Résultat pour ""the good place""

Wrestlemania XXX :

Préshow :

- Fatal 4-way tag elimination match, tag titles. Les fans sont clairement pro-Cesaro/Real Americans. Tag match standard, un peu laborieux et brouillon par moments, et avec un Cesaro qui perd, pour relancer le split des Real Americans. RAS, en somme (clairement pas digne des This is Awesome à répétition du public, mais bon, depuis que le WWE Universe a découvert l'existence de ce chant, il a un peu perdu de sa superbe et de sa signification).

- Vidéo d'intro sympatoche.

- Hogan se pointe, botche sa présentation, Austin l'interrompt, fait une promo générique à la Austin, Rock l'interrompt, fait une promo générique à la Rock (enfin, un petit rap), tout le monde se moque de Hogan et de ses botchs. 25 minutes.

- Bryan vs HHH. Une intro ridicule de HHH, un gros succès populaire pour Bryan, un Trips qui tente de se la jouer technique, et un match standard de Bryan, solide, mais sans surprise. Idem pour le passage à tabac ultérieur.

- NAO & Kane vs Shield. Un squash baclé, clairement là pour rattraper du temps perdu. Pitoyable de voir ça alors que les tag titles étaient en préshow.

- Les légendes jouent avec les jouets de la WWE backstage.

- Andre Battle Royale. Un gros bordel brouillon et désorganisé, jusqu'à ce qu'il ne reste plus que six ou sept personnes. Là, enfin, ça devenait sympatoche, et le finish était excellent.

- Bray vs Cena. Intro musicale réussie pour Bray, match assez anecdotique, typique de Cena. Et le résultat, forcément, est une rediff de la storyline "Embrace the hate" de Kane. Meh.

- Ouhlàlà, Bryan est blessé, quel suspense...

- Undertaker vs Brock. Lesnar qui, fidèle au buildup de ce match, semble faiblard de bout en bout ; Taker avec un look à la con ; et un match particulièrement décevant, lent et pataud, sans réelle énergie ni suspense. Et en plus, bien entendu, le streak s'achève là-dessus. Uberfacepalm.

- Divas Clusterfuck. Une tonne de Divas dans le ring, et first fall wins. Bordélique, et se résumant à des finishers enchaînés, et à un spot acrobatique ou deux. Totalement inutile.

- Les vieux, backstage, whatever.

- Batista vs Bryan vs Orton. Enfin, plutôt un Batista vs Orton surbooké, qui font le gros du boulot, pendant que Bryan se repose entre deux attaques. L'Authority intervient pour empêcher la victoire de Bryan, le public demande l'aide de CM Punk, et le tout se regarde d'un oeil pépère. Pas désagréable, mais vraiment too much.

Bilan : il y a une morale intéressante à tirer de ce PPV : tu peux faire 9 mois de shows allant de "médiocres" à "horribles", tu peux avoir un squash match sur ta carte de PPV, tu peux recycler sans vergogne une storyline avec exactement le même résultat, tu peux ne pas booker les 2/3 de ton roster et les foutre au dernier moment dans des matches fourre-tout, tu peux sacrifier l'une de tes institutions à un mec qui n'en a pas besoin pour être populaire, et tu peux tout simplement surbooker tout ce qui bouge... ce sera instantanément pardonné du moment qu'un fan-favorite remporte la ceinture.

Du moins, si tu t'appelles WWE.

Un PPV très très inégal. Ça tenait assez bien la route jusqu'à la victoire de Cesaro : rien d'exceptionnel, et un squash honteux tout de même, mais ça allait... et ensuite, patatras, entre le remake de Embrace the Hate, le Brock/Taker foireux, et le main event télégraphié. Bon, je suis content pour Bryan, mais rien ne dit qu'il ne va pas perdre le titre dès demain... et de là à s'ébaubir comme tous les fans (et les catcheurs indépendants) le font sur le web, en parlant de renouveau et de passage de flambeau... mouais, aux dernières nouvelles, Orton, Batista, Brock et Cena sont toujours en haut de la carte...

Spin-off de la série originale, mettant en scène Henrietta Hubble (Alice Connor), la jeune cousine de Mildred, qui fait son entrée à l'académie Cackle, sur les traces de son aînée.

Pas de surprise, niveau scénarios et écriture, on est directement (bien qu'un peu en dessous, qualitativement) dans la continuité de la série-mère, et ce malgré quelques changements : conformément à ce qui était expliqué à la fin de la série originale, l'Académie a été rénovée (changement de décors, et d'extérieurs, qui ont beaucoup plus de prestance) par la famille Hallow, qui a par ailleurs inscrit à l'école une autre de ses filles, Mona (Anabel Barnston). Une Hallow atypique, car studieuse et sympathique, et qui devient rapidement la meilleure amie de Henrietta, ainsi que de Cressie (Paislie Reid), une jeune wiccane hippie à l'accent à couper au couteau.

Cackle, elle, reste la même (même si elle joue un peu moins en finesse qu'avant), le rôle d'Hardbroom est repris par Caroline O'Neill, une actrice un peu moins convaincante que l'originale, et les professeurs sont tous remplacés, en l'occurence par un bibliothécaire à moitié sénile, par une prof' d'art un peu illuminée, et par Deirdre Swoop (Stephanie Lane, déjà dans TWW et dans Weirdsister College), en enseignante de sport/magie toujours aussi maladroite.

Le rôle de la Draco Malfoy de service échoue à Belladonna (Francesca Isherwood), la descendante blonde de la sorcière ayant autrefois menacé de détruire le chateau (formidable, de la continuité !), sans oublier sa nouvelle meilleure amie, Cynthia (Daisy Hughes), un peu lente à la comprenette. Et pour compléter le tout, on a plusieurs élèves, dont la supra-attachante Dyllis (Narisha Lawson), sorte de Neville Longdubas au féminin, cependant légèrement différente.

Bref, on retrouve bien les archétypes de la Worst Witch originale (contrairement à Mildred, cependant, Henrietta recherche activement les ennuis, avec son caractère casse-cou et frondeur), et on voit clairement que Harry Potter est passé par là dans l'intervalle : la série colle encore plus près à l'univers graphique des livres de Jill Murphy, et a incorporé quelques éléments de Potter, comme le tableau de classement de chaque élève, qui sert à compter les points.

Cela dit, il est aussi amusant de constater que l'influence n'est (comme d'habitude) pas qu'à sens unique, puisque l'épisode final de la saison (qui voit le retour d'Agatha, la soeur jumelle maléfique de Cackle, dernièrement aperçue dans la Worst Witch originale) nous explique que la maléfique Agatha et ses sbires ne peuvent pas pénétrer dans l'Académie, protégée par des champs de force magiques.

Et que le seul moyen pour elles d'y entrer, c'est d'obtenir la coopération de Belladonna, pour "réanimer" une sorte d'armoire magique entreposée au château, armoire magique servant alors de portail aux méchantes pour s'y introduire subrepticement...

Toute coincidence avec Draco/les Mangemorts/l'armoire magique du Prince de Sang-mêlé, publié en juillet 2005 (alors que l'épisode, diffusé à la mi-Octobre 2005, a été mis en production en début d'année...) n'est bien évidemment que fortuite. 

The New Worst Witch, saison 2 :

Ultime saison pour le "WorstWitchverse", et quelle saison !

En comparaison de la saison 1 de ce spin-off, c'est le jour et la nuit : tout le monde se lâche, et les jeunes actrices sont mille fois plus naturelles et détendues.

Ainsi, le ton est beaucoup plus léger et comique, notamment grâce à une nouvelle prof' d'art totalement déjantée (Elizabeth Bower), mélange de Miss Bat et de la prof' d'art de la saison précédente, et à une Deirdre Swoop mise en avant par les scénaristes, qui ont fini par s'apercevoir de son véritable potentiel comique.

Bref, c'est fun, c'est dynamique, la musique est sympathique, et ça se regarde d'une traite, sans aucun problème.

Alors même que la TNA vient d'annoncer un changement de créneau horaire pour Impact, qui passe le Mercredi soir de manière permanente, et enterre probablement par là-même toutes les rumeurs de non-renouvellement du programme, la diffusion des tapings de NYC continue...

- Bully dans le ring, sous les ovations du public, après son exploit de la semaine dernière. Idem pour Devon. Les Hardys s'incrustent, les deux équipes se passent de la brosse à reluire, et teasent un match supplémentaire entre elles. Segment efficace, bien qu'un peu hâché au montage (ça durait clairement quelques minutes de plus à l'origine).

- Joe confiant en sa capacité à défendre la ceinture de la X-div.

- La Team Dixieland fait piètre figure.

- Aries, Roode et EY se moquent cordialement de Dixie, et sont prêts à évacuer la Team MLK.

- Low Ki vs Tigre Uno vs Manik vs Homicide vs Crazy Steeve vs Zema, Elimination Match. Un match très fun, et qui va à 200 à l'heure.

- La Team Dixieland est mécontente.

- Team Dixieland dans le ring, pour se plaindre, interrompue par Kurt Angle, qui demande à la police de NYC (dont un avec un gros tatouage - on y croit à fond ^^) d'intervenir, et d'évacuer EC3 & co. Amusant.

- Gunner et Shaw se font confiance, sans rancune.

- La Team Dixieland tente de soudoyer les flics jusque dans la rue.

- Anderson vs Gunner. Un début de match sans réaction du public, qui commence à chanter des trucs sans rapport (CM Punk et le thème d'Adam Rose, il me semble), avant l'intervention des ciseaux du monteur de la TNA, et de Shaw, qui met fin au match, reçoit un "Thank you Dexter" du public, et clot le segment. Passons.

- Le post-crash de la semaine dernière, avec Bully qui chante "Ding Dong the Witch is Dead" sur le cadavre d'une Dixie qui reste immobile dans le ring pendant trois plombes.

- Love vs Sky vs Gail & Taryn, KO title match. Assez inégal, selon la lutteuse qui attaque ou défend. RAS.

- MLK se contrefoutent du sort de Dixie.

- MLK vs Aries, Roode & EY. Trios match solide et dynamique, avec une Spear mémorable.

- H*V*K is coming.

- Les Wolves sont attentifs à la suite du show.

- Abyss veut récupérer Janice, Bram et Magnus approchent, confiants. Bram trolle Abyss, et zou, un Full Metal Mayhem/Stairway to Janice est booké, avant un mini-brawl. Un segment un peu inégal dans son rythme.

- James Storm, qui développe un peu plus son personnage de laveur de cerveau avec "The Great Sanada". J'aime bien ce développement, même si ça crie déjà un peu partout au plagiat de la Wyatt Family... ^^

- Hardyz vs Team 3D. Très bon main event, avec quelques spots bien amenés.

Un show plus déséquilibré que les semaines précédentes, avec le gros de l'action confiné à la seconde heure de show, une première heure servant de transition et de reboot post-Dixie, et un public un peu plus dissipé & distrait que précédemment. Cela dit, ça reste tout à fait honorable, bien qu'un peu en dessous de ce à quoi les tapings new-yorkais nous avaient habitués.

Halloween approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...

Waxwork :

Dans une banlieue tranquille, un groupe d'étudiants aisés composé de Mark (Zach Galligan), China (Michelle Johnson), Sarah (Deborah Foreman), Gemma (Clare Carey), James (Eric Brown) et Tony (Dana Ashbrook) visitent un musée de cire tenu par un sorcier (David Warner), désireux de déchaîner les dix-huit tueurs les plus dangereux de tous les temps sur le monde. Mais pour cela, il doit trouver de nouvelles victimes, afin d'animer les statues de cire de son musée...

