Résultat pour ""the good place""

C'est le mois d'août, il fait chaud, et les Téléphages Anonymes partent explorer des contrées lointaines à la recherche de l'aventure...

Le Roi Scorpion 5 - Le Livre des Âmes (Scorpion King 5 : Book of Souls - 2018) :

Désormais forgeron, Mathayus (Zach McGowan) est contraint de reprendre les armes lorsque le maléfique Memtep (Peter Mensah), en possession d'une arme maudite lui permettant de dévorer les âmes de ses ennemis vaincus, ravage le village où il se trouve. En compagnie de la Princesse nubienne Tala (Pearl Thusi), fille de Balthazar, qui craint pour son royaume, Mathayus part à la recherche du Livre des Âmes, seul moyen de vaincre les pouvoirs de Memtep, et croise le chemin d'Amina, gardienne de l'ouvrage, protégée par un Golem impressionnant...

Après un quatrième volet nettement plus parodique, la série fait un virage à 180 degrés, avec un retour à quelque chose de nettement plus premier degré, de la sword & sorcery globalement sérieuse, avec, ô miracle, une direction artistique vraiment compétente.

Pour une fois, en effet, on n'a pas l'impression de regarder un DTV fauché, ou une série tv des années 90 : même si la réalisation est par moments faiblarde (abus de ralentis et de plans débullés), elle sait ponctuellement mettre en valeur son action (les ralentis, justement, souvent sur les moments les plus spectaculaires), et le tournage en Afrique du Sud permet au métrage de bénéficier de décors naturels efficaces.

Plus ambitieux, le récit parvient ainsi à mettre en images quelques beaux moments, s'appuyant notamment sur une bande originale "s'inspirant" largement de l'un des thèmes du Retour de la Momie, sur des maquillages compétents (Nathan Jones campe un golem très réussi), sur des effets spéciaux honorables, et sur une distribution globalement crédible (j'ai quelques réserves sur Katy Louise Saunders, mais elles sont largement compensées par quelqu'un comme Mayling Ng, en sbire impressionnante de Peter Mensah).

Reste cependant un problème, Zach McGowan en Roi Scorpion. J'aime habituellement beaucoup l'acteur, qui ferait un Wolverine tout à fait convaincant, mais voilà : incarner le même personnage que The Rock et Victor Webster, mais faire 15 centimètres et 15 kilos de moins, forcément, ça coince. Et ça coince d'autant plus lorsque le script réserve à Mathayus un moment "le héros brise ses chaînes de par sa seule force physique" avec gros plans sur ses biceps... ça serait passé avec Dwayne, ça aurait pu passer avec Webster, ça passe nettement moins avec McGowan (et puis il faut bien l'admettre, la voix nasale de l'acteur ne joue pas en sa faveur dans un tel rôle).

Bref, une suite DTV compétente (comme je l'ai déjà dit), un peu desservie par le choix de son acteur principal, mais qui est nettement meilleure que les trois autres séquelles Scorpion King précédentes.

3/6

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​

La Petite Sirène (The Little Mermaid - 2018) :

Dans le Sud des USA, Cam (William Moseley), un journaliste à la recherche d'un remède à la maladie de sa nièce Elle (Loreto Peralta), enquête sur la guérison miracle promise par le Dr. Locke (Armando Gutierrez), un forain vendant une eau magique produite par la baignade d'une prétendue sirène (Poppy Drayton) qui est sa prisonnière...

Une relecture du conte d'Andersen, produite et interprétée par Armando Gutierrez, déjà à l'origine de Walt Before Disney, et qui semble avoir trouvé un bon filon : à l'instar d'Asylum, qui produit des mockbusters fauchés, de Brain Power Studio, qui produit des films de Noël et des romances fauchées, et d'Arrowstorm, qui fait de la fantasy fauchée, Gutierrez semble avoir décidé de s'installer sur le créneau des contes de fées "réinventés" (= fauchés), avec une ou deux têtes d'affiche connues, et beaucoup de fonds verts (Gutierrez a d'ailleurs entamé la production d'Anastasia, avec Brandon Routh).

Ici, on a donc un caméo de Shirley MacLaine, et les rôles principaux sont tenus par ce cher William Moseley de Narnia, et Poppy Drayton (de Shannara) - le reste de la distribution est composé de noms nettement moins connus (à part Shanna Collins et Gina Gershon, qui ne fait que passer)... avec en prime, le producteur dans le rôle du grand méchant.

Et c'est là que ça commence à coincer, puisque Gutierrez est mauvais comme un cochon (à croire que le rôle était destiné à quelqu'un d'autre, initialement, et qu'il l'a pris au dernier moment pour dépanner).

Les autres acteurs (le couple principal en tête), font de heureusement de leur mieux pour compenser, et leur conviction est d'ailleurs louable : dans un film débordant d'effets spéciaux ratés et de décors fauchés (les fonds verts, les incrustations, les passages sous-marins dont on entraperçoit les bords du bassin où les scènes ont été tournées, tous les intérieurs qui font toc...), de rebondissements décousus (la gitane du cirque qui se retrouve à posséder plus de pouvoirs magiques que Gandalf), de visuels ambitieux mais jamais convaincants (le film a des airs de DTV filmé en vidéo, avec une photographie peu probante), une grosse partie du casting fait tout son possible pour incarner les personnages, et cela fonctionne presque.

Malheureusement, dans l'ensemble, malgré ces efforts, un générique de début animé pas désagréable, une chanson de Poppy Drayton assez jolie (mais qui arrive comme un cheveu sur la soupe) et quelques moments intéressants, ce métrage à destination des plus jeunes n'intéressera pas grand monde, et rappellera aux adultes pléthore de films pour enfants direct-to-video au budget microscopique et à la qualité approximative, comme on pouvait en trouver dans les vidéo-clubs, il y a bien longtemps.

