Résultat pour ""the good place""

L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, tout le mois d'octobre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques...

[Dark/Web], saison 1 (2019) :

Alors qu'ils reçoivent des mails étranges de Molly (Noemi Gonzalez) , une amie de lycée qu'ils n'ont pas revue depuis des années, des individus aux profils différents - Ethan (Brian Ellerding), journaliste au chômage, Sam (Lana McKissack), influenceuse web, et James (Michael Nardelli), enseignant au fond du trou - décident de mener l'enquête, sans se douter que leurs appareils technologiques vont les trahir...

Pseudo-anthologie en 8 épisodes diffusés sur Amazon, et issue de l'imaginaire des créateurs du film de science-fiction Cercle, [Dark/Web] joue sur les peurs et les incertitudes liées au web, au monde moderne, et à la technologie, pour mettre en place un programme qui semble fortement lorgner sur Black Mirror et compagnie...

Ayant pour fil conducteur l'enquête des amis de Molly, la série s'articule ainsi autour de ces segments, entrecoupés de courts-métrages de 10-15 minutes s'intéressant aux menaces des nouvelles technologies, et supposés être des récits de fiction inclus par Molly dans les mails envoyés à chacun de ses amis. Une structure pas forcément inhabituelle (V/H/S faisait de même avec ses vidéos) mais qui ici est parfois étrangement déséquilibrée, et pas aidée par des épisodes à la durée très variable, pouvant aller de 25 minutes à plus d'une heure...

1x01 - Un conducteur de vtc au bout du rouleau découvre que son appli lui parle directement, lui révèle tous les secrets de ses passagers, et l'incite à les punir...

Pas désagréable, mais une interprétation très inégale des passagers, et un sujet pas forcément très original. À noter Julie Benz, qui fait la voix de l'application.

1x02 - Une serveuse de fast-food devient mondialement connue sur le web lorsqu'une star publie sa photo sur sa page de réseau social - mais cette célébrité inattendue attire sur elle l'attention du dark web...

Assez mauvais, gentiment surjoué (la post-synchro des clients, et de manière générale, les voix-off, sont calamiteuses), et à la conclusion plutôt idiote.

1x03 - Un hôpital empli de zombies, des survivants, et un jeu vidéo...

Un épisode bizarre, plus centré sur les trois protagonistes que sur la "nouvelle", ce qui se traduit par un segment très court écrit, réalisé et interprété par Zelda Williams ; un segment anthologique qui semble se terminer en queue de poisson, et être totalement déconnecté du reste.

1x04 - Un veuf sexagénaire a besoin d'un nouveau cœur en urgence, sa fille lui en trouve un sur le marché noir, mais lorsque le greffé commence à avoir des visions étranges, il ne sait pas s'il est possédé, ou si c'est la culpabilité qui le ronge...

Alors là, un bon gros WTF, puisque l'épisode dure 54 minutes, qu'il est cousu de fil blanc, que le segment en lui-même se termine en queue de poisson après avoir été prévisible de bout en bout, et surtout, qu'une place inutile est laissée aux trois protagonistes habituels qui rendent visite à un patient dans un hôpital psychiatrique.

À noter, un caméo de Robert Davi en chirurgien louche.

1x05 - Un jeune homme arrive chez une cougar, pour passer la nuit avec elle...

Retour à une durée plus classique, pour une histoire cousue de fil blanc (on devine la chute de ce segment très Contes de la Crypte dès son titre pas très finaud), avec Clare Kramer en lingerie, et une réalisation maniérée.

Au niveau du fil conducteur, on a droit à une présentation précipitée d'Amy, la petite amie lesbienne hackeuse rebelle habillée de cuir de Molly, la disparue : un joli cliché ambulant, pas très convaincant, et qui n'apporte pas grand chose à des personnages toujours aussi antipathiques.

1x06 - La vie et la carrière de Molly, avant sa disparition.

Un épisode d'une trentaine de minutes, intégralement narré en flashback, et consacré au personnage de Molly, et à son poste au sein de l'entreprise de sécurité informatique de Nicholas Brendon. Pas forcément désagréable, bien qu'un peu surjoué çà et là.

1x07 - Une jeune femme studieuse se laisse convaincre par sa colocataire bimbo d'essayer une application de rencontre à la mode, et rencontre quelqu'un, mais rapidement, elle devient la victime d'une rumeur virale l'accusant d'être atteinte d'une STD, et elle voit son corps se transformer...

67 minutes d'épisode, plus déconnecté que jamais : le récit (axé body horror) est efficace, mais très balisé et bien trop long (Dora Madison est excellente, cela dit), en plus de se perdre dans un propos bancal sur la créativité, la narration, etc (ça s'ouvre sur une explication du test de Bechdel, quand même) et d'avoir un thème très similaire à celui du 1x04 (la culpabilité, etc) ; et le reste n'est pas très intéressant, avec des personnages toujours plus stupides et agaçants.

1x08 - Accompagnés par Amy, et les autorités à leurs trousses, le trio découvre une trappe secrète menant au cadavre de Molly, décédée devant ses écrans, face à une intelligence artificielle qu'elle avait dérobée à son entreprise...

Une conclusion d'une demi-heure, assez inaboutie, car à la fois télégraphiée (dès le début du premier épisode de la saison, on pouvait déjà plus ou moins deviner les tenants et les aboutissants de l'histoire), et pas très bien écrite ou interprétée. Résultat : lorsque vient le moment de la grande décision des protagonistes, on est très loin de se ranger à leurs côtés, et on a même un peu tendance à les trouver énervants (l'interprétation y est pour beaucoup).

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En résumé, une semi-anthologie vraiment peu convaincante, entre ses personnages antipathiques, son propos gentiment éventé (Black Mirror a déjà fait pareil, en mieux), sa direction d'acteurs mitigée, son rythme décousu, etc.

Dark/Web donne ainsi souvent l'impression que ses créateurs (l'un d'eux est aussi scénariste/réalisateur et interprète de l'un des personnages principaux) ont refourgué leurs courts-métrages à Amazon, et qu'ils ont recyclé un pitch de long-métrage inabouti et/ou brodé autour de leurs courts une vague histoire de conspiration, d'intelligence artificielle et d'e-mails, histoire d'en faire "une anthologie d'anticipation".

Un projet vraiment bâtard et bancal, au final, pas vraiment satisfaisant ou original.

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de toutes les séries passées en revue sur ce blog en cliquant directement sur ce lien...

Dernière et ultime saison pour cette sitcom supervisée par Tina Fey, une saison découpée en deux parties, dont la première moitié (six épisodes) a été diffusée à la fin du mois de mai dernier.

Les bilans de Lurdo : Unbreakable Kimmy Schmidt - Saison 4.1 :

4x01 : Kimmy, en charge des ressources humaines de la startup où elle travaille, est accusée de harcèlement sexuel par un employé qu'elle devait renvoyer ; Jacqueline et Titus inventent un show tv fictif pour gonfler le CV de l'acteur ; Lillian tente de répandre les cendres d'Artie.

Un reprise pas désagréable, qui commence par un pseudo-générique de sitcom façon années 80-90, continue avec des sous-intrigues à l’intérêt inégal, place un caméo de Greg Kinnear, et se rattrape bien sur la fin, avec des résolutions systématiquement improbables de ses sous-intrigues.

4x02 : Lillian et Jacqueline essaient de résoudre les problèmes d'appartement de cette dernière, tandis que Titus tente d'écrire le pilote de sa "série", et que Kimmy découvre le binge-watching, ainsi que le concept de white privilege...

Quelques moments vraiment absurdes et amusants, et dans l'ensemble, le début d'une tendance plus militante et activiste pour Kimmy, tendance qui, sans être forcément inédite ou originale, ne fait que se renforcer dans le reste de la demi-saison.

4x03 : Kimmy et Titus regardent un documentaire "Netflix" réalisé par un DJ, qui tente de prouver l'innocence du Révérend...

Un pastiche intégral des documentaires criminels Netflix, vraiment très réussi sur la forme ; j'émettrai cependant beaucoup plus de réserves sur le fond, puisque les scénaristes ont ici la main très lourde sur la rhétorique anti-Trump, sur les caricatures d'incels, sur les clichés de la masculinité toxique, et sur les activistes des droits des hommes (ici représentés par Bobby Moynihan).

En soi, c'est pertinent, c'est opportun, c'est toujours bienvenu, et tout et tout... mais honnêtement, ça me fatigue d'entendre toujours la même chose, et surtout, ça manque d'originalité et de nouvel angle d'attaque. Peut-être que si Fey avait elle-même écrit le script, ça serait mieux passé... ou pas.

4x04 : Kimmy et Lillian partent pour une convention commerciale technologique, où Kimmy fait une rencontre ; Jacqueline, elle, décroche un rôle pour Titus dans une pièce d'utilité publique à destination des écoles.

Ah, bah en parlant de clichés, le monde des nerds et des technologies vu par Fey et compagnie, ça ne vole pas bien haut. Idem pour le harcèlement scolaire.

Ça reste amusant, cela dit, même si la prise de conscience de Titus sera probablement oubliée dès le prochain épisode, si la leçon de vie de Lillian sur scène vaut principalement pour tous les quiproquos qui la précèdent, et si le côté "Kimmy rencontre un homme, mais forcément, c'est une ordure" commence à faire beaucoup dans le genre...

4x05 : Titus tente de monter une représentation scolaire de la Belle et la Bête, pour laquelle Jacqueline et Lillian vendent des places à un public de hipsters (Zosia Mamet...) ; Kimmy, elle, se confronte à Fran (Moynihan), avant de prendre conscience du sexisme des contes de fées.

À nouveau, avec le personnage de Fran, on retombe dans le discours anti-mra/pro-#metoo qui me lasse franchement (en dépit de sa pertinence) et qui ne me fait pas vraiment rire.

Là, en prime, on a droit à une Kimmy en mode militante qui s'indigne de la Belle et la Bête et des princes de contes de fées, comme une utilisatrice de tumblr qui découvrirait le féminisme 2.0 et se lancerait dans une tirade particulièrement éventée.

Heureusement, tout autour, les vannes continuent à fuser et à faire mouche, mais ce fond revendicatif me fatigue un peu.

4x06 : Lillian est embarquée dans une histoire d'héritage la confrontant aux enfants d'Artie (Busy Philipps, Josh Cooke), pendant que Kimmy retrouve son sac à dos et décide de changer le monde en s'adressant aux petits garçons au travers d'un livre de fantasy ; Jacqueline, elle, doit faire face à la grossesse inattendue de Xan, abandonnée par son petit-ami...

Tina Fey revient à l'écriture (enfin, à la co-écriture), et... je dois dire que je n'ai pas particulièrement accroché à cet épisode. Principalement parce que les deux sous-intrigues principales, celle de Jacqueline et de Lillian, ne m'ont pas intéressé le moins du monde (je l'ai déjà dit, mais Lillian, Xan et Jacqueline sont loin d'être mes personnages préférés) et, dans le cas de Xan, c'est encore l'occasion d'en rajouter une couche sur le #metoo, avec un commentaire sur les femmes qui ne sont jamais crues par la société quand elles sont victimes d'une ordure, etc.

Ajoutez à cela une Busy Philipps qui semble là pour rester (mouais, sans plus), et un moment très sombre (trop sombre ?) durant lequel Kimmy est sur le point d'enterrer son âme d'enfant, et on se retrouve avec un mid-season finale en demi-teinte.

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Une demi-saison engagée, quasiment militante dans ses thématiques, et qui surfe sur le mouvement #metoo, pour confronter Kimmy aux horreurs de la société moderne et du genre masculin, afin de la forcer à grandir et à murir.

Ce qui, comme je l'ai mentionné plus haut, a un peu tendance à me fatiguer, principalement parce que ce n'est pas fait avec une grande finesse ou une grande subtilité.

De même, cette prise de conscience et ces thématiques imposent un ton un peu plus sombre et désenchanté aux mésaventures de Kimmy. Ce n'est pas forcement une mauvaise chose si Fey & co doivent boucler la boucle à la fin de la saison, mais ça signifie aussi que le tout n'est plus aussi rafraichissant et optimiste qu'avant - et que Kimmy semble parfois reléguée au second plan de ces épisodes.

Cela dit, le tout fourmille toujours de gags et de blagues percutantes et inattendues, c'est toujours assez agréable à suivre, et la distribution est toujours impeccable. Néanmoins, un peu comme 30 Rock en son temps, il est peut-être temps que la série touche à sa fin, avant que le niveau global ne continue à baisser lentement, mais surement.

À suivre en janvier 2019...

Retrouvez aussi sur ce blog les bilans de la saison 1, de la saison 2 et de la saison 3.

Chez les Téléphages Anonymes, du 1er octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur....

Butcher : La Légende de Victor Crowley (Hatchet - 2006) :

Ben (Joel Moore) et Marcus (Deon Richmond), deux étudiants en vacances à la Nouvelle-Orléans, décident de prendre part à une visite guidée du bayou menée par Shawn (Parry Shen). À bord de leur bateau, Doug Shapiro (Joel Murray), réalisateur de film érotique ; ses deux actrices (Mercedes McNab & Joleigh Fioreavanti)  ; un couple de touristes (Patrika Darbo & Richard Riehle) ; et Marybeth (Tamara Feldman), une jeune femme mystérieuse à la recherche de son père et de son frère, disparus dans ce même bayou, aux mains de Victor Crowley (Kane Hodder), un croque-mitaine local...

Un slasher old-school assez apprécié par les fans de genre pour son ton décomplexé et humoristique, et pour son fanservice évident (caméos de Kane Hodder démasqué, de Robert Englund, de Tony Todd, ou encore d'Adam Green, le réalisateur, et de John Carl Buechler, le maquilleur).

Et effectivement, ça fonctionne gentiment pendant un bon moment, notamment grâce à son humour et à sa distribution qui n'est pas désagréable (mention spéciale à Mercedes McNab qui nous refait Harmony, mais sans les crocs de vampire, et avec les seins à l'air).

Après, l'intérêt du film s'arrête un peu là, tant les limites évidentes du budget et du réalisateur se ressentent constamment : musique synthétique fauchée, bruitages à l'identique, effets et maquillages un peu approximatifs, design de Crowley assez quelconque, réalisation, éclairage et montage inégaux...

Ce n'est pas désagréable à regarder, c'est suffisamment court et dynamique pour que l'on ne s'ennuie pas, mais sinon, ce n'est pas non plus très mémorable.