Une comédie horrifique typique des années 80, qui mélange joyeusement les genres, passant allègrement de l'horreur gore à la comédie, pour revenir au fantastique, avec un bestiaire très réussi, des ambiances constamment différentes, un final totalement barré et bien sûr quelques guest-stars très sympathiques (Patrick McNee, John Rhys Davies).

Bref, un métrage attachant, à ne pas prendre trop au sérieux.

4.25/6

Waxwork 2 :

Accusée de meurtre suite aux évènements du premier film, et à la survie d'une main coupée qui a tué son père, Sarah doit désormais passer d'époque en époque avec Mark, afin de trouver suffisamment de preuves pour disculper la jeune femme...

Suite directe du film précédent, avec un simple changement d'actrice principale, et un métrage qui pousse le concept dans ses retranchements, jusqu'à franchir le point de non-retour.

Ici, plus de musée de cire ou de David Warner, puisqu'on passe d'époque en époque, de genre cinématographique en genre cinématographique, le tout avec encore moins de retenue : le ton en est d'autant plus décomplexé, ça donne ouvertement dans la parodie et le slapstick, et le tout est malheureusement nettement plus brouillon et inégal.

On se retrouve en effet avec des segments beaucoup trop longs (le film est d'ailleurs lui-même trop long, avec facilement quinze minutes de trop), illustrés par une musique ultra-fauchée, façon world music insipide qui plombe souvent ce qu'il y a à l'écran.

Vraiment dommage, parce que l'on retrouve par moments le fun de l'original, et que les guest stars sont excellentes (Bruce Campbell !)... mais le "bigger louder" de cette suite ne convainc pas vraiment. Sans oublier le clip de hip-hop totalement hors-sujet en guise de générique de fin.

3/6

John Carpenter's The Ward :

Dans un asile au coeur de l'Oregon, dans les années 60, plusieurs jeunes femmes vivent dans la terreur d'une entité meurtrière qui sévit dans les couloirs, la nuit. Parmi les patientes, Kristen (Amber Heard), une jeune pyromane amnésique bien décidée à ne pas devenir la nouvelle victime du fantôme...

Pas exceptionnel, avec des moments de flottement inhérents à un genre déjà bien exploité (le film d'asile et ses figures de style qui peuvent lasser, par exemple dans l'exposition), un script pépère, et une fin qu'on voit largement venir (les films sur la folie/les asiles, ça entraîne des twists finaux qui n'en sont plus tant ils sont prévisibles ; surtout quand le pitch du film, c'est "Identity dans un hôpital psychiatrique"), mais ça tient néanmoins formellement plutôt bien la route, avec une interprétation solide lorsqu'il le faut, et une facture globale qui fleure bon le old-school à la Big John (notamment dans certains cadrages).

En ce qui concerne la note, vu que c'est tout de même vraiment basique au niveau du script, et que la musique non-Carpenterienne échoue à imposer la moindre ambiance :

3/6

Episode XIV : Grayson Chance style…

Austin & Ally (2011 - ? )

Tête de con, tête de con, la frangine de l’autre, et tête à claques…

Koicé ?
Ally, une ado timide, parolière talentueuse mais discrète, travaille dans une boutique d’instruments de musique. Là, elle tombe sur Austin, jeune chanteur charismatique et doué (mais pas très brillant) qui se cherche une parolière. Ensemble, et avec leurs amis Trish, une latina rondouillarde à grande gueule incapable de conserver un job plus de dix minutes, et Dez, un apprenti-réal maladroit, ils se lancent dans une carrière musicale, et sont un succès instantané.

Aveckicé ?
Ross Lynch (Austin), un blondinet sans vrai charisme ou intérêt, mais qui joue à peu près juste, et qui chante et danse plutôt bien ; Laura Marano (la sœur cadette de Vanessa Marano, alias la fille de Lithgow dans Dexter s5, et la lead actuelle de Switched at Birth), assez solide dans son jeu, même si elle ressemble beaucoup trop à sa sœur pour que ce ne soit pas troublant. Calum Worthy (Dez), un rouquin à peu près aussi inintéressant que l’autre mec de la distribution, et qui semble constamment sous acides. Et enfin Raini Rodriguez (Trish), déjà horripilante dans I’m in the band et The Suite Life, et là encore plus tête à claques.

Koiçavo ?
Difficile de se faire un avis réel avec moins d'une saison au compteur, mais bon, pour l’instant, ce n’est pas le moins du monde intéressant. Outre les scénarios assez plats et sans intérêt, le cast ne fonctionne pas bien. C’est assez étrange, en fait, tant Disney s’en sort pourtant généralement très bien avec ses acteurs… mais là, la mayonnaise ne prend pas du tout. Ça cabotine dans tous les sens (surtout les persos secondaires), c’est plat, assez mal rythmé, bref, gros bof.

Qui plus est, l’orientation même de la série pose problème : encore un énième show décrivant le succès fulgurant d’un ado méga-talentueux qui, sa première vidéo à peine postée sur youtube, est instantanément propulsé sur tous les plateaux tv, et devient une superstar…

Je sais que c’est la success-story typique des shows Disney de ce genre, mais bon, il arrive un moment où trop, c’est trop. Et il se pourrait bien que A&A soit la goutte de trop dans le vase des tweencoms Disney…

Perte de Santé mentale :
C’est tellement plat et insipide que, les ¾ du temps, c’est inoffensif. Et puis arrive Trish, et là, on a envie de se lobotomiser pour échapper à ça… Je ne le cache pas : je n'ai pas du tout apprécié la dizaine d'épisodes que j'ai vue. Ce qui ne veut pas dire que ça ne peut pas évoluer dans une direction positive, avec le temps... si tant est que ça évite l'écueil du shipping trop évident...

Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...

Zombieworld :

Histoire de continuer dans les navets zombiesques, zou, Zombieworld, une anthologie-compilation de courts d'une durée très variable (deux ou trois minutes à 15-20), dans laquelle divers réalisateurs et scénaristes issus des quatre coins du globe racontent l'apocalypse zombie à leur manière, sous l'égide de Dread Central.

Alors déjà, avant de commencer, je tiens à préciser que certaines copies du métrage sorties en Blu-Ray (lesquelles ? Débrouillez vous !) ne contiennent pas, probablement pour des questions de droit, les deux meilleurs courts-métrages du lot, tous deux espagnols, et tous deux plus longs que la moyenne.

Je parle ici de Fist of Jesus (disponible sur Youtube), qui nous montre un Jesus nonchalant qui ramène Lazarus à la vie, et déclenche ainsi par erreur une invasion de zombies en Galilée. Assisté du trouillard Judas, Jesus doit alors se battre à mains nues (et à grands coups de poissons et de croix) comme une armée de morts-vivants nonsensiques : c'est fun, c'est très Braindead dans l'esprit, c'est décomplexé, bref, ça fait plaisir ; l'autre court, c'est Brutal Relax, lui aussi visible sur Youtube, et qui nous montre les vacances à la plage d'un psychopathe berserker en manque de détente. Forcément, il tombe en pleine invasion de zombies-démons aquatiques verdâtres, et le tout dégénère en un massacre organisé, et en une bagarre anthologique (tournée générale de baffes à la Bud Spencer pour tout le monde) sur le sable.

En résumé, deux courts-métrages au budget pas forcément très généreux, mais bien construits, distrayants et originaux.

On ne peut malheureusement pas en dire autant du reste du film, particulièrement médiocre et peu inspiré.

Dark Times est ainsi un court filmé en vue subjective, relativement dynamique, mais qui reste assez bateau ; d'autant que Dead Rush (le court ayant inspiré le film du même nom) arrive un peu plus tard dans ce Zombieworld, et propose exactement la même chose, pas forcément en mieux, et en tout aussi mollasson que la version long-métrage.

I am Lonely, court irlandais, lorgne fortement sur Shaun of the Dead, en proposant le monologue d'un homme qui se retrouve seul après la mort de son colocataire. Gros bof ; Dead Stop montre la mort d'un agent de police vue depuis la caméra embarquée de sa voiture... et c'est tout ; Home présente la survie d'une jeune femme australienne, seule dans une ferme, et qui garde son fiancé zombifié enchaîné dans une pièce : quelques moments inintéressants, mais c'est assez mal filmé dans l'action.

Teleportal est ultra-fauché, et montre un joueur de FPS se faire aspirer dans son jeu de zombies, pour y mourir aussitôt : le court dure encore moins longtemps que cette phrase, donc pas grand chose à en dire, franchement ; Marathon Apocalypse, qui arrive durant le générique de fin, se limite à la course d'une jeune femme dans les bois.

Certified, le meilleur du lot, sur un postier qui apporte une lettre recommandée à une maison isolée, et est accueilli par une petite fille ayant une histoire macabre à raconter, est aussi le seul à ne pas avoir de zombies, et à se rapprocher d'un Contes de la Crypte, avec un rendu visuel bien plus professionnel que la moyenne ; How to Survive the Zombie Apocalypse, un trio de courts en provenance des pays de l'Est, est une sorte de Zombieland fauché, ultra-dérivatif, et pas très drôle ; et Zombie News, le fil conducteur du métrage, montre un présentateur tv se transformer lentement en zombie à mesure que l'apocalypse zombie se prolonge, et qu'il doit tenir l'antenne. De la comédie pas drôle, et prévisible.

D'ailleurs, c'est ça le vrai fil conducteur de ce Zombieworld : l'absence d'idées, l'absence d'originalité, l'absence de rythme... et l'absence de budget (mais ça, ça se comprend). Quand les meilleurs segments d'une telle anthologie sont ceux qui ne sont pas inclus dans le produit final, et dans une moindre mesure, celui qui ne parle pas vraiment de zombies, autant dire que c'est un échec retentissant.

1/6 (pour la copie que j'ai vue, dans son ensemble ; les meilleurs courts méritent un bon 4/6 individuel)

Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...

Russian Yeti - The Killer Lives :

Un mockumentaire Discovery Channel qui revient sur l'Incident de la Passe de Dyaltov, en Russie, durant lequel neuf étudiants russes ont mystérieusement trouvé la mort à flanc de montagne, en 1959.

Un peu à l'instar de leurs mockumentaires sur les sirènes, les mégalodons et autres cryptides en tous genres, ce métrage, présenté et diffusé comme étant un véritable documentaire "scientifique", affirme avoir découvert une explication surnaturelle à ce mystère : les étudiants auraient été victimes d'un yéti sanguinaire qui hanterait les étendues sauvages de Sibérie.

Bon, je ne vais pas revenir sur les innombrables problèmes éthiques posés par la diffusion d'une telle oeuvre de fiction (qui exploite par ailleurs de véritables photos de cadavres) dans le cadre d'une série de documentaires sérieux et éducatifs : beaucoup d'autres personnes l'ont fait mieux que moi en ligne, et ça participe vraiment à l'abêtissement de la population américaine (et, par exportation, mondiale), déjà bien alimenté par les shows de chasse au fantôme, de chasse au bigfoot, d'anciens astronautes, et autres émissions de révisionnisme historique et antique qui passent sur History Channel et sur le reste du cable US.

Je vais plutôt me concentrer sur le documentaire en lui-même, et là, c'est un peu un carnage.

