas que Dumbo, le bébé à naître, va s'avérer capable de s'envoler en utilisant ses immenses oreilles. De quoi attirer l'attention de Vandevere (Michael Keaton), propriétaire de parc d'attraction, qui va rapidement vouloir racheter le cirque de Medici, et faire de Dumbo la star de son spectacle, aux côtés de la belle Colette Marchant (Eva Green), trapéziste française...

Le Dumbo original, de 1941, était un long-métrage d'à peine plus d'une heure, touchant et attachant, narré du point de vue exclusif des animaux, et servant de conte moral sur la différence, l'exclusion, etc. Ce remake de Dumbo, réalisé par Tim Burton, dure près de deux heures, est totalement centré sur les humains (hormis une poignée de plans subjectifs du point de vue de l'éléphant), et se veut une critique des grandes corporations à l'américaine, de l'industrialisation du rêve et du monde du business : assez osé quand on considère que c'est un film Disney... mais aussi totalement hors-sujet.

C'est bien simple : le film ne fonctionne jamais vraiment, et n'a pas une once de l'émotion et de la tendresse de l'original.

Avec son script bancal et décousu signé Ehren Kruger (un scénariste au palmarès guère reluisant ^^), le Dumbo de Burton se perd dans des sous-intrigues inintéressantes, consacrées à une petite famille composée d'un garçonnet tout à fait honorable, d'une mini-Thandie Newton monocorde (la fille de Thandie n'a pas forcément hérité du talent de sa mère), d'un Colin Farrell manchot en pilotage automatique, et d'une Eva Green trop froide pour fonctionner en trapéziste française qui s'attache à Dumbo et aux enfants.

À côté de cette famille recomposée, on a Danny DeVito et Michael Keaton, qui rivalisent de cabotinage, mais restent des caricatures. Et enfin, Dumbo, un éléphant visuellement adorable, très bien animé et réalisé... mais qui a été malheureusement affublé de gazouillis et de bruitages synthétiques dignes de Gizmo, bruitages qui ne fonctionnent pas du tout et sont même contre-productifs.

C'est d'ailleurs là l'un des problèmes récurrents du film : on sent qu'il est tiraillé dans plusieurs directions créatives et artistiques, et qu'il a le postérieur entre deux ou trois chaises. On devine que Burton a été attiré par cette histoire de freaks qui s'unissent pour aider l'un des leurs, ou par cette thématique de la place de l'artiste dans une industrie dévorante... mais les thématiques ne sont qu'effleurées, et jamais crédibles.

On sent que l'équipe voulait à la fois se démarquer et rendre hommage au Dumbo original (la séquence des éléphants roses, réinventée de jolie manière pour une époque où l'alcool n'est plus acceptable), mais que pléthore de mauvaises idées se sont invitées et n'ont pas été coupées au montage (cette séquence des éléphants, justement, interrompue par Michael Buffer en Monsieur Loyal, qui nous fait un "Let's Get Ready for Dumbooooooo !" totalement hors-sujet).

Scénaristiquement, ça ne marche donc jamais : comme je le disais, la famille au centre de l'histoire est terne et insipide, l'antagoniste principal est caricatural, l'humour est peu probant (à part la réplique "Seulement en cas d'urgence"), l'émotion est constamment sabotée par les bruitages synthétiques de Dumbo, la bande originale de Danny Elfman est générique et/ou hors-sujet, et les effets spéciaux sont tellement inégaux (beaucoup de fonds verts et d'étalonnage numérique assez laids) que ça affaiblit d'autant le film, déjà assez générique et anonyme.

Et pourtant, ce n'est pas forcément un désastre : le squelette de l'histoire est suffisamment solide pour que l'on ne s'ennuie pas trop, le petit Dumbo est très attachant, pour peu qu'on coupe le son, et quelques passages s'avèrent réussis, qu'ils soient burtoniens (Nightmare Island, et ses créatures de pacotille) ou non.