3.5/6

Butcher 2 (Hatchet 2 - 2010) :

Secourue par Jack Cracker (John Carl Buechler), Marybeth (Danielle Harris) échappe in extremis à Victor Crowley, et parvient à rejoindre la civilisation. Elle découvre alors la vérité sur les liens qui unissent sa famille au psychopathe des bayous, et, accompagnée d'un bataillon de chasseurs (Parry Shen, Tom Holland, Alexis Peters, R.A. Mihailhoff, AJ Bowen, Ed Ackerman, David Foy, Colton Dunn...) mené par le Révérend Zombie (Tony Todd), elle décide de le traquer pour se venger de lui une fois pour toutes...

Une suite particulièrement médiocre, qui prend pourtant place dans les secondes qui suivent la fin abrupte du premier opus, en en replaçant cependant l'interprète principale par Danielle Harris, final girl de la saga Halloween, dont la popularité lui a valu une place ici, dans cette franchise régressive.

Le problème étant que la demoiselle est une actrice très inégale (ici, elle est souvent fausse), et que sur de nombreux autres plans, le reste du film est trois crans en dessous du précédent.

- Trois crans en dessous au niveau de l'humour et de la décontraction - ici, tout ceci est réduit à sa partie congrue, c'est lourd, et le métrage se prend assez au sérieux, avec une Danielle Harris constamment fébrile, traumatisée et larmoyante, ​au bord de la crise de nerfs ;

- Trois crans en dessous au niveau du script - non seulement les personnages sont tous anonymes et insipides (voire agaçants - Colton Dunn), mais en plus Green nous transforme le tueur herculéen du premier film, déformé mais ayant survécu à un drame dans son enfance, en esprit vengeur indestructible, façon Jason, victime d'une malédiction jetée par sa mère sorcière cancéreuse, et condamné à éliminer les héritiers des responsables de ses malformations : de quoi rajouter une couche de tragédie et une couche de sorcellerie totalement superflues et forcées ;

- Trois crans en dessous au niveau du rythme, avec près de 45 minutes avant que ça ne démarre vraiment, et que Crowley ne passe à l'action ;

- Et enfin trois crans en dessous au niveau de la production qui, malgré un budget plus confortable, peine à convaincre, d'autant que Crowley est toujours aussi laid et caoutchouteux.

Alors oui, il reste des caméos amusants de ci de là (Shapiro, Misty et Jenna, du premier film, apparaissent brièvement ; Shawn Ashmore et Emma Bell reprennent un instant leurs rôles de Frozen, du même réalisateur ; on voit passer Joe Lynch, Lloyd Kaufman...) et les dernières 20 minutes, une fois que Crowley s'active et que des hectolitres de sang sont versés, redonnent un petit coup de fouet au tout, mais dans l'ensemble, c'est forcé, terne, et gentiment paresseux... ce que le premier n'était pas.

1.75/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue dans le cadre de l'Oktorrorfest dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Assassin's Creed :

Condamné à mort, Callum Lynch (Michael Fassbender) est secouru in extremis par Abstergo, une fondation privée dirigée par Rikkin (Jeremy Irons) et sa fille Sofia (Marion Cotillard). Ensemble, le père et la fille utilisent une technologie révolutionnaire, l'Animus, pour plonger Callum dans la mémoire génétique de son ancètre Aguilar, un Assassin du 15ème siècle, afin d'espérer découvrir l'endroit où ce dernier a caché la Pomme d'Eden, une relique permettant potentiellement d'assurer paix et ordre à l'espèce humaine...

La formule Assassin's Creed n'est pas compliquée : au fil des âges, l'affrontement entre les Assassins (une secte de super-ninjas acrobates et aux pouvoirs surhumains, défenseur du libre arbitre et de la liberté) et les Templiers (un groupe persuadé que l'ordre, le contrôle et la discipline sont la seule voie pertinente pour atteindre la paix), afin de mettre la main sur des reliques magiques éparpillées aux quatre coins du globe par la Première Civilisation, un peuple antique d'origine mystérieuse, et à la technologie incroyable.

Tous les éléments pertinents de la série sont résumés là : des gentils, des méchants, du Parkour, des cascades défiant les lois de la physique, de la chasse au trésor, des mythes improbables, de l'Histoire, et un monde ouvert que le joueur explore à volonté, en long, en large et en travers.

Avec en prime, au grand dam de beaucoup de joueurs qui préféreraient rester en immersion permanente dans le passé, un emballage/mise en abîme moderne de la notion de jeu vidéo, puisque le concept de l'Animus n'est en fin de compte, qu'une console de jeu dans le jeu, avec un joueur qui prend le contrôle d'un personnage, qui lui même prend le contrôle d'un autre personnage.

Bref : avec plus d'une dizaine de jeux (plus ou moins réussis) appartenant à la franchise, l'univers est bien établi, ses codes aussi, et Assassin's Creed est désormais synonyme, pour le joueur lambda, de codes très affirmés, au premier rang desquels le fameux saut de l'ange de l'assassin, depuis le sommet d'un bâtiment, jusque dans un tas de foin.

Et donc, on a droit ici à une adaptation qui semble reprendre les codes de la franchise (le parkour, le saut de l'ange, les reliques, les tenues, le credo, l'Animus)... mais qui en fait, parvient à passer totalement à côté de son sujet, et ce de manière spectaculaire.

Forcément : quand on fait le choix de placer 75% du film dans le présent, chez Abstergo, et qu'on ouvre le film par du rock, ça donne tout de suite le ton et la direction du métrage.

Et tout est à l'identique : les personnages déjà établis sont remplacés par de nouvelles créations, creuses et sans intérêt, et interprétées en pilotage automatique par leurs acteurs ; l'Animus est désormais un bras articulé avec projection holographique ; la musique est insipide et totalement oubliable ; les rares scènes d'action sont médiocres, montées de manière hachée (avec renvois constants au présent, et à Fassbender attaché à l'Animus), sans le moindre sentiment de fluidité ou de maîtrise que l'on peut ressentir en jouant ; le Parkour est étrangement peu satisfaisant, la faute au montage, à du câblage et à des effets numériques évidents, en plus des cascadeurs ; idem pour le Saut de l'Ange, sans cesse inachevé, et ou se transformant en quelque chose de numérique et d'immonde visuellement (lorsque Callum fait une pirouette et "casse" la surface de l'eau avec une dague pour "amortir" sa chute) ; et plutôt que de nous plonger dans un monde historique chatoyant, ici, tout est terne et sans la moindre ambiance (tous les personnages de la section historique sont transparents et anonymes, ce qui n'aide pas).

En résumé, un plantage assez spectaculaire, qui a fait un flop encore plus spectaculaire (et mérité) au box-office, et qui passe systématiquement à côté de tout ce qui fait le fun de la franchise.

Difficile de comprendre comment Ubisoft & co ont pu se planter à ce point, alors qu'il leur aurait suffit d'adapter et de synthétiser les premiers jeux afin d'obtenir une trame satisfaisante pour une trilogie ; et je me suis fait la remarque devant le film, mais comment n'ont-ils pas tenté d'imiter l'angle de caméra du jeu (vue à la troisième personne) pour placer un plan séquence de plusieurs minutes, sans coupes apparentes, montrant la doublure de Fassbender en train de se frayer un chemin sur un champ de bataille en tuant, en esquivant, en bondissant, etc, de manière fluide et impressionnante, jusqu'à conclure par un saut de l'ange accompagné par la caméra.... ? Ça aurait permis de renvoyer directement à la fluidité du jeu, d'établir la maîtrise du combattant, et de faire plaisir à tous les joueurs...

Mais non, il faut croire que c'est trop compliqué, tout ça, et qu'il était plus intéressant de filmer Marion Cotillard débiter des platitudes avec un accent bancal dans des locaux grisâtres, ou de demander à l'équipe des effets spéciaux de produire des dizaines de plans panoramiques inutiles montrant un aigle numérique survolant le paysage.

1.5/6

Après plus de quatre ans et demi d'absence, Sygbab fait son grand retour au sein des Téléphages Anonymes, pour des bilans séries hebdomadaires...

Gilmore Girls, saison 1 : 

Bienvenue à Stars Hollow, une petite ville où il fait bon vivre grâce à une atmosphère unique. Ici règnent la bonne humeur, la bienveillance envers son prochain, et une joie de vivre contagieuse. Difficile de ne pas tomber sous le charme de ce lieu presque magique, peuplé de personnages excentriques et attachants, et qui donne l'impression au téléspectateur de se retrouver en famille. Plus que de raconter l'histoire d'une mère et sa fille, la grande force de la série consiste à brosser le portrait d'une communauté solidaire.

Certes, la plupart des personnages sont secondaires, mais leur caractérisation est soignée de telle manière qu'ils ne sont pas simplement fonctionnels. Au contraire, chacun apporte sa pierre à l'édifice et permet de rendre l'ensemble vivant. De Kirk - l'homme à tout faire un peu trop à cheval sur les principes et qu'on moque avec affection - à Miss Patty - dont la propension à la séduction est aussi vive que son amour pour la danse - en passant par Taylor et sa dévotion envers les traditions, il est impossible de détester qui que ce soit.

Le revers de la médaille, c'est qu'il est compliqué de trouver sa place lorsque l'on vient de l'extérieur, ce qu'apprendra Dean à ses dépens. S'immiscer entre Lorelai et Rory n'est déjà pas chose facile tant leur relation est fusionnelle, mais il doit composer également avec le fait que cette dernière est adorée de tous.

Il est donc sous les feux des projecteurs, et le moindre faux pas ne lui sera pas pardonné. Il est d'ailleurs très rapidement affublé du rôle du méchant lors de leur rupture, alors qu'il n'a pas grand-chose à se reprocher. Leur relation a évolué de manière constante, et il prouve à plusieurs reprises que ses sentiments sont sincères. Sa seule erreur est de l'exprimer aussi clairement.

Pour Rory, le choc est assez violent, et elle n'a pas assez de références en matière d'amour pour gérer cette annonce inattendue. Et ce n'est pas sa mère qui peut la conseiller de la meilleure des manières. La relation qu'elles entretiennent ressemble plus à celle que pourraient avoir deux meilleures amies, à tel point que Lorelai a mis de côté sa vie sentimentale et qu'elle a toutes les peines du monde à s'engager auprès des hommes.

Ballottée entre son histoire avec Max, nécessairement compliquée du fait que ce dernier est un des enseignants de Rory, le retour de Christopher qui veut s'impliquer dans la vie de leur fille, et son incroyable entêtement à nier que sa relation avec Luke est tout sauf amicale, elle a du mal à trouver l'équilibre qui pourrait lui permettre de trouver le bonheur. Et elle se réfugie toujours derrière sa volonté de protéger Rory pour ne pas aller trop loin. Mais avec la demande en mariage de Max, les choses évolueront peut-être...

En revanche, la relation mère-fille entre Lorelai et Emily est nettement plus compliquée. En effet, l'accouchement de Lorelai à 16 ans a provoqué une fracture difficile à réparer. D'un côté, une jeune fille en détresse que ses parents ne soutiennent pas et qui éprouve le besoin de se séparer d'un environnement qu'elle considère étouffant, de l'autre des parents pour lesquels les plans mis en place afin de tracer l'avenir de leur fille s'effondrent.

Emily ne rate dont pas l'occasion de proposer une aide financière à sa fille pour que Rory puisse intégrer l'école privée de Chilton, en échange d'un dîner hebdomadaire. Mais au lieu de les rapprocher, cela ne fait que creuser le fossé existant entre eux. Mettant souvent en exergue leur petite-fille avec fierté car elle représente tout ce qu'ils auraient voulu que leur fille soit, ils ne reconnaissent pas à Lorelai une force de caractère extraordinaire qui lui a permis d'élever sa fille seule, et de se construire une vie qui n'est certes pas fastueuse mais confortable à son goût, avec un travail qui la passionne.

Outre les maisons des Gilmore, le très bizarre magasin d'antiquité de Madame Kim (pauvre Lane, vivre avec toutes ces règles doit être pesant) et le café de Luke (un ours pataud un peu engoncé, qui a le coeur sur la main et qui est définitivement attachant), l'Independance Inn est également un des lieux les plus fréquentés.

On peut y rencontrer Michel - dont la réticence à être en contact avec les gens rend la tâche difficile lorsqu'il doit accueillir des clients ou pour répondre au téléphone - qui illumine l'écran les rares fois où il sourit. Ou encore Sookie en cuisine, tellement tête-en-l'air qu'elle doit compter sur ses aides pour ne pas mettre le feu à chaque fois qu'elle invente une de ses recettes dont elle a le secret. Elle est à elle seule l'incarnation de l'excentricité et de la bonne humeur omniprésentes dans la série.

Reste l'école de Chilton, dont les élèves proviennent pour la plupart d'une classe sociale un peu plus élevée, avec des préoccupations moins basiques. En passant rapidement sur Tristan pour lequel il ne faut pas s'arrêter à la première impression, il faut surtout s'attarder un peu plus sur Paris, qui représente en quelque sorte l'arch-nemesis de Rory. Ambitieuse et déterminée, mais aussi timide et peu à l'aise pour exprimer ce qu'elle ressent, elle veut absolument montrer qu'elle est la meilleure et n'hésitera pas à mettre des bâtons dans les roues de quiconque se dressera sur sa route. Mais au contact de Rory, elle semble s'adoucir et devient au fur et à mesure plus étoffée.

La dextérité avec laquelle tous ces personnages sont développés par petites touches est tout de même assez effarante au regard de leur quantité, et cela est possible grâce à une écriture tout en justesse, qui ne cherche jamais à verser dans le larmoyant, ni dans le spectaculaire. Au contraire, c'est souvent avec le sourire que l'on regarde un épisode, ne serait-ce que parce que la marque de fabrique de la série est de proposer des dialogues en mode mitraillette entre ses deux protagonistes principales.

(voir aussi le bilan de Lurdo - nettement plus sommaire - des saisons 1 à 4 de la série, publié sur ce blog en 2012)

Noël approche, et comme tous les ans, c'est l'heure de la Christmas Yulefest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

A Christmas Horror Story :

Alors que Dj Dan (William Shatner), animateur radio dans la ville de Bailey Downs, présente son show pendant la nuit de Noël, quatre intrigues parallèles et surnaturelles prennent place dans les environs : des adolescents s'introduisent dans leur école pour enquêter sur un meurtre sanglant ; un couple à la recherche d'un sapin perd de vue son fils dans les bois avant de le retrouver étrangement changé ; une famille subit la colère de Krampus ; et les elfes du Père Noël se transforment en zombies...

Une anthologie horrifique de Noël canadienne, assez populaire auprès des critiques, souvent sur la base de son association supposée avec les talents de la franchise Ginger Snaps (déjà elle-même assez surcotée en soi, mais ceci est un autre débat). Mais en réalité, l'association se limite à la présence, derrière deux des caméras, de Grant Harvey, producteur de Ginger Snaps 2 et 3/réalisateur du 3, et de Steven Hoban, producteur sur la franchise et réalisateur débutant. Avec eux, à la réalisation, un réalisateur de comédies musicales, et à l'écriture, tout un assortiment de scénaristes tv (ainsi que le scénariste du déjà très bordélique Hellions).

