Overblog
Suivre ce blog Administration + Créer mon blog
LES TÉLÉPHAGES ANONYMES

Il était une fois Lurdo & Sygbab, deux internautes passionnés de séries tv et de cinéma, et qui cherchaient un endroit où archiver leurs avis (semi) éclairés...

Résultat pour ""the good place""

Halloween Oktorrorfest 2017 - 70 - Little Evil (2017) & It Stains the Sands Red (2016)

Publié le 3 Novembre 2017 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Halloween, Horreur, Fantastique, Oktorrorfest, Comédie, Canada, Netflix, Drame

Chez les Téléphages Anonymes, l'Halloween Oktorrorfest - notre marathon de cinéma fantastique et d'horreur - continue jusqu'à la fin de la semaine prochaine...

Little Evil :

Gary (Adam Scott) est ravi d'avoir épousé Samantha (Evangeline Lilly), une jeune mère séduisante et attachante, qu'il aime profondément. Mais Samantha a un fils un peu étrange, Lucas (Owen Atlas), assez sinistre et capable de pousser autrui à commettre l'impensable. Rapidement, Gary s'aperçoit alors que Lucas est peut-être bien l'antéchrist, et qu'il ne peut le laisser détruire le monde...

Une comédie horrifique d'Eli Craig (Tucker & Dale fightent le Mal) qui souffre d'une structure bien trop bancale pour vraiment fonctionner : en effet, pendant ses deux premiers tiers, le film se contente de parodier La Malédiction, en en reprenant toute la structure et le déroulement, et en y passant simplement une couche de sarcasmes et de vannes pas très mémorables.

Ce n'est alors pas très drôle, pas très intéressant, et ça tourne rapidement à vide, malgré les seconds rôles sympathiques (Clancy Brown, Tyler Labine, Donald Faison, Chris D'Elia, Kyle Bornheimer, Sally Field), globalement sous-exploités.

Et puis, après la première heure de métrage, le film bascule dans quelque chose d'un peu plus décalé, avec un renversement de perspective pas forcément surprenant ou imprévisible : Gary décide de protéger l'enfant, de devenir un bon beau-père pour lui, et avec l'aide des autres beaux-pères de son entourage, ils partent à l'assaut des méchants satanistes qui veulent provoquer l'apocalypse.

Encore une fois, ce n'est pas forcément nouveau, dans le genre, mais ce bref virage vers l'action permet au film de retrouver un peu de l'énergie de Tucker & Dale, ce qui rend cette partie du film déjà plus intéressante.

Malheureusement, dans l'ensemble, le tout reste assez inabouti et sous-développé (les seconds rôles restent totalement inutiles), ça se prend un peu trop au sérieux, et les fast-cuts façon Edgar Wright m'ont paru hors-sujet.

2.5/6 (en étant généreux)

It Stains the Sands Red :

En pleine apocalypse zombie, Molly (Brittany Allen), une fêtarde,  se retrouve en panne au milieu du désert du Nevada, poursuivie par un unique zombie (Juan Riedinger). Mais plus le temps passe, et plus ce dernier devient son compagnon, son confident, voire même... son ami.

Une dramédie zombiesque pas désagréable, réalisée et écrite par les Vicious Brothers (Grave Encounters), et qui fait globalement illusion pendant trois bons quarts d'heure : l'héroïne est intéressante, l'actrice joue bien, et le film est alors plutôt sympathique, avec un ton légèrement décalé qui fonctionne.

Dans la dernière demi-heure, cependant, tout commence à se déliter un peu, à commencer par des micro-flashbacks (pas très réussis et en mode contemplatif) servant à développer un peu le personnage et à lui donner une composante émotionnelle et un parcours rédempteur qui ne convainquent pas ; par une tentative de viol clichée et inutile ; et par quinze dernières minutes tout simplement quelconques (l'aéroport et tout ce qui suit), qui finissent le film de manière anémique. Dommage.

3/6

commentaires

Christmas Yulefest 2017 - 34 - TV Rétro : The Flint Street Nativity (1999) & Grandma Got Run Over By A Reindeer (2000)

Publié le 15 Décembre 2017 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Télévision, Yulefest, Noël, Christmas, Animation, ITV, WB, UK

Noël approche, et chez les Téléphages Anonymesc'est donc l'heure de la Christmas Yulefestet de son marathon de cinéma festif pendant tout le mois de décembre...

The Flint Street Nativity (1999) :

Quelque part à la frontière entre le Cheshire et le Pays de Galles, la petite école primaire de Flint Street prépare son spectacle de Noël, une crèche vivante. Mais les enfants sont tous dissipés, et la représentation dégénère très rapidement sous les regards atterrés des parents...

Comédie télévisée écrite par Tim Firth, et articulée comme une pièce de théâtre, ce métrage rappelle un peu d'autres œuvres, comme par exemple Sacré Noël ! et ses suites. Avec cependant, comme différence de taille, le fait qu'ici, les enfants soient tous interprétés par des adultes, dans des décors disproportionnés.

Ce qui confère aussitôt à ce téléfilm des allures de pièce de théâtre filmée et de farce déjantée impossible à prendre une seule seconde au sérieux : ce qui a des avantages (on s'amuse à reconnaître de multiples visages familiers, issus d'Absolutely Fabulous ou encore de Mr. Fowler, brigadier chef), et des inconvénients (il faut supporter toute une distribution d'adultes qui en font trois tonnes, et adoptent parfois des mimiques et des attitudes plus proches de l'autisme que de l'enfance).

Je m'attendais à vraiment apprécier cet exemple d'absurdité britannique (qui a une assez bonne réputation), mais en fait, j'ai eu du mal à rester intéressé jusqu'au bout : trop brouillon, trop bruyant, trop caricatural... j'ai trouvé le tout tout juste amusant, sans plus, et s'il n'y avait pas eu cette toute fin douce amère, je pense que j'aurais trouvé le tout assez médiocre, au sens premier du terme.

Grandma Got Run Over By A Reindeer (2000) :

Lorsque la grand-mère de Jake Spankenheimer disparaît, renversée par le traîneau du Père Noël, Mel, la cousine de Jake, décide alors de tout faire pour vendre la boutique familiale à Austin Bucks, un grand patron ambitieux qui possède tous les magasins de la ville...

Ouhlà.

Un dessin animé de 51 minutes, diffusé sur la WB, et adapté de la chanson parodique du même nom (sortie en 1979), ce GGROBAR est un Christmas Special bâclé et insipide, qui donne l'impression d'avoir été produit 15 ou 20 ans plus tôt, et de n'avoir eu qu'un budget microscopique pour sa production.

L'animation est ultra-simpliste et médiocre, le doublage basique, l'écriture et l'humour bas-de-plafond, et le tout ne semble exister que pour insérer de manière toujours plus artificielle et forcée d'autres chansons des mêmes musiciens dans le récit (avec numéros musicaux à la clef), quand bien même elles n'auraient qu'un vague rapport avec le schmilblick.

À oublier très vite.

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #617 : Thor Ragnarok (2017)

Publié le 17 Novembre 2017 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Action, Aventure, Science-Fiction, Fantastique, Marvel, MCU, Comédie

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Thor Ragnarok :

Lorsque Hela (Cate Blanchett) ressurgit pour conquérir le trône d'Asgard - ou le détruire, le cas échéant - Thor (Chris Hemsworth) voit son monde bouleversé : son marteau est pulvérisé, et il est envoyé à l'autre bout de l'univers, sur Sakaar, pour y devenir un gladiateur dans les jeux du cirque du Grand-Maître (Jeff Goldblum). Mais, là, il retrouve (contre toute attente) l'incroyable Hulk (Mark Ruffalo), qu'il va devoir affronter dans l'arène s'il veut s'échapper...

Troisième chapitre des aventures Thor (un pan de l'univers Marvel au succès, il faut bien l'admettre, assez mitigé), confié cette fois-ci à Taika Waititi, réalisateur et scénariste néo-zélandais très porté sur la comédie (voir l'excellent Vampires en toute intimité, et Hunt for the Wilderpeople).

Ce qui, forcément, se retranscrit à l'écran par un Thor en mode comédie pure, totalement déjanté et au parfum nostalgique 80s & néons façon Flash Gordon & pochettes d'albums de heavy metal : c'est bigarré, c'est déconneur, c'est drôle, ça part dans tous les sens (quitte à être bordélique), et pour peu qu'on accroche au ton cabotin, aux caméos improbables, ou qu'on ne soit pas trop aigri, ça fonctionne plutôt bien, un peu à l'instar d'un Spider-Man Homecoming (mais en nettement moins sage).

Alors certes, comme pour toute chose, il faut manier l'humour avec mesure et subtilité, et Thor Ragnarok a un peu tendance à systématiquement désamorcer ses scènes dramatiques avec des punchlines et des vannes - un reproche que les détracteurs font systématiquement à tous les films Marvel, mais qui, en réalité, ne s'applique qu'à une poignée d'entre eux.

On peut effectivement le regretter, et se dire que le récit de ce Thor 3 aurait pu être plus fort sans ces gags à répétition (on peut notamment regretter que l'exécution de certains personnages secondaires ne soit jamais développée, et n'ait pas de répercussions sur Thor).

Mais il ne faut pas non plus oublier que Thor Ragnarok, en dépit de son titre menaçant, est en réalité le calme avant la tempête Avengers 3 & 4 : deux films qui devraient s'avérer nettement plus sérieux et sombres que tout ce qui aura précédé, pour ne pas dire plus apocalyptiques.

Il faut donc prendre ce Ragnarok (qui pourrait aussi bien être sous-titré Asgardians of the Galaxy, tant les deux franchises ont désormais beaucoup en commun) comme une récréation qui permet enfin à Thor et à son univers d'exister loin de Jane Foster et de son cadre très étriqué : ce n'est pas plus mal, on ne s'ennuie pas un seul instant, et le film réussit son pari de divertir, tout en chamboulant assez clairement l'équilibre des forces établies du MCU.

4/6 (probablement un peu plus lorsque je le verrai en VO, parce qu'on y perd un peu en VF au niveau de la diction et de l'interprétation improbable de Jeff Goldblum)

commentaires

Un film, un jour (ou presque) - INTÉGRALE MARVEL CINEMATIC UNIVERSE - Phase 1.3 : Captain America : First Avenger (2011) & Avengers (2012)

Publié le 20 Janvier 2018 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Action, Aventure, Fantastique, Science-Fiction, Marvel, MCU, Histoire

Avengers : Infinity War, la conclusion de 10 années de films Marvel, arrive à grand pas, et le moment est donc idéal pour revoir tous les films du MCU, dans leur ordre de diffusion initial...