Reste que, comme de nombreux remakes en prises de vue réelles des classiques Disney, ce Dumbo n'était ni fait, ni à faire. Et que Tim Burton devrait se montrer plus exigeant avec ses scénaristes.
 
2.25 + 0.5 pour la bouille adorable de Dumbo = 2.75/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

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Girl 27 :

En 1937, à l'occasion d'une convention organisée par la MGM pour remercier ses représentants de commerce, Patricia Douglas, l'une des 120 danseuses/figurantes mineures employées par le studio, est violée par un employé. Rapidement, elle porte plainte, et l'affaire fait les gros titres des journaux américains, mais tant la justice que l'industrie cinématographique font alors tout pour la discréditer, et pour étouffer le scandale... avec succès.

Un documentaire que j'avais déjà vu en partie il y a sept ou huit ans, et qui a retrouvé une certaine popularité dans le cadre du mouvement #MeToo, tant ce récit assez glauque illustre bien un système souffrant de problèmes endémiques qui existent depuis la création du Vieil Hollywood.

Et ce métrage est effectivement plutôt intéressant dans sa première partie, tant qu'il narre les événements et reconstitue le puzzle de ce qui est arrivé à Patricia Douglas en 1937, à grands renforts d'images et d'archives d'époque, et de témoignages en tous genres (même si l'on peut se demander s'il n'y avait pas plus pertinent comme expert que la spécialiste juridique de Fox News).

Le problème, à vrai dire, c'est que rapidement, on en vient à percevoir un certain côté manipulateur dans ce Girl 27, à mesure que le réalisateur, David Stenn, un scénariste et journaliste spécialisé dans le Vieil Hollywood et dans la vie de ces stars d'antan, se met en scène, ou qu'il utilise de multiples images et extraits d'actualité et de vieux films, sortis de leur contexte, pour illustrer ses propos, ses conclusions ou certains témoignages.

À l'identique, on devine une dramatisation un peu superflue et forcée, comme lorsque Stenn attend dans une chambre d'hôtel un coup de téléphone, avec musique tendue en prime, ou quand il rajoute systématiquement des bruitages de téléphone brutalement raccroché lorsque Douglas décide d'interrompre à plusieurs reprises son témoignage (un témoignage clairement pas effectué par téléphone, mais bien enregistré de visu).

Cette forme et cette omniprésence de Stenn (non seulement sert-il de voix off, mais on le voit donc aussi dans sa chambre d'hôtel, marcher dans la rue, se rendre sur les lieux des événements, danser sur la tombe du violeur (!)...), finissent par prendre le pas sur le fond, notamment quand, dans sa seconde partie, le documentaire historique qui tentait de développer le contexte historique de cette histoire cède la place à une interview de Patricia Douglas, et à l'histoire de Patricia et de Stenn, et de leur relation chaotique.

Une Douglas qui ne s'est jamais vraiment remise de ce qu'elle a traversé, et qui a désormais son petit caractère (un caractère qui la coupe de tous et de toute sa famille), mais qui répète beaucoup de choses déjà abordées dans la première partie du documentaire. Pire, la réalisation se limite alors à une caméra fixe, et à des plans de coupe de mauvais goût, qui illustrent le témoignage ému et brutal de Douglas par des extraits de films montrant des violences faites à des personnages féminins. L'effet est contre-productif, et affaiblit le témoignage plus qu'il ne le renforce.

En somme, un documentaire au sujet très intéressant, mais à la réalisation et à l'écriture vraiment pas à la hauteur de ce dernier.

Malheureusement, Stenn semble être aussi intéressé par l'histoire de Douglas qu'il ne l'est par l'idée de raconter comment lui seul a su dénicher cette histoire (à plusieurs reprises, il laisse des commentaires très flatteurs pour sa personne, le genre de moments qu'un autre documentariste digne de ce nom aurait coupé au montage), et en fin de compte, cela dessert le témoignage de Douglas, tout en donnant parfois l'impression que le journaliste exploite celle-ci pour faire sa publicité.