Pas surprenant alors que le problème principal de ce film s'avère être son script. Et ce à deux niveaux différents : tout d'abord, au niveau de la structure du film en elle-même. A Christmas Horror Story semble clairement vouloir prétendre au titre de Trick'r'Treat de Noël, mais là où Trick développait ses segments de manière indépendante avant de les lier ensemble par petites touches (puis de manière plus frontale), ici, les scénaristes choisissent une approche radicalement différente : ils préfèrent alterner les quatre histoires de manière constante, par tranches de trois ou quatre minutes, avec un rythme très télévisuel et forcé.

On se retrouve donc avec un faux rythme imposé aux segments, rythme qui paradoxalement semble là pour cacher le vide intersidéral du script. Pour résumer, il y a environ dix minutes de substance par segment, mais découpés ainsi, ces derniers sont étalés sur près de cent minutes au total, ce qui handicape sérieusement le rythme global du métrage.

Cette mise en place structurelle assez peu convaincante empêche ainsi toute immersion, casse la moindre montée en puissance ou la moindre tension par des ruptures et des transitions maladroites et, de par son articulation, empêche donc de s'intéresser ou de s'attacher aux personnages.

La seule exception à ce dernier point étant le segment sur Santa Claus, qui s'avère le plus réussi du lot.

En effet, c'est là l'autre niveau problématique du script : les trois autres intrigues souffrent nettement de leur format, de leur structure, et d'un manque d'originalité flagrant :

- le premier segment, sur les adolescents en reportage dans leur lycée, la nuit, peine à captiver, victime d'un pitch assez générique, et de jump scares agaçantes. 

- le second, sur le changeling, est affreusement téléphoné pour qui connaît ses classiques. Heureusement, quelques scènes visuellement réussies sauvent le tout. 

- le troisième segment, sur Krampus, à la chance d'avoir un démon esthétiquement très réussi. Mais ses personnages sont tous antipathiques, et la petite grand-mère surjoue allègrement, ce qui est dommage. 

Reste alors le segment sur le Père Noël, ainsi que le fil conducteur sur William Shatner en animateur radio. Deux segments qui, indépendamment, et en dépit de la structure globale qui les affaiblit, auraient été très sympathiques en soi... s'ils ne finissaient pas par se saboter mutuellement sur la fin.

Car autant le segment sur Santa est très amusant, décomplexé et bien enlevé, avec un Santa qui a la classe et dézingue des zombies comme Ash dézingue des Deadites, autant il repose au final sur un twist de fin assez moyen.

D'autant plus moyen que l'inutilité chronique du fil conducteur mettant en scène Shatner impose à ce dernier un retournement final pour justifier sa présence, et, de par la structure du film qui conclut tous les autres segments auparavant, s'en suit logiquement que les deux intrigues restantes soient liées : aussi, lorsque Shatner commence à parler de son Mr Météo manquant et dépressif, ainsi d'une prise d'otages inexpliquée au centre commercial où se trouvait celui-ci, le déclic se fait aussitôt.

Et la toute fin tombe donc à plat, sabotant le seul segment vraiment réussi du film avec une conclusion plate et attendue.

Vraiment dommage, d'autant que visuellement, et au niveau de l'ambiance, le tout était assez réussi.

2.75/6

Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à début Novembre...

Crimson Peak :

Bien décidé à devenir romancière, Edith Cushing (Mia Wasikowska) lutte contre les habitudes oppressantes de la société victorienne. Un jour, elle croise le chemin de Thomas Sharpe (Tom Hiddleston), un noble ténébreux et sans le sou, qui la fait tomber sous son charme. À la mort de son père, après avoir hérité de toute sa fortune, Edith décide alors d'épouser Thomas, et d'aller vivre avec lui dans son manoir, Crimson Peak, perdu au milieu de la lande anglaise. Là, elle doit apprendre à composer avec Lucille (Jessica Chastain), la soeur possessive et sinistre de Thomas, qui partage avec eux l'immense bâtisse délabrée... mais bien vite, des esprits menaçants apparaissent à Edith, qui finit par découvrir les secrets de Crimson Peak...

Grosse déception.

J'en attendais beaucoup, de ce Crimson Peak, et ce même si j'avais revu à la baisse mes attentes après Pacific Rim... mais non. À force de jongler avec 35 projets de films et de séries en simultané, Guillermo finit par produire des scripts assez faibles, et surtout beaucoup trop référentiels.

C'est pourtant ici évident, dès le nom du personnage principal : Cushing. On devine aussitôt que tout le métrage va donner dans l'hommage et dans le fanservice au genre de l'horreur gothique, mais aussi qu'il va le faire sans la moindre finesse ou subtilité. Et donc on se retrouve, avec ce Crimson Peak, avec un superbe livre d'images (le film s'ouvre sur "Crimson Peak", un roman dont on tourne les pages) malheureusement totalement creux et cousu de fil blanc.

Superbe, car il est impossible de nier que la direction artistique est réussie : tout est chatoyant, chargé, travaillé, somptueux, avec des constrastes de couleurs et de textures particulièrement vibrantes, bref, c'est splendide, même si ça frôle régulièrement l'overdose... et que ça souligne d'autant plus le vide abyssal du récit.

Un récit qui, sous couvert d'hommage, accumule tous les poncifs du genre, et les ressert sans la moindre imagination, d'une manière particulièrement prévisible et télégraphiée (seul point original, l'utilisation de la glaise rouge sang comme d'un des éléments fondateurs du récit. Mais c'est peu).

C'est bien simple, le spectateur a toujours 30 minutes d'avance sur tous les rebondissements du récit ; pire encore : malgré sa volonté d'être un hommage à un genre que Del Toro adore, le film échoue à être un film d'horreur effrayant et/ou une romance gothique convaincante.

Ainsi, l'horreur ne fonctionne pas vraiment : les fantômes, s'ils sont très réussis visuellement, ne servent pas à grand chose, et n'apparaissent que trop rarement pour réussir à instaurer la moindre tension (d'autant plus que leur présence souligne un problème du récit : si tous les morts parlent à Edith pour la prévenir... pourquoi est-ce que son père n'apparaît pas pour lui révéler l'identité de son assassin ? Mais peu importe). On devine de toute façon très rapidement que ces "fantômes du passé" sont finalement assez inoffensifs, ce qui affaiblit considérablement le quota angoisse du film.

Quant à la romance... disons que Wasikowska est loin d'être une actrice très charismatique (déjà dans Alice, c'était le cas) et qu'elle a très peu d'alchimie avec Hiddleston (et encore moins avec Charlie Dunham, affreusement insipide). Résultat : on ne croit jamais vraiment à cette romance soudaine, et aux liens qui se tissent entre l'héroïne et le mystérieux Thomas Sharpe (pourtant, Hiddleston fait de son mieux).

Le script ne fait d'ailleurs pas de cadeau à ces deux caractéristiques essentielles du film : en ouvrant par un flash-forward montrant la fin du métrage, tout suspense quand au sort d'Edith est aussitôt levé ; en enchaînant par une apparition fantômatique qui prévient Edith de ne pas se rendre à Crimson Peak, toute menace inhérente aux fantômes est levée ; et en continuant avec plus d'une demi-heure de mise en place avant d'arriver au manoir, toute tension narrative est anesthésiée, malgré un meurtre sanglant pas forcément désagréable, et qui insuffle enfin un peu de vie et de mouvement au récit.

Cette tendance de Crimson Peak à abattre ses cartes bien trop tôt téléphone par ailleurs d'autres rebondissements ultérieurs : les messes basses sinistres du frère et de la soeur, certaines allusions qui mettront la puce à l'oreille des spectacteurs avisés ("nous n'avions pas le droit de trainer dans le manoir, mon frère et moi ; nous étions confinés au grenier" = référence directe à V.C. Andrews et à ses Fleurs Captives), la symbolique assez pataude de certaines scènes...

Et puis il y a aussi le problème Jessica Chastain. Une Jessica Chastain, ici dans le rôle de la soeur étrange et possessive, qui dès sa première apparition est tout en regards sinistres et en biais, et en jalousie évidente. Un manque de subtilité dans l'interprétation qui, combiné à une coloration capillaire assez artificielle, place d'office le personnage dans le registre de la grosse caricature pas très convaincante d'une antagoniste louche et meurtrière.

Un registre dans lequel Chastain sombre totalement dans le dernier quart du film, lorsqu'elle bascule en mode psychopathe, avec un hachoir à viande géant dans les mains : pendant quelques minutes, le film en devient presque une comédie d'horreur, dans laquelle tout le monde se poignarde en surjouant affreusement.

Bref, un script prévisible au possible, qui peine à imposer une montée en puissance, un semblant de tension, ou même de la romance ; une distribution assez fade à mon goût ; un argument fantastique finalement superflu ; et une symbolique assez pataude. De quoi mériter une note assez calamiteuse... s'il n'y avait cet aspect technique et visuel, chatoyant et franchement réussi, qui sauve les meubles, et assure la moyenne.

Un petit 3/6 (malgré, encore une fois, une déception de taille ; resaisis-toi, Guillermo !)

 Noël est là : chez les Téléphages Anonymes, c'est l'heure du marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefest, et ce jusqu'à mi-janvier...

Jingle Jangle : un Noël enchanté (Jingle Jangle : A Christmas Journey - 2020) :

Après avoir été trahi par son apprenti, Gustafson (Keegan-Michael Kay), l'inventeur Jeronicus Jangle (Forest Whitaker) s'est replié sur lui-même, cessant de créer et s'éloignant de sa famille pour s'isoler dans sa boutique de prêteur sur gage. Jusqu'à ce que sa petite-fille Journey (Madalen Mills) vienne lui rendre visite, et rallume la flamme de la créativité chez son aïeul...

Aïe. Je vais devoir prendre des pincettes, pour celui-là... une comédie musicale Netflix produite (et aux chansons composées) par John Legend, et réalisée/écrite par David E. Talbert, un réalisateur afro-américain déjà à l'origine d'Un Noël à El Camino pour Netflix.

Un film fantastique à gros budget et qui avait pour ambition assumée de créer un film de Noël par des Afro-américains, pour des Afro-américains, avec des Afro-américains : un choix créatif pro-diversité et représentativité qui s'est traduit par un totem d'immunité critique outre-atlantique, alors que... bon... comment dire... dans mon foyer, on a failli ne pas aller jusqu'au bout.

Pas à cause de la diversité ethnique du projet, mais bien à cause de sa facture technique : Un Noël à El Camino souffrait ainsi de nombreux problèmes d'écriture, depuis une mise en place interminable jusqu'à des rebondissements téléphonés et frustrants, en passant par un rythme anémique.

Ici, on retrouve tous ces soucis : avec plus de deux heures au compteur, Jingle Jangle se traîne lamentablement de numéro en numéro, pas aidé par des chansons globalement insipides et dérivatives.

L'histoire, à l'identique, se perd en longueurs dans ses artifices de narration (Phylicia Rashad qui raconte son histoire à ses petits-enfants ; des séquences animées pour effectuer certaines transitions et gérer le passage du temps), dans ses digressions (certains personnages sont vraiment inutiles, à commencer par le Steve Urkel en puissance, ou encore le matador doublé par Ricky Martin - un personnage superflu au possible, uniquement là pour dépenser le budget effets spéciaux, et jamais aussi drôle que le scénariste ne le pense) et dans les pauses qu'il s'octroie pour placer des numéros musicaux.

Résultat : on s'ennuie profondément entre deux séquences comiques plutôt amusantes de Forest Whitaker se faisant sérieusement draguer par la postière, entre deux chorégraphies efficaces, et entre deux séquences à effets spéciaux.

Ce n'est pas la faute de la production, cela dit : la direction artistique est superbe, chatoyante et intrigante, donnant lieu à une sorte de steampunk festif victorien aux tenues et chevelures improbables ; les danseurs se démènent ; les acteurs sont tous bons et attachants ; les effets spéciaux sont convaincants ; la bande originale de John Debney est compétente (bien que peu mise en valeur) ; et le film a bon fond, avec un propos sur la connaissance, le partage, le pardon, l'imagination, la curiosité et la foi qui, s'il ne révolutionnera rien, est approprié à un film de Noël.

Mais dans l'ensemble, Jingle Jangle nous (je dis nous, parce que je l'ai regardé en famille, et que les plus jeunes ont décroché en cours de route) a semblé affreusement dépourvu d'intérêt : c'est visuellement joli et l'effort de diversité est louable, mais c'est aussi creux au possible, avec une intrigue générique (Santa Claus : le film n'est pas loin) et un côté musical absolument transparent.

Et à titre plus personnel, difficile de ne pas voir dans ce métrage un film ayant reçu une carte blanche de Netflix, sur la base de la seule présence de John Legend à la production et de l'objectif de diversité du projet : le script et la production souffrent en effet d'énormément de scories (personnages, sous-intrigues et effets spéciaux superflus, montage manquant de rigueur) qu'une réécriture ou un producteur plus présent auraient pu éliminer avant le tournage, ou au montage.

Ce qui n'est pas sans me rappeler le destin du calamiteux Un raccourci dans le temps de Disney, là aussi une carte blanche donnée à une réalisatrice afro-américaine prisée des critiques, pour une grosse production au message bienveillant pro-diversité, à la jeune héroïne afro-américaine surdouée, et qui en mettait plein les yeux avec une esthétique des plus bigarrées... mais qui s'écroulait sur la base d'un scénario approximatif, et d'une production jamais encadrée par peur d'un retour de bâton woke sur les réseaux sociaux.

Sans aller jusqu'au désastre d'Un Raccourci..., ce Jingle Jangle m'a fait un peu le même effet. Dommage.

2.5/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films de Noël passés en revue sur ce blog dans le cadre de la Christmas Yulefest en cliquant directement sur ce lien (classement alphabétique), ou celui-ci (classement saisonnier)...

Pendant deux semaines, à l'occasion de la Saint Valentin, place aux grands sentiments et à la séduction, avec des critiques quotidiennes de films et séries romantiques...​

Love Life, saison 1 (2020) :

De son adolescence à aujourd'hui, les différentes étapes de la vie amoureuse de Darby Carter (Anna Kendrick), une jeune femme un peu paumée et qui cherche l'âme sœur...