2/6

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Fast & Furious - Hobbs & Shaw (2019) :

Lorsqu'un dangereux virus est dérobé par Hattie Shaw (Vanessa Kirby), la soeur du mercenaire Deckard Shaw (Jason Statham), ce dernier est mandaté par le gouvernement pour la retrouver avant qu'il ne soit trop tard. Pour l'aider, Hobbs (Dwayne Johnson), un ancien rival avec lequel il doit collaborer, afin d'éviter que le maléfique Brixton (Idris Elba), ancien espion aux capacités cybernétiques surhumaines, ne mette ses plans à exécution et ne libère le virus sur Terre...

Fast & Furious 8 s'était avéré, à mes yeux, la goutte faisant déborder le vase de la franchise F&F, avec un trop plein de "famille", de cascades improbables défiant les lois de la physique, d'effets numériques ratés, et de Baboulinet se faisant dévorer par le charisme de Statham et de The Rock.

Ici, sans Vin Diesel et tous les seconds rôles de la franchise, avec le réalisateur de Deadpool 2 aux commandes, et avec une optique "buddy movie déconneur" plus assumée, il y avait de quoi espérer quelque chose de plus amusant, de plus bourrin, et de moins fatigant.

Malheureusement, si le film est spectaculaire, façon "concours de b*tes" amusant, avec un trio principal efficace et un antagoniste charismatique... le métrage reste bien trop long et boursouflé.

C'est bien simple : on a constamment l'impression de regarder une version longue/édition spéciale du film sortie en dvd, avec toutes les scènes coupées réintégrées dans le film en dépit de leur inutilité, redondance ou durée abusive (tous les moments de Ryan Reynolds, tout ce qui tourne autour de Kevin Hart, le passage chez les voleuses russes...).

Résultat : le film a facilement une bonne demi-heure de trop, une demi-heure qui alourdit clairement le tout, et qui affaiblit d'autant certains passages (à la plausibilité physique ou narrative déjà assez limitée).

Dommage, car il y avait là de quoi donner un film sympathique d'une centaine de minutes : mais au format 2h15, ça tire à la ligne, et ça devient épuisant.

Cela dit, j'ai tout de même préféré à F&F 8, et ça reste divertissant.

3.25/6

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Scotty and The Secret History of Hollywood (2017) :

Le portrait de Scotty Bowers, légende du vieil Hollywood, qui, après une carrière dans l'armée, a ouvert une station-service dans la capitale du cinéma, station-service rapidement devenue un point de rencontre et d'échange incontournable pour la communauté gay et lesbienne des studios d'alors : les plus grands acteurs et actrices sont passés par l'établissement de Scotty, et, au fil des ans, celui-ci est devenu l'organisateur des rencontres les plus interdites, fournisseur de chair fraîche et de jeunes éphèbes pour des célébrités bien trop souvent contraintes de vivre leur sexualité dans l'ombre...

Un documentaire biographique qui n'est pas sans rappeler Tab Hunter Confidential dans sa description d'un monde plein de mensonges et de pulsions assouvies en secret, puisque, si l'on doit l'en croire, Scotty a connu tout, tout le monde, et le plus souvent, a couché avec les plus grands noms, de J. Edgar Hoover à Ava Gardner.

Et quand bien même Bowers embellirait un peu ses souvenirs (après tout, il a 95 ans, et même s'il est en pleine forme, et que de multiples vétérans du vieil Hollywood confirment ses dires, les divers protagonistes de ses histoires ne sont plus là pour le contredire), il reste en parallèle le portrait d'un homme qui a tout vu, tout connu, et qui a été marqué par la vie (guerre, mort de sa fille, abus sexuels durant son enfance).

Un homme qui, pourtant, malgré tout ce qu'il a traversé et sa santé défaillante, garde son optimisme, son ouverture d'esprit (il se définit comme pansexuel et affirme être partant pour coucher avec tout ce qui bouge), et est joyeusement marié depuis plus de 30 ans.

Le documentaire, lui, parvient à concilier anecdotes amusantes, à grands renforts d'images et de photos d'archive, tranches de vie un peu tristes (Scotty est clairement nostalgique d'une époque révolue et plus libre, sans compter qu'il est désormais un accumulateur compulsif et mélancolique), et moments assez sombres (lorsque le documentaire explique, au détour d'une scène, que Scotty se prostituait déjà adolescent, après être passé dans les bras de dizaines de prêtres, et dans ceux de son voisin adulte...).

Intéressant pour qui s'intéresse à un certain Hollywood, et ce quand bien même le métrage aurait peut-être bénéficié à remettre en question ou en perspective toutes les affirmations de son sujet, qui a ici carte blanche pour réécrire le passé comme bon lui semble - même si j'en conviens, les survivants de cette âge d'or sont de plus en plus rares.

4.25/6

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Après une première saison collant de trop près aux romans et au film, la saison 2 des Orphelins Baudelaire avait su trouver sa propre identité : une identité pas dépourvue de défauts inhérents à son style, mais de plus en plus excentrique, et approfondissant suffisamment son intrigue de fond - avec des acteurs attachants - pour faire oublier ces quelques soucis...

Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events - 3x01-02 - The Slippery Slope :

Alors que la troupe d'Olaf s'installe au sommet du mont Fraught, Violet et Klaus Baudelaire échappent de justesse à la mort, et trouvent refuge dans une grotte. Là, ils retrouvent une troupe de Scouts menés par Carmelita, et abritant en son sein Quigley Quagmire (Dylan Kingwell), le troisième enfant Quagmire. Ensemble, Violet, Klaus et Quigley vont alors tout faire pour libérer Sunny, pour percer à jour les mystères de la base secrète montagnarde du VFD, et pour éviter deux nouveaux arrivants sinistres (Richard E. Grant, Beth Grant), les terribles mentors du Comte Olaf...