3.25/6

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Il y a un peu plus d'un an, au terme du visionnage de la première saison de cette Santa Clarita Diet, une sitcom fantastique décalée signé Victor Fresco (Better Off Ted, Le Monde Merveilleux d'Andy Richter, Earl), j'avais conclu que si ce programme zombiesque était plutôt amusant et agréable à suivre (car la distribution y mettait vraiment du sien), il était aussi assez anecdotique ; de plus, paradoxalement, le show me paraissait manquer de mordant, pour se reposer sur les lauriers de son postulat de départ ("et si on faisait une comédie sur une famille dont la mère est une zombie ?") finalement pas si frais que ça...

Santa Clarita Diet, saison 2 :

Après avoir réussi à interrompre la détérioration de l'état de Sheila, la famille Hammond (et Eric) tente de trouver l'origine de ce qui semble être une épidémie zombiesque en train de se propager...

Au terme de cette seconde saison de la Santa Clarita Diet, une expression me vient à l'esprit : potentiel inexploité.

En effet, si, à son niveau fondamental, la série est une sitcom sympatoche centrée sur une vie de couple et de famille improbable, avec la "zombification" comme élément perturbateur et comme catalyseur de changement chez les personnages, quels qu'ils soient, le programme en lui-même semble peiner à trouver son chemin, ainsi qu'une structure solide et cohérente.

Difficile de vraiment développer ce qui se produit durant cette saison au delà des deux lignes de résumé ci-dessus : en effet, l'intrigue de fond se limite plus ou moins à cela, et la "mythologie" de la série reste ainsi en suspens pendant le plus clair de la saison, ne progressant qu'au compte-gouttes, par à coup, la série s'empressant aussitôt de repartir dans des sous-intrigues secondaires pas particulièrement indispensables.

C'est clairement assez frustrant, et ce dès le début de la saison : les cliffhangers de la saison précédente sont résolus en quelques minutes ; toute la sous-intrigue de Ramona est évacuée avant la fin de la mi-saison ; tant la tête coupée de Gary (Nathan Fillion) que la boule sur pattes sont plus ou moins oubliées en cours de route, et ne servent pas à grand chose ; les Chevaliers de Serbie (Zachary Knighton !) font de la figuration-éclair et disparaissent avant la fin ; le problème des palourdes serbes est réglé en deux épisodes ; etc, etc, etc...

Bref : le tout est un étrange mélange de pistes potentielles catapultées et bâclées, et de sous-intrigues de sitcom mollassonnes, aux rebondissements particulièrement classiques et trop souvent prévisibles. Ce qui provoque des ventres mous regrettables, durant lesquels on attend que telle ou telle mini-intrigue trouve sa conclusion (sans la moindre conséquence sur le reste du show) pour que le tout avance un peu.

Par exemple, les deux adolescents (par ailleurs parmi les très bons points du show, et plutôt attachants) passent une bonne moitié de la saison totalement déconnectés du reste des personnages, puisque embarqués dans une sous-intrigue de manifestations et d'activisme anti-fracking. Une sous-intrigue qui, à en juger par la conclusion de la saison, n'était pour les scénaristes qu'une énorme mise en place pour une punchline explosive, mais étrangement télégraphiée.

Cette sous-intrigue est assez symptomatique de la saison dans son ensemble : puisqu'elle refuse de vraiment faire avancer son intrigue de fond, SCD se rabat sur les relations entre les personnages : ce qui est loin d'être désagréable, et donne une véritable cohésion à cette famille (ainsi qu'à leurs proches), mais est néanmoins desservi par un surjeu parfois outré et caricatural du couple vedette, à la limite du théâtre de Guignol (comme en saison 1, le rictus constamment goguenard de Timothy Olyphant n'aide pas vraiment).