Une anthologie romantico-dramatique en 10 épisodes de 30 minutes environ, diffusés sur HBO Max et produits par Paul Feig (la série Girls, produite par Apatow, n'est pas loin, d'ailleurs, en moins agaçant), pour un résultat assez inégal, au carrefour de la comédie romantique classique et de la série câblée façon HBO/Showtime, mais sans avoir la légèreté ou l'énergie du genre rom-com, ni le mordant des comédies dramatiques courtes du câble.

Et cet aspect postérieur entre deux chaises se retrouve notamment dans le format du show : pendant ses premiers épisodes, la série semble établir un format unitaire "1 épisode = 1 relation amoureuse de Darby, de son début à sa fin". Ça commence par Augie (Jin Ha), sa première relation sérieuse au sortir de l'université (à noter que Kendrick arbore pour l'occasion une perruque très laide), qui se finit de manière douce-amère ; puis Bradley (Scoot McNairy), son ex-patron, plus âgé, plus cultivé, plus riche et donc incompatible pour des raisons d'âge et de classe sociale ; vient ensuite Danny (Gus Halper), sentimental et collant ; et enfin, Magnus (Nick Thune), un chef hipster qui finit par demander à Darby de l'épouser.

Là, la série commet un premier écart : Magnus occupe trois épisodes, durant lesquels on suit la désintégration du couple, brisé par le chômage du chef, qui l'envoie dans une spirale de dépression et d'hostilité.

Pas forcément le plus passionnant de la saison, d'autant que la caractérisation de Magnus est sommaire (un épisode = il est l'homme parfait ; dix minutes plus tard = il se vautre en slip sur le canapé en beuglant et en refusant de chercher du travail), que Darby est particulièrement passive (c'est même son trait de caractère principal : elle veut tellement faire plaisir à tout le monde qu'elle s'efface et se laisse marcher dessus), et que, le temps d'une moitié d'épisode en thérapie, Anna Kendrick cède la place à Courtney Grosbeck, pour un long flashback (au demeurant très bien interprété) sur son adolescence et son premier amour.

Puis vient le divorce et, se débarrassant par là-même de son format initial, la série opte pour une nouvelle direction, étendant son schéma structurel à toutes les relations de Darby : un épisode est ainsi consacré à sa mère (Hope Davis), aussi névrosée que Darby, un autre à sa meilleure amie Sara (une excellente Zoë Chao, qui vole fréquemment la vedette à Kendrick durant la saison) et un dernier au bébé de Darby, après un épisode de retrouvailles avec Augie.

Le tout donne à la saison des atours de grosse thérapie un peu prévisible (le message est globalement "pour pouvoir aimer autrui, il faut d'abord apprendre à s'aimer soi-même"), et qui, par moments, rend même Darby assez antipathique - son comportement avec sa mère, d'abord, mais aussi la manière dont elle donne la leçon à son amie Sara.

Une Sara présentée, depuis le début de la série, comme fêtarde, mais toujours là pour sa meilleure copine, la soutenant dans ses hauts et ses bas sentimentaux : cependant, lorsque les rôles sont inversés (Sara rompt de manière abrupte avec son compagnon, et sombre dans la dépression, la fête et les substances illicites ; Darby se concentre, elle, sur sa carrière et gagne de l'argent), soudain, Darby se fait un peu cassante, en a ras-le-bol, tente immédiatement d'envoyer Darby en thérapie et en désintox, et coupe tous les ponts pendant deux ans.

Mieux amené et/ou mieux écrit, ça aurait pu fonctionner. Malheureusement, le format de la série et ses ellipses temporelles font que la spirale infernale de Sara semble forcée, et que Darby paraît étrangement peu tolérante ou patiente. Mais de toute façon, il existe un problème récurrent dans la caractérisation de Darby, qui se repose, trop souvent, sur le charme et l'énergie d'Anna Kendrick pour faire exister le personnage autrement qu'en réaction à autrui.

En soi, Love Life se regarde (le format court aide beaucoup, et Anna Kendrick se démène pour porter le show sur ses épaules), mais difficile de vraiment se passionner pour les errances sentimentales new-yorkaises de cette jolie jeune femme caucasienne, aisée et privilégiée (il faut voir la taille de son appartement) et dépourvue de véritable personnalité, si ce n'est celle d'être trop facilement influençable, et d'avoir une affinité pour l'Art (vocation qui reste toujours très vague dans la série).

On peut se demander si ces traits sont conçus ainsi pour permettre à la spectatrice de s'identifier plus facilement au personnage, et si les platitudes débitées par la narratrice british en ouverture et (parfois) en fin d'épisode ne sont pas là pour rendre accessibles et pour universaliser les expériences de Darby... une chose est sûre, la série n'apporte pas d'éclairage véritablement original sur les relations humaines et amoureuses ; d'ailleurs, la seule véritable relation qui fonctionne réellement, dans tout ça, c'est celle de Darby et de Sara, une relation naturelle et spontanée entre deux amies qui se soutiennent (même si cela ne dure qu'un temps...).

La faute à une distribution masculine assez moyenne (pas dans le talent des acteurs, mais plus dans leur charisme - même l'âme sœur de Darby, Grant, interprété par Kingsley Ben-Adir qui était déjà dans Noelle avec Kendrick, ne fait pas grande impression), qui fait que niveau romance, on n'y croit jamais totalement.

Au final, on se retrouve donc avec une série bien interprétée, pas forcément très captivante (même si ça dépend forcément de la sensibilité du spectateur/de la spectatrice), gentiment nombriliste, mais qui est d'ores et déjà assurée d'avoir une saison 2 - reste à voir si, privée d'Anna Kendrick et de Zoë Chao (la saison 2 sera consacrée à une autre héroïne), la série méritera toujours le coup d'œil, ou aura quoi que ce soit à proposer.

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Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici.

Après des années d'hésitation, et confronté à une pénurie totale de série de space-opéra, un jour, j'ai fini par m'essayer à Farscape. Et si les premières semaines n'ont pas forcément été convaincantes, bien vite, j'ai été conquis par le talent et la bonne humeur de Crichton & co. Retour sur ma découverte de ce qui est aujourd'hui l'un des piliers du genre... ​

​Farscape, saison 1 :

1x01 : Au premier abord, ça me rappelle un peu trop d'autres séries : les prisonniers évadés en compagnie d'un des ennemis, à bord d'un vaisseau vivant, c'est clairement Lexx, par exemple, mais c'est tout de même assez sympathique...

1x02 : Ouhlà, c'est déjà beaucoup moins bien... voire même assez mauvais... du niveau d'un SG1 vide.... déjà le scénario est quelconque au possible, dans la catégorie "déjà vu dans chacune des séries Trek", et en plus, quand on axe une grosse partie de l'épisode sur une anima-puppet, ça va ressembler forcément au Muppet Show à un moment ou un autre...

Je précise néanmoins que les Muppets ne me dérangent pas, en temps normal, mais là, visiblement, comme c'est le début de Farscape, les marionnettes ne devaient pas être totalement au point. En tout cas, passer tout un épisode sur le nabot à moustache qui essaie de détacher l'alarme du vaisseau, ce n'est pas le top.... tout simplement parce que le nabot en question a des gestes et des expressions limitées qui ne fonctionnent pas vraiment... principalement parce que l'on retrouve de temps en temps une posture ou une expression typiquement Muppet...

Quant au scénario, "On part à la recherche de quelque chose de vital sur une planète, et on se retrouve capturé par les indigènes qui ne connaissent aucune vie extraterrestre", c'est effectivement du vu, vu, et revu, y compris dans les SG1... et malheureusement, ici, ça n'a pas le ton humoristique d'un "Little Green Men" de Deep Space Nine, ce qui aurait pu faire toute la différence.

1x03 : celui avec les bestioles qui envahissent le vaisseau et font des clones. Amusant, notamment pour Crichton qui s'en prend plein la tête pour pas un rond.

1x04 : celui où Rygel se fait capturer par des Predator-like qui fonctionnent à une drogue injectée par leur bracelet de combat. C'est divertissant. Même si c'est très dérivatif, si les scènes d'action sont ultra mal réalisées depuis le début de la série, et si les feuilles d'arbres peintes en bleu, ça fait fauché. Mais il y a un poulpe géant extraterrestre, donc ça ne peut pas être mauvais.

1x05 : à peine 5 épisodes, et déjà une histoire de "voyage" temporel, avec Crichton qui voit le futur proche.... ces scénaristes sont courageux... l'épisode aurait pu être bon, d'ailleurs, si la méchante en chef ne jouait pas comme un pied... reste que Crichton est très marrant quand il mime l'attaque neurale scorvienne...  

Pour la suite, je ne vais pas forcément détailler tous les épisodes par le menu : disons plus simplement qu'à la mi-saison, le bilan de la série est assez mitigé.

Dans les points forts de Farscape, il y a clairement les acteurs principaux, leurs personnages, les relations qui existent et se créent entre eux, le côté décomplexé/second degré du tout, bref, tout ce qui touche aux personnages.

Dans les points faibles, il faut quand même avouer que le format 50 min de cette saison 1 est particulièrement mou et mal fichu : les épisodes ont régulièrement de fâcheuses baisses de rythme, voire sont soporifiques, surtout avec la musique trop souvent faiblarde. De même, les épisodes que j'ai vus sont à 80% des loners sans réel lien entre eux, et qui plus est des idées déjà vues ailleurs, que ce soit en mieux (dans du Trek & co) ou en pire (dans du SG1) :  Moya qui ne se comporte pas normalement parce qu'elle est malade, le Q de service qui fait s'affronter les personnages, la planète hospitalière qui cache un sombre secret, etc... Bref, on a vu plus original.

Cela dit, à la mi-saison, ça commence à prendre de la vitesse niveau scénario, à se structurer et à se peaufiner un peu (parce que certains décors ou maquillages de la saison 1 sont quand même plus fauchés que tout). Place à une fin de saison bien meilleure, donc...

Bilan de fin de saison 1 :

Comme je disais à la mi-saison, la saison 1 est loin d'être parfaite. Les 3/4 des scénarii des loners sont tout sauf originaux, la réalisation a tendance à ne pas suivre (ralentis bancals à gogo, etc), la musique est trop souvent synthétique et horripilante, et ça manque - pour la majeure partie de la saison - d'un arc directeur convenable et intéressant... sans oublier le manque flagrant de rythme inhérent au format.

Par contre, lorsque ça attaque sérieusement la mythologie du show, et que les épisodes cessent d'être de simples loners, Farscape devient passionnant. Forcément, puisque les personnages et leur relations sont très bien écrits (même si je regrette que la relation Aeryn/John de l'épisode sur "Terre" passe un peu à la trappe ensuite), que Scorpy a la classe, et qu'on accroche sans problème à cette bande de bras cassés de l'espace.

Un petit bémol, cependant : malgré ces qualités, la fin de saison n'arrive pas vraiment à être surprenante. Qui ne se doutait pas que Crais avait des vues sur mini-Moya ? Ou bien encore, dans l'épisode d'avant, que la frêle "victime" était en fait le méchant monstre ? Etc...

Rien de bien méchant, et le fait d'avoir vu une grosse majorité de ce qui s'est fait avant dans le genre ne doit pas aider non plus, mais bon, c'est un peu embêtant de commencer un épisode et d'aussitôt deviner ce qui va se produire ensuite. Cela dit, Farscape devient vite une série addictive... donc place à la saison 2 !

- Après avoir joué l'effet d'annonce et donné quelques indices sur Twitter pendant deux semaines en promettant un commentateur invité, ce soir, Pope présente ce dernier : son action figure.

- Très jolie robe, Christy.

- Ultimate X, Manik vs Tigre vs Everett vs DJZ. TNA n'est pas capable de se décider sur le nom de Manik/TJP, Everett ressemble à n'importe quel high-flyer indépendant (à savoir : il est physiquement totalement transparent et oubliable). Match assez honorable, avec un peu trop de spots télégraphiés, un peu trop de spots manqués par les cameramen, et un gimmick qui perd un peu plus d'intérêt à chaque fois que la TNA l'utilise, et que le match s'avère moins bon que les classiques de l'époque AJ & co. M'enfin ça allait, ça aurait pu être pire. Cela dit, Uno s'est démis l'épaule en cours de match sur un spot inutile à l'extérieur du ring, donc...

- Fat Hurricane Helms en post match, pour féliciter Tigre. Totalement aléatoire et inutile.

- EC3 dans le ring pour une promo geignarde. La routine.

- #1 Contender Gauntlet. Arrivée surprise d'Al Snow, qui finit par éliminer Eli Drake au grand dam de la fanbase ; Shera qui arrête le match pour faire danser tout le monde, y compris les heels (stupide au possible ) ; Dreamer s'invite sans raison ; Pope décide de s'incruster en cours de match, pour aussitôt changer d'avis et quitter le match ; et Tyrus remporte le tout... parce que. EC3 se pointe, vient féliciter son pote, mais confrontation, car Tyrus veut le titre d'EC3. Hmm.

- Wolves vs Myers & Lee, Tag Titles. Aucune surprise, un bon match, et un résultat prévisible.

- Promo générique de Galloway, qui, au passage, fait référence à son gimmick de 3MB à la WWE.

- Lashley vs Roode, Red Plastic KOTM Belt. Un peu comme le tag match : sans surprise, un très bon match, mais un résultat prévisible, et un public un peu mou.

- Promo de Hardy.

- Récap de l'intronisation d'Earl dans le HOF, avec Billy Corgan dans le ring.

- Gail vs Kong, KO Title. Pas mauvais, loin de là, mais en dessous de leurs affrontements précédents, notamment parce que Kong a ralenti, repris un peu de poids, et semble tout simplement plus fatiguée et lente qu'avant, ce qui impose un rythme plus pépère à l'affrontement. Et comme en plus le booking était sans surprise, et assez prévisible... ça ne restera pas forcément dans les mémoires.

- Promo backstage de Hardy. L'autre Hardy.

- EY vs Kurt, NO DQ. Ils nous font le coup du Kurt Angle trop blessé pour continuer, mais qui est un surhomme, et qui gagne le match face au sadique EY qui démolit tout le monde, y compris les arbitres, les médecins, etc. La routine, donc, bien exécutée pour ce que c'était, mais sans plus.

- Hardy vs EC3 vs Galloway, HW title, soudainement NODQ. Particulièrement difficile pour moi de me passionner pour cet affrontement, vu que je n'ai absolument rien à faire de deux de ces compétiteurs, et que je redoute vraiment de voir la TNA flinguer le gimmick d'EC3 en le faisant perdre sa ceinture et/ou son streak.
Et donc, forcément, Matt Hardy gagne le titre. Lol. Très bel effort des trois hommes, cela dit. Par contre, Papa Hardy a l'air d'être totalement indifférent à la victoire de son fils.

- En post-match, EC3 est furieux, engueule Dixie, et démolit John Gaburick au passage.