Un double épisode de reprise assez compact (2x45 minutes à peine), clairement écrit par Daniel Handler (on retrouve ses tics d'écriture, ses explications de vocabulaire, son Snicket envahissant, ses dialogues chargés...), et qui, paradoxalement, semble un peu précipité et brouillon, alors même que la série, jusqu'à présent, prenait largement son temps.

Ici, non seulement Handler mélange de multiples sous-intrigues (la soeur Snicket et le banquier, la troupe d'Olaf qui commence à se rebeller, les Baudelaire, Sunny et l'homme au crochet, les deux nouveaux arrivants, l'exploration du QG du VDF, les scouts, Quigley...), mais en plus, il donne l'impression de déplacer des pièces sur un échiquier de manière assez visible et flagrante (l'élimination des freaks), pour les amener là où il veut qu'elles soient avant le grand final.

Ça donne donc une certaine impression d'artificialité dans les réactions des personnages, des sbires d'Olaf qui se découvrent soudain une conscience, aux décisions mal avisées des Baudelaire, qui semblent oublier d'allumer leur cerveau le temps de quelques scènes.

L'arrivée des mentors du Comte fait un peu le même effet, une sorte d'astuce scénaristique pataude façon "établissons de nouveaux méchants dont même le méchant habituel a peur".

D'ailleurs, il n'est pas surprenant de constater que plus l'épisode avance, plus on en voit les coutures (toute la capture d'Esmé et ce qui s'en suit est un grand moment de WTF scénaristique), pas aidé par des décors faisant peut-être un peu plus "studio" que d'habitude.

Après, comme souvent avec cette série, un temps d'adaptation est probablement nécessaire avant de vraiment pouvoir se replonger dans cet univers si théâtral et particulier... et honnêtement, malgré les critiques émises ci-dessus, le tout n'est pas mauvais.

Sunny, qui a beaucoup grandi, est adorable, et sa relation avec le sbire est assez mignonne, les costumes de Lucy Punch sont toujours spectaculaires, et le tout reste dans la droite continuité des saisons précédentes... il manque peut-être simplement d'un peu de rigueur narrative pour que cette reprise soit vraiment convaincante.

(à suivre...)

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(retrouvez aussi sur ce blog les critiques des saisons précédentes en cliquant ici...)

C'est le mois d'août, il fait chaud, et les Téléphages Anonymes partent explorer des contrées lointaines à la recherche de l'aventure...

Lara Croft : Tomb Raider - Le Berceau de la Vie (The Cradle of Life - 2003) :

Recrutée par le MI6 pour contrer les plans du sinistre Jonathan Reiss (Ciaran Hinds), un biochimiste spécialiste en armes biologiques, Lara Croft (Angelina Jolie) doit faire équipe avec Sheridan (Gerard Butler), un ancien amant, pour élucider avant Reiss le mystère d'un orbe magique menant à la Boîte de Pandore...

Après un premier opus très médiocre, mais ayant connu un succès certain au box office, voici sa suite, au budget un peu inférieur, et confiée à Jan De Bont (Speed 1 & 2, Twister, Hantise, ce Tomb Raider, et... plus rien ; un peu comme West après Tomb Raider 1, tiens...).

Résultat : un blockbuster d'aventures un peu mieux filmé, malgré des plans débullés et des ralentis inutiles, des décors assez réussis (sauf, encore une fois, le décor final, fauché et étriqué au possible), une bande originale d'Alan Silvestri plus intéressante que l'illustration musicale du premier film... mais un film soporifique sur tous les plans, porté par une Angelina Jolie nettement plus en retenue que dans le premier film.

Certes, Jolie a l'air de mieux cerner son personnage, son accent, et d'avoir transformé un peu de son arrogance en quelque chose de plus joueur, mais les trois quarts du temps, elle semble ici en pilotage automatique, pas aidée par un métrage long (deux heures), lent (le tout se déroule à un rythme nonchalant), et jamais dynamique (toutes les scènes d'actions sont molles, tant au niveau du montage que de la réalisation, et donnent l'impression de se dérouler à un rythme nonchalant).

Tomb Raider lorgne ici plus sur Bond que sur Indiana Jones, mais le film n'a pas un quart du divertissement de ses modèles, et le vrai manque d'énergie du film, à tous les niveaux, fait qu'on s'ennuie beaucoup devant ce second et dernier opus de Jolie/Lara. 

2/6

(maintenant, je n'ai plus qu'à revoir le remake de 2018, déjà critiqué en ces lieux)

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Le Retour de la Momie (The Mummy Returns - 2001) :

Désormais mariés et parents d'un jeune garçon, Alex (Freddie Boath), Rick et Evelyn O'Connell (Brendan Fraser et Rachel Weisz) se retrouvent embarqués, aux côtés de Jonathan (John Hannah) et d'Ardeth Bay (Oded Fehr), dans une course au trésor contre l'infâme Imhotep (Arnold Vosloo), ressuscité par la réincarnation d'Anck-Su-Namun (Patricia Velasquez). L'objectif de ces derniers : retrouver en premier l'oasis abritant la pyramide du Roi Scorpion (Dwayne Johnson), afin de prendre le contrôle de ses armées surnaturelles, et de dominer le monde...

On prend les mêmes et on recommence (ou presque) pour cette suite toujours signée Stephen Sommers, et dont la seule différence avec le premier épisode est la bande originale, ici signée Alan Silvestri (et qui est tout simplement excellente).

Pour ce Retour de la Momie, cependant, Sommers a eu carte blanche suite au succès du premier volet, et comme souvent chez lui, cela se traduit par un film bigger, louder, qui part dans tous les sens, et se perd un peu en chemin.