Dès ses premières minutes, n'importe qui avec un minimum de jugeotte comprend qu'il va avoir droit à un gros canular pas très finaud ou plausible : reconstitutions bancales, interventions face caméra très mal jouées (la "journaliste russe", notamment, n'est jamais juste), quatre ou cinq caméras simultanées pour filmer la moindre interview (comme si les documentaires télévisuels en avaient le budget ^^), des scènes risibles (les deux reporters qui arrivent dans le village d'une tribu locale hostile, supposément isolée et coupée du monde contemporain... mais le village est un village aux chalets modernes, éclairés à l'électricité, avec un camion enneigé garé dans un coin, et une architecture flambante neuve), etc.

Et plus le temps passe, plus ça empire, avec une histoire de conspiration gouvernementale & militaire en carton pâte, des vidéos et photos jamais crédibles (malgré les efforts de la voix off, les "preuves" visuelles de l'existence du yéti ont tendance à encore plus décrédibiliser le documentaire, puisque le yéti en question ressemble à un figurant vaguement déguisé et flouté, qui ne tient pas un seul instant la comparaison avec le film Patterson-Gimlin, utilisé en exemple... déjà que le Patterson-Gimlin... mwé), une exploration de grottes où l'on ne voit rien malgré l'agitation des deux héros, et pour finir, une reconstitution stupide de l'incident par les protagonistes, qui décident d'aller dans la forêt en pleine nuit, et de tout faire pour énerver le supposé yéti, afin de provoquer une attaque... moui.

Même si l'on croit à 100% au reste du métrage, c'est quand même d'une stupidité confondante, cette idée.

Mais bon, comme dans tout found footage, ça se finit dans les bois, de nuit, avec des bruits bizarres et une image tremblotante qui fait qu'on ne voit rien (ce qui tombe bien, puisqu'il n'y a rien à montrer).

En résumé, ce Russian Yeti est assez mal conçu, assez mal écrit, assez mal interprété, assez stupide, et d'un point de vue éthique, c'est particulièrement horripilant.

0.75/6 (pour avoir fait l'effort de rendre une copie technique assez honorable, et visiblement suffisamment maîtrisée pour faire illusion auprès des esprits les plus crédules)

C'est le mois d'août, il fait chaud, et les Téléphages Anonymes partent explorer des contrées lointaines à la recherche de l'aventure...

Le Roi Scorpion 3 - Combat pour la Rédemption (The Scorpion King 3 : Battle for Redemption - 2012) :

Destitué et hanté par la mort de Cassandra, Mathayus (Victor Webster) est retourné à la vie de mercenaire : engagé par Horus (Ron Perlman), roi tout-puissant, il doit faire équipe avec Olaf (Bostin Christopher), un Teuton puant et brutal, pour aller défendre le royaume indien du Roi Ramusan (Temuera Morrison), gardien du Livre des Morts. Car Talus (Billy Zane), frère d'Horus, est bien décidé à mettre la main sur ce dernier, quitte à mettre le royaume de Ramusan à feu et à sang, et à kidnapper la princesse Silda (Krystal Vee), fille de Ramusan...

Adieu l'idée de préquelle et d'un jeune Mathayus, puisque pour ce Scorpion King 3, on revient à une suite du film de The Rock, suite écrite par le même scénariste que le précédent volet, et tournée en Thaïlande.

L'avantage, c'est que la Thaïlande, c'est dépaysant, et que, confiée à un réalisateur habitué aux films d'action tournés en Asie, cela permet d'optimiser les ressources disponibles : avec 5 millions de dollars de budget (même pas le budget d'un épisode de série télévisée), on a ici des armées qui s'affrontent, des éléphants de guerre, énormément de cascades et de combats d'arts martiaux, beaucoup de figurants, etc.

Bon, à l'écriture, ça reste le travail de la même personne, donc on retrouve les mêmes défauts que dans le deuxième épisode : c'est long, très mal rythmé, ça se perd dans des digressions inutiles et ça peine à passionner... mais il y a cependant du progrès, puisque ici, le ton est clairement plus à la parodie qu'au relativement sérieux du Roi Scorpion 2.

Peut-être est-ce dû, tout simplement, à la présence de Billy Zane, qui en fait trois tonnes, semble improviser toutes ses scènes, et s'en donne à cœur joie, rendant son personnage de roi pleutre et arrogant instantanément mémorable.

Face à lui, cependant, Victor Webster s'en sort tout à fait bien : il a la carrure, le look, et la décontraction appropriés au personnage, quand bien même celui-ci serait ici plus tourmenté qu'avant.

Son duo comique avec Bostin Christopher a ainsi des airs de buddy cop movie, Webster est très convaincant dans l'action, et c'est d'ailleurs cette action, généreuse et variée, qui suffit à rendre le film déjà nettement plus intéressant que le n°2.

Après, outre le rythme et le remplissage, il y a toujours pas mal de problèmes : la musique est insipide, les costumes n'ont aucun sens (beaucoup de légionnaires romains...?), les perruques sont fauchées, et le trio de guerriers fantômes (une pseudo-Sindel de Mortal Kombat, Kimbo Slice en Kamala bodybuildé, et Batista avec des cornes) sont sous-exploités, et dans l'ensemble, ce n'est pas bon.

Mais heureusement, une touche renforcée de continuité (même si cette continuité ne fait pas grand sens compte tenu du destin de Mathayus) rehausse un peu le tout, avec une apparition de Kelly Hu en flashbacks, le Livre des Morts de La Momie, et des références appuyées au passé de Roi de Mathayus.

Pour conclure, Scorpion King 3 est un gros bordel qui n'est pas franchement meilleur, techniquement parlant, que son prédécesseur. Mais ici, au moins, on s'amuse, et cela fait toute la différence.

2.5/6 (pour Billy Zane)  

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

C'est le mois d'août, il fait chaud, et les Téléphages Anonymes partent explorer des contrées lointaines à la recherche de l'aventure...

The Lost City of Z (2017) :

En 1906, Percy Fawcett (Charlie Dunham), colonel de l'armée britannique, reçoit pour mission de cartographier les frontières séparant le Brésil de la Bolivie. Là, il découvre les traces de ce qu'il baptise la Cité Perdue de Z, potentiellement la preuve d'une civilisation locale très avancée. Malgré l'absence de preuves tangibles, et les réticences de l'establishment, Fawcett va alors consacrer sa vie à cette Cité Perdue, quitte à mettre en péril son fils (Tom Holland) et son aide de camp (Robert Pattinson)...

Explorateur raté et incompétent, théosophe illuminé, européen raciste et mal préparé, dépourvu du moindre tact ou de la moindre diplomatie, Percy Fawcett a disparu un beau jour, ruiné, alors qu'il explorait la jungle avec son fils, à la recherche d'une hypothétique cité disparue, Z. Au début des années 2000, David Grann, du New Yorker, s'est pris d'intérêt pour cette histoire (devenue entre temps une légende à part entière, déformée par le temps), et a publié un ouvrage revenant sur le destin de Fawcett, ouvrage semi-hagiographique acclamé par la critique pour son suspense et son sens de l'aventure, malgré de multiples exagérations romancées et erreurs critiquées par les spécialistes.

Et donc, en 2017, James Gray a adapté cet ouvrage sous la forme d'un film de 2h20, film romançant un peu plus encore l'histoire de Fawcett, et faisant de ce dernier un explorateur visionnaire, humaniste, défenseur des indigènes face à l'hégémonie de l'homme blanc esclavagiste, de la colonisation et de l'Église, bref, un véritable héros luttant seul contre tous, et bien décidé à prouver la grandeur des civilisations autochtones.

Une colossale réécriture de l'Histoire, donc, qui n'a plus en commun avec la réalité qu'une poignée de noms, de lieux et de dates, et un lissage politiquement correct qui fait de Fawcett un héros en quête de reconnaissance, et de son épouse, une femme moderne désireuse d'indépendance, prête à l'accompagner malgré les réticences de l'époque.

Certes. Cela pourrait passer comme une fiction pseudo-historique si le film avait conservé le sens de l'aventure et de l'exploration du livre qui l'inspire. Mais (sans surprise) ce n'est clairement pas l'orientation choisie par James Gray, qui préfère nous proposer un drame lent et pesant à la photographie sépia étalonnée numériquement, où l'aventure et le risque sont (la plupart du temps) absents, au profit du portrait d'un personnage tentant de ressouder sa famille et de renouer avec son fils, au cœur d'une époque en pleine mutation.

Et je dois dire que je n'ai pas du tout accroché. Il y a beaucoup de qualités formelles et techniques, mais entre le rythme en dents de scie (allers et retours fréquents entre la jungle et l'Angleterre, qui ne facilitent pas le sentiment de passage du temps), la présence de Charlie Dunham dans le rôle principal (un Dunham compétent, mais trop en demi-mesure pour convaincre), la photographie déplaisante, et la rupture totale avec tout semblant de réalité historique, je n'ai pas du tout aimé.

Un film clairement pas fait pour moi.

2/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Fuck You All - The Uwe Boll Story (2018) :

Documentaire de 97 minutes revenant sur la carrière d'Uwe Boll, qui arrive exactement alors que la carrière de Boll est au plus bas (le bonhomme est "à la retraite"), pour tenter de dépeindre le réalisateur allemand comme un électron libre, un artiste iconoclaste refusant toute convention, un anarchiste méprisant le système, etc, etc, etc.

Ce qui a du mal à passer lorsque l'on connaît un peu les sommes faramineuses que l'homme a engrangées en pondant à la chaîne des adaptations miteuses de jeux vidéo, pour pas cher, en bénéficiant de subventions de l'état allemand, et en créant le buzz autour de sa personne.

Le documentaire se partage ainsi entre interviews avec Boll (effectuées à différentes périodes de sa carrière) et avec ses défenseurs (collègues et acteurs qui sont tous fans du bonhomme) et détracteurs, même si ces derniers finissent par admettre une certaine admiration pour le bonhomme et son œuvre.

Il en ressort l'image d'un homme sympathique et sans filtre, un bon père de famille incapable de contrôler son impulsivité, et surtout, un passionné de cinéma capable de parler des heures des qualités et des défauts des films des autres, mais (de l'aveu même de l'un de ses collaborateurs de longue date) totalement incapable d'appliquer ces connaissances à son propre travail.

Le vrai problème, si l'on en croit tous les intervenants, c'est que si Uwe est un excellent producteur et bateleur, capable de réunir de l'argent sur une promesse ou sur son bagout, il est un piètre réalisateur, car le côté technique du métier ne l'intéresse guère.

D'où d'innombrables tournages sans script, sans préparation, sans intérêt de sa part, uniquement là pour engranger un maximum d'argent avec des films qui créent le bad buzz. D'autant que Boll, particulièrement caractériel et contradicteur, n'est ni plus ni moins qu'un gros troll, qui avait bien compris que plus on parlait de lui, plus ses films étaient vus, et plus il gagnait de l'argent (même si sa réputation était démolie au passage).

Et il n'est guère surprenant de constater qu'au moment même où ces subventions ont disparu, où le monde du DTV a perdu en vitesse au profit de la VOD, Boll a totalement disparu des écrans radars, pour se recycler en restaurateur à Vancouver.

Malgré cela, tous les intervenants du film l'apprécient : ses amis acteurs, parfois poussés à bout, ne lui en veulent pas ; ses critiques le regardent d'un œil amusé ; ses collègues font une liste exhaustive de tous ses défauts... mais ils ne regrettent aucun de leurs films tournés ensemble.

Sans être vraiment une entreprise de réhabilitation du personnage Uwe Boll (car c'est ce qu'il est devenu au fil des ans : un personnage en représentation constante), le documentaire semble tenter de nuancer le portrait au vitriol qui a souvent été fait de Boll.