Au mois de Mai, puis en Juillet, puis régulièrement depuis (ou presque), j'avais prédit que BFG allait être un PPV booké à l'arrache, en moins de deux semaines, avec plein de matches déjà vus et sans véritable suspens, et un main event qui, compte tenu de l'endroit où le PPV allait se tenir, verrait un Hardy triompher.

"Told you so."

(quand à l'Impact à venir, vu que rien n'a été annoncé, et que la TNA n'a rien enregistré de neuf, ça sent l'EC3 furieux, qui fait annuler la décision du PPV, et Dixie qui met en place un tournoi à l'échelle du roster pour déterminer le futur champion ou challenger. Ce qui permettrait à la compagnie d'utiliser des douzaines de matches aléatoires enregistrés avant les derniers tapings, et qui sont toujours inutilisés)

(le seul problème étant que deux mois et demi de matches préenregistrés dans l'IZ, sans la moindre intrigue... je ne vais même pas tenter le coup)

(Ah, et la grande annonce de Dixie prévue pour ce Lundi, au sujet de l'Inde.... est une conférence de presse en Inde de Dixie, Ec3, Shera et Rebel (!?) pour faire une grande annonce sur place. On a donc eu une annonce sur le web, teasant une annonce durant Impact, teasant une annonce ce Lundi, qui tease une annonce dans quelques semaines... OUAT ZEUH FEUK )

Sitcom en 9 x 25 minutes environ diffusée sur Apple Tv + et chapeautée par Rob McElhenney, Megan Ganz et Charlie Day (l'équipe derrière - et devant - It's Always Sunny in Philadelphia), Mythic Quest se veut une comédie de bureau prenant place dans un studio de développement de jeu vidéo lançant son dernier projet...

Mythic Quest - Le festin du corbeau, saison 1 (Mythic Quest : Raven's Banquet, season 1 - 2020) :

Alors que son studio est sur le point de lancer Reaven's Banquet, une extension capitale du MMO Mythic Quest, Ian Grimm (Rob McElhenney), directeur créatif excentrique et égocentrique, mène la vie dure à ses collègues : David (David Hornsby), producteur exécutif, Poppy (Charlotte Nicdao), programmatrice en chef, Brad (Danny Pudi), responsable de la monétisation, C.W. Longbottom (F. Murray Abraham), auteur de fantasy réputé responsable du scénario, Jo (Jessie Ennis), l'assistante sociopathe de David, et les testeuses, Dana et Rachel (Ashly Burch, Imani Hakim)...

Je n'avais pas été particulièrement convaincu par les premières images de la série qui avaient été présentées dans le cadre de l'E3 (il me semble), et qui laissaient présager d'un projet assez basique, une workplace comedy générique prenant place dans le monde des jeux vidéo, produite en collaboration avec Ubisoft, et avec un rendu visuel plus ou moins inégal.

Et dans les faits c'est plus ou moins le cas : comme souvent dès que Hollywood s'attaque au monde des jeux vidéo, le produit présenté à l'écran (ici, comme le MMO le plus populaire de sa génération - alors qu'honnêtement, ces temps-ci, les MMO de type World of Warcraft ont plus ou moins été remplacés dans le cœur des streamers par les Fortnite et autres shooters de type battle royale), la représentation du jeu en elle-même est assez peu convaincante et très générique. Elle n'est pas aidée, honnêtement, par l'utilisation régulière de cut-scenes des jeux Ubisoft (Assassin's Creed, For Honor, etc) en guise d'illustration, cinématiques tellement facilement identifiables (et tellement plus abouties que le rendu du jeu ou que les animations des live-streams) qu'on en vient à regretter leur inclusion.

Après, une fois cet aspect de la série mis de côté, le programme en lui-même est plutôt divertissant. Ça reste une comédie de bureau assez classique, avec ses archétypes (l'égocentrique, la sociopathe, le névrosé, la personne qui n'est pas reconnue à sa juste valeur, l'excentrique, la romance impossible, le businessman, etc), ses clichés (la romance impossible, justement, qui ici cumule en plus un gros quota de diversité bien voyant, puisque c'est une romance inavouée entre deux filles, dont une afro-américaine), ses épisodes consacrés aux thématiques en vogue dans le monde des jeux vidéo (on ne pourra pas leur reprocher de ne pas avoir fait leur travail sur le sujet, puisqu'on a le droit aux thèmes du crunch, de la syndicalisation des studios, des micro-transactions, de la misogynie des gamers, du pouvoir des streamers, la présence de l'alt-right, le doxxing, etc)...

Le tout s'avère assez sympathique à suivre, malgré quelques errances çà et là : tout ce qui a trait à Pootie Shoe, une parodie de PewDiePie, ne fonctionne pas totalement (en dépit du fait que ce soit intrinsèquement lié à l'intrigue saisonnière de l'Homme masqué, et au personnage de Grimm) ; certaines thématiques virent parfois à la leçon de morale l'espace d'une scène ou deux ; la romance et les personnages des deux testeuses ne sont pas très intéressants ; Longbottom est sous-exploité et sous-développé...

Paradoxalement, cependant, un épisode se démarque totalement du reste de la saison, tant il se trouve un bon niveau au dessus du reste : l'épisode 5, réalisé par McElhenney et écrit par sa sœur. Un épisode totalement indépendant du reste de la série, un stand-alone consacré à Jake Johnson et Cristin Milioti, deux développeurs de jeu qui se rencontrent dans les années 90, tombent amoureux, et lancent ainsi une franchise à succès.

Une histoire douce-amère à la conclusion malheureuse, une variation sur le thème de "l'argent ne fait pas le bonheur" et sur l'opposition entre art et commerce, qui parlera beaucoup aux amateurs du genre, et qui est principalement là pour apporter une motivation aux personnages habituels de la série, une résonance thématique qui ressurgit dans l'ultime épisode de la saison... Cela reste cependant un changement de ton particulièrement bienvenu, une pause agréable et plus sérieuse, très bien interprétée et dirigée.

En résumé, Mythic Quest s'avère une sitcom agréable à suivre, mais qui ne révolutionnera rien : un peu trop classique dans sa forme, dans son écriture et dans son propos, elle a cependant le mérite de présenter des personnages attachants (notamment Poppy, la protagoniste), et un univers sans les clichés habituels dont "les jeux vidéo" sont habituellement affublés dans la fiction.

La série conserve heureusement un certain potentiel : si le programme prend un peu plus de risques en saison 2 (comme avec cet épisode 5), le tout pourrait s'avérer des plus intéressants.

Sinon... *haussement d'épaules*

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Comme le prouvent les deux bilans publiés jusqu'à présent dans ces pages, Final Space n'a pas su totalement me convaincre, jusqu'à présent : produite par Conan O'Brien et chapeautée par Olan Rogers, la série est trop souvent tiraillée entre les désidératas de la chaîne Adult Swim (qui ont largement influencé la saison 2 du programme pour la rendre plus "commerciale"), un trop plein de personnages, les impulsions youtubesques et immatures de Rogers (qui est un pur produit du web), et des variations de ton assez prononcées, marque de fabrique de la série...

Mais comme je l'ai déjà précisé dans ces mêmes bilans, malgré ses errances, Final Space possède un petit quelque chose qui fait qu'on y revient : visuellement très réussie, la série conserve un fond émotionnel intrigant, qui sous-tend systématiquement les enjeux de taille du programme.

Place donc aux 13 épisodes de la saison 3 du programme, à la diffusion fraîchement terminée aux États-Unis, en espérant quelque chose de plus libéré des impératifs d'Adult Swim...

Final Space, saison 3 (2021) :

Pris au piège dans le Final Space, Gary, Bolo et leur équipe tentent de survivre, traqués par les forces maléfiques d'Invictus. Leur seul espoir : s'allier avec un mystérieux survivant humain, emprisonné comme eux dans l'espace fini...

Et pour le coup, difficile de faire plus différent que les épisodes écrits sous mandat des exécutifs, avec leurs sous-intrigues débiles à l'humour absurde et puéril : ici, pour sa saison 3, Olan Rogers semble avoir le champ libre, et il vire totalement de bord, pour retrouver ce ton si particulier du programme, très premier degré et mélodramatique.

Au point peut-être de surcompenser et d'abuser un peu trop de la formule : à partir de la mi-saison, le récit n'est plus qu'un tout ponctué, à chaque fin d'épisode ou presque, d'un moment tragique et larmoyant, où tel ou tel personnage trouve un sort dramatique après un peu d'introspection.

Les ficelles se voient un peu trop, et la série, par moments, finit par ressemble à une suite d'action spatiale épique, de mélodrame très appuyé, et de scènes supposément plus légères avec Tribore et son fils, Quatro (qui ne fonctionnent toujours pas sur moi, désolé).

Après, il faut bien avouer, que l'action et l'épique, la série sait faire : c'est toujours très réussi visuellement, on a droit à un générique d'ouverture assez spectaculaire, l'essaim de Gary-zombies commandée par Invictus évoque la vague d'Annihilation de Marvel (entre autres), et les concepts utilisés sont, globalement, assez ambitieux (portail interdimensionnel, transformation en titan, combats de déités, terres multiples, etc).

Mais parfois, Olan Rogers a les yeux plus gros que le ventre, et cela se ressent directement dans l'écriture du programme : trop de personnages secondaires finissent par éclipser un peu Gary, qui n'existe plus vraiment que dans sa relation avec Quinn ; les révélations sur Avocato et son fils semblent parfois n'être que survolées ; Ash (qui reste une sous-Raven) bascule vers le côté obscur (et devient le bras droit d'Invictus) de manière trop abrupte et jamais vraiment convaincante ; l'inventeur des KVN est largement sous-exploité, alors que son stagiaire (encore un chat !) est trop envahissant ; les Titans sont passés au troisième plan, et très souvent oubliés ; la maladie qui touche tout le monde n'a pas vraiment de conséquences...

Peut-être conscient que ses personnages deviennent trop nombreux, Rogers commence à en éliminer ici et là, comme autant de jouets qui ne l'intéressent plus : Fox devient l'élément moteur de la transformation d'Ash, Bolo tombe sans vraiment impressionner, Clarence revient brièvement pour passer l'arme à gauche en même temps que la moitié des antagonistes tirés des deux premières saisons...

Le tout, à chaque fois, dans des scènes souvent larmoyantes et solennelles, mais finalement assez peu efficaces. Parce qu'encore une fois, Rogers téléphone un peu ses effets : il multiplie les faux happy ends qui se terminent en tragédie, il force l'émotion et le drame, il revient sur Tribore et compagnie pour mettre en place des deus ex, et surtout, quelque part, à force d'enchaîner les moments touchy feely, on finit par se demander si le showrunner ne profiterait pas de la série pour faire une sorte de thérapie - la relation de Gary avec ses parents (de manière globale, les thèmes de paternité/maternité sont récurrents), avec Mooncake (Olan a perdu son chat en 2019 et lui était très attaché), son anxiété, ses crises existentielles, etc...

Bref. La saison 3, dans son ensemble, devrait plaire aux fans de la série, et convaincre un peu plus que la précédente : plus homogène dans son ton et dans son énergie, elle est plus sombre, plus dramatique, plus sincère et plus spectaculaire, tout en apportant un peu de toutéliage agréable avec la saison 1, notamment.

Cela n'est pas sans débordements grandiloquents, certes, comme je l'ai mentionné, et il reste toujours des défauts récurrents découlant d'un dosage approximatif des éléments de la série, et de choix créatifs auxquels l'on adhère ou pas (j'aime bien le psychogun de Gary, très Cobra - même si l'inspiration est probablement plutôt à chercher du côté de Megaman ; je n'aime toujours vraiment pas Tribore, ou encore le doublage d'Invictus) et de personnages sous-développés... mais ça passe relativement bien, et il serait dommage que le programme se conclue avec cette saison 3 et son cliffhanger assez menaçant...

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De la pointe de sa plume virtuelle, Sygbab signe un bilan de la saison 2 du héros vainqueur à chaque fois.

Zorro, saison 2 :

Cette saison ressemble beaucoup plus à une production Disney dans la mesure où il est plus fréquent de voir les personnages pousser la chansonnette, ce qui n'est pas forcément du meilleur effet. Même si cela n'est totalement incongru puisqu'il arrivait que le sergent Garcia nous gratifie de quelques intermèdes musicaux, c'était relativement rare et utilisé à bon escient. Dans le cas présent, c'est fait en dépit du bon sens, tant et si bien que cela donne l'impression que c'était dans le cahier des charges alors que ça ne colle pas réellement à l'esprit de la série.

Outre cet aspect lassant à la longue, le niveau qualitatif n'est plus le même. Alors que la première saison offrait une double lecture intéressante, les ambitions sont revues à la baisse - comme si ce qui était proposé jusqu'alors était beaucoup intelligent- et Zorro devient vraiment une série pour enfants, avec un propos dont la portée est bien moins sérieuse et dont le héros ne doit que peu souvent porter le destin de la Californie sur ses épaules. Cela se ressent en terme de structure, puisque les arcs scénaristiques deviennent plus courts et qu'il y a désormais des épisodes indépendants.

Pourtant, des efforts sont faits en début de saison pour changer un peu de décor, puisque Diego et Bernardo restent un moment à Monterey, amenant dans leurs bagages l'impayable duo Garcia /Reyes qui est toujours aussi hilarant. Malheureusement, l'intrigue concernant le groupe de bandits qui vole l'argent que les Dons envoient à Don Verdugo - qui veut que la Californie soit mieux fournie en vivres car l'Espagne est en guerre et ne peut gouverner correctement cette terre lointaine - manque de rythme. De plus, le nouvel ennemi de Zorro peine à exister : Pablo est loin d'avoir le charisme de Monastario.

L'intérêt est donc moindre, étant donné que Zorro lutte contre des adversaires qui ne sont pas du tout à sa taille. De là découle un autre défaut assez gênant qui participe aussi à ce côté un peu plus lisse pour contenter les enfants : Diego n'est quasiment jamais mis en difficulté au niveau de sa double identité, si ce n'est à une reprise lorsque l'émissaire du roi découvre les passages secrets de la hacienda... Pour se faire tuer dans la minute qui suit, ce qui est bien commode.

Il faut tout de même reconnaître une tentative de revenir aux sources dans le dernier arc puisqu'on y voit le gouverneur s'installer à la hacienda et nommer le Capitaine Avila, son second, pour assumer ses fonctions le temps qu'il se remette d'une blessure. Il est alors question de l'avenir de la Californie, assez flou du fait que l'Espagne soit en guerre, et d'une faction de Dons appelée Rebatos qui milite pour que la région devienne indépendante. L'intention est là mais l'exécution est plus discutable, notamment à cause de la caractérisation d'Avila : son ambition démesurée, sa fierté mal placée et son manque total de subtilité en font un personnage assez lisse. Diego n'a aucun mal à contrecarrer ses plans, d'autant que le fait que la hacienda soit investie lui facilite à nouveau les choses. Un peu d'originalité aurait été bienvenue...