Il faut dire que pour son scénario, Sommers se contente de reprendre une grande partie des éléments du premier, en en décuplant simplement l'ampleur : ouverture sur une légende antique, voyage en aéronef avec un pilote excentrique, mur élémentaire avec visage de la momie, poursuite véhiculaire en ville, combats, trio d'archéologues rivaux incapables, armée d'anti-Medjais, momies numériques, pigmées cannibales, pièges, tombes, scorpions, scarabées, etc, etc, etc - tout est ici multiplié par dix, dans une débauche de moyens visuels et budgétaires pas toujours judicieux (ILM est toujours à la barre des effets spéciaux, mais le nombre de ceux-ci ayant doublé en cours de tournage, leur qualité à diminué d'autant, puisqu'une grosse partie du travail a été sous-traitée à d'autres sociétés, ce qui donne un résultat très inégal à l'écran).

Pour ne rien arranger, Sommers ajoute à ses personnages principaux un petit garçon (le syndrome Anakin, amis en plus supportable et en mieux interprété), et multiplie les retcons et coïncidences scénaristiques assez pataudes (le tatouage de Rick, la réincarnation d'Evelyn, le sceptre de Jonathan) qui finissent par lasser et par décevoir.

Heureusement, cependant, le rythme soutenu, la musique entraînante, et l'énergie globale du tout font que Le Retour de la Momie, s'il n'est pas à la hauteur de l'original et semble souvent en être un pseudo-remake, en plus friqué, reste un bon divertissement d'aventure, généreux, et avec des personnages sympathiques et attachants.

3.75/6

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L'Halloween Oktorrorfest 2019 est presque là sur le blog des Téléphages Anonymes, et pour se mettre en douceur dans une ambiance sinistre et fantastique, rien de tel qu'une semaine consacrée au plus célèbre des démons chasseurs de monstres : ce bon vieux Hellboy... ​​

Hellboy : Le Sabre des Tempêtes (Hellboy Animated : Sword of Storms - 2006) :

Lorsqu'un universitaire est possédé par deux démons, Foudre et Tonnerre, autrefois enfermés dans un katana de légende, Hellboy (Ron Perlman) et Kate Corrigan (Peri Gilpin) partent pour le Japon afin de mener l'enquête. Rapidement, cependant, Hellboy est séparé de ses collègues du BPRD, et se retrouve, armé du katana, dans une dimension surnaturelle où les mythes du Soleil Levant prennent vie...

Long-métrage d'animation d'un peu plus de 70 minutes, chapeauté par Guillermo Del Toro et Mike Mignola, et qui reprend la même distribution que le premier film de GTD (Ron Perlman, Selma Blair, John Hurt, Doug Jones), sous la direction de Tad Stones, vétéran de l'animation notamment responsable de la série Darkwing Duck.

Dans l'absolu, c'est très loin d'être désagréable, malgré une animation un peu inégale : le doublage est très bon (je préfère même Selma Blair ici que devant la caméra de GDT), la direction artistique plutôt agréable (loin du travail de Mignola, et rappelant ponctuellement le dessin animé Jackie Chan Adventures), et dans l'ensemble, c'est somme toute assez bien produit.

Après, pour être totalement franc, je n'ai pas été vraiment passionné par ce film. Non seulement parce que l'univers japonais, ses légendes, tout ça, ça n'a jamais vraiment été ma tasse de thé (sans mauvais jeu de mots), mais en plus, il faut bien avouer que la structure du métrage est assez peu satisfaisante : les mésaventures de Hellboy dans l'au-delà sont trop épisodiques pour vraiment fonctionner (et les ennemis de Hellboy sont étrangement un peu trop pathétiques pour être des antagonistes totalement convaincants), et la sous-intrigue de Liz et d'Abe est tout simplement peu intéressante (malgré un développement intéressant de leur relation).

Un bilan mitigé positif, donc, mais tout de même une jolie version animée des aventures de Big Red.

3.25/6

Hellboy : Les Chaussures de Fer (Hellboy Animated : The Iron Shoes - 2007) :

Hellboy s'approche d'une tour en ruines, occupée par un esprit malfaisant porteur de chaussures en fer...

Très court-métrage de moins de deux minutes, consistant principalement en une scène d'action rapide, et c'est tout.

Pas grand chose à en dire, donc, et difficile d'y mettre une note.

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Noël est passé, les Rois sont arrivés, mais avant de tirer sa révérence, la Christmas Yulefest 2014 joue les prolongations sur le blog des Téléphages Anonymes, avec un Bonus Round d'une semaine afin de boucler dignement ce marathon de cinéma festif de fin d'année...

Le Voleur de Tanger (The Prince Who Was a Thief) :

Prince héritier du trône du sultanat de Tanger, Hussein réchappe de peu dans son berceau à un assassinat commandité par le maléfique Mustapha (Donald Randolph). L'assassin, Yussef (Everett Sloane), finit en effet par adopter le petit Hussein, et par l'élever parmi les voleurs de la ville : désormais adulte et rebaptisé Julna (Tony Curtis), le voleur est bien décidé à mettre la main sur les trésors de Mustapha, ainsi que sur la belle princesse Yasmin (Peggis Castle). Mais il va bientôt croiser le chemin d'une voleuse rebelle et sauvageonne, l'acrobate et contorsionniste Tina (Piper Laurie)...

Un film de cape et d'épée de 1951, et qui s'avère, encore une fois, un divertissement tout à fait sympathique, entre un Tony Curtis dynamique et enthousiaste, une Piper Laurie à nouveau adorable et attachante, et un scénario dynamique et bien troussé.

Pas de quoi révolutionner le genre, ni même marquer particulièrement le spectateur, mais l'ensemble reste éminemment agréable et rafraîchissant, avec en prime des décors convaincants et un budget suffisant.