Après un Iron Man 2 et un Thor assez moyens, la Phase 1 du MCU continue avec son meilleur film : Captain America.

Captain America - The First Avenger (2011) :

Après s'être porté volontaire pour subir une expérience des forces armées américaines, Steve Rogers (Chris Evans) devient le super-soldat Captain America, porte-étendard des troupes alliées sur le front allemand pendant la Seconde Guerre Mondiale...

Un film de super-héros historique sincère mené d'une main de maître par Joe Johnston, et qui conjugue un script efficace, une distribution impeccable, un visuel approprié, une bande-originale mémorable d'Alan Silvestri, des effets convaincants, un méchant mémorable, et un charme indiscutable. C'est bien simple, CA est probablement l'un de mes Marvel préférés, toutes phases confondues, et cette pierre angulaire du MCU me fait vraiment regretter que l'on n'ait pas eu d'autres films mettant en scène Steve Rogers pendant la Seconde Guerre Mondiale...

4.75/6

Marvel's The Avengers (2012) :

Lorsque Loki met la main sur le Tesseract, et fait déferler sur la Terre une horde d'envahisseurs extra-terrestres, les plus grands héros de la planète - Iron Man (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Thor (Chris Hemsworth), Captain America (Chris Evans), la Veuve Noire (Scarlett Johansson) et Hawkeye (Jeremy Renner) s'unissent sous une même bannière afin de protéger l'humanité.

L'énorme film-crossover signant la fin de la Phase 1 du MCU, et le point culminant de tous les efforts de Kevin Feige et compagnie : on ne peut pas leur retirer ce succès, celui d'un projet ambitieux et improbable mené à son terme. Et pourtant, Avengers est loin d'être un bon film, sous la plume et les caméras de Joss Whedon : mal rythmé, déséquilibré, filmé assez platement et sans ampleur, c'est bavard, ça souffre des tics narratifs habituels de Whedon, et dans l'ensemble, ça reste trop alourdi par le cahier des charges Marvel de l'époque, et par ses limites, pour vraiment exploser à l'écran de manière homogène.

Néanmoins, ça reste souvent spectaculaire, drôle, et la cohésion de l'équipe fonctionne assez bien, donc ça passe plus ou moins, même si ça aurait mérité d'être bien meilleur, et mieux écrit.

3.5/6

(critique plus détaillée publiée sur ce blog en 2015, à lire ici)

commentaires

Catch Review : TNA Impact (10/04/2015)

Publié le 11 Avril 2015 par Lurdo dans Catch, Critiques éclair, Review, Télévision, TNA

Après un Impact totalisant près de 50 minutes d'action excellente, la semaine dernière, retour à un format un peu plus normal, cette semaine, avec comme bonus une interaction avec les fans, qui live tweetent le show, et dont les tweets sont publiés à l'écran. Ça ne révolutionnera rien, mais c'est toujours sympa...

Impact Wrestling 10/04/2015 :

- Angle célèbre sa victoire dans le ring, Lashley vient demander réparation pour la fin du main event de la semaine dernière, EY proteste, et Angle finit par décider de les affronter tous les deux dans un triple threat, ce soir.

- Gail vs Kong. Bon match entre les deux femmes, même si, il faut bien l'avouer, un peu de sang neuf ne ferait pas de mal à la division (et il arrive, ce sang neuf... reste à savoir quand)

- Storm continue de faire ami-ami avec Mickie, mais n'apprécie pas d'être interrompu par Manik.

- Storm passe un savon à la Révolution, explique qu'il a kickbanné Sanada (en fait retourné temporairement au Japon), et que son futur partenaire dans le tag tournament sera le gagnant d'un triple threat interne à la Révolution.

- Manik vs Abyss vs Khoya. Hardcore Triple Threat. Un match assez rapide, mais sympatoche, pour ce que c'était. Khoya s'en est bien sorti, et son finish sur Manik était réussi.

- La Révolution terrorise les mecs de Ghost Asylum.

- The Rising dans le ring, grosse promo de Galloway, public très réactif. Micah son of Meng, solide au micro ; Eli Drake excellent au micro, il ira loin. Pour résumer, une combo de promos très convaincantes. Le BDC se pointe avec des bannières asiatiques, MVP réplique, duel de chants dans le public, et brawl.

- Rising vs BDC. Public très motivé, match assez classique mais efficace, et arrivée d'Homicide pour remplacer Joe au sein du BDC.

- Angle, backstage, est motivé, mais EY/Gollum l'attaque pour récupérer "son précieux".

- Davey Richards vs Zema. Bon match.

- Le BDC est bien content, backstage, et le fait savoir au caméraman.

- Une vidéo promo pour les Dollhouse (Mia Yim et Marti Belle). Le voilà donc, le sang neuf. ^^

- Les Hardyz dans le ring, pour une promo basique.

- EC3 tente de recruter Bram pour le tag tournament, et Bram finit par accepter.

- Anderson s'incruste, et s'annonce pour le tournoi avec Spud. Le duo fonctionne bien ensemble, je dois dire.

- Aries et Roode s'invitent à leur tour, histoire de reformer les Dirty Heels.

- EY vs Lashley vs Angle, 3-way HW title match. Un affrontement bien mené, même si le vainqueur n'était pas vraiment une surprise. Mais j'aime bien cette storyline de Lashley qui continue de perdre sans réellement perdre. EY démolit Lashley en post-match, sans que personne n'intervienne pour l'en empêcher.

 


Un show un peu moins chargé en action que la semaine dernière, mais mieux équilibré action/promos, avec du temps de promo nécessaire et bien exécuté pour The Rising, et pour le gros Tag Team tournament (et Ultimate X) de la semaine prochaine.

commentaires

Catch Review : NXT Takeover - Unstoppable (20/05/2015)

Publié le 21 Mai 2015 par Lurdo dans Catch, Critiques éclair, Review, Télévision, NXT

Hier soir, c'était "le meilleur show de catch de tous les temps" (d'après l'interweb), à savoir

NXT Unstoppable - 20/05/2015 :

- Vidéo générique qui met en scène pourquoi Hideo ne sera pas là ce soir, alors même que HHH l'avait déjà annoncé il y a quelques jours, mais bon, ce n'est pas grave.

- Roh la vache l'entrée de Finn Balor est tellement cheesy... j'ai l'impression de voir Delirious faire son entrée en scène.

- Okay, le public m'a perdu dès son "that was awesome" avant même le premier match.

- Balor vs Breeze. Un match potable, mais assez lent, et avec pas mal de rest-holds. Le public est particulièrement agaçant, à chanter tous les clichés possibles et imaginables du public smark basique ("please don't die" pour un plongeon depuis 1m90 de haut :rolleyes:).

- Dana Brooke & Emma vs Charlotte Flair & Bayley. Emma totalement transparente et méconnaissable en heel, et un tag match assez basique. RAS.

- Rhyno vs Baron Corbin. Corbin ne ressemble à rien (enfin si, à un CAW baclé dans un jeu WWE) et le match est un match de Rhyno typique. RAS.

- Enzo & Big Cass vs Blake & Murphy. B & M sont génériques au possible, Enzo & Cass sont amusants, et le public leur mange dans la main. Tag match standard, RAS. Par contre, le heel turn d'Alexa Bliss, facepalm.

- Becky Lynch vs Sasha Banks, NXT women's title. J'avais de gros gros espoirs pour ce match, et en voyant Becky démarrer le match avec du chain-wrestling, j'étais comblé. Malheureusement, quand Banks prend l'offensive, ça ralentit considérablement, et on retombe un bon moment dans du travail heel typiquement WWE, à base de rest-holds. M'enfin dans l'ensemble, c'était tout de même un bon match. Le public est toujours agaçant au possible, par contre, à encourager la maychante.

- Zayn vs Owens, NXT Title. Un peu de meublage, un public qui chante "John Cena sucks", un Zayn qui domine un temps, jusqu'à ce que le match s'arrête après 6 ou 7 minutes, avec un Zayn blessé, un Owens qui le démolit, tous les arbitres & Regal qui tentent de s'interposer, et Samoa Joe qui fait son début pour sauver Zayn. Face à face de cinq minutes pour conclure.


Encore une fois de la hype abusive, avec une fanbase qui, sur le web, te survend le show comme le best of the best of the world, quand en fait, c'était un bon show d'une heure. Mais d'une heure seulement, car la première heure était tout à fait générique et oubliable, avec de l'action du niveau d'un Raw : rien de mauvais, mais rien de mémorable. La seconde heure, elle, répondait un peu plus à l'appel, avec un très bon match féminin et un main event potable qui valait surtout pour son post-match. Mais reste que NXT souffre vraiment de sa fanbase incapable d'être réaliste et modérée, comme la fanbase de la ROH en son temps...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #182 : The Death of Superman Lives - What Happened ? (2015)

Publié le 28 Juillet 2015 par Lurdo dans Critiques éclair, Cinéma, Review, Documentaire, Fantastique, Science-Fiction, DC, Action, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

The Death of Superman Lives : What Happened ? :

L'histoire de la production avortée, à la fin des années 90, de Superman Lives, adaptation du célèbre super-héros par Tim Burton, avec Nicolas Cage dans le rôle-titre...

Au fil des ans, Superman Lives a acquis une réputation de film-catastrophe, un projet dont les quelques rares images disponibles sur le web ne faisait que renforcer la notion d'un véritable accident industriel, notion encore plus martelée par le one-man show de Kevin Smith, et par son opinion de Burton et de Jon Peters.

Bien décidé à ne pas se laisser influencer par cette réputation, et par les gardiens de la pensée et du bon goût du web (qui se basent sur deux polaroïdes flous et sur le statut actuel d'acteur risible de Nic Cage), Jon Schnepp, le réalisateur de ce documentaire, a décidé de remonter le temps, et de faire un travail d'investigation complet, interrogeant tous les principaux intervenants (Cage excepté) de ce projet maudit.

Et le résultat est assez fascinant, donnant l'aperçu d'un projet qui aurait été clairement radicalement différent de toutes les incarnations de Superman que l'on a connues depuis, tout en restant typiquement Burtonien. Mieux encore : en publiant certaines des photos de Cage avec son look quasi-définitif, Schnepp renverse totalement les idées reçues sur cette incarnation du personnage, et montre qu'une fois devant une caméra, le Superman de Cage aurait pu être tout à fait crédible.