Sans y parvenir totalement, car Uwe reste un provocateur puéril et pseudo-rebelle, qui a tout fait pour attirer l'attention, avec un sens de la révolte et de l'humour digne d'un gamin en pleine crise d'adolescence. Impossible d'oublier cela quand certains des compères de Boll parlent de lui comme d'un visionnaire, ou nous ressortent la bonne vieille excuse de "tous les critiques n'ont pas de légitimité tant qu'ils n'ont pas eux-mêmes tourné de film".

Cela dit, au moins, les proches et amis de Boll semblent tous d'accord : si Uwe a pris sa retraite dans la restauration, ce n'est clairement pas définitif, et il reviendra au cinéma le jour où il aura trouvé un moyen de refaire de l'argent.

On a hâte. Ou pas.

3.75/6 (malgré son côté très orienté, c'est agréable à suivre)

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Sur le blog des Téléphages Anonymes, un mois d'avril se préparant à l'Endgame des Avengers, mais avec quelques surprises - bonnes comme mauvaises - en chemin...

#930 : Django Unchained (2012) - 4.25/6

#931 : L'Ombre d'Emily (2018) - 3/6

#932 : Jesus Camp (2006) - 5/6

#933 : Lego DC : Batman Harcelé (2014) & La Ligue des Justiciers contre la Ligue des Bizarro (2015) - 3.5/6 & 3.5/6

#934 : Geography Club (2013) - 2.25/6

#935 : Sweet Seventies (2018) - 4/6

#936 : Nerdgasm (2015) - 2.25/6

#937 : My Dinner with Hervé (2018) - 3.75/6

#938 : La Grande Aventure Lego 2 (2019) - 3/6

#939 : Le Retour de Mary Poppins (2018) - 3/6

#940 : Le Complexe de Frankenstein (2015) - 4.5/6

#941 : Lego DC - La Ligue des Justiciers : L'Attaque de la Légion maudite (2015) - 2.5/6

#942 : Incoming (2018) - 2/6

#943 : Shazam ! (2019) - 2.75/6

#944 : I Hate Kids (2019) - 2.25/6

#945 : Piégée (2011) - 2/6

#946 : Mayor of the Sunset Strip (2003) - 4.75/6

#947 : Les Animaux Fantastiques - Les Crimes de Grindelwald (2018) - 2/6

#948 : Lego DC - La Ligue des Justiciers : l'Affrontement Cosmique (2016) - 4/6

#949 : La Révolution de Mme Ratcliffe (2007) - 3.75/6

#950 : Waffle Street (2015) - 2/6

#951 : Les Huit Salopards (2015) - 3/6

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# Bilan :

Un mois de cinéma qui s'ouvre et se ferme sur du Quentin Tarantino, deux films qui encadrent une période franchement assez médiocre : 23 films passés en revue, et seuls 9 d'entre eux atteignent la barre symbolique du 3.5/6.

C'est très peu, et au nombre de ces métrages qui peinent à convaincre, on trouve notamment des blockbusters aux moyens conséquents, et aux équipes expérimentées. Mais non, que ce soit du côté de la franchise Potter, de Mary Poppins ou de DC, ça tombe à plat, ça fait des choix discutables, et surtout, ça fait preuve d'un flagrant manque d'ambition et de structure.

Heureusement, les documentaires sont là pour sauver la mise, avec un Jesus Camp glaçant, un Mayor of the Sunset Strip nostalgique, et un Complexe de Frankenstein intéressant.

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# Film du mois :

Hors documentaires, c'est Django Unchained qui remporte la mise, et qui a su me convaincre malgré le fait qu'il appartienne à un genre (le western) qui ne me parle pas beaucoup. J'ai toutefois eu plus de difficultés avec Les Huit Salopards, tout en lui reconnaissant des qualités formelles indubitables.

# Flop du mois :

Les Crimes de Grindelwald, un blockbuster décousu, laborieux, brouillon, qui a tous les problèmes des pires films de la saga Harry Potter, sans en avoir la magie, le merveilleux ou l'humour. Un vrai beau ratage, qui laisse présager du pire pour la suite de la saga.

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# Petit écran :

Ce mois-ci, chez les Téléphages Anonymes, on a terminé la saison 2 de Star Trek Discovery - pas vraiment un franc succès, ce qui n'est guère surprenant ; Orville, à l'identique, a continué son petit bonhomme de chemin ; en saison 4, Angie Tribeca est restée égale à elle-même ; YouTube, avec ses séries courtes Lifeline et Weird City, a peiné à me convaincre ; et la saison 2 de Jessica Jones, elle, m'a totalement laissé de marbre.

Pas terrible, ce mois d'avril.

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# À venir :

En mai, le blog des Téléphages Anonymes continue sa chronique Un film, un jour... ou presque ! et ses séries, avec la fin de partie des Vengeurs, des Titans qui passent à l'attaque, un mini roi Arthur, Ricky Gervais, une Académie des plus étranges, des zombies californiens, et une dernière quinzaine dédiée aux extraterrestres les plus dangereux du cinéma contemporain, à l'occasion de leur 40è anniversaire...

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C'est le mois d'août, il fait chaud, et les Téléphages Anonymes partent explorer des contrées lointaines à la recherche de l'aventure...

La Momie - La Tombe de l'Empereur Dragon (The Mummy : Tomb of the Emperor Dragon - 2008) :

Maudit par Zi Yuan, une sorcière (Michelle Yeoh), le cruel Empereur Han (Jet Li) a été transformé, ainsi que toute son armée, en statues de terre cuite, et enfouis dans un tombeau souterrain. Jusqu'à ce qu'Alex O'Connell (Luke Ford), fils de Rick et d'Evelyn (Brendan Fraser et Maria Bello), ne le réveille par erreur : à la famille O'Connell d'empêcher Han de mettre la main sur le secret de l'immortalité, avant qu'il ne réveille ses armées et ne conquière le monde.

Dernier volet de la série La Momie, cette fois-ci réalisé par Rob Cohen (Fast & Furious, xXx) et écrit par les scénaristes de la série Smallville... ce qui, d'office, laissait augurer du pire.

Et sans surprise, c'est le cas, puisque la Momie 3 s'avère le film le plus faible de la trilogie, pour de nombreuses raisons.

Déjà, la plus visible, Rachel Weisz est remplacée par Maria Bello, une actrice habituellement blonde (et que j'apprécie dans ses autres rôles), qui compose ici une Evelyn nettement plus physique, et à l'accent anglais très très fluctuant et forcé. Résultat : on ne croit pas vraiment à ce remplacement, et à son alchimie très limitée avec Brendan Fraser.

Idem pour Luke Ford, qui ne fait pas grande impression dans son rôle. Pire : le film tente clairement d'en faire un protagoniste principal (possiblement pour un spin-off centré sur ses aventures), et lui donne une romance générique avec Isabella Leong. Là encore, ça ne fonctionne pas vraiment, et on sent les rouages du cerveau des producteurs cherchant à prolonger la franchise sans son couple vedette.

Face à eux, Jet Li est remplacé à 80% par une doublure numérique, donc sans grand intérêt : d'autant que le numérique du film est assez inégal, confié à Digital Domain et à Rhythm & Hues. Sans ILM à la barre, les effets sont régulièrement encore plus approximatifs et laids, notamment les fameux Yétis félins footballeurs.

Des Yétis au nombre des mauvaises idées du film, aux côtés d'un yack animatronique qui vomit en avion, des transformations foireuses de l'Empereur en animaux mal finalisés, des combats d'arts martiaux mal câblés et montés, et d'un déluge de personnages animés par ordinateur.

Ajoutez à cela un montage approximatif des scènes d'action, toutes filmées à la shaky-cam ; une bande originale inexistante, mélange improbable d'un thème sympathique mais sous-utilisé signé Randy Edelman (qui, comme d'habitude, sabote son travail en utilisant des synthétiseurs qui semblent sortis des années 80-90),  et d'un underscore symphonique dépourvu de thèmes mémorables, composés par John Debney, uniquement là pour colmater les trous et pour mettre en musique les scènes d'action ; un rythme mollasson au possible (ce qui découle, en partie, de l'absence de thème entrainant durant les scènes d'action) ; et un couple de héros trop préoccupés par leur statut de parents et par leurs relations familiales pour rester dynamiques et attachants...

Et voilà : une Momie 3 insipide, qui donne l'impression d'avoir été pensée avant tout pour le marché chinois, et qui en oublie d'être divertissante, rythmée, ou même intéressante.

2/6

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Noël est passé, la Nouvelle Année est arrivée, mais comme tous les ans, la Christmas Yulefest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...      

Le Cinquième Voyage de Sinbad (Sinbad : the Fifth Voyage) :

Lorsque la princesse Parisa (Danielle Duvale), sa promise, est enlevée par un sorcier maléfique, Sinbad (Shahin Sean Solimon) doit traverser les étendues d'eau et de sable du Moyen-Orient pour la libérer...

Un métrage indépendant au budget clairement minimaliste, et à la distribution ethnique louable, mais qui souffre du syndrôme "Acteur-Réalisateur-Scénariste" qui touche souvent ce type de films, et les affaiblit systématiquement.

Les intentions du métrage étaient louables, pourtant : recréer l'atmosphère des films de Ray Harryhausen, avec leurs monstres animés image-par-image et leurs visuels gentiment datés. Le problème étant qu'ici, rien n'est à la hauteur de ces films d'antant. Les effets spéciaux ? Un mélange de stop-motion et de numérique sur fond vert qui souligne les pires défauts des deux techniques. L'interprétation ? Particulièrement inégale, avec des accents prononcés contre lesquels les acteurs luttent parfois, et du cabotinage regrettable. L'histoire ? Un best-of de Harryhausen et des 1001 nuits, vu et revu, sans rythme ni poids narratif quelconque. L'audio ? Étouffé, inégal, et avec une ambiance musicale à côté de la plaque.

Bref, à la vision de ce quasi-moyen-métrage (une fois les génériques enlevés, on est en dessous des 65-70 minutes), on devine très clairement que le plus gros du budget a dû être dépensé dans l'un ou l'autre des décors naturels (le bateau, qui sert le temps d'une scène et demi), dans les effets spéciaux, ainsi que dans le générique d'ouverture animé.

Ah, et bien sûr, dans le salaire de Patrick Stewart, qui narre une partie du film en voix-off ; ce qui n'a aucun sens, puisqu'il a son accent anglais, et est pourtant censé être Sinbad, qui parle avec un accent arabe prononcé pendant tout le métrage... m'enfin bon, on n'en est plus à ça près... ^^

1.75/6 pour l'effort

Le Voyage Fantastique de Sinbad (The Golden Voyage of Sinbad) :

Sinbad (John Phillip Law) et son équipage interceptent une créature ailée en possession d'une tablette dorée : Koura (Tom Baker), sorcier maléfique ayant donné vie à la créature, tente de récupérer la tablette, en fait une carte énigmatique dont le Vizir (Douglas Wilmer) possède une autre partie. En compagnie de Margiana (Caroline Munro), une esclave au tatouage mystérieux, Sinbad part à l'aventure, pour tenter de résoudre le mystère de la carte d'or, et déjouer les plans de Koura.

Second film de Sinbad avec Ray Harryhausen aux effets spéciaux, et Miklos Rozsa à la musique, ce métrage bénéficie comme toujours d'un budget conséquent et bien exploité, de visuels convaincants, d'effets et d'animations spectaculaires, d'une interprétation solide, d'une Caroline Munro splendide et d'idées originales, comme le "masque de fer" du Vizir, à l'apparence mémorable.