4/6

Le Fils d'Ali Baba (Son of Ali Baba) :

Jeune militaire et séducteur impénitent, Kashma Baba (Tony Curtis), fils d'Ali Baba, croise un soir le chemin d'une charmante esclave, Kiki (Piper Laurie), qui se réfugie sous son toit pour échapper au calife (Victor Jory). Sans attendre, Kashma la ramène alors au palais de son père... mais Kiki est en réalité une princesse que le Calife manipule pour parvenir à ses fins, et pour s'introduire dans le palais...

Un an plus tard, on reprend le duo du Voleur de Tanger, mais cette fois-ci, rien ne fonctionne vraiment : Piper Laurie est toujours mimi tout plein, mais son personnage n'est jamais vraiment convaincant, et passe au second plan des magouilles et combats en tous genres ; Tony Curtis a l'air nettement moins à l'aise ici, notamment avec ses dialogues ; et le film manque cruellement d'énergie et de rythme, sans même parler de légèreté (vaguement confiée aux personnages des deux courtisanes/commentatrices, malheureusement trop en retrait pour vraiment fonctionner). Dommage.

2.25/6

Noël est passé, la Nouvelle Année est arrivée, mais comme tous les ans, la Christmas Yulefest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

Noël au Royaume des Mille et une Nuits (Weihnachten im Morgenland) :

Sylviculteur solitaire depuis la mort de sa femme, Florian Droste (Walter Sittler) fait pousser des sapins en Allemagne, jusqu'au jour où, agacé par tous ses proches et leur caractère envahissant, il a un accident de voiture alors qu'il est au téléphone. Convaincue qu'il est dépressif et suicidaire, sa famille décide d'emménager avec lui mais préférant plutôt les fuir, Florian choisit plutôt d'accepter un contrat improbable : partir pour Dubai en compagnie de Milena (Anica Dobra), la séduisante assistante d'un Sheick local, qui a pour souhait de planter une forêt de sapins dans le désert. Mais ses proches décident de le suivre à l'autre bout du monde...

Un téléfilm allemand diffusé sur la ZDF, et qui parvient à emporter globalement l'adhésion par sa bonne humeur et sa légèreté sympathiques.

Bon, ça n'évite pas quelques maladresses relatives à la religion musulmane, et ça ressemble parfois à une vidéo de l'office du tourisme de Dubaï, mais ce ne sont que quelques moments insignifiants, qui n'éclipsent pas forcément le reste du métrage, et l'interprétation flegmatique de l'acteur principal.

Bref : après tout une saison de fêtes menée au rythme des clichés américains du genre, ça change un peu, ce qui n'est pas désagréable.

3.5/6

Sinbad (Sinbad of the Seven Seas) :

Afin de sauver la belle princesse Alina (Alessandra Martines), tombée aux mains du maléfique sorcier Jaffar (John Steiner ), Sinbad (Lou Ferrigno) et son équipage doivent s'aventurer aux quatre coins du globe à la recherche de cinq pierres magiques, indispensables pour reconquérir le royaume...

Que dire... que dire ? Un nanard improbable, une mini-série italienne avortée made in Cannon, retransformée à l'arrache en film-patchwork totalement décousu et bordélique, à peine tenu debout par le rajout d'une narration en voix off d'une mère à sa fille dans les temps modernes.

Presque tout y est raté et cheapissime : la musique synthétique, les effets spéciaux immondes, le brushing de Lou, l'interprétation de tous les acteurs (en roue libre), la post-synchonisation baclée, le rythme, les aventures, la logique, les combats au ralenti, la steady-cam qui tremble, etc...

Le pire, c'est qu'après quelques instants de doute (l'ouverture qui prétend que ce film est adapté d'Edgar Allan Poe, alors que pas du tout), les premières scènes au Moyen Orient sont assez convaincantes, visuellement : il y a des figurants, les décors sont réussis, les costumes potables, l'ambiance est là...

Mais en quelques minutes ça s'effondre, et ensuite, ce ne sont que 93 minutes de souffrance et de rires nerveux devant cet étron filmique qui finit par prendre des allures de comédie involontaire.

0.25/6

Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française... ​​ ​

Les Seigneurs (2012) :

Footballeur has-been contraint de trouver un emploi stable dans le cadre de son divorce, Patrick Orbéra (José Garcia) accepte le poste d'entraîneur d'une petite équipe bretonne à la dérive. Il recrute ainsi ses anciens coéquipiers de l'équipe de France, tous aussi paumés que lui (Ramzy Bédia, Omar Sy, Joey Starr, Gad Elmaleh, Franck Dubosc)... mais rapidement, contre toute attente, cette équipe de bras-cassés commence à trouver son rythme et à enchaîner les victoires.

Une comédie sportive qui sent bon le déjà vu, tant sur le plan de son scénario que de son illustration musicale (qui reprend à un moment crucial le thème du Dernier des Mohicans/The Gael de Dougie Maclean), et qui peine à impliquer le spectateur dans le sort de cette équipe de bras cassés aux perruques improbables.

Forcément, vu le nombre de visages familiers à l'écran, le script se démène pour les laisser chacun faire leur numéro, et il ne reste plus grand chose, en fin de compte, pour justifier un investissement émotionnel quelconque.

Ce qui n'empêche pas Olivier Dahan, entre deux biopics mélodramatiques, de tenter une dernière demi-heure ultra-premier degré, avec match de foot blindé de ralentis, de clichés récurrents dans ce genre de film, de musique ultra-dramatique (Guillaume Roussel s'est démené, peut-être même trop), de moments décisifs pleins de pseudo-tension, etc.