Tout cela reste bien entendu au conditionnel, tant les variables étaient innombrables dans cette production, au nombre desquelles Jon Peters, aussi ridicule et grandiloquent que Smith le laissait entendre : cet ancien coiffeur et "combattant de rue" devenu producteur est le cliché même du producteur hollywoodien, dans sa grosse maison cliquante, interrompant son interview pour prendre des coups de téléphone, se lançant dans des divagations improbables, et niant une grosse partie des problèmes qui lui sont imputés.

Et pourtant, tous les autres intervenants le pointent du doigt, à un moment ou un autre, comme étant l'un des gros obstacles à la bonne réalisation de la version de Burton, l'autre obstacle principal étant un studio soudainement devenu ultra-frileux suite à d'innombrables flops successifs au box-office.

On en vient donc à regretter que Superman Lives n'ait pas vu le jour : au mieux, si Burton avait réussi à mener le projet à terme, cela aurait pu s'avérer une date dans l'histoire du cinéma superhéroïque ; au pire, cela aurait été un What If à gros budget, fascinant et audacieux.

Dans un cas comme dans l'autre... ça aurait probablement été plus intéressant que Man of Steel (ou, aux yeux des moutons de panurge du web, que Superman Returns).

4.5/6

commentaires

Christmas Yulefest 2020 - 27 - Dolly Parton : C'est Noël chez nous (2020)

Publié le 13 Décembre 2020 par Lurdo dans Christmas, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Netflix, Musique, Noël, Review, Télévision, USA, Yulefest, Religion

Noël est en chemin : chez les Téléphages Anonymesc'est l'heure du marathon de cinéma festif de la Christmas Yulefestet ce jusqu'à mi-janvier...

Dolly Parton : C'est Noël chez nous (Dolly Parton's Christmas on the Square - 2020) :

Sous l'œil mécontent d'Angel (Dolly Parton), un ange, Regina Fuller (Christine Baranski) hérite des titres de propriété de toute la ville de Fullerville, et décide prestement d'en expulser tous les habitants pour remplacer la bourgade par un centre commercial. Mais c'est sans compter sur la solidarité de ses concitoyens, bien décidés à ne pas se laisser faire...

Il faut être honnête : le premier quart d'heure de cette comédie musicale Netflix est une véritable épreuve.

Immédiatement, le film attaque le spectateur de toutes parts, en lui assénant un numéro d'ensemble qui pose toutes les bases du projet : un croisement de téléfilm ABC/NBC des années 80 (avec bons sentiments à tout va, anges gardiens, mélodrame larmoyant, etc), de comédie musicale ultra-datée (avec chansons approximatives, chorégraphies basiques, etc), et récits de Noël très dérivatifs (c'est assumé, mais ce métrage est clairement un assemblage de La Vie est belle de Capra, et du Chant de Noël de Dickens).

Le premier quart d'heure, donc, est un calvaire, avec sa réalisation plate et télévisuelle, ses décors façon Stars Hollow du pauvre, son éclairage trop lumineux, et sa chanson-titre insipide, au play-back bancal.

Heureusement, ensuite, à mesure que l'histoire progresse, le métrage trouve un semblant de rythme de croisière : c'est toujours relativement ringard et bancal, parfois bien trop forcé (l'accident de la fillette, et tout ce qui s'ensuit) mais ponctuellement, ça fonctionne à peu près, comme lors de la première chanson de Treat Williams.

Et rapidement, l'on réalise que la plupart des chansons du film (toutes composées par Dolly Parton) ne fonctionnent pas réellement en tant que chansons de comédie musicale. C'est d'autant plus frappant dans le générique de fin, durant lequel Dolly reprend l'un des morceaux collectifs du film : tout de suite, ça sonne comme une ballade country plaisante, alors que, chanté par tous les protagonistes, ça ressemblait plus à un gloubiboulga infâme et kitschouille.

Bref : ce Dolly Parton - Christmas on the Square ne plaira clairement pas à tout le monde, voire même, il ne plaira qu'à un public très restreint, une niche qui adorera probablement la proposition rétro-musicale de la star de la country, tandis que le reste des spectateurs, lui, sera certainement plus dubitatif.

Par conséquent, difficile de noter le tout objectivement.

WTF/6

--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films de Noël passés en revue sur ce blog dans le cadre de la Christmas Yulefest en cliquant directement sur ce lien (classement alphabétique), ou celui-ci (classement saisonnier)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1321 : Voyage vers la Lune (2020)

Publié le 19 Novembre 2020 par Lurdo dans Aventure, Animation, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Jeunesse, Netflix, Musique, Review, Romance, Science-Fiction, USA, Chine

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

Voyage vers la Lune (Over The Moon - 2020) :

Parce qu'elle veut prouver à son père veuf (John Cho) que l'amour est une force éternelle, et qu'il ne devrait donc pas oublier sa femme décédée et se remarier, la jeune Fei Fei (Cathy Ang) décide de partir pour la Lune, afin d'y trouver la déesse Chang’e (Phillipa Soo), réputée pour avoir vécu une tragédie amoureuse et pour rêver de retrouver son bien-aimé. Elle construit donc une fusée et, avec son lapin Bungee et son futur demi-frère Chin (Robert G. Chiu), elle s'élance dans les cieux...

Un film d'animation ambitieux signé Netflix, produit par le studio chinois Pearl Studio (une filiale de Dreamworks) et réalisé par Glen Keane, une légende de l'animation Disney, depuis la Petite Sirène jusqu'à Raiponce, en passant par Aladdin, la Belle et la Bête, etc.

Et c'est bien là que le bât blesse : si techniquement et visuellement, ce Voyage vers la Lune impressionne et n'a rien envier aux productions Dreamworks (pour peu que l'on accroche à l'esthétique très fluo/néon de la Lune et de ses habitants, le film est visuellement somptueux et abouti), si l'animation est ultra-expressive et dynamique, et si le message sur le deuil est plutôt touchant (ça aide que le scénario ait été écrit, à la base, par une mère malade pour sa fille), Over The Moon reste constamment dans l'ombre de Disney et de Pixar.

On a en effet systématiquement l'impression de voir la formule Disney/Pixar appliquée mécaniquement à un script, un peu comme si l'on avait pris Coco (aux thématiques similaires), Vice Versa (pour les visuels lunaires) et qu'on avait transposé le tout à la culture chinoise, en lui rajoutant deux-trois notes de modernité clichée qui font un peu tâche (la déesse de la Lune qui nous fait un numéro de pop-star moderne, le duel de ping-pong) et beaucoup de chansons (les chansons sont très nombreuses, et malheureusement, pour la plupart, insipides).

Ajoutez à cela des péripéties et des antagonismes assez artificiels (la caractérisation de Chang’e est vraiment aléatoire), et l'on se retrouve avec un film qui amusera probablement les plus jeunes, mais risque de lasser rapidement les adultes. Ce fut mon cas, puisque j'ai progressivement commencé à décrocher à partir de l'arrivée sur la Lune, alors que les créatures bizarres se multipliaient (Ken Jeong en chien/Olaf-bis, des Angry Birds motards, etc), et que le récit se perdait dans des rebondissements inutiles et des numéros musicaux gratuits, uniquement là pour rallonger la sauce.

Bref, une petite déception tout de même, malgré les nombreuses qualités techniques du métrage : on peut saluer le désir de faire un film d'animation à destination du public d'origine asiatique, mais c'est trop calibré, trop calculé et trop déjà vu pour être particulièrement mémorable.

3/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1532 : The Green Knight (2021)

Publié le 20 Septembre 2021 par Lurdo dans USA, Irlande, Fantastique, Action, Aventure, Cinéma, Critiques éclair, Drame, Romance, Review, Histoire

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

The Green Knight (2021) :

La quête de Gauvain (Dave Patel), jeune chevalier réticent qui, après avoir tranché la tête d'un être surnaturel venu lancer un défi à la cour du Roi Arthur, a un an pour créer sa légende, avant que lui-même n'ait sa tête coupée en retour...

J'avoue que j'ai eu un peu peur, au début de ce Green Knight. Principalement, parce qu'il est signé de la patte si caractéristique de David Lowery, réalisateur américain typiquement estampillé indépendant, aux sensibilités très arty/hipsters et issu d'une bulle de réalisateurs de la nouvelle génération, notamment influencés par le mumblecore de Joe Swanberg (l'un des leurs).

Un Lowery dont le Peter et Elliott le Dragon ne m'avait pas convaincu, terne et nonchalant, et qui conserve toujours une certaine prétention auteurisante dans ses métrages, généralement assez contemplatifs, intégralement écrits et réalisés par ses soins.

Ici, c'est exactement le cas, et la première ligne droite du film, très ampoulée, entrecoupée de cartons-titres semi-sarcastiques, d'effets de style et de choix artistiques et de réalisation très particuliers, m'a laissé globalement de marbre.

Heureusement, une fois la quête de Gauvain vraiment engagée, le récit est suffisamment fort et solide pour apporter une base intéressante aux expérimentations visuelles de Lowery.

Oui, c'est lent, oui, c'est contemplatif, oui, c'est parfois poseur et pompeux, mais c'est aussi visuellement très travaillé, souvent somptueux et poétique, quitte à verser parfois dans l'onirique hallucinatoire potentiellement abscons.

Mais tout cela est finalement très approprié pour cette quête chevaleresque, qui a toujours eu plusieurs degrés de lecture métaphoriques.

Le film en lui-même a lui aussi plusieurs degrés de lecture, ne serait-ce que par le choix d'un acteur d'origine indienne (Dev Patel, habité) dans le rôle principal : race, refus de l'héroïsme, religion, sexe, quête de soi, acceptation des responsabilités, honneur, tout se mêle ici avec plus ou moins de bonheur, pour donner un tout déconcertant, aux images frappantes et à l'interprétation convaincante.

Intéressant et atmosphérique, donc, porté par une bande originale pertinente et efficace, mais succombant occasionnellement aux lubies artistiques et modernes de son créateur, qu'elles soient visuelles, structurelles (toute la dernière partie) ou narratives.

Un OFNI qui ne plaira pas à tout le monde, mais qui a su m'envoûter, alors que je partais méfiant.