Il y a tout de même de bonnes choses, notamment concernant l'évolution de la relation entre Diego et son père Don Alejandro. En effet, alors qu'ils sont à Monterey et que le gouverneur propose une amnistie à Zorro s'il dévoile son identité et que Diego est sur le point de le faire pour gagner le coeur de la belle Anna Maria Verdugo, Don Alejandro l'en empêche et apprend à son fils qu'il a découvert son secret depuis bien longtemps maintenant. Un allié supplémentaire qui n'est pas superflu pour Diego, qui doit mettre en avant le symbole qu'est devenu Zorro dans la lutte contre l'oppression et les diverses injustices, au détriment de sa vie personnelle. Dommage que cet élément - indissociable du statut de (super ?) héros d'ailleurs - ne soit pas mieux exploité que cela. Mais Diego a enfin la reconnaissance d'un père fier que son fils se dresse en tant que défenseur du peuple.

Cet épisode sert également de conclusion à un arc qui ne manque pas de situations savoureuses grâce à l'introduction de Ricardo del Amo, un vieil ami de Diego dont l'activité préférée est de concocter toutes sortes de blagues pas forcément du meilleur goût. Sa rivalité avec Diego pour gagner les faveurs d'Anna Maria est très sympathique, ainsi que celle qui l'oppose à Zorro dont il a juré la perte. Et avec l'inventivité et l'imagination dont il est doté, il met en place des plans qui gênent Diego, qui réussit tout de même à s'en sortir en retournant contre Ricardo ses mauvaises blagues.

En acceptant dès le départ le fait que la série soit moins ambitieuse et sans être trop exigeant sur les quelques défauts cités auparavant, la saison reste agréable à regarder. Mais en ayant d'autres attentes, c'est un peu juste.

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Après une saison 1 agréable, marquée par un épisode unitaire clairement un bon niveau au-dessus du reste, et deux épisodes pandémiques assez réussis, la série d'Apple TV+ revient pour 9 épisodes de 25 minutes, diffusés en mai et juin derniers...

Mythic Quest, saison 2 (2021) :

Lorsque Ian (Rob McElhenney) décide de prendre un congé sabbatique, il laisse à Poppy (Charlotte Nicdao) la charge de développer la nouvelle extension de Mythic Quest... ce qui va rapidement mener à des complications et à des divisions au sein du studio.

Et je ne sais pas si c'est moi, mais la série m'a semblé différente, cette année. Après une saison 1 axée sur la sortie d'une grosse expansion au jeu, et sur la montée en puissance de Poppy, passée de simple programmeuse à co-directrice créative du jeu, voilà qu'on se retrouve avec une saison 2... centrée sur la sortie d'une grosse expansion au jeu, et sur une Poppy au pouvoir, quasi-flanderisée.

C'est peut-être ma mémoire qui me joue des tours (et je ne dis pas que Poppy était un ange en saison 1), mais j'ai eu un peu de mal à reconnaître le personnage workhaholique et manquant d'assurance de la première année et des épisodes spéciaux, la quasi-straight woman au sein d'un studio de fous, qui ici semble avoir été mis au diapason du reste du cast : en tant que boss, elle est ultra-autoritaire, capricieuse, bitchy, excentrique, méprisante, et, comme souvent, la transition est tellement brutale qu'on se demande si c'est un souci d'écriture.

Certes, c'est partiellement voulu, afin d'illustrer l'adage "le pouvoir corrompt", mais aussi de souligner le fait que toutes les insécurités de Poppy prennent le dessus sur elle lorsqu'elle est en position de grand stress... mais la transition reste très brusque, et fait immédiatement basculer le personnage dans le camp des antipathiques.

L'écriture, d'ailleurs, fait des choix intrigants, qui ne paient pas toujours : Ian (et donc Rob McElhenney, acteur, showrunner, scénariste) est mis en retrait, tant dans ses caprices que dans ses folies, et se retrouve à remettre à leur place Poppy et Rachel en leur disant leurs quatre vérités (on est parfois à deux doigts du mansplaining de Gen X-er, notamment lorsqu'il explique la vie à Rachel la SJW clichée) ; la relation de Rachel (Ashly Burch) et de Dana (Imani Hakim) passe au premier plan, tentant de jouer la carte du shipping LGBTQ+ mais (comme le soulignent les autres personnages) tout le monde s'en contrefiche... y compris le spectateur ; et Brad (Danny Pudi) prend (inévitablement) plus de place, associé à Jo (Jessie Ennis) dans une relation mentor/protégée qui dégénère rapidement en rivalité sans pitié.

De quoi développer certains des personnages secondaires, ce qui est l'objectif de toute saison 2. Mais tout est une question de dosage : l'opposition artistique et la séparation créative de Ian et Poppy, traitée sur le mode du divorce amical, n'est pas un fil conducteur forcément assez fort pour tenir toute la saison, d'autant qu'il se déroule de manière très prévisible.

Un sentiment encore plus renforcé par l'épisode "spécial" de la saison, l'équivalent de l'excellent A Dark Quiet Death de la saison 1 : ici consacré à CW Longbottom, le scénariste du jeu Mythic Quest habituellement interprété par F. Murray Abraham, l'épisode décrit une rivalité créative entre trois jeunes auteurs (Josh Brener, Shelley Hennig, Michael Cassidy), dans les années 70, rivalité finissant par mener à leur séparation, et à une réconciliation, cinquante ans plus tard, dans l'épisode suivant.

Pas désagréable, en soi, mais assez convenu et redondant, et n'ayant pas l'efficacité de l'épisode "spécial" de la saison 1, ce Backstory a le mérite d'éclairer un peu le parcours de CW (d'une manière finalement très Lostienne), et de donner de quoi s'amuser à William Hurt et à F. Murray Abraham, dans l'épisode suivant.

Mais ça téléphone aussi largement la conclusion de l'arc Ian/Poppy, déjà très prévisible, et qui suit alors son petit bonhomme de chemin (en passant par la case "Ian est à l'hôpital, tout le monde s'inquiète", assez facile).

Un peu faible créativement, la série reste cependant agréable à regarder, est assez ludique. On pourra reprocher, comme toujours, les inserts de jeux Ubi Soft et autres (Horizon Zero Dawn) pour illustrer le jeu Mythic Quest, ou encore un David globalement inexistant...

Et puis il y a cette fin de saison, qui voit Poppy et Ian quitter le studio de Mythic Quest pour aller créer un autre jeu ailleurs. Une fin qui sonne très fin de série, qui arrive un peu comme un cheveu sur la soupe, et qui manque d'un véritable crescendo probant.

Après... ça reste Mythic Quest, c'est (comme je le disais plus haut) toujours agréable à suivre, et de toute façon je suis clairement minoritaire à penser que cette saison 2 manquait de cohésion et de véritable direction : la majorité des critiques et des fans (qui viennent souvent du public d'It's Always Sunny... dont je ne faisais pas partie) ont apprécié cette nouvelle fournée d'épisodes, et sont nettement plus attachés aux personnages que je ne le suis actuellement.

Néanmoins, certains des choix créatifs de cette saison ne m'ont pas vraiment convaincu, et j'en ressors donc globalement mitigé.

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Dune - Première partie (2021) :

Héritier de la Maison Atreides, Paul (Timothée Chalamet) accompagne sa famille sur la planète Arrakis, qui a été offerte à la Maison par l'Empereur galactique. Mais sur place, les Atreides ne trouvent que soleil, sable et hostilité des autochtones, échaudés par le joug cruel des Harkonnen, précédemment en charge des lieux et de l'extraction minière de l'Épice. Lorsque les Atreides sont trahis et exterminés par les Harkonnen, Paul et sa mère (Rebecca Ferguson) s'enfuient, trouvant refuge auprès des Fremen, peuple des dunes dont Paul pourrait bien être le Messie...

Après l'échec de l'adaptation made in Jodorowsky, et l'adaptation controversée mais marquante de David Lynch (et sans mentionner les mini-séries un peu fauchées de SyFy, à la musique mémorable signée Brian Tyler), voici la dernière version en date de Dune, de Frank Herbert, une version à gros budget et en deux parties (seule la première a été tournée jusqu'à présent) confiée à Denis Villeneuve, à la réalisation et l'écriture (où il est accompagné d'Eric Roth, spécialiste des dramas oscarisables, et de Jon Spaihts, au CV plus inégal : Doctor Strange, Passengers, La Momie).

Sur le papier, Villeneuve est un choix logique : réalisateur éprouvé et récompensé ayant fait ses preuves dans le genre de la science-fiction (Blade Runner 2049, Premier Contact), il est désormais bankable et, un peu à l'instar de Christopher Nolan, il est considéré par la critique comme un faiseur de science-fiction intelligente (à l'opposé de tous ces films de science-fiction pour gamins avec des chevaliers, des pouvoirs magiques, des épées laser, etc ^^).

Le seul souci, c'est que, comme Nolan, Villeneuve est certes un très bon artiste visuel, avec un sens du cadre et des images mémorables, mais qu'il est peut-être trop intellectuel dans son approche du genre, ou du moins qu'il est à la réalisation ce qu'Alexandre Desplat est à la musique de film : très doué, techniquement souvent irréprochable, mais incapable de ne pas donner à ses œuvres un côté un peu froid et distant.

Ici, c'est à nouveau le cas, même si, porté par le récit de Herbert et par l'interprétation habitée de Rebecca Ferguson, Dune s'en sort mieux. Contrairement à l'enthousiasme débridé de beaucoup de critiques et de spectateurs, qui ont vu là un nouveau chef d'œuvre du genre, je reste cependant plus mitigé : Dune est une bonne surprise, une revisite intelligente et maîtrisée du récit de Herbert... mais plusieurs des choix artistiques effectués par Villeneuve n'ont pas vraiment fonctionné sur moi.

À commencer par le rythme du métrage. Pas de problème pendant une grosse moitié, et puis, une fois la trahison des Harkonnen arrivée, l'intérêt retombe nettement. Un problème inhérent au découpage du film et du récit : toute cette première partie du film correspond en effet au premier acte d'un film plus traditionnel (la mise en place) et à l'arrivée de l'élément perturbateur (la trahison). Le second acte, lui, se retrouve ainsi à cheval entre ce film et sa suite à venir, et c'est toute la dynamique du métrage qui en est perturbée, puisque le film s'achève en queue de poisson, de manière assez agaçante (d'autant plus que la suite était tout sauf acquise au moment du tournage).

Autre point auquel je n'ai pas vraiment accroché, la direction artistique du film. Un mélange bâtard de science-fiction futuriste, avec des vaisseaux aux formes épurées, angulaires ou ovoïdes, et de présent terrien, avec cornemuses, costumes quasi-contemporains, certains décors, pause café chez les Fremen, etc.

Une étrange dichotomie qui m'a ponctuellement sorti du film, et manque en tout cas de la folie graphique des versions préalables de Dune. Idem pour la bande originale de Hans Zimmer, comme souvent en mode sound design, qui parvient fréquemment à créer une ambiance étrange et étrangère (au sens extraterrestre du terme), mais retombe ponctuellement dans ses clichés musicaux datés (la voix féminine plaintive dans le désert, certaines orchestrations).

Et puis on sent aussi un peu trop certaines coupes effectuées au montage : rien de rédhibitoire, mais des transitions frustrantes, çà et là.

Dans l'ensemble, cependant, Dune reste un bon film de SF : c'est bien filmé, bien interprété, bien casté et plutôt bien raconté. Reste qu'en fin de compte, ce n'est qu'une moitié de film assez inégale en intérêt, dont il faudra voir la suite pour vraiment estimer si elle est réussie ou non.

4/6

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Après une première saison parodiant ouvertement les films centrés sur Wall Street, mais souffrant parfois d'un ton brouillon entre comédie décalée et drame plus sérieux, et une seconde saison imprévue qui avait tendance à trop séparer ses protagonistes principaux pendant les 3/4 de sa durée, revoilà Black Monday, pour une troisième (et dernière ?) fournée de 10 épisodes d'une petite demi-heure, toujours diffusés sur Showtime.

Black Monday, saison 3 (2021) :

Désormais à la tête d'un label de jazz indépendant, Mo (Don Cheadle) est désormais prêt à tout pour épouser Dawn (Regina Hall), dès qu'elle sortira de prison. De son côté, Blair (Andrew Rannells) végète au congrès américain, et tente de trouver un moyen de ranimer sa carrière...

Et cette troisième année part tout de suite dans une direction inattendue, avec des épisodes aux titres prenant la forme d'un compte à rebours : difficile de ne pas se demander vers quoi mène ce compte à rebours, au fil de la saison, puisque rien ne semble particulièrement évident sur ce plan.

Il faut dire que, plus que jamais, la série répartit ses personnages dans des sous-intrigues plus ou moins probantes, pour les réunir dans le dernier quart de la saison, de manière un peu précipitée.

D'un côté, on a donc un triangle amoureux composé de Mo, de Dawn, et de Nomi, la nouvelle fiancée de Mo, chanteuse de jazz qui rêve de faire de la pop : toute une saison de shipping (probablement un peu trop premier degré) entre Mo et Dawn avec une Dawn de plus en plus gueularde et antipathique, le tout entouré de satire du monde de la musique (une satire plus ou moins abandonnée en cours de route, d'ailleurs).

En parallèle, Keith, désormais aux ordres du seul frère Lehman survivant, et qui s'efforce de redresser la barre de l'entreprise Pfaff, tout en tentant de renouer avec ses amis gays ; Tiff et Corky, qui dépensent sans compter ; et, last but not least, Blair, devenu politicien, qui subit une tentative d'assassinat et devient aussitôt le porte-étendard du parti républicain (l'occasion de multiples vannes et critiques, souvent anachroniques, portant sur la droite américaine).

Cette dernière sous-intrigue sert de moteur à la saison : un à un, les proches de Blair sont assassinés, et il devient paranoïaque, tentant de découvrir qui est le coupable (ce coupable ne surprendra pas grand monde, en fin de compte, même en tenant compte de la feinte toute aussi prévisible que tente le scénario). C'est cette enquête déglinguée qui pousse le groupe à se réunir (quand bien même les personnages se supportent difficilement) et qui donne du liant au programme, le tout débouchant sur un piège mis en place lors du mariage de Mo, dans le season finale.