Plus il s'approche de sa fin, plus le film se prend au sérieux, donc, et moins il fonctionne, puisqu'à la base, on n'est pas très concerné par ce qui se passe à l'écran. La baudruche vaguement sympathique de la première heure de métrage se dégonfle donc totalement sous le poids de ses grosses ficelles, et on finit assez déçu par ce qu'on vient de voir.

2.25/6

L'Ascension (2017) :

Pour prouver à Nadia (Alice Belaïdi) qu'il est prêt à tout pour elle, Samy (Ahmed Sylla) décide de partir pour l'Everest, et d'escalader cette montagne, alors qu'il n'a jamais quitté sa banlieue du 93. Contre toute attente, avec le soutien d'une radio parisienne, Samy devient alors un phénomène de société...

Supposément une comédie romantique et d'aventures avec un Ahmed Sylla plutôt sympathique, à la base, L'Ascension arrivait auréolée d'une réputation très flatteuse, et j'avais donc des attentes certaines en attaquant ce métrage.

Et la déception est d'autant plus grande. Ce n'est pas que c'est particulièrement mauvais, bien au contraire, c'est même un film assez honorable... mais niveau humour et comédie, c'est l'encéphalogramme plat.

Blagounettes et choc des cultures éventés, rythme vraiment pépère, déroulement très classique, je n'ai vraiment rien trouvé de particulièrement mémorable dans ce premier long-métrage de l'ex-assistant réalisateur de Kassovitz et Canet.

Encore une fois, ce n'est pas mauvais, c'est visuellement plutôt réussi, et la romance est plutôt jolie (et bien interprétée), mais ça s'arrête là, et ça m'a laissé globalement de marbre.

3/6

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Pendant un mois, à l'occasion de la Fête Nationale, retour sur un cinéma que je délaisse trop souvent : la comédie française... ​​ ​

Les Gamins (2013) :

Très épris de Lola (Mélanie Bernier), sa fiancée, et désireux de faire carrière dans la musique, Thomas (Max Boublil) rencontre enfin Gilbert (Alain Chabat), son futur beau-père, en pleine crise existentielle. Les deux hommes vont alors sympathiser et devenir inséparables, quitte à rejeter toutes leurs responsabilités pour profiter au maximum de la vie...

Premier film du réalisateur/scénariste de Robin des Bois - La Véritable Histoire, coécrit par Max Boublil, qui se met heureusement en mode mineur dans le rôle de l'apprenti-musicien romantique et au sens de l'humour mordant.

Malheureusement, tout ce qui concerne Boublil - la romance, sa carrière musicale, etc - est aussi particulièrement insipide et quelconque (et puis la résolution de sa carrière musicale, avec Iggy Pop, est assez piteuse et arrogante). Ce qui rend une bonne grosse moitié du film assez inintéressante, d'autant qu'on peut y ajouter ses personnages féminins assez sous-développés, et leurs sous-intrigues respectives.

Reste une poignée de gags qui fonctionnent, une certaine énergie, ainsi qu'Alain Chabat, qui semble clairement s'amuser dans son rôle, et est plutôt juste et attachant, en plus d'avoir une bonne alchimie avec Boublil.

Ce n'est pas énorme.

2.5/6

À Toute Épreuve (2014) :

Au lycée Le Corbusier, Greg (Thomas Solivéres), un cancre, est tombé amoureux de la belle Maeva (Mathilde Warnier). Seul problème, s'il veut poursuivre cette relation alors qu'elle part pour une école d'art à Londres, il doit décrocher une bourse. Et pour cela, il doit obtenir une mention Très Bien au bac. Une seule solution : dérober les sujets de l'examen, en compagnie de Yani (Samy Seghir), de Fati (Melha Bedia) et de Scarface (La Fouine)...

Une comédie pour adolescents filmée à l'américaine, avec énormément de rythme, et une réalisation très stylisée, agrémentée d'une bande originale orchestrale étonnamment ample et épique : une assez bonne surprise, donc, malgré un ton un peu gratuitement vulgaire, et un côté un peu cartoon qui pourrait déplaire à certains.

Mais dans l'ensemble, ça fait plaisir de voir des films aussi décomplexés sur le fond que sur la forme, et avec une distribution aussi sympathique - Solivéres passe son temps à s'en prendre plein la tête, La Fouine assure en ex-bachelier raté, la soeur de Ramzy s'amuse, et surtout, Valérie Karsenti s'en donne à coeur joie en mère de famille sexy qui couche avec le proviseur (Marc Lavoine).

Pas parfait, un titre trop passe-partout, un peu brouillon par moments, pas non plus follement original (on pense à plusieurs autres films, que ce soit par chez nous - Les Sous-Doués et compagnie - ou bien outre-atlantique - The Perfect Score), et un récit qui met un certain temps avant d'entrer dans le vif du sujet, mais globalement assez sympathique.

3.5/6

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Et comme toujours, vous pouvez retrouver la liste complète de tous les films passés en revue sur ce blog dans le menu Index de haut de page, ou en cliquant directement sur ce lien...

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​ 

Nobody Speak - Le Procès d'une Presse Libre (Trials of the Free Press) :

Un documentaire qui retrace le procès Hulk Hogan vs Gawker, lorsque le site média avait publié des images de la sex-tape de Hulk Hogan, filmée à son insu par son meilleur ami alors qu'il couchait avec la femme de celui-ci.

Le problème, en fait, c'est que le documentaire est particulièrement biaisé, et à ce titre, particulièrement agaçant : outre l'illustration musicale envahissante, l'équipe de tournage est clairement du côté de Gawker, et utilise cette affaire (et le fait que le camp Hogan était financé, lors du procès, par un ponte libertaire de la Silicon Valley qui en avait personnellement après Gawker depuis que le site avait révélé son homosexualité) pour régler ses comptes contre Silicon Valley, ses investisseurs, les politiques, la justice, etc, tout ça en s'abritant derrière "la liberté d'expression de la presse", à l'américaine.