4.25/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1523 : Mortal Kombat Legends - La Bataille des Royaumes (2021)

Publié le 7 Septembre 2021 par Lurdo dans Action, Animation, Aventure, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Jeunesse, Review, Science-Fiction, USA, Science Fiction

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Mortal Kombat Legends - La Bataille des Royaumes (Mortal Kombat Legends : Battle of the Realms - 2021) :

Pour éviter l'invasion de la Terre par les forces de Shao Kahn, Rayden accepte l'organisation d'un nouveau tournoi Mortal Kombat, tournoi auquel il participera, privé de ses pouvoirs. En parallèle, Scorpion et Sub-Zero tentent d'empêcher le sorcier Shinnok de mettre la main sur un artefact qui lui permettrait de devenir tout-puissant.

Le premier film d'animation Mortal Kombat Legends s'inscrivait dans les grandes lignes du film de Paul WS Anderson, en lui ajoutant toute une intrigue sur la rivalité Scorpion/Sub-Zero : un métrage surprenant, très (trop ?) fidèle aux codes de la franchise (notamment ses coups ultra-violents, passés au ralenti et aux rayons X) mais qui parvenait à concilier un doublage efficace à un aspect visuel plus travaillé et stylisé que la norme, pour un résultat efficace.

Logiquement, ce Battle of the Realms s'inscrit dans la droite lignée du premier... en reprenant des idées dans le second long-métrage Mortal Kombat : Destruction finale, dont notamment un grand final déglingué aux protagonistes transformés en mode kaiju.

Autant dire que tout de suite, le niveau n'est pas le même. Contrairement à l'épisode précédent, qui suivait une structure assez claire, et proposait une histoire de vengeance limpide, ici, on a plusieurs sous-intrigues qui se marient assez mal, piochées aux quatre coins de la franchise et manquant de cohésion, de rigueur et d'intérêt.

Le tournoi 2.0 est ainsi très brouillon, aux règles et la continuité mal définies (pourquoi tel ou tel personnage est laissé en vie, pourquoi il semble être en pleine forme dans les scènes suivantes, pourquoi certains matches s'arrêtent spontanément), il y a beaucoup de personnages dont on se demande ce qu'ils font là (Kung Lao, Striker) tant ils ne servent à rien, et la sous-intrigue sur Scorpion et Sub-Zero 2.0 devant s'allier contre les robots ninjas et le maléfique Shinnok semble sortir d'un autre long-métrage, à peine reliée au tournoi principal.

Bref, le tout est assez décousu, une grosse partie des affrontements est décevante, tous les défenseurs de la Terre se font globalement défoncer, l'animation est ponctuellement un peu trou cartoony pour son propre bien, et donc, le grand final kaiju est tout sauf intéressant.

Vraiment décevant, dans l'ensemble, même si les fans hardcore de la franchise apprécieront sans doute.

2.25 + 0.5 pour Ultra-Instinct Shaggy en ouverture de métrage = 2.75/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1407 : SEMAINE ZAZ - Y a-t-il un flic pour sauver le Président ? (1991)

Publié le 2 Avril 2021 par Lurdo dans Action, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Policier, Review, USA, ZAZ

Le 1er Avril est encore frais dans les mémoires, et pour l'occasion, pendant un peu plus d'une semaine, retour chronologique sur la filmographie des ZAZ, histoire de rire un peu en ces temps maussades...

Y a-t-il un flic pour sauver le Président ? (The Naked Gun 2½ : The Smell of Fear - 1991) :

Alors que le Président Bush est sur le point de définir la politique énergétique de son administration en se basant sur les recommandations écologiques du Dr Meinheimer (Richard Griffiths), les représentants des lobbies énergétiques décident d'intervenir, en remplaçant le Dr Meinheimer par un double plus enclin à favoriser leurs industries. Mais Frank Drebin mène l'enquête, motivé par la présence de Jane (Priscilla Presley), son ex-compagne et assistante actuelle de Meinheimer.

Les ZAZ remettent le couvert, mais avec une légère différence : le scénario de ce second opus est le fruit du travail de David Zucker (qui réalise) et de Pat Proft, les deux autres hommes restant à la production du métrage.

Il en résulte un film un peu différent du précédent, et qui tente visiblement de renouer avec le format de la série Police Squad : on retrouve le générique (ce qui est normal), puis le monologue de Drebin au volant de sa voiture, son arrivée sur le lieu d'un crime regorgeant de détails visuels absurdes, et le film va même jusqu'à recycler plusieurs des gags de la série (le bossu, le passage au commissariat, etc), ce qui le rapproche plus des enquêtes télévisées de Drebin que du premier Naked Gun.

D'ailleurs, la formule Naked Gun semble être ici plus aboutie et maîtrisée : le film paraît plus rythmé, mieux équilibré entre les différents types d'humour et finalement, je serais presque tenté de dire que je le préfère au premier film de la saga - probablement parce qu'il y a un peu plus de jeux de mots capillotractés (et je dois dire que le moment "Black russian" où le film se moque de l'abus de jeux de mots foireux et déjoue les attentes du spectateur m'a agréablement surpris)...

Mais il faut bien avouer que les grandes lignes du récit font parfois un peu redite du premier volet, et que la relation Frank/Jane est parfois prise un peu trop au sérieux pour le bien du film.

Dans l'ensemble, ce Naked Gun 2 s'avère cependant dans la droite lignée de son prédécesseur, toujours aussi ludique et agréable à suivre, alors que je pensais que l'absence de deux ZAZ au scénario se ferait ressentir plus notablement. Reste à voir ce que donnera le troisième film, réalisé par un autre réalisateur et co-écrit par un nouveau scénariste...

4.5/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #10 : Albert à l'Ouest (A Million Ways to Die in the West - 2014)

Publié le 11 Juillet 2014 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Review, Comédie, Action, Western, Romance

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Albert à l'Ouest (A Million Ways to Die in the West) :

Éleveur de moutons au Far-West, Albert (Seth MacFarlane) est un loser de première. Jusqu'au jour où il se retrouve défié en duel par Foy (Neil Patrick Harris), qui lui a volé sa petite amie (Amanda Seyfried) ; Albert doit alors apprendre à se défendre, avec l'aide de la jolie Anna (Charlize Theron), une criminelle en fuite, dont le mari (Liam Neeson) a prévu d'attaquer la ville....

Pas très bien, ce film. Ted m'avait donné l'impression d'une rom-com pour mecs, assez bancale au niveau du rythme et de la structure, très référentielle, et dont seule une partie des gags faisait mouche... et là, c'est exactement la même chose : une rom-com aux allures de western, assez bancale au niveau du rythme et de sa structure (ça se traiiiine), et dont seule une partie des gags fait mouche.

La seule différence, outre un MacFarlane assez quelconque en lead ("bonjour, j'ai écrit un film où j'interprète un éleveur de moutons qui passe son temps à se plaindre, à balancer des anecdotes que j'ai lues dans des bouquins sur le Far West, mais rassurez-vous, les amis, je reste un nerd comme les autres... sauf que j'ai mon propre film, que j'y bats Liam Neeson en duel, et que j'y ai Amanda Seyfried & Charlize Theron qui sont en concurrence pour mes beaux yeux."), c'est le fait que les références pop-culture modernes sont, par la force des choses, absentes (hormis la référence sympatoche à BTTF3)... et remplacées par trois tonnes de vannes pipi-caca-foutre-bite-poil-chatte-couilles (et drogue), qui feront plus ou moins mouche selon le seuil de tolérance du spectateur pour cet humour.

Donc voilà, ça se traîne, c'est balisé, ça a un énooooooorme ventre mou, les personnages sont à peu près aussi développés que dans Ted (ce sont des personnages-fonctions plus qu'autre chose), et la plus grosse majorité des meilleures vannes était dans les bandes-annonces.

Ah, et comme dans Ted, on a droit, vers le dernier quart d'heure du film, à une course-poursuite entre le héros et le maychant (qui est présent au début du film, et ne revient qu'à la fin, donc) sur fond de grosse musique orchestrale (très bon score de Joel McNeely, d'ailleurs, qui lorgne alors sur du Williams de la grande époque, ce qui est assez logique, compte tenu de son passif sur SW & Indy).

2/6

commentaires

Analyse et critique du film The Pagemaster

Publié le 5 Mai 2011 par Kaoteek dans Cinéma

Film familial sorti en 1994, Richard au pays des livres magiques est un métrage hybride, mi-animation, mi-réel, réputé pour son échec tonitruant au box-office. Tourné par Joe Johnston et par plusieurs animateurs vétérans de l’industrie, le film met en scène le jeune et peureux Richard (Macauley Culkin) qui, une nuit d’orage, se trouve aspiré dans les livres d’une bibliothèque des plus étranges.

Résumé

Phobique et hypocondriaque, le jeune Richard Tyler, dix ans, se réfugie dans une étrange bibliothèque pour échapper à un orage torrentiel. Là, il croise le chemin du bibliothécaire, Mr Dewey (Christopher Lloyd) qui tente de lui trouver une carte d’abonnement, mais Richard n’en a que faire : inquiet, il glisse sur une flaque d’eau et heurte sa tête. Lorsqu’il se réveille, il est seul et s’aperçoit avec horreur que les peintures murales commencent à fondre.

Submergé par des vagues de peinture multicolores, Richard entre alors dans le monde de l’animation et est envoyé en mission par The Pagemaster, pour trouver la sortie de la bibliothèque. En chemin, il reçoit l’assistance de trois ouvrages parlants, le pirate Aventure (Patrick Stewart), la fée Conte de Fées (Whoopi Goldberg) et le bossu Horreur (Frank Welker).

Richard et les livres magiques sont alors confrontés dans leur quête à divers personnages de fiction, du Dr Jekyll (Leonard Nimoy) à Moby Dick, en passant par Long John Silver (Jim Cummings), ou encore le menaçant Dragon. Passant de monde en monde, Richard trouve alors dans la fiction une échappatoire idéale à ses peurs et ses phobies, et c’est en petit garçon plus courageux qu’il revient à la réalité au terme de sa quête.

Genèse et accueil critique

Métrage aux deux parties bien distinctes, Richard au pays des Livres magiques commence en prises de vue réelle, avant de se transformer rapidement en métrage d’animation. Un projet d’envergure, donc, qui prend à l’époque trois ans à produire et connaît plusieurs réécritures.

En effet, initialement écrit par David Casci sur une idée de Charles Pogue, le film se trouve un temps au centre d’une dispute entre le scénariste et son producteur, David Kirshner, qui tente de s’attribuer la découverte de l’idée de base : Casci est renvoyé en cours de production et son script altéré par Kirshner, qui élimine ainsi la morale de l’histoire sur le goût de la lecture retrouvé en cours de film par le héros.