On finit par se trouver, avec SCD, devant une sitcom qui ne semble pas savoir sur quel pied danser, refusant (ou incapable ?) de prendre trop au sérieux sa mythologie et son intrigue de fond, et préférant s'intéresser à du relationnel et à des sous-intrigues un peu éventées, quitte à donner l'impression de survoler son sujet.

Autrement dit, malgré ses nombreux moments amusants et décalés, sa distribution qui se donne totalement aux personnages, et ses idées improbables, malgré son ton ouvertement déconneur et ses quelques notes sanguinolentes (un peu en retrait, cette saison), Santa Clarita Diet reste étrangement peu mémorable, dans son ensemble, une série poids-léger au rythme nonchalant, et qui, si elle est plaisante à suivre... laisse un peu sur sa faim (sans mauvais jeu de mots).

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Pacific Rim 2 - Uprising :

Alors qu'il a tourné le dos à l'héritage de son père Stacker, qui a sauvé le monde de l'invasion des Kaijus il a bien des années, Jake (John Boyega) est contraint de reprendre du service lorsqu'une menace encore plus importante s'en prend à la Terre. Mais Jake ne peut plus compter que sur une poignée de Jaegers, et le nombre de pilotes disponibles est des plus réduits...

Cette suite du premier Pacific Rim (un film assez creux signé Guillermo Del Toro, peu inspiré au niveau direction artistique, au concept sous-développé et qui peinait étrangement à rendre ses robots et ses monstres mémorables et/ou impressionnants) a clairement été tournée pour le marché asiatique, et ça se voit immédiatement : l'action prend principalement place en Asie, les acteurs asiatiques sont nombreux, dans des rôles proéminents, et le grand final se déroule sur les pentes du Mont Fuji, après un passage en ville, au pied d'une statue Gundam.

Et effectivement, bon nombre de codes des animes de méchas se retrouvent dans ce métrage signé Steven S. DeKnight : les robots sont plus agiles, certaines poses et scènes semblent clairement sous influence anime, et les Kaijus finissent par fusionner pour faire un Mega Kaiju aux allures de Godzilla.

Ce qui serait amusant si le film n'était pas à ce point quelconque, et ne lorgnait pas tant vers les Transformers de Bay (jusqu'à reprendre un plan rotatif au ralenti, typiquement Bayien, autour de la jeune héroïne - excellente Cailee Spaeny, d'ailleurs - qui contemple la dévastation autour d'elle).

Score insipide d'un sbire de Hans Zimmer, personnages sous-développés, script cousu de fil blanc, direction artistique des Jaegers et Kaijus toujours assez générique, duo de scientifiques en roue libre et qui en font toujours trois tonnes, distribution globalement insipide : rien de vraiment surprenant, c'est dans la droite lignée du premier Pacific Rim.

Là où ça change un peu, c'est que, contrairement au premier film qui échouait constamment à donner la moindre sensation de gigantisme à ses robots en les faisant évoluer, la plupart du temps, de nuit et sous la pluie, ici, tout se passe en plein jour, et en pleine ville.

Les jeux d'échelle fonctionnent nettement mieux, l'action est plus variée... mais en contrepartie, on y perd nettement en poids, en impact, et en intérêt : les scènes d'action deviennent vite répétitives, pas franchement aidées par des effets numériques vraiment aléatoires, qui donnent parfois aux robots le rendu de jouets en plastiques.
 
Sans oublier des idées totalement idiotes, comme le décollage des Jaegers dans le ciel sur fond de Trololo, ou tout simplement maladroites, comme le montage façon Agence Tous Risques, seul moment du film où le thème musical du premier Pacific Rim pointe le bout de son nez.

Bref, un film assez typique de son réalisateur/scénariste (regardable, mais jamais très subtil, jamais très original, toujours un peu brut de décoffrage et manquant de raffinement) : c'est quelconque, avec des défauts et qualités différents du premier (le duo principal - Boyega & Spaeny - est nettement plus attachant que les acteurs principaux du Del Toro, par exemple), mais au final, c'est aussi peu mémorable.