Le problème, en fait, c'est que Gawker n'a jamais été qu'un exemple de site de news de la pire espèce, une sorte de croisement entre France Dimanche, Voici, TMZ, et les tabloïds anglais (le créateur de Gawker est anglais, coïncidence ?), prêt à tout pour avoir de gros titres racoleurs, y compris à mentir, à insulter, à délibérément mal interpréter, à se mettre hors-la-loi, et à commettre des erreurs flagrantes.

Voir alors les "journalistes" de ce site, pour la plupart assez détestables et arrogants (il faut voir le rédacteur en chef - je crois - répondre sarcastiquement aux questions posées durant sa déposition pour comprendre qu'ils se croyaient au dessus de tout ça), s'ériger comme victimes d'un système, et comme grands défenseurs de la presse libre, est tout simplement hors-sujet, et vraiment insupportable.

Et pour ne rien arranger, le documentaire tente, dès ses premières minutes, de jouer la carte Donald Trump, pour établir un lien de cause à effet entre ce procès (qui, rappelons-le encore une fois, est celui d'un site-torchon publiant une sex-tape illégale pour gagner de l'argent avec des clics) et l'avènement de Trump et des fake news.

En cours de route, le film s'appuie donc sur ce cas particulier d'un site œuvrant pourtant régulièrement dans le gossip et les fake news sans aucun code déontologique ou moral, l’érigeant en exemple à suivre, pour construire (après être passé par la case conspiration entre les médias, les grands investisseurs, le monde des services secrets, et les politiciens) un plaidoyer ronflant pour la presse américaine et sa liberté absolue, garante de démocratie et d'une information libre et objective.

Bref, un métrage frustrant, paradoxal, au ton abrasif, et au postulat de départ tellement partial qu'il ne peut qu'agacer, et par là-même affaiblir d'autant un propos global pourtant pas inintéressant ou dépourvu de pertinence.

2/6

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Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine, et des critiques d'une vingtaine de lignes, tout au plus. ​​ 

James Arthur Ray, Gourou New Age (Enlighten Us - The Rise and Fall of James Arthur Ray) :

Un documentaire étrangement indulgent et complaisant vis à vis de son sujet, James Arthur Ray, un motivational speaker comme l'Amérique sait en produire, et l'un des "philosophes" à être apparu dans le célèbre Le Secret, qui a lancé sa carrière outre-Atlantique.

Un James Arthur Ray originaire d'une famille extrêmement croyante et radicale, et qui a vu en son père pasteur et prêcheur un bon exemple sur lequel s'appuyer pour devenir télémarketeur puis guide spirituel à grande échelle en développement personnel...

Sa philosophie ? La pensée positive, et l'évolution et la transformation par la souffrance et les épreuves, soit quelque chose de vraiment classique dans le genre, mais que Ray a réussi à transcender par son charisme, et par sa présentation particulièrement agitée (limite un peu trop).

Et donc, lorsque sa récupération de rites natif-américains a mal tourné, et a provoqué la mort accidentelle de trois personnes dans une hutte à sudation, Ray a été arrêté, reconnu coupable, ruiné (en même temps, il était totalement bouffé par son égo - il se qualifie toujours de "Sauveur" - et par ses dépenses gigantesques), et envoyé en prison pendant plusieurs années.

Le documentaire s'ouvre donc sur sa sortie de prison, et fait le point sur la carrière qu'il tente de reconstruire, tout en narrant ses antécédents en flashback, par le biais de témoignages d'anciennes adeptes (une grosse majorité de femmes, c'est étrange...) et de proches.

Et c'est là que le bât blesse, puisqu'à aucun moment, le métrage ne souligne les problèmes inhérents au statut de quasi-gourou de Ray : on est clairement aux USA, et les motivational speakers comme lui (aka des psychologues de comptoir) sont monnaie courante, parfaitement acceptés.

C'est comme ça qu'on se retrouve avec un film qui présente presque Ray comme "victime" de circonstances hors de son contrôle, qui montre tout le bien qu'il a fait, qui le laisse exposer sa méthode en long, en large et en travers, qui nous montre un Ray larmoyant et repentant (enfin, il se repent tout en se laissant systématiquement des portes de sortie et des excuses), et qui laisse un Ray nous expliquer que finalement, en accord avec sa philosophie, cet "incident" mortel est une bonne chose pour lui, qui lui a permis de grandir et d'évoluer, et c'est donc la preuve que sa "philosophie" est parfaitement fondée, et qu'il est sur le droit chemin.

Instructif, mais assez agaçant, tous comptes faits, et ce bien que le bonhomme ne soit pas antipathique.

2.5/6

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Après une première saison mitigée, et deux premiers épisodes de saison 2 à l'identique, on continue cette suite des mésaventures des Orphelins Baudelaire, une suite qui a, pour le moment, apporté à l'univers des Baudelaire le duo des jumeaux Quagmire, ainsi que le frère aventurier de Lemony Snicket, interprété par Nathan Fillion.

Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events - Saison 2 - The Ersatz Elevator (2x03-04) :

Alors que tout le monde tente de retrouver Olaf, en fuite, les Baudelaire sont confiés aux bons soins du riche Jerome Squalor (Tony Hale) et de son épouse Esmé (Lucy Punch). Mais Olaf est déjà là, sous les traits de Gunther, et il tente de séduire Mme Squalor, au grand dam des enfants ; ces derniers n'ont alors qu'une seule solution : tenter de retrouver les jumeaux Quagmire avant qu'il ne soit trop tard...

Un double épisode un peu plus "frais" et intéressant que les précédents, principalement de par son environnement (le centre-ville), qui change clairement de ce dont on a l'habitude, et de par ses nouveaux personnages (Tony Hale et Lucy Punch sont vraiment impeccables).