À sa sortie, malgré une bande originale sympathique de James Horner, le film est démoli par la critique, qui lui reproche son scénario hésitant et brouillon : le box-office s’en ressent aussitôt et le film est un plantage absolu, ne parvenant même pas à égaler le budget investi.

The Pagemaster
commentaires

Les bilans de Lurdo - Halloween Oktorrorfest 2019 - Creepshow, saison 1 (2019)

Publié le 3 Novembre 2019 par Lurdo dans Anthologie, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Halloween, Horreur, Les bilans de Lurdo, Oktorrorfest, Review, Thriller, Télévision, USA, Shudder

L'Halloween Oktorrorfest touche aussi le petit écran, avec chaque week-end, tout le mois d'octobre, des critiques de séries fantastiques et horrifiques...

Creepshow, saison 1 (2019) :

Anthologie en 6 épisodes de 45 minutes, composés chacun de deux récits courts inspirées de diverses nouvelles, ou totalement originales, et chapeautées par Greg Nicotero, du célèbre studio d'effets spéciaux KNB.

Bien évidemment inspirée des deux (ou trois, selon que l'on accepte la canonicité de l'ultime volet) films Creepshow, l'anthologie évoque aussi les Contes de la Crypte (forcément), une comparaison renforcée par l'apparence et l'utilité du Creep, qui agit fortement comme le Crypt Keeper de la série HBO.

Sauf que, premier problème : ce Creep est visuellement assez raté, et totalement inutile. On sent que la série n'a pas été faite avec un gros budget, comme le laisse deviner son affiche approximative, et ses séquences animées très limitées (les transitions façon comic-book, par contre, sont plutôt réussies).

Une impression d'anthologie quasi-discount, qui ne fait que se renforcer lorsque l'on découvre ses premiers segments...

1x01

# Gray Matter : lorsque le fils de Richie, un alcoolique, arrive en pleine tempête dans l'épicerie de sa petite ville, il explique au trio présent (Adrienne Barbeau, Tobin Bell, Giancarlo Esposito) que son père ne va pas bien, et que tout a commencé lorsqu'il a commencé à abuser de la boisson...

Adaptation de King, réalisée par Nicotero, ce segment est regardable, mais souffre d'un fanservice Kingien trop appuyé, d'une réalisation un peu penchée, d'une créature dont le mélange numérique/réel ne fonctionne à moitié, et surtout, d'une scène finale totalement forcée et gênante, où tout le monde surjout affreusement. Bref, bilan très mitigé.

# House of the Dead : la petite Evie (Cailey Fleming) découvre un beau jour, dans sa maison de poupée, une tête de cadavre zombifiée, qui semble se déplacer seule. Bien vite, les autres occupants de la maison de poupée sont alors traqués par la tête, et la situation s'envenime dès qu'Evie détourne le regard...

Écrit par le scénariste de Bird Box, ce récit n'est pas effrayant pour un sou, mais, au contraire, s'avère plutôt ludique et amusant. Est-ce dû à l'apparence de la tête tranchée, tout sauf menaçante, ou au simple fait que tout se concentre sur une maison de poupée, et que le risque est par ailleurs inexistant ? Quoi qu'il en soit, c'était sympathique à regarder, mais hautement anecdotique.

1x02

# Bad Wolf Down : le face à face, pendant la Seconde Guerre Mondiale, entre un commando de soldats américains et une escouade nazie, alors même qu'un loup-garou rode dans les parages...

Un bon gros ratage bisseux d'un compère de Dan Harmon, qui donne dans le grotesque et dans la débauche de lumières et de couleurs agressives, avec des maquillages fauchés, un Jeffrey Combs en roue libre, une "Française" qui parle mal français, et des onomatopées qui éclatent à l'écran comme dans un mauvais Batman.  Je n'ai pas du tout accroché à cette proposition, qui ressemblait plus à un mauvais court-métrage de potes qu'à un segment professionnel.

# The Finger : lorsqu'il trouve un étrange doigt coupé dans la rue, Clark (DJ Qualls) le ramène chez lui, et s'aperçoit progressivement qu'il donne naissance à Bob, une créature sanguinaire, mais finalement assez attachante, qui semble décidée à prouver son affection à Clark en le débarrassant de tous ses ennemis...

Un segment (du scénariste de Critters 3, 4 et de The Crow) reposant entièrement sur DJ Qualls et sur la créature avec laquelle il interagit, une créature plus ou moins réussie selon les plans, mais finalement assez attachante. La narration face caméra et en voix off ne plaira pas à tout le monde, mais elle est justifiée, compte tenu de la conclusion du tout : à l'image du reste de ce récit, ça plaira ou non, mais en ce qui me concerne, j'ai trouvé le tout plutôt amusant et sympathique, à défaut d'être totalement maîtrisé.

1x03 :

# All Hallows Eve : Les Golden Dragons, une bande d'ados (Connor Christie, Madison Thompson, Andrew Eakle, Jasun Jabbar, Michael May) un peu trop âgés et fatigués pour faire la tournée d'Halloween, décident de se déguiser une dernière fois et de réclamer leur dû à un quartier terrifié par leur présence...

Un segment à l'atmosphère Halloweenesque assez agréable, mais à l'interprétation assez inégale, et au fil narratif cousu de fil blanc : on devine très tôt ce qu'il en est réellement, et on attend patiemment que le récit rattrape le spectateur, ce qu'il fait de manière assez basique et quelconque.

# The Man in the Suitcase : Récemment plaqué par Carla (Madison Bailey), Justin (Will Kidrachuck), stoner et glandeur invétéré, s'aperçoit qu'il s'est trompé de valise à l'aéroport, et que dans son bagage se trouve un contorsionniste moyen-oriental (Ravi Naidu) souffrant le martyre. Mais lorsqu'il tente de l'aider, il découvre que la douleur amène l'inconnu à cracher des pièces d'or. Aussitôt, en compagnie de Carla et d'Alex (Ian Gregg), le colocataire de Justin, le jeune homme commence à exploiter cette occasion inespérée...

Personnages antipathiques pour un postulat pourtant amusant, mais au résultat bien trop plat et prévisible, avec en prime une illustration sonore assez médiocre. À l'image de son personnage principal, ça ressemble un peu à un script basé sur une idée de stoner, développée de manière approximative, et qui se finit donc de façon bancale, avec des effets visuels plutôt laids, et un retournement de situation final qui ne surprendra personne.

1x04 :

# The Companion : Harold (Logan Allen), un adolescent harcelé, se réfugie dans une ferme abandonnée pour échapper à son frère aîné qui le maltraite. Là, il découvre un épouvantail sinistre, qui revient à la vie lorsqu'il retire la dague plantée dans son cœur...

Un récit adapté d'une histoire courte de Joe Lansdale, et qui s'avère affreusement creux, en cela qu'il est cousu de fil blanc, et qu'il manque cruellement de punch, d'énergie et de suspense. On a l'impression d'avoir déjà vu cette histoire à de multiples reprises, ce n'est pas particulièrement bien filmé ou interprété (les éclairages colorés assez fauchés n'aident pas), et il n'y a que la chute qui fonctionne un minimum (tout en étant télégraphiée au possible).

# Lidya Lane's Better Half : Lydia Lane (Tricia Helfer), PDG d'une grande entreprise, doit gérer la colère de sa maîtresse, Celia (Danielle Lyn), lorsque celle-ci apprend qu'elle ne recevra pas la promotion qu'elle attendait. Mais un accident plus tard, et voilà Lydia prise au piège dans un ascenseur avec le corps de Celia, visiblement bien décidé à se venger.

Pas franchement plus original ni mieux filmé (beaucoup de problèmes de continuité, notamment au niveau du cadavre qui change de position en fonction des angles de caméra et des prises - sans que ce soit voulu par le récit), cette histoire bénéficie cependant d'une interprétation nettement plus solide (principalement de Helfer), qui parvient à transcender un peu l'écriture pataude. Ce n'est pas terrible, c'est déjà vu, mais ça se regarde gentiment.

1x05 :

# Night of the Paw : Angela (Hannah Barefoot) réchappe de justesse à un accident de voiture grâce à Avery Whitlock (Bruce Davison), propriétaire d'un salon mortuaire, qui la recueille et la soigne. Rapidement, elle découvre cependant que Whitlock est hanté par ses actions passées, et par les souhaits qu'il a fait grâce à une patte de singe magique...

Rien de vraiment original ou inédit dans cette énième version de la Monkey's Paw de W.W. Jacobs, mais une interprétation fiable de Bruce Davison, et un peu de racolage, avec une Hannah Barefoot en petite tenue. À part ça, on est en terrain vraiment familier et ce segment, plus long que la moyenne, semble paradoxalement souffrir de la stylisation à outrance de sa réalisation (éclairages prononcés, plans débullés, etc) et de sa durée inutile, puisque le tout finit par tomber un peu à plat sur la fin, à bout de souffle. Pas forcément mauvais en soi, mais rien de mémorable.

# Times is Tough in Musky Holler : Menacés par ses concitoyens d'être livrés en pature à des zombies dans de pseudo-jeux du cirque, le maire de la ville de Musky Holler (Dane Rhodes), son shérif (David Arquette), et plusieurs de leurs sbires tentent de se justifier de leurs actes.

Moins de 15 minutes, pour un segment qui semble avoir été tourné à la dernière minute, en fin de saison, une fois que le budget de cette dernière avait été épuisé : avec ses flashbacks narrés et interprétés en voix off, et illustrés par des images fixes façon bande dessinée, l'épisode tombe à plat, surjoué au possible (notamment par Arquette), cachant la plupart de ses effets, et ressemblant plus à une ébauche d'idée qu'à un script vraiment développé.

1x06 :

# Skincrawlers : Henry (Dana Gould), en surpoids et malheureux, décide d'essayer un régime miracle proposé par le Dr. Sloan (Chad Michael Collins) : ingérer une anguille lacustre mutante qui, en quelques jours à peine, semble dévorer toute graisse superflue. Mais l'approche d'une éclipse solaire semble tout changer...

Un segment co-écrit par Paul Dini, et qui déborde de gore jusqu'à en devenir grotesque. Amusant, pour peu que l'on fasse abstraction de tous les acteurs qui cabotinent affreusement, et de son déroulement très prévisible, qui donne presque l'impression que l'épisode tout entier a été construit autour de sa punchline finale.