2.5/6

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Annihilation :

Lorsque son époux militaire, Kane (Oscar Isaac), rentre de mission distant et gravement malade, Lena (Natalie Portman) et lui se trouvent amenés de force dans une zone militaire non-répertoriée, en bordure du Miroitement, un périmètre interdit et chatoyant créé par la chute d'un météore sur Terre. Après avoir découvert que Kane a visité cette zone, et qu'elle est responsable de son état, Lena accompagne quatre autres chercheuses (Jennifer Jason Leigh, Tessa Thompson, Gina Rodriguez, et Tuva Novotny) au coeur du Miroitement, pour découvrir ce qui s'y passe...

À nouveau un réalisateur très apprécié par les amateurs de genre (ici, Alex Garland, scénariste de 28 Jours Plus Tard, Sunshine, Dredd, et du relativement surestimé Ex Machina - autant de concepts forts, ayant tendance à user, dans leurs dernières lignes droites, de grosses ficelles typiques de film du genre, quitte à largement affaiblir ce qui précède, et à tomber dans la série B) pour une production sortie en salles aux USA, et sur Netflix dans le reste du monde.

Ici, en adaptant un roman de science-fiction lorgnant vaguement sur la Couleur Tombée du Ciel de Lovecraft, en nettement plus contemplatif et métaphysique (façon Tarkovsky), Garland continue sur sa lancée, celle d'un film pas inintéressant et bien produit, mais qui pèche çà et là par son écriture.

Toute la première partie du film est ainsi assez prenante : la mise en place, l'explication du Miroitement, l'expédition, etc. Malheureusement, à partir du moment où les personnages arrivent dans la base militaire abandonnée, et commencent à être attaqués par l'ours, le film tombe dans une sorte de survival assez classique ; un survival bien exécuté et gentiment sanglant, mais pas forcément plus intéressant que ça, notamment à cause de l'écriture défaillante de ces personnages creux et sous-développés (la lesbienne de service, forcément hostile ; les problèmes de couple et d'infidélité de Natalie Portman ; les premières victimes, qui ont droit à deux lignes de caractérisation, pas plus ; Tessa Thompson, assez moyenne).

Et puis, dans sa dernière demi-heure, le film repart dans quelque chose d'à la fois plus concret (Portman vs un alien) et vague (pourquoi ? comment ?), pour se finir en queue de poisson, d'une manière pas particulièrement convaincante ou surprenante.

Le vrai problème, en fait, c'est que le film ne fait qu'effleurer de nombreux concepts et de nombreuses thématiques à la résonance potentiellement passionnante, et il le fait de manière assez pataude ou maladroite (toute la structure en flashbacks sur la vie de couple de Portman, donc ; les plans bien soulignés sur les reflets dans les verres d'eau ; tout le propos sur la division cellulaire, le cancer, blablabla).

Ce qui donne la fausse impression (à en juger par les critiques et analyses dithyrambiques du web) que le film est d'une profondeur incroyable, alors qu'en fait, c'est simplement que toute cette profondeur est restée sur le papier, et n'apparaît jamais à l'écran.

C'est dommage, parce que dans l'ensemble, ce n'est pas désagréable à regarder, la direction artistique est relativement intéressante, et il y a là énormément de potentiel. Mais c'est trop lent pour ce que ça raconte, trop vague, et pas assez abouti pour me convaincre.

(je comprends tout à fait que les distributeurs cinématographiques aient hésité à le sortir en salles, celui-là)

3.5/6

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Vintage Tomorrows :

Un documentaire d'à peine une heure s'intéressant au mouvement steampunk, à ses origines, à ses intérêts, à son futur, et à ce que cette tendance peut apporter au reste de la société...

Au programme, de nombreux intervenants, artistes, auteurs, musiciens, inventeurs, couturières, tailleurs, etc, qui expliquent leur passion du genre steampunk, et les raisons de cette passion, ainsi que leurs motivations philosophiques et idéologiques.