Malheureusement, le film souffre aussi et surtout d'un rythme déplorable, qui enchaîne les longs tunnels monotones entre deux scènes à effets spéciaux. Ce qui est presque totalement rhédibitoire. Presque.

3.25/6

Noël est passé, les Rois sont arrivés, mais avant de tirer sa révérence, la Christmas Yulefest 2014 joue les prolongations sur le blog des Téléphages Anonymes, avec un Bonus Round d'une semaine afin de boucler dignement ce marathon de cinéma festif de fin d'année...

Prince of Persia : Les Sables du Temps (PoP : The Sands of Time) :

Dans la ville lointaine d'Alamut sont dissimulés les Sables du Temps, qui donnent à leur détenteur le pouvoir de remonter le temps. Dastan (Jake Gyllenhaal), le fils adoptif du Roi de Perse, obtient la dague magique des Sables du Temps lors de la mise à sac de la ville... mais lorsque ses proches complotent pour le rendre responsable de la mort de son père, Dastan doit s'enfuir en compagnie de Tamina (Gemma Arterton), l'impertinente princesse d'Alamut, pour espérer éviter que les Sables ne tombent entre les mains du maléfique Nizam (Ben Kingsley).

À la sortie, j'avais écrit cela :

Long (enfin pas vraiment, mais c'est l'impression que ça donne), mou, convenu de bout en bout, des acteurs guère motivés, des effets spéciaux médiocres, et une musique qui passe son temps à rappeler que des aventures exotiques dans le désert, ça a déjà été fait ailleurs, en beaucoup mieux. Et puis le parallèle tout miteux entre la seconde guerre du Golfe, et les évènements de ce Prince of Persia ("Une éminence grise/conseiller politique qui prétexte l'existence d'armes illégales dans un pays ennemi du moyen orient pour amener le chef d'état qu'il conseille (fils d'un autre chef d'état qu'il conseillait déjà juste avant) à déclencher une guerre contre celui-ci, alors qu'en fait tout ce qu'il cherche, c'est à s'emparer des richesses cachées du pays en question."), c'est bien ridicule. 1.5/6

Aujourd'hui, après revoyure en dvd... et bien c'est exactement ça.

Tout le film repose sur une distribution totalement à côté de la plaque - tous les acteurs principaux sont caucasiens, parlent avec un faux accent anglais ; les maychants n'ont aucun charisme - et sur un couple Gyllenhaal/Arterton qui n'a aucune alchimie. Si Jake fait de son mieux, Gemma (et son sérieux déficit naturel en charisme et en expressivité) peine à faire la moindre impression, et à rendre son impertinence et ses interactions avec Gyllenhaal un tant soit peu naturelles.

Résultat, ça ne fonctionne pas, Mike Newell échoue à instaurer le moindre rythme à son film, ça se traine, ça passe d'une péripétie à une autre sans énergie, bref, c'est constamment plat et insipide. Un beau ratage très frustrant.

1.5/6

La Légende de l'Épée Magique (The Golden Blade) :

Arrivé à Bagdad pour venger la mort de son père, Harum (Rock Hudson) croise le chemin d'une jolie princesse rebelle, Krairuzan (Piper Laurie). Mais bientôt, un sinistre complot ourdi par des proches du père de celle-ci, le Calife, coûte la vie à ce dernier. Armé d'une lame magique qui le rend invulnérable, Harum se bat pour la justice et la liberté mais, trompé par une drogue étrange, il perd l'épée, qui finit encastrée dans la pierre, aux mains des traîtres : à celui qui l'en sortira de devenir le nouveau Calife...

Un petit film ma foi très sympathique, qui mêle 1001 nuits et mythe d'Excalibur, dans un tout enjoué et jamais trop sérieux.

D'ailleurs, c'est assez amusant de constater que sur un postulat initial similaire ("avec l'aide d'un mentor assez drôle, le héros met la main sur une lame magique aux pouvoirs incroyables, et doit accompagner un temps une princesse impertinente et rebelle, alors qu'un complot tente de renverser l'ordre établi, et que le héros est accusé de trahison"), cette Golden Blade réussit presque tout ce que Prince of Persia échoue : Piper Laurie est instantanément attachante, adorable et crédible (malgré le fait qu'elle soit rousse et absolument pas moyen-orientale), sa relation avec Harum fonctionne bien, la musique est sympathique et dépaysante, le rythme est maintenu, les personnages secondaires sont convaincants...

Reste Rock Hudson, un peu insipide dans ce rôle, même si son personnage de grand dadais pas très finaud s'accomode très bien de ce manque de personnalité.

3.75/6

Noël est passé, mais comme tous les ans, la Christmas Yulefest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

Les Chassés-Croisés de Noël (Debbie Macomber's Trading Christmas)  :

Veuve et désireuse de passer Noël avec sa fille, étudiante à Boston, Emily (Faith Ford) décide d'échanger temporairement sa demeure dans l'Oregon avec celle de Charles (Tom Cavanagh), un professeur d'Anglais de Boston à la recherche de calme et de tranquillité pour les fêtes. Là, elle ne trouve que Ray (Gil Bellows), le frère de Charles, dont elle s'éprend ; Charles, lui, se trouve contraint de partager la demeure d'Emily avec Faith (Gabrielle Miller), la meilleure amie de celle-ci, au tempérament particulièrement explosif.

En 2004, Debbie Macomber (spécialiste des romances Harlequin généralement pleines de très bons sentiments, et si possible d'anges, qui ont été adaptées à de multiples reprises par Hallmark dans "Le Bonheur en Cadeau", 2009, avec James Van Der Beek et Erin Karpluk, "Miracle à Manhattan", 2010, avec Jewel Staite, et cette année, Monsieur Miracle) écrivait Trading Christmas, une histoire de couples qui se forment à l'occasion d'un échange de maisons pour Noël ; en 2006 sortait en salles The Holiday avec Cameron Diaz, Jude Law, Kate Winslet et Jack Black, sur des couples qui se forment à l'occasion d'un échange de maisons pour Noël ; en 2013, Hallmark diffusait "Une Nouvelle Vie pour Noël", sur des couples qui se forment à l'occasion d'un échange de maisons pour Noël ; et au milieu de tout ça, en 2011, il y avait ce Trading Christmas.

Une adaptation qui, par rapport aux deux autres métrages mentionnés ci-dessus, se trouve qualitativement pile au milieu : ce n'est pas aussi mauvais que "Une Nouvelle Vie pour Noël", avec sa distribution antipathique, mais ça n'a pas l'attrait de The Holiday, avec ses acteurs attachants.

Car c'est bien là tout le problème de ce Trading Christmas : Noël n'étant qu'un quasi-prétexte sans influence sur le récit ou son ambiance, le film repose entièrement sur sa distribution. Une distribution qui, sur le papier, n'est pas désagréable, mais dans les faits, fait de ce métrage quelque chose d'assez peu sympathique, et qui manque cruellement de subtilité dans son écriture et son interprétation.

Le premier couple (Cavanagh/Miller) souffre de l'agressivité du personnage de Miller. Elle est envahissante, abrasive, fatigante, et l'on est visiblement supposé trouver ce comportement décalé et attachant : perdu, elle est insupportable, et étouffe totalement Cavanagh en empêchant son personnage d'exister, et son charisme naturel de se manifester.

Et du côté de Ford/Bellows, ce n'est guère mieux, puisque Gil Bellows donne l'impression, dès la première scène, d'être en mode semi-séducteur-prédateur : ce n'est pas forcément de sa faute (le personnage est lui aussi écrit avec des moufles puisqu'il tente directement de séduire l'héroïne quelques instants après l'avoir rencontrée) mais Bellows joue le tout sur un mode pseudo-suave qui est contre-productif, et rend le personnage assez peu rassurant.

Bref, on se retrouve avec deux couples manquant cruellement d'alchimie et d'intérêt (malgré le capital sympathie de la plupart des acteurs), auxquels on ne croit pas vraiment, et le téléfilm se déroule donc en pilotage automatique, n'apportant jamais quoi que ce soit de nouveau ou d'original à son récit (si ce n'est une illustration musicale parfois étrange). Très gros bof, donc.

1.75/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

La Grande Muraille (The Great Wall) :

Mercenaires européens à la recherche de poudre à canon, William Garin (Matt Damon) et Pero Tovar (Pedro Pascal) sont faits prisonniers par les troupes de l'Empereur Chinois (Karry Wang), qui gardent la Grande Muraille de Chine. Parmi ces soldats d'élite, la belle Lin Mae (Jing Tian), et Wang (Andy Lau), le stratège de la garnison, qui se trouvent aux prises avec des forces qui les dépassent : des créatures extraterrestres menées par une reine vorace, et qui sont bien décidées à ravager l'Empire Chinois. Un peu malgré eux, William et Pero vont donc devoir prêter main forte aux garnisons chinoises, et tenter de repousser les vagues de monstres qui se ruent, les unes après les autres, sur la Grande Muraille...

Un blockbuster américano-chinois qui, avant même sa sortie, avait fait scandale à cause de la présence de Matt Damon à l'affiche : comme souvent sur le web, les chevaliers blancs de la diversité et du politiquement correct se sont mobilisés en masse, et ont protesté, et comme souvent, ils étaient totalement à côté de la plaque.

Au final, en effet, The Great Wall est certes un blockbuster à l'américaine, écrit par six Américains, et bourré de clichés typiques du genre du film de siège, ce qui le rend hautement prévisible de bout en bout... mais les protestations en tous genres, qui ont vu d'innombrables personnes (généralement d'origine caucasienne, ou sino-américaine) s'indigner (au nom des Asiatiques du monde entier, bien entendu) de voir un Caucasien en tête d'affiche d'un film sur l'histoire de la Chine, et faire un scandale sur la simple base d'une affiche et d'une bande-annonce, s'avèrent (sans surprise) hors-sujet, puisque dans ce film, Damon est presque le faire-valoir de Jing Tian, et que les Européens sont sales, brutaux, souvent fourbes, uniquement bons à se battre, et qu'ils passent leur temps à admirer la puissance et l'organisation des armées chinoises multicolores et impeccables.

Ce film ne fait pas du tout dans la finesse et la subtilité, donc, et les clichés abondent, notamment au niveau de la caractérisation des personnages, qu'ils soit asiatiques (la guerrière belle et froide dont Damon s'éprend, son mentor qui ne fait pas long-feu, le sage, l'obséquieux émissaire de la cour, l'Empereur couard, le jeune soldat peureux qui se révèle au cours de l'aventure et se sacrifie, le chef de la garde arrogant) ou européens (le héros bandit au grand coeur, son acolyte qui le trahit, le magouilleur) : on est dans de l'archétype générique et basique, qui ne dévie jamais de sa route.

On a même droit à une romance bancale et jamais concrétisée entre Damon et l'actrice principale, romance qui ne fonctionne pas du tout, d'ailleurs, tant Jing Tian est terne, inexpressive et froide.

En bref, on se retrouve devant une sorte de Treizième Guerrier mâtiné d'Outlander, balisé du début à la fin, et noyé dans un déluge d'effets numériques inégaux, de thèmes musicaux répétitifs (après tout, c'est du Ramin Djawadi : un ou deux thèmes forts, répétés jusqu'à l'écoeurement, le tout entouré d'underscore oubliable) et de direction artistique kitschouille typiquement asiatique (les différents corps d'armée façon Power Rangers, le saut à l'élastique, toutes les stratégies de défense ridicules et contre-productives mais qui rendent bien à l'écran, etc).

Et pourtant, le fait que ce soit à ce point balisé et formaté est exactement la raison pour laquelle le tout n'est jamais ennuyeux à regarder.