 

# By The Silver Water of Lake Champlain : Rose (Sydney Wease), une adolescente orpheline de père, vit avec son petit-frère, sa mère Leigh (Gena Shaw) et son beau-père Chet (James Devoti), violent et méprisant. Mais Rose n'a qu'une obsession : le monstre du Lac Champlain, où elle vit, et auquel son père a consacré toute son existence, jusqu'à en perdre la vie. Persuadée que le monstre existe, Rose décide de tout faire pour laver la mémoire de son père...

Un segment mou, éventé et plat réalisé par Tom Savini, à partir d'une nouvelle de Joe Hill, et qui passe tellement de temps sur son mélodrame familial qu'il finit par en sous-exploiter ses créatures (tout le budget est clairement passé dans la bête, avec un résultat très inégal), et par livrer un récit télégraphié et pas du tout convaincant. Et je dois avouer que la jeune Sydney Wease ne m'a pas particulièrement convaincu.

---

Bilan :

Voilà voilà.

Ce revival de Creepshow est terminé, et pour être franc, je ne comprends pas. Je ne comprends pas la réception critique et publique totalement extatique outre-atlantique, où, à en croire ce qu'on peut y lire, ce Creepshow est la meilleure anthologie horrifique depuis des décennies.

Je ne comprends pas comment un programme aussi fauché et dépourvu d'idées soit à ce point applaudi, alors que systématiquement, ces épisodes donnent l'impression de premiers jets de scripts tournés à la va-vite avec une réalisation souvent approximative, et des effets de style (animation, etc) trop ambitieux pour les moyens du programme.

Je ne vais pas m'épancher plus que ça sur cette anthologie : je n'ai pas été impressionné par le produit fini, loin de là, et je trouve que le tout est un beau gâchis (à un ou deux épisodes près, peut-être). Cela dit, la série ayant déjà été renouvelée suite à son succès d'audience, il faudra voir si la saison 2 sera plus maîtrisée, ou si elle bénéficiera d'un budget plus confortable.

Une chose est sûre, cependant, on ne pourra pas dire que j'attendrai la suite de ce sous-Contes de la Crypte avec grande impatience...

​---

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de toutes les séries passées en revue sur ce blog en cliquant directement sur ce lien...

commentaires

Halloween Oktorrorfest 2019 - 63 - CYCLE JASON - Vendredi 13 : Chapitre Final (1984)

Publié le 30 Octobre 2019 par Lurdo dans Cinéma, Critiques éclair, Fantastique, Halloween, Horreur, Oktorrorfest, Review, Thriller, Friday

Chez les Téléphages Anonymes, d'octobre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

Vendredi 13 - Chapitre Final (Friday the 13th : The Final Chapter - 1984) :

Alors que le jeune Tommy Jarvis (Corey Feldman) séjourne avec sa mère (Joan Freeman) et sa grande soeur (Kimberly Beck) dans la région de Crystal Lake, un groupe de jeunes (Crispin Glover, Barbara Howard, Peter Barton, Alan Hayes, Judie Aronson, Lawrence Monoson, Camilla et Carey More) s'installe non loin de là. Mais Jason est toujours en vie, échappé de la morgue, et bien décidé à punir tous ceux qui vivent près du lac. Rob (Rich Anderson), un mystérieux auto-stoppeur, semble cependant en savoir plus qu'il ne le dit... 

Probablement mon Vendredi 13 préféré à ce point de la franchise, et cela tient principalement à une chose : des protagonistes plus intéressants et plus développés.

Je ne parle bien sûr pas des campeurs, toujours aussi dénudés et basiques (encore que, même là, il semble y avoir eu un petit effort au niveau de leur personnalité, notamment grâce à la présence de Crispin Glover, déjà légèrement déphasé par rapport à ses congénères - son pas de danse ^^, et qui donne au tout une atmosphère un peu différente ; de manière générale, ces jeunes ne sont pas antipathiques, ce qui est un plus) ; de Rob, transparent au possible ; ni de Jason, qui a finalement peu de présence physique pendant une grande partie du film, et n'a toujours pas développé la silhouette imposante et le langage corporel que Kane Hodder apportera ultérieurement à la franchise).

Mais bien de Tommy et sa famille, plutôt sympathiques et intéressants : certes, le côté "fan d'horreur et de monstres" de Tommy est clairement du fan-service à destination des amateurs de la franchise (et un clin d'oeil à Tom Savini), mais bizarrement, cela fonctionne, et participe au côté un peu décalé du film. Les interactions des Jarvis sont naturelles, légères et crédibles, et on s'attache à cette petite famille plus qu'à n'importe quel personnage des trois films précédents.

Un film qui n'est pas sans défauts, notamment au niveau du rythme. Heureusement, les mises à mort sont plus sèches et brutales, Jason est plus implacable et intense, et le final est plus inventif, ce qui permet au tout d'avoir un bonne longueur d'avance sur les trois autres films de la saga.

3.5/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue dans le cadre de l'Oktorrorfest dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1388 : The Arrested Development Documentary Project (2013)

Publié le 9 Mars 2021 par Lurdo dans Comédie, Critiques éclair, Documentaire, Review, Sitcom, Télévision, USA, Fox, Netflix

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

The Arrested Development Documentary Project (2013) :

Un documentaire de fans produit via financement participatif en 2013, juste avant le revival (très discutable) de la série Arrested Development sur Netflix (le documentaire se termine peu ou prou sur cette annonce), ce métrage de 75 minutes revient sur les trois saisons de la série, au travers d'interviews des créateurs, des acteurs, et des fans de ce programme assez unique, qui a réinventé le genre et le format de la sitcom familiale, en leur apportant un côté "tv réalité" et une écriture plus complexe et travaillée que la norme.

Pas désagréable à suivre, notamment pour les interviews de tous les créatifs à l'origine de la série, de Ron Howard aux frères Russo, en passant par Mitch Hurwitz et tous les réalisateurs (dont Paul Feig et Jay Chandrasekhar)... mais difficile de ne pas percevoir, à chaque détour de ce métrage, les limites de budget et de droits de diffusion du projet : il n'y a ainsi aucun extrait de la série dans ce documentaire (uniquement quelques photos de tournage), aucun extrait du discours de Hurwitz aux Emmys (malgré tout un passage qui lui est consacré) ce qui, il faut bien l'avouer, finit par desservir un peu le propos.

Alors bien sûr, le tout reste sympathique, notamment grâce aux interventions de presque toute la distribution (Jessica Walter et Michael Cera manquent à l'appel, cela dit), et parce que le tout est assez exhaustif (bon point : le docu n'éclipse pas les problèmes créatifs du showrunner, très indiscipliné et peu ponctuel), mais le manque reste perceptible, et c'est bien dommage.

Ajoutez à cela un sentiment d'élitisme et de supériorité intellectuelle émanant d'un grand nombre de fans interrogés dans le métrage, façon "de toute façon, cette série était trop intelligente pour le spectateur lambda, qui est trop con et trop peu sophistiqué pour en saisir toutes les subtilités, contrairement à nous, les vrais fans" - ce qui n'est pas sans rappeler l'attitude des fans de Rick & Morty, d'ailleurs - et voilà un documentaire intéressant, mais qui aurait mérité de prendre un peu de recul sur son sujet.

Ou, tant qu'à faire, qui aurait bien besoin d'une remise à jour, prenant en compte le revival Netflix, histoire de contraster un peu les torrents d'éloges dont tout le monde est couvert par les intervenants non-professionnels.

3.5/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1504 : Supps - The Movie (2019)

Publié le 12 Août 2021 par Lurdo dans Biographie, Cinéma, Critiques éclair, Documentaire, Histoire, Review, Sport, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Supps - The Movie (2019) :

Un documentaire assez ludique dans sa forme, s'attardant sur l'industrie des compléments alimentaires dans le monde de la musculation et du bodybuilding, au travers du témoignage de son réalisateur, Alex Ardenti, un italo-américain fasciné par le muscle depuis sa tendre enfance, et ancien champion de bodybuilding en Europe, reconverti dans la comédie, la réalisation et la photographie professionnelles.

Ardenti retrace ainsi l'histoire de l'industrie, depuis l'antiquité jusqu'à nos jours, en passant par Sandow, bodybuilder au tout début du 20e siècle, par Rheo Blair, dans les années 50, par Joe Wider, puis par la démocratisation des compléments par Met-Rx, l'arrivée de l'éphédrine, de la créatine, le développement du marketing, etc, etc, etc.

En tant que documentaire, le métrage paraît ainsi assez exhaustif (presque trop, à vrai dire, si l'on n'est pas plus fasciné que ça par le milieu et ses intervenants), bénéficiant de nombreuses interviews et images d'archive, et présente un portrait plutôt franc de la communauté, de son impact sur le monde du bodybuilding, sur le grand public, sur les médias, et tout et tout.

Seul problème, en fait : dans sa dernière ligne droite, et un peu comme les documentaires Bigger Stronger Faster et Prescription Thugs, Supps abat ses cartes et révèle sa position réelle sur le sujet.

Alors qu'il prétend aborder les sujets qui fâchent et répondre aux vraies questions concernant l'efficacité et l'innocuité des compléments alimentaires, Supps botte en touche, en se positionnant en avocat de l'industrie (ce qui ne surprend pas forcément le spectateur attentif, qui a remarqué que pendant tout le métrage, le sujet des stéroïdes et autres anabolisants n'était jamais effleuré, vendant l'image que les compléments alimentaires suffisaient, avec de l'entraînement, à donner un physique de Mr Univers), et en ne laissant la parole qu'aux défenseurs du milieu.

On tombe alors dans le lobbying pur et dur, contre (presque) toute législation ou régulation, qui critique les médecins et la presse médicale, et qui crie bien fort que tous ces compléments alimentaires sont totalement inoffensifs et bien plus sûrs que tout ce qu'on mange au quotidien.

Certes. Il y a bien une tentative de souligner le besoin de faire du sport et de manger sainement en plus de la consommation des compléments, car ce ne sont pas des produits miracles, mais bon : l'absence de contrepoint médical plus sceptique, et le fait que le documentariste soit tout acquis à la cause tirent un peu le métrage vers le bas, malheureusement.

3/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1509 : How It Ends (2021)

Publié le 19 Août 2021 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Drame, Romance, Review, USA, Science-Fiction, Science Fiction

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

How It Ends (2021) :

Alors que la fin du monde est sur le point de se produire par la chute d'une comète sur Terre, Liza (Zoe Lister-Jones), une Californienne, traverse Los Angeles en compagnie de son âme d'adolescente (Cailee Spaeny), pour faire le point sur sa vie, sur ses regrets, et finir son existence en beauté...