Et alors que le documentaire se veut une exploration positive du mouvement, un métrage supposé montrer au monde toutes les qualités du steampunk, ce que j'en retire, c'est que le steampunk (du moins, celui qui est présenté dans le film, très californien) est bourré de contradictions, incapable de se définir, et qu'il n'est, au final, pas si éloigné que ça des ren-fairs, les renaissance fairs américaines très à la mode dans les années 60-80.

Comme dans les ren-fairs, ces steampunkers (steampunks ?) sont attirés par l'idée de s'immerger dans un monde imaginaire, dans une autre époque qu'ils n'ont pas connue, et qui leur est étrangère ; une époque qu'ils revivent au travers de costumes, de jeux-de-rôles, de projets artistiques, et qu'ils s'approprient en se livrant à une bonne dose de révisionnisme historique.

La composante raciale du mouvement est ainsi assez problématique : 98% des intervenants du documentaire sont blancs, libéraux (dans le sens américain du terme), et semblent vraiment hésiter à assumer pleinement le caractère discutable de cette vénération d'une époque coloniale pleine d'injustices (certains intervenants militent pour un steampunk réécrivant l'histoire par le prisme du politiquement correct actuel, d'autres trouvent que c'est une aberration) ; une intervenante afro-américaine aborde justement ce point, pour expliquer pourquoi elle n'est pas à l'aise avec le steampunk tel que beaucoup le pratiquent.

Comme bon nombre de participants aux ren-fairs, la composante artisanale est importante, tout comme le confort nostalgique d'une époque plus simple : les amateurs de steampunk adorent la technologie, mais pas celle d'aujourd'hui, trop compliquée ; ils veulent une technologie plus basique, qu'ils sont en mesure de démonter et de comprendre.

Un retour aux choses simples, un désir de fabrication manuelle, de reprise de contrôle sur son existence, etc... qui passe par la construction d'un monde imaginaire idéalisé ; une recherche d'une technologie personnalisée et d'un style unique... qui passe par l'intégration à un mouvement où tout le monde a tendance à coller des rouages sur tout ce qui bouge, et à aimer les mêmes choses/livres/œuvres, etc.

Et il y a aussi cette sorte de prétention qui se dégage des "intellectuels" du mouvement, une prétention artistique qui refuse l'appellation "simpliste et méprisante" de cosplay, impose et invoque à sa place une philosophie de vie, un mouvement révolutionnaire et contestataire pouvant changer l'avenir du monde, comme le Flower Power l'a fait à son époque.

C'est cette intellectualisation du mouvement qui domine ici, et qui a la parole. Une intellectualisation qui, lorsque l'on se renseigne un peu, a clairement divisé le mouvement steampunk américain il y a quelques années, entre les "artistes & philosophes" voulant associer au mouvement des valeurs progressistes, de justice sociale, et de révolution sociétale, et les participants lambda, des amateurs voulant prendre part à un fandom un peu différent des autres, avec son esthétique particulière, sa communauté, ses fêtes, etc.

Avec sa petite heure de métrage, Vintage Tomorrows ne semble pas vouloir explorer toutes les contradictions et tous les courants de pensée du mouvement steampunk ; c'est bien dommage, et on ressort du documentaire avec une impression d'inachevé.

Cela dit, pour une introduction à ce milieu (ou du moins, à une partie de ce qu'était ce milieu il y a 5 ou 6 ans), Vintage Tomorrows devrait faire l'affaire.

3.75/6

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​ 

Ready Player One :

En 2045, alors que le monde est au bord de l'effondrement, une seule chose motive les humains : l'Oasis, une réalité virtuelle créée par un génie excentrique (Mark Rylance) qui a laissé, derrière lui, un héritage de taille. Celui qui parviendra à résoudre trois énigmes et à trouver le secret caché au cœur de l'Oasis deviendra en effet l'héritier de son immense fortune, et le nouveau propriétaire de l'Oasis. Parzival (Tye Sheridan), Art3mis (Olivia Cooke), Aech (Lena Waithe), Sho (Philip Zhao) et Daito (Win Morisaki) unissent alors leurs forces pour percer à jour le mystère de l'Oasis avant le machiavélique Nolan Sorrento (Ben Mendelshon), grand patron ayant à sa disposition toutes les ressources de cette multi-nationale technologique...