Avec son montage d'1h45 (quelques coupes brutales laissent deviner un montage original plus long, mais je ne me suis pas renseigné), le film n'a pas le temps d'être boursouflé ou de devenir lassant, comme bon nombre de films "épiques" américains.

Et les moyens investis par la production chinoise font qu'il y a toujours quelque chose de sympathique à l'écran, pour faire passer la pilule d'une interprétation parfois bancale (l'accent de Damon, en VO, ouille), ou de créatures extraterrestres au design et au rendu assez quelconque, par exemple.

Par conséquent, alors que je n'attendais absolument rien du film, j'ai fini par passer un moment relativement agréable. Absolument rien de génial, de mémorable, ou de très bon au programme, mais un blockbuster asiatique court et divertissant, ce qui n'est déjà pas mal.

3.25/6 (dommage que le film quitte la Muraille pour se finir dans un gloubiboulga numérique dans la Cité Impériale)

Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...

Dark Floors :

De passage à l'hôpital pour le scanner de sa fille Sarah (Skye Bennett), autiste, Ben (Noah Huntley) est confronté à une panne de courant inattendue. Décidant de quitter l'établissement, il prend l'ascenseur en compagnie de sa fille, d'une infirmière séduisante (Dominique McElligott), d'un agent de sécurité (Leon Herbert), d'un SDF (Ronald Pickup) et d'un homme d'affaires agaçant (William Hope). Mais lorsque les portes de l'ascenseur s'ouvrent à nouveau, le groupe est pris dans une boucle temporelle, et doit trouver un moyen de sortir de cet hôpital soudain de plus en plus décrépit, hanté par des créatures démoniaques et meurtrières. 

Un film d'horreur finlandais financé et construit autour du groupe de hard rock Lordi, dont les membres tiennent là le rôle des monstres hantant l'hôpital. Et de la même manière qu'en 1978, KISS avait joué dans un film à leur gloire, KISS Meets the Phantom of the Park, ici, c'est Lordi qui fait son show, et il ne faut donc pas s'attendre à un long-métrage d'horreur 100% sérieux et terrifiant.

D'ailleurs, conscient de cette optique décomplexée et auto-promotionnelle du film, j'avais dit cela en 2009, lorsque j'avais vu le film pour la première fois :

J'ai bien aimé. En même temps, je partais sans aucune attente, ayant déjà goûté aux films-véhicules-pour-groupe-de-rock-en-costumes, et compte tenu du budget limité du métrage. Et au final, on se retrouve avec un Silent Hill-like, qui réussit à instaurer une ambiance presque plus efficace que le film de Gans, avec un budget plus de dix fois moindre.

Alors d'accord, le rythme est assez lent, se prêtant clairement plus à un visionnage sur téléviseur qu'en festival, et pour le coup, les costumes de Lordi & co auraient pu bénéficier d'un petit ravalement de façade avant de passer à l'écran. Mais bon, je ne me suis pas ennuyé, c'est visuellement réussi, les acteurs sont au pire moyens, et les idées du scénario (boucle temporelle, nombre de survivants qui décroit en même temps que le nombre d'étages, etc) sont plutôt sympas.

Ça ne révolutionnera pas le genre, et l'absence d'explications à la fin (même si on peut sans problème échafauder des théories à partir des infos données dans le film) en agacera plus d'un, mais moi ça ne m'a pas dérangé.  Zou, 4/6

Avec un peu de recul, cependant, je me dois de revoir cet avis à la baisse. Les paragraphes ci-dessus restent tout à fait valables à mes yeux, l'ambiance et le rendu visuel étant deux des points forts du métrage, mais... le film n'est que moyen.

Je placerais ainsi un bémol rétro-actif sur l'interprétation des acteurs, assez inégaux : si le père de famille est un peu transparent, mais correct, que Bennett est toujours mimi tout plein dans un rôle peu évident, et que tant le SDF que l'homme d'affaires sont bien interprétés, l'infirmière et le garde de sécurité sont assez faux, de manière consistante. Assez dommage, à vrai dire, et l'on peut se demander si ce n'est pas le fait d'un tournage anglophone, dirigé par un réalisateur finlandais.

Et c'est cette interprétation (ainsi que les costumes de Lordi, qui auraient vraiment eu besoin d'une upgrade) qui tire cette maison hantée de fête foraine vers le bas.

Dommage, parce qu'en revoyant le film avec en mémoire quelques scènes, on parvient un peu plus à deviner le pourquoi du comment, entre la fillette coincée dans cette boucle, et qui ne parvient pas à s'en défaire, choisissant toujours le crayon rouge au lieu du bleu ; tout le symbolisme, et les échanges entre le SDF et la fillette ; l'autisme de celle-ci, inhérent à son don ; le renvoi de la scène du parking à un conte finlandais ; la mort finale de la petite, qui lui permet de chasser les ténèbres et de redémarre la boucle une nouvelle fois, en faisant cette fois-ci les bons choix, etc... il y a de quoi interpréter le métrage, qui joue vraiment la carte des sous-entendus.

Mais bon... ça ne révolutionnera effectivement pas le genre : les ambitions créatives sont là, l'efficacité et l'envergure probablement pas. Reste que je ne me suis toujours pas ennuyé.

3/6

Un mois d'avril plutôt varié sur le blog des Téléphages Anonymes, mais néanmoins totalement dominé par la sortie imminente du dernier Avengers...

#682 : Call Me Lucky (2015) 3.5/6

#683 : Les Zévadés de l'Espace (2013) 2.5/6

#684 : Atomic Blonde (2017) 2.25/6

#685 : Brave New Jersey (2017) 2/6

#686 : The Birder (2013) 2.5/6

#687 : Game Over, Man ! (2018) 3/6

#688 : Killing Gunther (2017) 3/6

#689 : Second Nature (2017) 2.5/6

#690 : Beep - A Documentary History of Game Sound (2016) 3/6

#691 : Suicide Squad - Le Prix de l'Enfer (2018) 3/6

#692 : Fight Games 2 (2017) 3/6

#693 : Woody Woodpecker (2017) 1/6

#694 : Le Dernier Jour de ma Vie (2017) 2/6

#695 : Betting on Zero (2016) 3.5/6

#696 : You, Me and Him (2018) 3/6

#697 : Cook Off ! (2017) 1/6

#698 : Team Foxcatcher (2016) 4.5/6

#699 : Pacific Rim 2 - Uprising (2018) 2.5/6

#700 : Amanda & Jack Go Glamping (2017) 2/6

#701 : Moi, Tonya (2017) 3.5/6

#702 : Avengers - Infinity War (2018) 4.75/6

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Grand écran :

Si l'on excepte le dernier Avengers, peu de sorties 2017 ou 2018 véritablement mémorables passées en revue ce mois-ci, hormis Moi, Tonya, un bio-pic sympathique, bien qu'inabouti.

C'est principalement au niveau des documentaires que le mois s'avère satisfaisant, avec un Team Foxcatcher marquant, un Betting On Zero frustrant (en bien comme en mal), et un Call Me Lucky plutôt instructif, à défaut d'être totalement pertinent.

Tout le reste ? Bof.

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Film du mois :

Pas de véritable compétition au dernier Marvel, si l'on excepte les documentaires : Infinity War domine sans difficultés ce mois d'avril, et conclue en beauté dix ans de productions de la Maison des Idées, apportant un point d'orgue remarquable au MCU tel qu'on le connaissait jusqu'à présent. Vite, la suite !!

Flop du mois :

Un duel entre Cook-Off ! et Woody Woodpecker, deux comédies tout simplement ratées et mal écrites, avec, juste derrière elles, Pacific Rim 2 et Atomic Blonde, deux sorties nettement plus conséquentes et travaillées qui, si elles sont techniquement mieux notées que certains autres films de ce mois, m'ont aussi beaucoup plus déçu, en regard de mes attentes et du niveau thèorique de ces productions.

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Petit écran :

Le mois d'avril a été chargé en séries (que vous pouvez retrouver ici), et fut l'occasion de passer en revue quelques pilotes insipides (Alex, Inc, Splitting Up Together et Syren), de conclure la première saison de Westworld (une saison qui m'a laissé une impression mitigée mais pas forcément négative), de continuer l'intégrale de Black Mirror (dont le ton peine toujours à me convaincre vraiment), de découvrir les nouvelles fournées d'épisodes de The Tick (un programme amusant mais au ton un peu inégal) et de Santa Clarita Diet (une saison 2 un peu creuse et faisant du surplace sur bien des fronts), et enfin d'entamer la seconde saison des Désastreuses Aventures des Orphelins Baudelaire, toujours aussi bien produites...

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À venir :

En mai, sur le blog des Téléphages Anonymes, on tue Hasselhoff, on chasse Pierre Lapin, on pille des tombes avec Lara, on affronte le Capitaine Superslip, on explore le Miroitement avec Natalie Portman, on mène à leur terme les mésaventures des jeunes Baudelaire, et on rêve électrique avec Philip K. Dick...

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien....

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Wrestling with Satan - The Rise, Fall and Resurrection of the Christian Wrestling Federation :

Aux débuts des années 2000, la montée en puissance de la CWF, une fédération indépendante de catch américain basée au cœur du Texas, et ayant pour particularité d'être ouvertement religieuse, et de se servir de ses spectacles de catch comme d'un outil d'évangélisation auprès du grand public...

Un documentaire assez surprenant, je dois dire, puisque je l'ai trouvé totalement par hasard, et que j'ai bien vite découvert que ce cher AJ Styles y apparaissait.

D'ailleurs, la CWF dans son ensemble est assez surprenante, et bien au-dessus d'une fédération indépendante lambda, au niveau de la qualité de son action et de la taille du public qu'elle parvient à réunir.

Attention, je ne dis pas que ce que l'on voit de la CWF est du niveau de la WWE, de la ROH, ou de la TNA de l'époque, loin de là ; néanmoins, alors que la plupart des fédérations indépendantes débutantes se contentent généralement de matches approximatifs, de gimmicks faciles, ou d'action à la limite du backyard wrestling, ici, c'est assez propre, efficace et compétent.

D'un autre côté, c'est le concept de la CWF : présenter l'affrontement du bien et du mal dans le ring, de manière propre et manichéenne, et profiter de la présence du public dans la salle pour lui faire un sermon, et partager une prière.

Car il ne faut pas s'y tromper : une fois tous les apparats du monde du catch mis de côté, il reste dans le ring des catcheurs profondément croyants, parfois à la limite du fanatisme évangélique tel que les Américains savent en produire, et qui, s'ils évitent de tomber dans le racisme et les préjugés de l'Amérique profonde, n'hésitent cependant pas à se lancer dans des tirades qui font froid dans le dos.

Ce documentaire oscille ainsi entre témoignages sincères (mais profondément religieux et chargés en rhétorique pieuse) des catcheurs prenant part aux nombreux shows de la compagnie, historique de la compagnie, et passages absurdes tels que le monde du catch est le seul à pouvoir en générer.

Le spectateur, lui, passe donc par des phases alternées d'amusement, d'intérêt et d'incompréhension (du moins, s'il ne partage pas la Foi des catcheurs), qui permettent de maintenir l'intérêt tout au long de ces 80 minutes de métrage.

D'autant que, outre les caméos d'AJ Styles et de Dr Death, se devine par ailleurs en filigrane un portrait du fondateur et responsable de la CWF, "Jesus Freak", particulièrement religieux et moralisateur, qui mène tout ce petit monde à la baguette, tout en se laissant clairement influencer par sa femme, et par des traits de caractère qu'il ne supporte clairement pas chez autrui.