Aïe. Sur un postulat assez classique (les quelques heures avant l'apocalypse - These Final Hours, This is the End, Jusqu'à ce que la fin du monde nous sépare, pour les versions les plus récentes), avec un titre dérivatif (cf le How It Ends de 2018), voici donc une comédie indépendante américaine écrite, réalisée et interprétée par Zoe Lister-Jones, une chouchoute de la presse US et des critiques... et qui, sans grande surprise, finit par être un métrage ultra-nombriliste et aux tendances hipster californien assez agaçantes.

Déjà, premier problème évident : le film a été tourné en pleine pandémie, d'où des rues de LA totalement désertes, et des scènes toutes filmées en extérieur, avec deux mètres de distance entre tous les acteurs, et une forte impression de succession de mini-sketches inaboutis à peine liés par la narration (car réalisés en fonction des disponibilités de chacun).

Cette impression de défilé auto-satisfait de tous les amis de la réalisatrice-scénariste-comédienne (Olivia Wilde, Fred Armisen, Lamorne Morris, Helen Hunt, Nick Kroll, Whitney Cummings, Bobby Lee, Paul Scheer, Charlie Day, Colin Hanks, etc), tantôt pour faire leur numéro vaguement comique, tantôt pour une scène larmoyante et dramatique, finit par agacer, d'autant que le tout finit par n'être qu'un prétexte à une grosse séance de thérapie, là aussi assez typiquement californienne et américaine.

Il fallait s'en douter, avec cette idée de base d'avoir la protagoniste accompagnée de son moi intérieur adolescent (excellente Cailee Spaeny, qui confirme tout le bien que je pensais d'elle dans Pacific Rim 2 et dans The Craft, de la même réalisatrice - critique à venir ici dans quelques mois, lors de l'Halloween Oktorrorfest 2021), constamment là pour la pousser à prendre des risques et la confronter à ses névroses et ses échecs d'adulte, on ne pouvait tomber que dans quelque chose d'instropectif, à défaut d'être très original, se finissant par un "avant d'aimer les autres, apprends à t'aimer toi-même" finalement assez classique.

Bref. Une comédie pas très drôle, où tout le monde fait son truc dans son coin, et qui est surtout là pour permettre à Lister-Jones de faire défiler ses amis, de chanter un peu et de simuler une psychothérapie pseudo-profonde, qui en plus n'est jamais bien exploitée dans le film (hormis une exception, aucun autre moi intérieur n'apparaît dans le métrage, et tout est ultra-centré sur Lister-Jones, du début à la fin).

M'enfin au moins ça ne dure pas longtemps.

1.75 + 0.25 pour Spaeny = 2/6​​​​​​

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1487 : Dragon - L'histoire de Bruce Lee (1993)

Publié le 20 Juillet 2021 par Lurdo dans Action, Biographie, Cinéma, Critiques éclair, Drame, Histoire, Review, Fantastique, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Dragon - L'histoire de Bruce Lee (Dragon : The Bruce Lee Story - 1993) :

La vie et la carrière de Bruce Lee (Jason Scott Lee), qui de ses débuts de garçon de cuisine à sa célébrité mondiale en tant qu'acteur, a sur bouleverser la perception occidentale des arts martiaux et de leurs pratiquants asiatiques...

Un vieux biopic de 1993 signé Rob Cohen (Cœur de Dragon, le premier Fast and Furious, xXx, La Momie 3) qui, passionné par ce projet et par la vie de Bruce Lee, a opté pour une approche délibérément très dramatisée et métaphorique de son sujet : séquences de visions fantastiques qui voient Bruce hanté par ses démons, combats volontairement mis en scène de manière cinématographique (avec bruitages et postures outrées, ainsi qu'une action ponctuellement accélérée), événements réinventés pour être plus mémorables... il est difficile de juger vraiment le film sur des bases d'authenticité biographique, tant les libertés prises avec le sujet sont conséquentes.

Cela dit, on peut aborder ce Dragon sous d'autres angles, et là, ça fonctionne plus ou moins bien. Jason Scott Lee est plutôt bon dans le rôle, crédible physiquement, même si son interprétation frôle ponctuellement l'imitation et la copie un peu trop appuyées ; le rythme du film est suffisamment soutenu pour qu'on ne s'ennuie pas ; le film souligne l'importance de la relation de Bruce avec sa femme, la manière dont Lee a été confronté à un racisme systématique aux USA, l'impact de son succès sur sa vie de famille...

Il y a donc du bon, mais aussi du mauvais : la bande originale de Randy Edelman est gentiment cheapouille et basique, il y a des scènes totalement gratuites et/ou cheesy (dont les scènes de sexe entre Bruce et sa femme), les scènes d'action auraient parfois mérité un peu plus de maîtrise dans la réalisation, et de manière globale, le tout aurait nécessité un peu plus subtilité dans son écriture et dans sa mise en images.

Cela dit, pour peu que l'on adhère aux partis-pris du film, notamment du point de vue biographique, ce Dragon se regarde tranquillement. C'est loin d'être un chef d'œuvre, ça a un peu vieilli (surtout si, comme moi, on ne l'a pas revu depuis 25 ans), certaines périodes de la vie de Bruce sont trop survolées (toute sa carrière cinématographique, notamment, ce qui a tendance à affaiblir la progression de la dégradation de son état mental/physique) et c'est formellement parfois plus proche d'un biopic télévisé que d'un film de cinéma, mais ça se regarde.

(maintenant, je suis curieux de voir ce que vaut le film Birth of the Dragon, de 2016)

3.5/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1626 : Le Secret de la cité perdue (2022)

Publié le 21 Avril 2022 par Lurdo dans Action, Aventure, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Review, Romance, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Le Secret de la cité perdue (The Lost City - 2022) :

Auteure de romances très populaires, Loretta Sage (Sandra Bullock) est lasse de sa carrière, et déprimée depuis la mort de son époux historien et archéologue. Son dernier roman, inspiré des recherches de feu son mari, attire alors l'attention d'un riche héritier (Daniel Radcliffe) à la recherche d'un trésor perdu : il se persuade ainsi que Loretta détient les clefs de l'emplacement d'une cité disparue, et enlève l'auteure... bien vite rejointe par Alan (Channing Tatum), le mannequin vedette incapable ornant toutes les couvertures des livres de Loretta, décidé à aider la romancière.

Une comédie romantique d'aventures qui lorgne très fortement sur À la poursuite du diamant vert et toute la vague de métrages inspirés par ce dernier, et qui combine plein d'éléments sympathiques - un méchant amusant (Daniel Radcliffe), un Channing Tatum en roue libre (en mode himbo pleutre), un couple vedette intéressant, une guest star mémorable, et de l'aventure - pour, malheureusement, n'en faire pas grand chose de probant.

The Lost City manque en effet cruellement de charme et de rythme. Ce n'est pas la faute des acteurs, qui font tout leur possible pour générer de l'énergie et de l'alchimie, mais le film semble trop souvent être en pilotage automatique, sans jamais savoir comment insuffler du mouvement au récit, donner de la substance à la romance principale, ou rendre les échanges Tatum/Bullock particulièrement mémorables et pétillants.

Le film navigue ainsi entre rares moments efficaces et drôles, rebondissements prévisibles, sous-intrigue insipide sur l'agent de Loretta et son assistante, moments d'action balbutiants, et romance un peu forcée, pour nous proposer un tout qui ne paraît jamais vraiment maîtrisé ou abouti, pas aidé par une jungle et des décors jamais vraiment mis en valeur ou palpables.

Alors ça se regarde, oui, et le film bénéficie d'un certain capital sympathie inhérent à un genre trop peu exploité au cinéma de nos jours (encore que... Jungle Cruise est nettement au-dessus, dans cette catégorie), mais ça reste vraiment quelconque et mollasson, ce qui, pour un film d'aventures, est assez rédhibitoire.

2.5/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1779 : Year of the Dog (2007)

Publié le 27 Février 2023 par Lurdo dans Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Drame, Review, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Year of the Dog (2007) :

Secrétaire quadragénaire célibataire et discrète, Peggy (Molly Shannon) peine à trouver le bonheur dans sa vie professionnelle, et se consacre entièrement à Pencil, son chien adoré. Jusqu'à ce que ce dernier s'empoisonne après avoir fouiné chez un voisin : inconsolable, Peggy tente alors de trouver l'amour, avant de découvrir que sa véritable passion est la cause animale...

Une comédie dramatique indépendante assez bizarre, façon crise de la quarantaine féminine, avec ce "deuil" qui déclenche une prise de conscience, une dépression et une spirale infernale qui pousse sa protagoniste à faire des choix toujours plus improbables.

Au point d'en perdre progressivement son capital sympathie, ce qui, en soi, est une réussite conséquente, puisque Molly Shannon est, à la base, très attachante et excellente dans tous les registres.

Le film suit ainsi le parcours de cette secrétaire un peu paumée mais sympathique, qui perd son chien, et se radicalise peu à peu, se transformant, au gré du film et de ses rencontres avec des personnages tous plus barrés les uns que les autres, en militante végane de la cause animale, qui ment, vole de l'argent à son patron, accuse son voisin d'avoir tué son chien, falsifie des documents, détruit les biens de sa sœur, tente de forcer sa jeune nièce à visiter un abattoir, perd son métier, adopte 15 chiens, et tente de poignarder son voisin chasseur.

Une descente aux enfers très clairement assimilable à une dépression, couplée à une recherche d'un but à donner à sa vie... mais plutôt que de laisser autrui venir en aide à Peggy, ou de montrer comment elle s'est reconstruite après avoir touché le fond, le scénario semble approuver les choix de vie de Peggy, présentant comme seuls destins possibles pour le personnage une vie monotone de secrétaire, ou une existence palpitante de militante de la cause animale prête à tout pour faire passer les animaux avant ses semblables.

PETA or nothing, en somme, et pas de juste milieu. Avec en prime un discours assez problématique sur l'obsession, puisque c'est en choisissant l'option b et en suivant son obsession pour les animaux que Peggy devient une sociopathe radicale... chose que le film présente comme une happy end pleine de bons sentiments, comme si elle avait trouvé là un sens à sa vie.

Ajoutez à ce message discutable une réalisation parfois frustrante, car reposant globalement sur une succession de plans face caméra dans tous les dialogues, et voilà : un film indépendant excentrique, très bien interprété, mais problématique.