C'est là que le compte à rebours finit par faire sens, avec un mariage se déroulant le 31 décembre 1989, à l'occasion de l'union simulée de Mo et Dawn. Certes, la réconciliation globale de tous les protagonistes, juste à temps pour la fin de saison et la nouvelle année, est assez forcée et précipitée, et il y a quelque chose d'agaçant dans la manière dont le script laisse fréquemment tant de place au duo Casey Wilson/June Diane Raphael (BFF et partenaires d'écriture IRL, mais dont les personnages cabotins sont souvent plus saoulants qu'autre chose), mais au moins, le final conclut la série de manière plutôt satisfaisante.

Cela dit, je ressors à nouveau un peu frustré de cette saison, qui répète les erreurs et la structure de la saison 2, et continue de se chercher entre humour absurde et décalé et premier degré sentimental et sincère : le résultat reste fréquemment vacillant, souvent déséquilibré par l'influence évidente des acteurs/producteurs, et certaines idées tombent un peu à plat - ou semblent tout simplement tellement random qu'elles font tâche (par ex, l'avant-dernier épisode, brièvement en mode slasher, qui vire à la micro parodie de Maman j'ai raté l'avion, avant de repartir sur quelque chose de totalement différent).

À se demander si, pour cette dernière saison, la production n'a tout simplement pas tiré toutes les cartouches restant en sa possession (tant scénaristiques qu'au niveau de la réalisation), quitte à ce que le programme paraisse plus bordélique que nécessaire.

Au final, Black Monday reste une série sympatoche à suivre (tout le monde s'amuse, y met de l'énergie et de la bonne humeur, c'est assez inventif), mais qui s'est tellement éloignée de son postulat de départ qu'elle semble constamment évoluer à vue de nez, sans réel plan d'ensemble, au gré des humeurs et des idées de ses scénaristes et de ses acteurs. Dommage.

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Dernière série du MCU en date, diffusée depuis août dernier sur Disney +, She-Hulk : Attorney at Law se veut un nouveau changement de direction pour la branche télévisée de l'univers Marvel : après la sympatoche Miss Marvel et le mignon Groot animé, place à Jennifer Walters, avocate mal dans sa peau, dans une comédie judiciaire façon Ally McBeal, avec destruction du quatrième mur en prime...

She-Hulk - Avocate, saison 1 (She-Hulk : Attorney at Law - 2022) :

Contaminée par le sang de son cousin Bruce Banner (Mark Ruffalo) lors d'un accident de voiture, Jennifer Walters (Tatiana Maslany) découvre qu'elle est elle aussi dotée de pouvoirs surhumains et capable de se transformer à volonté en She-Hulk. Elle n'a cependant qu'une envie : poursuivre sa carrière d'avocate en toute tranquillité, et se faire discrète, ce qui est plutôt compliqué lorsque l'on est verte, soudainement célèbre et que l'on fait plus de deux mètres...

Et malheureusement, je dois bien l'avouer : j'ai beau avoir passé un assez agréable moment devant She-Hulk, série en 9 épisodes d'une trentaine de minutes showrunnée par une ancienne de Rick et Morty, reste que le programme est trop brouillon et sous-développé pour arriver à la cheville de son modèle.

Il faut dire qu'en matière de série judiciaire décalée, David E. Kelley avait placé la barre assez haut au fil de sa carrière, parvenant à combiner affaires judiciaires solides, folie excentrique de ses personnages, et rythme maîtrisé.

Ici, avec She-Hulk, aucun de ces facteurs n'est très abouti - le format court oblige en effet les scénaristes à jongler entre la vie privée de Jennifer, le monde superhéroïque, sa carrière judiciaire, etc, et l'équilibre est souvent trop fragile pour convaincre : à peine aborde-t'on le monde des superhéros que les limites du budget et des effets spéciaux très inégaux (les expressions de She-Hulk fonctionnent bien, mais dès qu'elle est en mouvement, c'est nettement moins le cas, et ne parlons pas de la texture et du réalisme de ses vêtements) se rappellent au spectateur et obligent la production à revenir à quelque chose de moins onéreux ; à peine entre-t-on au tribunal que la série vire de bord pour s'intéresser à autre chose ; à peine développe-t-on un peu les personnages secondaires (Pug et Nikki, par exemple) qu'il faut revenir à Jen et à ce qui la concerne, ou à un guest ou un autre (certains fonctionnent, d'autre moins)...

Le résultat, c'est une série légère, amusante et qui se joue des passages obligés des productions Marvel, mais qui paraît aussi fréquemment assez superficielle et anecdotique, trop occupée à approfondir la quête d'identité de Jennifer pour s'intéresser suffisamment longtemps à autre chose.

Après, encore une fois, ce n'est pas désagréable pour autant, après un pilote en mode origin story un peu précipité : le programme réinvente Emil Blonsky (Tim Roth), propose une relecture du Wrecking Crew assez incapable, une elfe métamorphe de la Nouvelle Asgard (un peu trop sous-exploitée), ramène Wong sur le devant de la scène (en lui donnant au passage une BFF assez amusante), sous-utilise totalement Titania (Jameela Jamil), introduit Luke (Griffin Matthews), le tailleur des superhéros, redynamise agréablement Daredevil (Charlie Cox, ici nettement plus décontracté et souriant que du côté de Netflix), et se paie le luxe d'une conclusion ultra-méta, durant laquelle, après un générique parodique façon années 70 (avec bodybuildeur peint en vert et portant une perruque dans le rôle de She-Hulk) et une évasion de la prison Disney +, Shulk rencontre ses scénaristes et KEVIN (référence directe à Kevin Feige, le big boss créatif du MCU), une intelligence artificielle, à laquelle elle se plaint de tous les clichés inhérents au dernier acte des productions Marvel. Ah, et puis il y a Skaar, aussi...

Il y a donc de quoi faire, et de quoi passer un moment sympathique... même si encore une fois, fréquemment, tout cela paraît précipité et un peu trop sous-développé, avec un tissu conjonctif et des transitions logiques taillées au montage pour que le tout rentre dans les cases du format court et comique de la série.

Une expérience relativement mitigée, donc, qui s'améliore sur la fin de la saison, à mesure que le programme trouve ses marques et prend ses aises. Mais si saison 2 il y a, reste à espérer que la série aura la possibilité de changer un peu son format, quitte à prendre son temps et à aller jusqu'à 40-45 minutes lorsque la situation l'exige, que les effets spéciaux seront plus homogènes (ce devrait être le cas, maintenant que le modèle numérique de She-Hulk est finalisé et un peu rodé), et que le "superflu" qui manque ici sera un peu plus présent.

(bilan Marvel/DC mis à jour !)

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  Avec son début de saison, Discovery tente des choses, notamment en s'éloignant un peu de Burnham, habituellement toujours au centre du monde. Malgré cela, après ses deux premiers épisodes de remise en place, et deux épisodes suivants globalement consacrés à Adira, la nouvelle venue à bord, le show souffre un peu des erreurs d'écriture de son passé, et peine à insuffler de l'énergie dans son déroulement...

Star Trek Discovery 3x05-06 (2020) :

- 3x05 - Die Trying : Le Discovery arrive en orbite du QG de Starfleet, où rapidement, l'Amiral Vance (Oded Fehr), le commandant de la base, commence à réassigner le personnel du vaisseau à de nouveaux postes. Mais lorsque l'équipage réalise que des réfugiés, à bord de la base, sont malades, la situation change de manière inattendue...

Là, c'est un peu différent des épisodes précédents : oui, Burnham est encore une fois à baffer, forte tête incapable de respecter ses supérieurs, toujours à deux doigts de passer en conseil de discipline, ayant réponse à tout, tout le temps (décidément, entre Burnham et Mariner, on peut se demander ce que la team actuelle de Kurtzman trouve si fascinant dans l'archétype de ces jeunes Afro-américaines rebelles et surdouées autour desquelles les deux séries gravitent) ; oui, il y a un peu de fanservice, avec l'apparition du Voyager J et d'un USS Nog ; oui, Saru prend un peu la grosse tête en finissant l'épisode avec une métaphore comparant le Discovery au déclencheur de la Renaissance ; oui, Adira disparaît totalement de l'épisode après ses premières scènes ; et oui, la sidequest sur le vaisseau-silo fleure un peu le prétexte, mais bon - dans l'ensemble, ce n'était pas désagréable à suivre et c'était relativement bien rythmé.

Après, il y a le cas Nhan. Quand je l'ai vue apparaître dans le Previously, je me suis dit "tiens, c'est bizarre". Quand j'ai remarqué qu'une partie de l'épisode était centrée sur elle et sur les siens, je me suis dit "tiens, ils ont décidé de se débarrasser du personnage, et de le tuer en fin d'épisode". Et puis finalement, c'est tout comme...

Depuis son arrivée à bord jusqu'à cet épisode, Nhan aura fait, peu ou prou, de la figuration, et les scénaristes ont décidé de l'évacuer, non sans lui avoir gracieusement offert un tout petit peu de développement de dernière minute. Assez décevant, mais finalement tellement typique de l'écriture approximative de Discovery.

Un peu comme Georgiou qui bugge après s'être entretenue avec David Cronenberg (des scènes amusantes, en soi) dans le rôle d'un psy étrange (ou d'un agent de l'équivalent de la Section 31 ?) ou comme cette histoire de mélodie étrange et récurrente : clairement le fil conducteur de la saison, mais si tout ça débouche sur un "on n'est pas dans le futur, mais dans la Matrice un holodeck géant géré par Control" ou que sais-je encore, ça ne va pas le faire du tout...

- 3x06 - Scavengers : Alors que le Discovery est remis au goût du jour, Burnham désobéit aux ordres et part avec Georgiou pour une planète-ferraillerie, où Book est retenu prisonnier...

Techniquement, un épisode pas désagréable à regarder, plutôt bien rythmé (malgré quelques transitions et une structure globale un peu approximatives) et suffisamment contenu pour être satisfaisant. Mais il reste toujours des scories assez flagrantes dans tout ça, qui font que j'ai vraiment du mal à totalement accrocher à l'ensemble.

Les scénettes de Linus qui se téléporte partout par erreur ? Amusantes. Tilly avec le chat ? Idem. Le rapprochement de Stamets et Adira ? Pertinent. Les scènes d'action ? Efficaces.

Malheureusement, tout ce qui tourne autour de Burnham reste particulièrement frustrant et agaçant, depuis son caractère de rebelle qui désobéit aux ordres directs, son hyper-émotivité qui la met au bord des larmes dès qu'elle ouvre la bouche, sa relation amicale avec Space-Hitler Georgiou (que les scénaristes adorent vraiment au point de l'humaniser encore et encore, passant joyeusement l'éponge sur son passé génocidaire), son arrogance la persuadant d'être la seule capable de résoudre le mystère du Burn, sa relation sentimentale avec Book (nan, mais le baiser au ralenti avec caméra tournoyante, au secours)... et je ne parle même pas de cette fin d'épisode, qui voit Burnham se faire passer un savon par l'Amiral, et être rétrogradée par Saru.

Au premier abord, enfin une réaction cohérente de la part de sa hiérarchie, encore un conseil de discipline... mais non, elle a tout de même le dernier mot face à un Amiral, gêné, elle ne peut s'empêcher de placer aussi un dernier mot face à Saru (en lui donnant son approbation pour sa décision...), et de retour à son poste de scientifique en chef du vaisseau, libérée des responsabilités du statut de premier officier, elle va avoir tout le temps du monde pour étudier le Burn et continuer son enquête : même lorsqu'elle est punie, les scénaristes se débrouillent pour que ça tourne à son avantage... *soupir*

Bon, et puis il y a bien quelques problèmes d'ordre technique qui me gênent toujours dans la série, comme ce refit immonde du Discovery "avec nacelles amovibles", les quelques grosses ficelles télégraphiées (l'Andorien qui se sacrifie in extremis) ou ces maquillages toujours caoutchouteux (l'Orion et l'Andorien, dont les cous en latex font des plis disgracieux à chaque mouvement). Des soucis récurrents chez Discovery, mais bon, ce n'est plus maintenant qu'ils vont y remédier...

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Retrouvez aussi toutes les critiques de la saga Star Trek publiées sur ce blog en cliquant ici ou en passant par notre Index Séries alphabétique...

"Cher Alan Ball,

J'aimerais beaucoup pouvoir dire que j'aime votre série True Blood. Vraiment.

Mais malgré mes efforts les plus sincères, je me trouve vraiment désemparé par votre programme... que la saison soit particulièrement placée sous le signe de la gayitude accrue (rêves de Merlotte, vampires efféminés, scènes de sexe entre Eric et un autre vampire, ou bien entre Lafayette et son nouveau mec), passe encore : c'est le genre (et le public de base) de la bit-lit qui veut ça, donc ce n'est pas une grande surprise ; que le scénario se perde dans les magouilles politiques vampiriques, et autres conflits générationnels entre Maîtres et Progéniture, là aussi, c'est assez classique, à défaut d'être intéressant.

Là où j'ai plus de difficultés, c'est que je m'aperçois progressivement que vos personnages (au mieux) m'indiffèrent au plus haut point. Bill/Eric/Sookie ? J'ai envie de leur coller des baffes les 3/4 du temps, avec leur triangle amoureux en carton-pâte, et le caractère lunaire de Miss Sookie. Les loups-garous introduits cette saison ? Qu'ils soient "gentils" ou "méchants", ils ne sont là que pour faire de la figuration, et ont l'épaisseur d'une feuille de papier à cigarette. Le Roi Vampire et sa petite cour ? Amusants, mais tellement caricaturaux que pour la plupart, ils n'existent jamais comme de véritables personnages, et ne sont que des gimmicks creux. Tara ? Lafayette ? Merlotte ? Jason ? Encore plus agaçants maintenant qu'ils sont traités au premier degré, et dans des intrigues qui se veulent régulièrement sérieuses. Tous les autres personnages secondaires (la serveuse rousse, la redneck werepanther, etc) ? Des digressions sans grand intérêt.

Car c'est peut-être ça le problème que votre saison 3 de True Blood me pose, cher Alan : c'est beaucoup trop premier degré, tout ça.

Et un show comme True Blood, constamment à deux doigts de sombrer dans le ridicule qui tue (le "paradis" des fées, ou encore Bill vs la Reine dans un combat câblé, j'en ris encore), a besoin de cette distance constante pour l'empêcher de s'écrouler.

Une distance que je n'ai pas retrouvé cette année... hormis lorsque vous avez pris la plume, pour injecter à vos épisodes une petite touche de folie et de rythme nécessaire.

Parce que, malheureusement, le reste du temps, c'était un peu l'encéphalogramme plat... une saison 3 qui est partie dans plein de directions, donc, s'est éparpillée très rapidement, et a fini par n'être satisfaisante que sur un seul plan (comme l'année dernière) : celui de Jessica et Hoyt, dont la relation attachante, crédible et développée offre un contraste stupéfiant avec les conneries environnantes.