Cette hypocrisie et sa gestion discutable de la fédération sont ainsi la raison pour laquelle la CWF connaît une crise en cours de documentaire, crise qui voit bon nombre de ses lutteurs les plus populaires rejoindre des compagnies plus solides, quitter ce sport, ou finir sur un lit d'hôpital, pendant que Jesus Freak simule une crise cardiaque et prend des vacances.

Rien de forcément surprenant pour qui connaît un peu le monde de la lutte indépendante américaine, qui regorge de propriétaires peu scrupuleux, mais amusant néanmoins face à une organisation qui prône à ce point les vertus chrétiennes, et la perfection morale.

Un documentaire amusant et intrigant, donc, assez révélateur de l'état d'esprit d'une certaine tranche évangélique de la population américaine, mais qui aurait cependant mérité d'être un peu mieux structuré, et de mieux identifier la chronologie de ses témoignages, parfois confuse.

4.25/6

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

The Rise and Fall of ECW :

L'un des meilleurs documentaires jamais produits par la WWE, un métrage complet (près de trois heures), qui retrace la vie de l'ECW, cette fédération indépendante de Philadelphie ayant connu la gloire entre 1993 et 2001.

Au travers d'images d'archive et de témoignages de toutes les personnalités impliquées (y compris Vince McMahon et Eric Bischoff), TRAFOE retrace donc la montée en puissance de la fédération sous l'égide de Paul Heyman, véritable génie du monde du catch, qui a su percevoir, au début des années 90, un changement de paradigme dans l'industrie du divertissement sportif.

Alors que le reste du monde (la WWF) s'adressait à un public familial et enfantin, par le biais de figures colorés et caricaturales, l'ECW a fait le choix de viser un public plus adolescent et adulte, en lui proposant un programme plus violent, plus sexualisé, plus spectaculaire, et surtout, plus proche de ses spectateurs (et interactif).

Rapidement, grâce à des lutteurs comme Terry Funk, Sabu, Taz, Public Enemy, Sandman, Tommy Dreamer, Shane Douglas, Chris Benoit, Dean Malenko, Eddie Guerrero, Raven, Steve Austin, les Dudleys, Mick Foley, RVD, etc, l'ECW a commencé à se faire remarquer par les fans et par le reste de l'industrie.

Une situation avec des avantages et des inconvénients : il n'a pas fallu longtemps pour que les stars de l'ECW soient courtisées, et le style si particulier de la compagnie copié, par la WWF et la WCW, résultant en des chamboulements inattendus et des problèmes certains pour la fédération de Philly.

D'autant que Heyman, s'il était (et est toujours) un excellent orateur et booker, a toujours été un bien piètre businessman, paranoïaque et obsédé à l'idée de tout contrôler, et avec une hostilité larvée envers Eric Bischoff et la WCW (où il avait travaillé avant de rejoindre l'ECW).

Résultat, malgré un public conquis, une fédération décrochant des PPVs et un show télévisé hebdomadaire, l'ECW a peiné à vraiment s'établir : en échange du talent "dérobé" à l'ECW, McMahon a beau avoir offert son aide à Heyman, accueillant les stars de l'ECW dans Raw pour une "invasion", et autorisant Taz à apparaître à Philadelphie, mais ce fut insuffisant.

Progressivement, les stars de l'ECW sont toutes passées à la concurrence, tandis qu'Heyman, mécontent de son contrat télévisé, n'a cessé de se tirer une balle dans le pied en attaquant frontalement sa chaîne. Jusqu'à perdre le contrat télévisé, ce qui a signé l'arrêt de mort de l'ECW, pourtant plus populaire que jamais, mais trop risqué pour les investisseurs et les publicitaires.

Si ce documentaire fonctionne aussi bien, c'est qu'il est non seulement très complet, mais aussi et surtout, parce qu'il ne prend pas de pincettes avec son sujet : Heyman est clairement pointé du doigt par ses employés, Bischoff dégouline de mépris en parlant de lui, un mépris que Heyman lui rend au centuple, tout en refusant d'endosser réellement la responsabilité de la mort de l'ECW.

On sent que tout le monde s'en veut encore (le documentaire a été tourné trois ou quatre ans à peine après les événements), qu'il reste des non-dits, mais on comprend clairement les tenants et les aboutissants de la situation.

Et en parallèle, Vince McMahon paraît étrangement bienveillant vis à vis de Heyman et de l'ECW : peut-être est-ce parce qu'il a "gagné", en fin de compte, mais à aucun moment on ne perçoit d'hostilité entre lui et son ancien rival, ce qui est très rafraîchissant. Vince n'a pas l'air de jouer son rôle habituel de vantard à l'égo démesuré, il semble lui-même, plus posé et sincère que d'habitude.

Un peu comme si, avec du recul, il reconnaissait implicitement la dette énorme qu'il doit à l'ECW, véritable brouillon de l'Attitude Era, qui a littéralement métamorphosé l'industrie, et permis à la WWF/WWE de devenir le titan qu'elle est aujourd'hui, maintenant qu'elle a écrasé et intégré tous ses rivaux.

5/6

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V/H/S :

Une bande de jeunes vandales/casseurs sont engagés pour s'introduire dans une maison, et voler une VHS bien particulière. Ils s'exécutent donc, et en profitent pour découvrir la collection de vidéos bien particulières à laquelle appartient leur cible.

Six segments (cinq vidéos, plus l'exposition tout autour) réalisés par des auteurs différents, et donc particulièrement inégaux :

- Tape 56 (Adam Wingard) : le segment qui fait le lien avec tout le reste, et qui suit la bande de casseurs qui disparaissent un à un à mesure qu'ils regardent les vidéos. Personnages antipathiques, rendu visuel honorable sans plus, c'est néanmoins un segment parfaitement inutile, et qui ne fait que rallonger un film déjà longuet. 

- Amateur Night (David Bruckner) : une bande de fratboys va se bourrer la gueule en boîte, et finit par ramener une fille bizarre chez eux pour une nuit de débauche. Rapidement fatiguant d'un point de vue visuel, d'autant que les personnages sont à baffer. Le récit, quant à lui, est relativement prévisible et basique, donc, rien de bien marquant.

- Second Honeymoon (Ty West) : un couple en vacances se filme, et reçoit la visite nocturne d'un caméraman inconnu. Je n'aime pas Ty West, qui me donne l'impression d'un réalisateur hipster cherchant à s'approprier le visuel et le style des films d'horreur old-school des 70s, sans en maîtriser l'essence et le rythme. Résultat : ses long-métrages sont généralement visuellement intéressants, mais incroyablement creux et lents. Ici, en format court, ce n'est guère mieux... le réalisateur te donne la solution de son segment dès les premières minutes, et le reste se déroule mollement et sans grand intérêt, d'autant que le couple principal est assez peu attachant. 

- Tuesday the 17th (Glenn McQuaid) : quatre jeunes glandeurs stéréotypés vont se promener en forêt, où ils sont confrontés à un tueur mystérieux qui n'apparaît pas sur les vidéos. Décidément, il faudra m'expliquer l'intérêt d'utiliser des persos toujours plus débiles et antipathiques dans ces histoires. Sinon, malgré une idée de base pas désagréable, au final, c'est assez faisandé et mal foutu, notamment dans la mise en images des meurtres. 

- The Sick Thing That Happened to Emily When She Was Younger (Joe Swanberg) : un couple discute via webcam de la hantise qui occupe l'appartement de la jeune femme. Qui garde ses vidéos de chat webcam en mémoire ? Qui les garde en PiP ? Qui les monte pour créer un tout narratif ? Qui les transfère sur VHS ? Qui les transfère en 16/9 ? Autant de questions qui ne trouvent aucune réponse dans ce film qui ne vaut que pour son twist amusant, mais visuellement un peu raté. 

- 10/31/98 (Radio Silence) : une bande d'adultes trick-or-treaters un peu cons s'invitent dans une maison abandonnée le soir d'Halloween à la recherche d'une fête, mais ils n'y sont pas seuls, et tombent en plein exorcisme. La fin blindée de numérique est amusante, sans plus. 

Bref, une anthologie tout sauf convaincante. On se retrouve à suivre le tout d'un oeil distrait, sans jamais avoir peur ou s'intéresser plus que ça à ce qu'on voit à l'écran. Cela dit, le format anthologie a l'avantage d'éviter la lassitude qui s'empare habituellement du spectateur devant la majorité des found footages à rallonge, donc c'est toujours ça de pris.

2/6

Vampire Dog :

Un chien vampire qui ne boit que de la gelée rouge (de la gelatine, en fait) et qui parle, débarque dans la vie d'un jeune ado musicien nouveau en ville.

Un film indépendant canadien pour enfants, assez amateur dans son jeu et sa réalisation, mais bon, pour ce que c'est, ce n'est pas non plus méga-honteux.

2.5/6 sur l'échelle des films pour enfants sans budget.

Noël est là, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant tout le mois précédant les fêtes de fin d'année...

Sous le Charme du Père Noël (Desperately Seeking Santa) :

Une jolie responsable des relations publiques d'un centre commercial décide de rafraîchir l'image de marque de l'établissement en organisant un concours pour élire un Santa Claus sexy... dont elle tombe amoureuse.

Une Laura Vandervoort pas très motivée dans un téléfilm ABC Family totalement orienté à destination d'un public gay/féminin... Par conséquent, je ne suis pas du tout le public ciblé, et je me suis ennuyé comme un rat mort de bout en bout.

1/6 

Une Seconde Chance pour Noël (A Christmas Wedding Date) :

Une jeune businesswoman célibataire se fait renvoyer juste avant Noël, et décide de passer les Fêtes en famille, en Floride, où l'une de ses amies se marie... mais bien vite, le surnaturel se manifeste.

Alors j'aime beaucoup Marla Sokoloff (mais vraiment, hein, au point de mettre d'office 1.5 points à tout ce qu'elle fait), mais là, ce remake gender-swapped d'Un Jour Sans Fin diffusé sur Ion TV, c'est affreusement quelconque et anecdotique. Sans compter que le tout n'est pas vraiment festif, avec son soleil de Floride, etc...

2.5/6 (dont la majorité des points pour Marla et Chelan Simmons) 

Noël Sans Cadeaux (Gift of the Magi) :

Un couple sans argent se promet de ne pas dépenser d'argent pour des cadeaux de Noël, mais finit par se démener pour s'offrir mutuellement un cadeau en secret...

Une adaptation Hallmark d'une histoire courte apparemment classique aux USA.

Rien de vraiment mémorable ou exceptionnel pour cette histoire pleine de bons sentiments, assez instantanément oubliable, mais rien de vraiment mauvais non plus.

Peut-être est-ce trop "réaliste", terne et déprimant pour vraiment convaincre, d'autant que la nouvelle originale est extrèmement courte, et que ce téléfilm rallonge la sauce jusqu'à plus soif...

2.25/6

À la Recherche de l'Esprit de Noël (The Christmas Spirit) :

Une journaliste et un entrepreneur arriviste pris dans un accident de voiture s'affrontent sur le plan astral, pour décider de l'avenir de la petite ville où ils se sont croisés...

Un téléfilm Hallmark assez quelconque, trop centré autour de sa "star" (Nicolette Sheridan) et pas assez autour d'un récit solide et développé, qui finit par n'être qu'un ersatz de Ghost à la sauce Noël. Et Sammi Hanratty est sous-exploitée, alors qu'elle pourrait faire beaucoup plus.