3/6 (pour Shannon)

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Halloween Oktorrorfest 2022 - 08 - S.O.S Fantômes : L'Héritage (2021)

Publié le 5 Octobre 2022 par Lurdo dans Review, Critiques éclair, Cinéma, Comédie, Fantastique, Action, Horreur, USA, Halloween, Oktorrorfest, Jeunesse

Chez les Téléphages Anonymes, de fin septembre à début novembre, on fête Halloween et l'Oktorrorfest, un marathon quotidien de cinéma fantastique et d'horreur...

S.O.S Fantômes : L'Héritage (Ghostbusters : Afterlife - 2021) :

Endettée et expulsée de chez elle, Callie (Carrie Coon) emmène ses deux enfants, Phoebe (Mckenna Grace), génie en herbe, et Trevor (Finn Wolfhard), adolescent, s'installer dans la ferme perdue qu'elle vient d'hériter de son grand-père avec lequel elle était brouillée. Là, rapidement, la jeune Phoebe découvre que son grand-père était Egon Spengler, chasseur de fantômes, et que s'il a coupé tous les ponts avec ses anciens collègues et sa famille, c'est parce que sa ferme sera le lieu de la bataille finale entre l'humanité et le dieu sumérien Gozer...

Après le ratage de Ghostbusters 2016, on pouvait redouter le pire pour l'avenir de la franchise SOS Fantômes, et lorsque Jason Reitman (fils d'Ivan Reitman et réalisateur de comédies potables mais honnêtement peu marquantes) a été annoncé aux commandes de ce qui ressemblait diablement à un Ghostbusters : The Next Generation, il y avait de quoi rester méfiant (malgré l'assurance d'un certain respect de la franchise par Reitman).

Au final, ce Ghostubsuters Afterlife est une sympathique comédie familiale, tout à fait honorable, qui rend hommage au premier volet de la franchise tout en proposant de jeunes personnages sympathiques, aux interprètes attachants : oui, c'est effectivement un Ghostbusters : The Next Generation, mais il le fait bien, en développant suffisamment ses protagonistes pour que l'on s'y intéresse, et qui reste suffisamment rythmé et amusant pour ne jamais ennuyer.

Ce n'est pas parfait : çà et là, on sent qu'il y a eu des coupes au montage ou à l'écriture, qui amènent quelques interrogations du spectateur ; le fanservice inévitable est généralement bien amené et géré (notamment tout ce qui concerne Egon), mais parfois un peu de trop ; la photographie jaunâtre est assez quelconque ; et Reitman n'a pas un sens extraordinaire du momentum et de l'énergie, ce qui fait que certains moments incontournables (certains sons, certaines images, certaines musiques, etc) ne sont pas forcément très bien mis en valeur, ou amenés de la manière la plus efficace possible.

Mais bon, pour une comédie fantastique familiale au budget limité (75M $ seulement), et après Ghostbusters 2016, on revient de loin, et Afterlife permet à Reitman de faire revivre brièvement Harold Ramis à l'écran (même si là aussi, ça a ses limites), ce qui fait toujours plaisir à voir.

Ne manquait que Rick Moranis pour boucler la boucle (et je regrette tout de même le travail de Ted Shapiro sur le film de 2016, l'un des vrais points positifs du métrage, alors qu'ici, le score se contente de reprendre sans inspiration les sons et les thèmes de Bernstein).

4/6 (pour le prochain, un peu moins de fanservice, et plus d'idées originales, ça ne serait pas de refus)

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue dans le cadre de l'Oktorrorfest dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...

commentaires

Un film, un jour (ou presque) #1664 : SEMAINE MIKE MYERS - Le Chat Chapeauté (2003)

Publié le 10 Juin 2022 par Lurdo dans Animation, Aventure, Action, Cinéma, Comédie, Critiques éclair, Fantastique, Jeunesse, Horreur, Review, USA

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus.

Le Chat Chapeauté (The Cat in the Hat - 2003) :

Dans un monde étrange et surréaliste, deux enfants, Conrad et Sally (Spencer Breslin, Dakota Fanning) laissés chez eux par leur mère absente (Kelly Preston) voient leur babysitter léthargique remplacée par un étrange Chat chapeauté humanoïde (Mike Myers), bien décidé à leur faire retrouver le sens du fun et à leur faire vivre un après-midi inoubliable...

Une tentative improbable de réitérer le succès du Grinch, avec une autre adaptation en prises de vue réelles de Dr Seuss, sortie en salles à Noël, mettant en scène un autre comédien protéiforme grimé en créature étrange, dans des décors surréalistes et saturés... et ça ne fonctionne pas.

Loin de moi l'idée de m'offusquer de cette adaptation en prétendant qu'elle trahit l'œuvre originale, comme bon nombre de critiques l'ont fait outre-atlantique, que ce soit pour le Grinch ou pour ce Chat Chapeauté : contrairement aux Américains, nous n'avons pas, par chez nous, la nostalgie et le culte des livres du Dr Seuss.

Mais quelque chose ne fonctionne vraiment pas dans ce Chat, à commencer par la dose conséquente de remplissage autour du récit original (une soixantaine de pages, forcément, ça ne suffit pas pour faire un film, et les scénaristes - des anciens de Seinfeld - rajoutent ainsi des tonnes de personnages secondaires et de digressions inutiles). Ce qui, dès le début du film, alourdit le tout.

Lorsque Mike Myers et son chat à l'accent de Brooklyn débarquent, le rythme s'accélère heureusement, et le tout se transforme en cartoon live frénétique... pas totalement maîtrisé. Assez logique, puisque le Chat n'est là que pour apporter du chaos dans la vie des deux enfants, mais frustrant, car cinématographiquement, ça s'éparpille, c'est fatigant, et c'est bourré de scories, comme un caméo de Paris Hilton, un Alec Baldwin superflu, un Mike Myers en roue libre (qui a d'ailleurs repris à l'identique certains des gags de ce film dans Love Gourou), et des tentatives de sous-entendus et de clins d'œil plus "adultes" qui font vraiment tâche.

Après, il faut bien reconnaître que du côté de la direction artistique, le travail abattu est remarquable : on adhère ou pas à l'esthétique seussienne, mais le mélange de surréalisme, d'absurde et de décalage, souvent jusquauboutiste dans ses choix (le film était la première réalisation d'un ancien directeur artistique de longs-métrages à l'esthétique très marquée - des productions de Sonnenfeld, de Burton, de Silberling...), est à saluer, d'autant que les effets pratiques sont multiples.

Et il faut aussi reconnaître que l'interprétation est plutôt juste, dans l'ensemble, notamment du côté des enfants.

Mais comme je l'ai dit et répété plus haut, le film, lui, ne fonctionne pas vraiment, ou alors seulement par moments, ce qui est loin d'être suffisant.

2/6

​--

Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien (000-1000) et sur celui-ci (1001-2000)...

commentaires

Les bilans de Lurdo : SEMAINE MIKE MYERS - Le Pentaverate (2022)

Publié le 12 Juin 2022 par Lurdo dans Comédie, Critiques éclair, Les bilans de Lurdo, Netflix, Thriller, USA, Télévision, Review, Fantastique

Six épisodes d'une petite demi-heure au programme de cette mini-série Netflix inspirée de quelques lignes de dialogue du film Quand Harriet découpe Charlie, et qui donne carte blanche à Mike Myers pour qu'il se lâche dans de multiples rôles... soit précisément ce qui était le point faible des films récents du bonhomme.

Reste à voir s'il a su canaliser ses pulsions créatives les plus incontrôlables, pour produire un programme cohérent et amusant...

The Pentaverate (2022) :

Lorsque le Professeur Clark (Keegan-Michael Key) est kidnappé et sa mort annoncée dans les médias, il découvre qu'il a été choisi pour devenir le cinquième membre du Pentaverate, une organisation secrète similaire aux Illuminatis, mais dont les buts sont purement bienveillants. En parallèle, Ken Scarborough (Mike Myers), un journaliste canadien raté, décide de se rendre, avec son assistante Reilly (Lydia West), à une convention de conspirationnistes... où il apprend l'existence du Pentaverate, et décide d'enquêter sur l'organisation pour relancer sa carrière.

Et d'office, la réponse est négative : non, Mike Myers n'a pas su se canaliser, non, la série n'est pas intéressante de bout en bout, et oui, ça ressemble à un vague projet de long-métrage que Myers a tenté de vendre ici ou là, avant de se rabattre sur un format mini-série trop long pour son propre bien, et au budget trop important pour ne pas partir en vrille (une série Netflix, en somme).

Pourtant, difficile de nier que les idées de Myers ne soient pas nombreuses et improbables : un peu comme dans ses films précédents, on a droit à de l'humour graveleux, de l'humour méta, des personnages caricaturaux interprétés par Myers, des gags récurrents plus subtils qu'il n'y paraît au premier abord, des gags visuels rappelant Austin Powers (le passage dans l'orgie, avec Netflix qui tente de censurer en temps réel toute trace de nudité à l'écran), des caméos à gogo (de Jeremy Irons en narrateur, à Jennifer Saunders, en passant par Ken Jeong, Rob Lowe, Maria Menounos), le tout autour d'un propos vaguement développé sur les fake news, le journalisme contemporain et les conspirationnistes, agrémenté d'effets spéciaux conséquents et gratuits et de décors excentriques.

Pour peu qu'on ne soit pas réticent au travail de Myers, le programme se laisse même plutôt bien regarder durant ses premiers épisodes, présentant un univers certes étrange, mais aussi étrangement cohérent. Et puis, progressivement, à mesure que le tout bascule dans un murder mystery évident et transparent, l'intérêt s'étiole, et la lassitude gagne.

Dommage, parce que ponctuellement, ça fonctionne, et que Myers a clairement des idées à revendre (ainsi qu'une certaine mélancolie qui transparaît, ici et là, tout au long du programme). Mais The Pentaverate possède autant de points négatifs que de points positifs, si ce n'est plus (mention spéciale à Ken Jeong, qui fait du Ken Jeong en roue libre) et si la mini-série reste inventive et décalée, voire unique en son genre, elle tourne aussi rapidement à vide, partant fréquemment dans des tangentes inutiles, ou des gags qui auraient mieux fait d'être coupés au montage.

Très inégal, donc, et à voir en connaissance de cause.

---

Retrouvez aussi toutes les autres séries passées en revue sur ce blog en cliquant ici.

commentaires
<< < 10 20 30 40 50 60 61 62 63 64 65 66 67 68 69 70 80 90 100 > >>