Moui.

Je ne sais pas trop quoi penser de ce nouveau film de Steven Spielberg, en fait. D'un côté, c'est du Spielberg, c'est donc visuellement particulièrement technique et maîtrisé, les effets spéciaux sont excellents (l'animation, l'émotivité et l'expressivité des personnages numériques sont impeccables), on ne s'ennuie pas, et la bande originale de Silvestri est très bonne (bien qu'un peu envahissante çà et là, lorsque ce qu'il y a à l'écran se marie mal à l'enthousiasme du score, ou que ce dernier joue la carte du mickey-mousing).

Et de l'autre... c'est Ready Player One. Une adaptation d'un roman quelconque, sous la forme d'un quasi-film d'animation à la direction artistique franchement discutable (Parzival et Art3mis sont vraiment laids), au récit assez linéaire, au recours gratuit au fan-service (jusqu'à l'overdose), aux antagonistes ridicules, aux personnages peu attachants et à l'écriture simpliste (le Créateur autiste, Art3mis "défigurée" par sa tâche de vin, l'asiatique qui fait du kung-fu) et à l'univers (le monde réel, pas l'Oasis) dans lequel on ne croit pas une seule seconde, tant ses détails sont inaboutis et manquent de plausibilité.

On devine en filigrane un propos (sur la nostalgie, le virtuel, les corporations, le rapport créateur/création/public, la désacralisation et réappropriation des chefs-d’œuvre, etc), ou du moins ce qui a pu motiver Spielberg à réaliser ce film, mais étrangement, ces idées ne sont pas claires, parasitées par le reste du film (et très probablement par le matériau de base), par sa propension à placer d'innombrables références gratuites comme autant de paillettes jetées aux yeux du spectateur (à ce titre, si la scène Shining permet à Spielberg de se faire plaisir, finalement, elle ne sert pas à grand chose de plus que la majorité des autres moments de fan-service).

Un peu à l'image de ce moment où le méchant tente de faire croire qu'il est lui aussi un fanboy, pour se mettre le héros dans la poche, mais celui-ci n'est pas dupe : il y a là quelque chose de métadiscursif vis à vis du reste du film, qui fait exactement la même chose et surfe sur la vague nostalgie 80s pour se mettre les spectateurs dans la poche. Intéressant, mais à peine effleuré, et ça ne va jamais plus loin que ce bref instant.

En fait, je crois que c'est la maladresse de l'écriture et des dialogues (cf les dernières répliques et toute l'exposition récurrente qui parsème le film, que ce soit en voix off pour présenter l'univers, ou pour surligner et expliciter certaines références) qui brouille les cartes, et empêche ce film de communiquer clairement son message.

On se retrouve ainsi avec quelque chose d'esthétiquement discutable, et qui, sur le fond, a le postérieur entre deux chaises, à mi-chemin entre un Spielberg old-school (aventure, énergie, jeunesse, optimisme) et un Spielberg moderne (plus réaliste, avec un point de vue plus sombre et mordant du monde réel, ou du moins de l'avenir) : c'est pratique, ça permet à tout le monde de se lancer dans sa propre analyse (souvent totalement capillotractée et détachée de la réalité du film et de sa production) selon que l'on a aimé ou détesté, mais en soi, ça n'en fait pas un bon film.

Ça n'en fait pas non plus pour autant un mauvais film, puisque RPO est sauvé par son aspect technique et par sa réalisation...

En résumé, un résultat vraiment mitigé, un peu creux, mais pas désagréable à regarder.

3.75/6 (dont 0.25 pour le petit caméo de Perdita Weeks)

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