2/6 

La Magie de Noël (All I Want For Christmas - 2013) :

À San Francisco, Une businesswoman égocentrique croise le chemin d'un elfe du Père Noel, qui lui confère le don d'entendre les pensées d'autrui...

Un téléfilm ION qui n'est qu'un repackaging gender-switched de What Women Want, vaguement repeint aux couleurs de Noël...

Ça se regarde, principalement parce que le concept est rôdé, et que Melissa Sagemiller est sympathique, mais le tout est clairement trop caricatural, et trop peu original pour convaincre plus que ça.

3/6

Chez les Téléphages Anonymes, Octobre est synonyme d'Halloween et d'Oktorrorfest, notre marathon de cinéma fantastique et d'horreur, qui continue jusqu'en Novembre...

The Devil's Candy :

Famille métalleuse heureuse et décontractée, les Hellman (Ethan Embry, Shiri Appleby, Kiara Glasco) s'installent dans une nouvelle demeure, soldée pour cause de morts entre ses murs. Là, Jesse, le père artiste peintre, retrouve l'inspiration et, inspiré par des murmures et des voix, commence à peindre des toiles sinistres et macabres. Mais lorsque Ray (Pruitt Taylor Vince), le fils du couple décédé dans cette maison, refait surface, hanté par ces mêmes murmures qui le poussent à tuer, et à s'intéresser à la fille de Jesse, la situation vire rapidement au drame...

Raaaah, quel film frustrant.

Frustrant, parce que quasiment toutes les pièces sont réunies pour faire un excellent film de genre à tendance métal, à commencer par cette famille ultra-attachante, que ce soit Embry, sec, découpé, à l'apparence quasi-animale et christique, Appleby, plus rangée et sage, toute en contraste, et la petite Kiara Glasco, déjà excellente dans la série Copper. Une famille on-ne-peut-plus métal, crédible et sympathique, qui dès le début du film, donne envie de les suivre dans leurs mésaventures.

La réalisation, ensuite, stylisée, tour à tour subtile et maline, ou plus brute de décoffrage, parvenant à très bien instaurer une ambiance malsaine, en s'appuyant sur un travail sonore intéressant, et sur un score métalleux de Sunn O))). Et justement, ce travail sonore, ces murmures sataniques qui hantent deux personnages, et qui semble orienter le film dans une direction ouvertement surnaturelle et démoniaque... tout ça fonctionne très bien.

Au fil du métrage, la tension monte progressivement, aidée par un montage habile et parallèle des exactions de Ray, et du travail artistique de Jesse. On s'attend à quelque chose de malsain, on voit des sous-intrigues potentielles apparaître, etc... et puis arrive le dernier quart d'heure (le film dure à peine 70 minutes, avec du Metallica en prime pour le générique de fin), et là, le métrage s'essouffle soudain, finissant par donner une impression d'inabouti, comme s'il avait subi des coupes imprévues faute de budget.

Ce n'est pourtant pas faute d'avoir prévenu plus tôt, par la bouche d'un pasteur télévisé : dans ce film, le diable n'est pas un démon cornu, c'est le mal qui vit au coeur des hommes... et donc, le métrage de délaisser, dans son dernier quart d'heure, les murmures sataniques et l'influence du Malin, pour se résumer à un film de siège un peu trop bourrin, opposant la famille de Jesse à Ray, en mode assaut frontal sur la maison.

Soit.

Le fantastique se trouve alors relégué au second, voire troisième plan, et le film devient plus simpliste, succombant à un incendie beaucoup trop numérique (malgré quelques plans assez réussis à base de Flying V) pour convaincre, et à une confrontation frustrante de brièveté.

Vraiment dommage que le soufflé retombe autant sur la fin, mais cette maladresse n'est pas forcément surprenante : au fil du film, rien qu'en remarquant les noms des personnages et des lieux (Hellman, Smilie, Belial, Shelter...), on pouvait deviner que la finesse et la subtilité ne seraient pas forcément toujours au rendez-vous... mais ça reste néanmoins frustrant.

3.75/6, tout de même, pour l'atmosphère et la distribution.

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​

La Révolution Image (The Image Revolution) :

Il y a 25 ans, insatisfaites par le traitement que leur réservait Marvel, pour qui elles travaillaient, sept des plus grandes stars de l'industrie de la bande dessinée américaine - Jim Lee, Marc Silvestri, Rob Liefeld, Todd McFarlane, Erik Larsen, Jim Valentino et Whilce Portacio - décidaient de faire sécession, et de fonder leur propre maison d'édition, Image.

Contre toute attente, et contre toute prédiction, l'opération est un succès retentissant, qui propulse ces talents au firmament de l'industrie, les rend immensément riches, et change à jamais la face du monde des comics.

Aujourd'hui, Image est toujours en activité, et connaît un succès toujours plus florissant, le produit d'une évolution qui ne s'est pas faite sans heurts : entre conflits d'intérêts, égos démesurés, résistance de l'industrie et des jeunes talents, folie des grandeurs, et crash économique, la vie d'Image a été secouée de nombreux séismes, et il a fallu le départ de plusieurs membres fondateurs (dont Jim Lee, désormais grand patron de DC Comics), pour qu'Image se réoriente et se positionne comme une alternative indépendante aux deux géants que sont DC et Marvel. Désormais, face aux super-héros de la concurrence (et contrairement à ses débuts), Image propose des récits différents, créés et contrôlés par leurs auteurs, au nombre desquels le fameux Robert Kirkman, et son Walking Dead.

Ce documentaire résume donc l'essentiel de la genèse de la compagnie, et de son histoire, au travers d'innombrables vidéos d'archive, et autres interviews avec tous les membres fondateurs d'Image.

Parmi ces derniers, c'est Rob Liefeld, qui, paradoxalement, s'en sort le mieux, tant son caractère rigolard, déconneur et sympathique le rend éminemment attachant, et compense le fait qu'il est un piètre imitateur, qu'il n'est pas très drôle, et qu'à l'époque, il était totalement immature, égocentrique et bordélique, tout en étant responsable des plus gros problèmes de ce collectif. Jim Lee, lui, paraît vraiment discret, humble et travailleur, tandis que Silvestri est le grand frère plus détaché, Larsen l'artiste excentrique, Valentino le vétéran, et McFarlane, le businessman ambitieux, calculateur, malin et meneur d'hommes. 

On suit donc toute cette petite équipe de leurs débuts de poids lourds chez Marvel, à leurs premiers pas enthousiastes mais précipités, en tant qu'Image, avant de passer à leur succès de rock-stars... et c'est là que ça se gâte, puisque personne au sein de l'équipe (hormis McFarlane) ne savait dans quoi ils mettaient les pieds, ou comment gérer une entreprise.

Sans surprise, Image a alors connu une traversée du désert, parallèle à l'éclatement de la bulle spéculative du marché du comic-book, que la compagnie avait bien alimentée pendant un temps. Et c'est lorsque l'on aborde vraiment cette période difficile que l'on s'aperçoit que ce qui est sympathique avec ce documentaire, c'est que malgré les brouilles, malgré les disputes de l'époque, tout le monde assume ses erreurs, et tout le monde est resté en contact.

Le documentaire peint donc un portrait très sympathique de tout ce petit monde, mais malheureusement, le métrage n'est pas très long (80 minutes), et le temps qu'il consacre à ces personnalités est autant de temps qui aurait pu être utilisé pour mieux replacer la "révolution Image" dans son contexte, et pour bien en décrire ses conséquences. À l'identique, le film fait un peu l'impasse sur la dernière décennie d'Image, avant le succès Walking Dead, et manque d'un point de vue extérieur, peut-être plus objectif, sur la compagnie et sur son influence réelle, tant au niveau artistique que commercial, contractuel et professionnel.

Mais dans l'ensemble, ça reste un documentaire intéressant pour quiconque s'intéresse à l'industrie, et a grandi avec les comic-books Image. Il ne faut simplement pas s'attendre à quelque chose de forcément totalement exhaustif, ou de totalement neutre sur le sujet.

4.25/6   

Mini-série anglaise en 4 épisodes d'une heure, diffusés sur ITV, et qui racontent, au rythme d'un épisode/une journée, une version dramatisée du Grand Incendie de Londres ayant ravagé la ville début Septembre 1966.

1666, Londres en Flammes (The Great Fire) :

Écrite par un journaliste politique et romancier, cette mini série suit plusieurs couches sociales et de multiples protagonistes durant ces événements tragiques, tentant de mêler lutte des classes, romance, complots politiques, et guerres de religion protestants vs catholiques dans une grande fresque historique façon Les Piliers de la Terre.

Je dis "tentant", car, on s'en aperçoit rapidement, le tout est globalement assez brouillon, et pas forcément à la hauteur de l'événement.

On y suit donc le parcours de Thomas Farriner (Andrew Buchan), boulanger pour la Navy et pour le Roi, veuf et père de deux filles ; il est épris (sans oser passer à l'acte) de Sarah (Rose Leslie), sa belle-soeur, seule depuis la disparition de son mari durant une bataille. Cette même Sarah travaille pour un noble suspecté d'être catholique, et sous la surveillance de Lord Denton (Charles Dance), responsable de la sécurité du Roi Charles II (Jack Huston).

Un Roi plus préoccupé par la bagatelle que par son Royaume, et qui est conseillé par Samuel Pepys (Daniel Mays), l'un de ses administrateurs. Pepys, lui, a des problèmes de couple : il soupçonne sa femme (Perdita Weeks) de le tromper, et se réfugie dans les bras d'une Londonienne de basse extraction, dont le mari est jaloux. Ajoutez à tout cela l'incendie de Londres ; Sarah qui devient un pion dans les jeux politiques de Lord Denton ; James, le frère du Roi, qui complote contre ce dernier ; des romances de cour ; etc... etc... etc...

Bref, on le voit en prenant connaissance de ce simple résumé, Tom Bradby, le scénariste, a probablement vu un peu trop gros pour son propre bien, en tentant de faire de ce Grand Incendie une sorte de thriller politico-religieux impliquant toute la société anglaise, sur fond de catastrophe nationale. Pas forcément aidé par une réalisation et une photographie très inégales, le récit peine à captiver, ou à développer suffisamment l'un ou l'autre des axes qu'il semble vouloir aborder.

Au point qu'on regarde le tout de manière très passive, malgré le capital sympathie pourtant très clair de la distribution : c'est notamment assez amusant de retrouver plusieurs membres de la distribution du Trône de Fer, ainsi que d'autres visages familiers, quand bien même ils finissent par être sous-exploités (Perdita Weeks, notamment).

Jack Huston, par exemple, s'en sort très bien dans le rôle du Roi, et parvient à donner de l'épaisseur à son monarque apeuré et indécis (malgré un discours final improbable façon Roosevelt), mais Rose Leslie, elle, interprète toutes ses scènes en mode fébrile et essoufflé, faute d'avoir autre chose à jouer.

Plus gênant, cette surabondance de personnages et de sous-intrigues finit par confiner au toutéliage abusif : tous les personnages ayant une importance dans cet Incendie sont liés, ils se connaissent tous directement ou indirectement, et on a souvent l'impression que Londres fait 1 ou 2 kilomètres carrés, tant les protagonistes passent leur temps à se croiser, par "pure coïncidence".

Par pure charité chrétienne (ou protestante, c'est selon), on passera donc sur ces innombrables facilités scénaristiques vraiment honteuses, ou encore sur cette fin bâclée, en deux minutes chrono, et on conclura que The Great Fire, ça s'éparpille, ça ne passionne pas vraiment, et c'est à la fois trop dense et pas assez pour convaincre ou se montrer à la hauteur de ses ambitions.

Dommage.