Seulement voilà : après deux années à sauver les meubles, il va bien arriver un moment où le couple ne suffira plus à me faire continuer votre série, Alan. Une rupture supplémentaire, une rebondissement de trop, et je jetterai probablement l'éponge. Ou alors, je serai si profondément endormi devant le programme que je n'en aurai même pas la force...

Cordialement, et en espérant que vous écriviez plus d'épisodes décomplexés à l'avenir,

Lurdo."

Au terme d'un rattrapage de la saison 1, que dire ? Que la série a changé, depuis ses débuts. Un changement progressif, à mesure que les scénaristes comme les acteurs trouvaient leurs marques... et un changement qui, progressivement, a amené la série à ressembler de plus en plus à un How I Met your Mother hipster (ou, comme Vulture, l'un des sites références hipsters, le dit "un Friends2k", ce qu'était déja, à la base, HIMYM : tout se recoupe), tourné en caméra libre.

Le parallèle le plus évident étant dans le personnage de Schmidt, qui phagocyte rapidement la série, s'imposant immédiatement comme le Barney de cette New Girl. Un Barney qui prend de plus en plus de place, à mesure que le personnage devient populaire, et que les scénaristes capitalisent sur lui : on le met donc en couple avec Cece, la meilleure copine de Jess, une relation purement sexuelle qu'ils tentent tout d'abord de cacher aux autres, avant de leur avouer avec pertes et fracas. Autrement dit, on retrouve totalement le traitement du couple Barney/Robin de HIMYM, jusqu'aux réactions de dégoût du reste de la bande en apprenant l'existence de ce couple.

Les autres personnages, maintenant. Malgré le fait qu'elle ne soit pas en couple pendant les 3/4 de la saison, Zooey/Jesse fait un bon homologue à Lily d'HIMYM : égocentrique, neurotique, instable, fouineuse, son personnage oscille constamment entre le sympathique-mais-fatiguant et l'horripilant ; et quand elle se trouve un mec, ça ne s'arrange pas.

Dans le rôle du Ted Mosby de service, on a Nick. Le mec romantique, parfait pour entretenir la composante shipping de la série, mais aussi bourré de défauts et de névroses. Pas un personnage très intéressant en soi, et pas très attachant, dans un cas comme dans l'autre.

Reste alors à trouver un équivalent à Marshall. Un Marshall débarrassé de son épouse, donc, puisque l'archétype "Lily" est déjà pris, et qui se trouverait ainsi réduit à ses intrigues de travail peu passionnantes : ah, et bien Token Black remplit parfaitement ce rôle ! Il est inexistant dans la moitié des épisodes, à quelques intrigues professionnelles assez ternes, et n'est là que pour faire quelques vannes avec les autres mecs, de temps en temps.

Voilà, la carte de bingo est remplie (la comparaison peut sembler capillotractée, certes, mais c'est vraiment ainsi que je l'ai ressenti à mesure que je regardais les épisodes).

En bref : Est-ce que les acteurs ont une bonne alchimie, et une énergie certaine, qui font passer bien des gags (même les plus absurdes), et s'avèrent à la longue plutôt attachantes ? Oui, clairement. Est-ce que ça suffit à transcender l'écriture, à faire oublier les ressorts narratifs et les gags parfois éculés, les scènes au décalage et à l'excentricité forcés, et à faire fonctionner les occasionnels moments d'émotion ? Malheureusement pas assez.

À mes yeux, loin d'être ce nouveau classique instantané de la sitcom us que certains ont bien voulu y voir, la série est rapidement devenue une sorte de papier peint visuel et auditif, qui fait parfois sourire, mais qui, chez moi, a souvent suscité une indifférence polie, quand ce n'était pas de l'agacement devant les moments les plus hystériques du show.

Suffisamment, en tout cas, pour que je n'aie laissé qu'une poignée d'épisodes à la saison 2 (déjà bien entamée à l'heure de la publication de cette Critique Éclair) pour me convaincre de continuer... en vain.

Après plusieurs Impacts mollassons et qui faisaient du surplace, ainsi qu'un Bound For Glory décevant, je commençais à désespérer, et à être pessimiste quant au booking de la TNA. Heureusement, ce show est arrivé, et avec lui, un peu de changement...

- Dixie accompagnée de Pacman Jones, interrompus par Anderson, qui veut Bully.
- MEM2.0 dans le ring, Sting au micro pour annoncer la fin de la MEM, d'un commun accord, et pour partir de manière succinte, en laissant sous-entendre sans le dire qu'il aime tout le monde sauf Magnus ; tout le monde fait son speech de son côté, indiquant que "pas de quartiers dans la course à la ceinture", et Angle reste seul, jusqu'à être interrompu par Roode. brawl. Un début d'épisode sympathique, avec une progression bienvenue sur le front de la MEM. Le public est motivé.
- Le brawl continue, avec tout le monde dans le ring pour séparer les deux hommes.

- Bad Influence vont défier Pacman Jones et son pote dans le ring, mais se font bodyslammer par les deux footballeurs. Bref, mais efficace.
- Anderson explique à Knox & Bisch qu'il est temps de lâcher Ray.
- Velvet vs Brooke vs ODB, #1 Contender. RAS, jusqu'à l'intervention de Gail & Tapa, qui se vantent de n'avoir aucune compétition, et proposent un open challenge. Enfin !
- Brève "publicité" indépendante pour montrer AJ qui défend son titre au Mexique.
- Les Aces réfléchissent aux paroles d'Anderson, se font remettre en place par Bully et finissent par se rebeller.

- Dixie est mécontente de la "publicité" d'AJ. ECIII a peur de choisir l'un des deux adversaires "de calibre international" que Dixie lui propose ce soir.
- Les Aces dans le ring (sous le regard goguenard d'Anderson) pour un vote sur l'avenir du club : Bisch démissionne, Knux idem, et Tazz idem. Gros segment intense, avec un Tazz qui retrouve de sa superbe, et Ray  qui se retrouve seul face à Anderson pour le prochain PPV Tv... mais c'était une feinte, et tout le groupe se retourne contre Anderson dès qu'il a le dos tourné. Les Aces sont plus unis que jamais !
- Roode beugle dans tous les sens.

- Ethan Carter III vs Dewey Barnes. Squash retour, la routine habituelle. J'aime bien le fait qu'ils arrivent à construire à la fois EC3 et ses adversaires squashés, pour en faire une tag team potentielle.
- Bad Influence vs EY & JP. Un match solide, mais aléatoire et routinier.
- Kurt répond aux beuglements de Roode, mais est interrompu par Aries, qui voudrait bien que Angle se concentre sur leur Submission match de la semaine prochaine. Brawl entre Roode, Aries, et Angle.
- Sabin vs Hardy, Full Metal Mayhem match. Bon hardcore match télévisé.

Un show qui, bien que n'étant pas chargé en matches (par contre, de l'action hors match, il y en a eu), me redonne espoir, en annonçant du changement, des nouveaux visages, et un tournoi bien parti pour être captivant.

Après le Raw enregistré de ce Lundi, particulièrement peu intéressant, et qui échouait totalement à vendre Survivor Series (à vrai dire, le show était tellement soporifique que je n'ai même pas pris la peine d'en faire la review... de toute façon, pour ce qu'il y avait à en dire...), voilà Impact, qui arrive sur les talons d'un show live ayant divisé la fanbase. Cette semaine, Impact est pré-enregistré, et la TNA doit achever de mettre en place le Turning Point de la semaine prochaine :

- Ray se vante, Anderson se pointe, et propose un Career vs Aces match. Intéressant début de show, direct et sans fioritures.

- Anderson vs Knux. RAS, un match tranquille.

- Récap des promos 365 - JP exige un match contre Daniels, Daniels ne comprend pas pourquoi JP est furieux, il voulait seulement le désaltérer .

- JPark vs Daniels. RAS non plus : c'était sympatoche, sans plus.

- EC3 vs Team Megajobbers. Les deux jobbers continuent d'impressionner, et EC3 de finir vainqueur sans tricher. Il va probablement bientôt passer à une compétition plus impressionnante...

- Aj in Mexico. Dixie en colère.

- Témoignage de Hardy après sa victoire de la semaine dernière.

- Dixie qui parle, qui parle encore, et qui fait venir les quatre prochains compétiteurs du tournoi, pour leur annoncer leurs stipulations : Bullrope match pour Storm vs Roode, Falls Count anywhere match pour Joe/Magnus.

- Anderson menotte Bisch backstage, et lui propose une discussion en tête à tête.

- Gail Kim vs Hannah Blossom - Open Challenge Match. Content de revoir la jeune anglaise, toujours pas fan du nouveau visage de Gail, et un match sans grande surprise.

- JPark au micro, qui promet que la semaine prochaine, il va y avoir Abyss vs JPark dans le ring. Intriguant.

- HW Tournament - Aries vs Angle - Submission match. Gros gros main event, forcément. Quelques spots brouillons, et un finish assez moyen, mais c'était très solide néanmoins.

- Anderson ressurgit, et piledrive Bischoff sur la rampe d'entrée. Adieu Bisch Jr.

En gros, un show qui valait principalement pour son main event, malgré les quelques détails qui m'ont ennuyé. Le reste... c'était du show pré-enregistré typique : rien de bien mémorable, mais rien de mauvais. L'Open Challenge de Gail commence tranquillement, celui de EC3 se termine tranquillement (maintenant qu'il a vaincu les deux jobbers ensemble, il va pouvoir passer à autre chose), et Anderson démolit les Aces un à un.

Contrairement au RAW de la semaine dernière, un spécial Noël calamiteux, dont on ne retiendra que l'annonce du retour de Batista (forcément, que serait Vince sans ses anciennes stars des années 2000 pour main eventer Mania ? Meuh non, les amis, "la WWE est désormais tourné vers le futur et les nouvelles générations", sauf lorsqu'il s'agit de faire de l'audience et de vendre du PPV...) ce dernier Raw de l'an 2013 est en direct. Mais comme la WWE ne fait jamais les choses dans le bon ordre, ils ont enregistré le prochain Smackdown en avance... révélant par là-même deux résultats de Raw : le retour de Brock Lesnar dans un segment contre Mark Henry, ainsi que la défaite de Fandango face à Big E. *soupir*

Mais peu importe, espérons que le show sera intéressant :

Heure 1 : Punk fait une mini-promo, tente de semer la zizanie au sein du SHIELD, et bat Rollins dans un match solide, avec quelques moments de flottement. Jusque là, un show honorable... malheureusement, ça ne dure pas, puisque Steph annonce alors Cena vs Orton au Rumble (youpiii...) et qu'on a ensuite droit à un match insipide entre Ziggler et Axel.

Heure 2 : une heure particulièrement creuse, entre le match spoilé Fandango/Big E, du meublage Sandow vs Khali & Truth vs Brodus. Pour conclure, heureusement, le retour de Brock, qui démolit Mark Henry en trente secondes chrono, et exige un Title Shot après le Rumble, sauve un peu les meubles... mais pas beaucoup.

Heure 3 : Un tag match des Divas (passons...), et le plat de résistance de la soirée : Bryan contre la Wyatt Family, dans un match gauntlet marathon. Comme d'habitude, quand la WWE n'a pas d'idées, ou que la moitié de son roster est en house show comme ce soir, elle met Bryan dans plusieurs matches successifs. La routine habituelle, donc, solide, mais un peu lassante, et qui débouche sur la seule option logique : Bryan finit pas s'avouer vaincu, et par rejoindre la Wyatt Family. Si je n'avais pas déjà vu exactement la même intrigue à la WCW avec le Flock de Raven, et Scotty Riggs, je trouverais peut-être ça intéressant. Là, c'est juste un moyen évident de donner quelque chose à faire à Bryan le temps que Wrestlemania arrive et reparte, afin qu'il ne prenne pas la place d'un Batista ou d'un Undertaker sur la carte, et ne les éclipse avec sa popularité... :\

Bref... un Raw qui ne vaut (comme d'habitude) que pour les matches de Punk et de Bryan, et pour le segment de Brock. Ce n'est pas énorme, mais c'est toujours mieux que rien.

À une semaine du Royal Rumble, que se passe-t-il de beau dans le monde de Vince McMahon ? Et bien Batista est supposé revenir ce soir, et Bryan... ah, ce bon vieux Bryan, le cheval de labour de la WWE, jamais totalement pushé par les bookers, et pourtant la plus grosse star de la compagnie, qu'ils poussent à bout et surexploitent jusqu'à l'épuisement, faisant littéralement reposer bon nombre de RAWs sur ses épaules en le mettant dans un ou deux matches par soir, matches dirant lesquels il se donne naturellement à 200%... et bien ce cher Bryan a fini par avoir une commotion cérébrale. Told you so...

Quoi qu'il en soit, le Raw de cette semaine était placé, pour ne pas changer, sous le signe du meublage : la compagnie est en stand-by, elle sait pertinemment que le Rumble se vend tout seul, donc ce soir, c'était efforts minimums, et pilotage automatique maximum.

À commencer par la première heure, qui a enchaîné un retour minimalliste de Batista pour dire trois mots peu convaincus ; un match Rhodes & Langston vs Shield routinier, et au résultat improbable ; une explication peu convaincante de Bryan au sujet de sa storyline avortée contre les Wyatts ; et un squash de Fandango sur Xavier Woods. En une heure, c'est très peu.

L'heure d'après n'était guère mieux, puisque remplie de segments pépères : Kane qui s'excuse auprès de Punk, Punk contre Billy Gunn, de la promo pour le Rumble, une vidéo en la mémoire de Mae Young, et un énième affrontement entre Rey et ADR. Toujours rien de mémorable.

Enfin, l'heure numéro 3 a commencé par un face à face entre Show et Brock. Face à face qui a bien pris son temps, jusqu'à ce que Brock se fasse totalement dominer par son adversaire, et paraisse ridicule : pas vraiment crédible. Et pour conclure cette troisième heure, que du meublage : AJ contre Naomi, les Usos contre les Wyatts, encore de la promo pour le Rumble, une vidéo sur le Martin Luther King Day (forcément, il faut bien compenser le fait que tous les lutteurs afroaméricains de la compagnie, ce soir, se sont faits écraser par leurs adversaires blancs), et un Kofi vs Orton avorté, qui se termine sur une intervention de Cena, menant à cinq bonnes minutes d'un flottement particulièrement gênant, pendant lesquelles John se contente de parader dans le ring, en attendant que la production ne coupe les caméras.

Bref, si je n'avais dû me fier qu'à ce Raw pour me décider si, oui ou non, le Rumble était un PPV à acheter, cette année, j'aurais probablement dit non...