De plus, pour une fois, les enfants sont un peu plus actifs (du moins, dans la seconde moitié de ce récit), notamment Sunny, et ne se contentent plus d'être des pions baladés à droite et à gauche.

Cela dit, ce double épisode est écrit par Daniel Handler, et cela signifie plusieurs choses :

1) un retour à des interventions fréquentes de Lemony Snicket, et à des explications de vocabulaire pas très intéressantes.

2) du remplissage qui a tendance à tuer la moindre tension narrative (tout le passage en ballon dirigeable n'a aucun intérêt quand on sait depuis le générique de début que l'épisode se terminera durant une vente aux enchères), et ce bien que le second épisode n'atteigne même pas les 40 minutes.

3) le gimmick récurrent des dialogues assez ultra-condensés débités à 200 à l'heure.

4) et, plus étonnant, un recours de plus en plus prononcé à des blagues et à des sous-entendus graveleux qui passeront totalement au-dessus de la tête des enfants, mais étonnent un peu de la part de la série (je n'ai pas le souvenir que ces allusions aient été aussi prononcées ou notables en saison 1).

À part ça, la direction artistique reste toujours aussi impressionnante, NPH se fait plaisir en clone de Karl Lagerfeld (même si son numéro musical n'apporte rien du tout, n'a pas grand sens dans le récit, et paraît très complaisant de la part de la production), Nathan Fillion et sa bibliothécaire sont amusants (mais incapables), et le tout est heureusement un peu plus nerveux... bien que la réalisation ait tendance à retomber dans des champs/contre-champs larges et face caméra dès qu'il y a plus de deux personnes à l'écran (un peu d'originalité, que diable !).

(retrouvez aussi sur ce blog la critique de la saison 1, et des épisodes 2x01-02)

Noël est passé, la Nouvelle Année est arrivée, mais comme tous les ans, la Christmas Yulefest continue sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma festif pendant toutes les fêtes de fin d'année...

Elf - Buddy's Musical Christmas :

Les aventures de Buddy l'elfe humain (Jim Parsons), qui part à New York pour rencontrer son père biologique et trouver l'amour.

Pour une raison ou pour une autre, Elfe de Jon Favreau (un film sympatoche, mais rien de plus qu'un Will Ferrell Show vaguement déguisé en film de Noël, avec la distanciation et l'ironie qui vont avec) est devenu un nouveau classique de Noël outre-Atlantique, notamment auprès des hipsters en tous genres. Soit.

Le film a connu une version papier, une version Broadway, et voilà maintenant qu'on a droit à une adaptation jointe de la version Broadway et du film en un résumé de 42 minutes. Et c'est bien là tout le problème : 42 minutes, avec les coupures publicitaires obligatoires, et tous les passages chantés (franchement assez insipides), ça donne un tout affreusement redondant, qui raconte au moins deux fois la même histoire (une fois dans le récit principal, qui refait donc le film en condensé, et une fois dans le générique de fin, qui résume à nouveau le tout en chanson), supprime tout développement des personnages principaux (Jovie, notamment, est quasiment inexistante), et, pour résumer, ne sert à rien.

D'autant que le casting vocal est malheureusement assez frustrant : Mark Hamill est sous-exploité, on ne peut que penser à Sheldon dès que Buddy parle (ce qui le rend éminemment exaspérant), Kate Micucci n'est pas très à l'aise dans son personnage, Gilbert Gottfried transforme son personnage (celui de Peter Dinklage) en caricature surjouée...

Restent les visuels mi-film d'animation, mi-stop-motion à la Rankin Bass : ils sont très réussis, et justifient presque de jeter au moins un coup d'oeil à ce Christmas Special... quel dommage cependant qu'ils n'aient pas été utilisés pour un récit qui aurait narré de nouvelles aventures de Buddy, et pas pour un simple remake sans grand intérêt.

3/6 (uniquement pour le travail esthétique, visuel, et d'animation)

Le Petit Prince des Trolls - une fable de Noël (The Little Troll Prince) :

Bu, un petit troll atypique et timide, héritier du trône de son royaume, finit par découvrir, au contact d'une famille d'humains, les bienfaits de la bonté, de la générosité, de Dieu et des fêtes de Noël.

Un Christmas Special américain de 45 minutes, produit par Hanna-Barbera et rediffusé chaque année sur Cartoon Network, mais qui malheureusement souffre d'un propos absolument pas subtil sur la Foi, Dieu, et compagnie.

C'est d'autant plus dommage que le casting vocal VO est intéressant (Vincent Price, Don Knotts, Cloris Leachman, Jonathan Winters...), que le ton global colle assez bien aux histoires de trolls nordiques traditionnelles, et que visuellement, c'est plutôt réussi.

Mais entre le propos prosélyte et les chansons assez datées et imbuvables (du moins en VF), le tout peine à convaincre réellement.

2.25/6 (pour le caméo de David le Gnome :p)

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

Seul sur Mars (The Martian) :

Séparé du reste de son équipage lors d'une tempête, Mark Watney (Matt Damon) se retrouve seul, abandonné sur Mars, alors que ses coéquipiers font route vers la Terre. Isolé de tout et de tous, le botaniste ne peut compter que sur ses connaissances et son savoir-faire technique pour survivre pendant des mois, en attendant l'arrivée d'hypothétiques secours. Sur Terre, cependant, la NASA finit par apprendre la survie de Watney, et décide de tout faire pour ramener ce dernier à la maison sain et sauf...

Après avoir vu ce long-métrage de Ridley Scott adapté d'un roman, soudain, je comprends mieux pourquoi il a été nommé dans la catégorie "comédie" aux Golden Globes. Non pas que ce soit une comédie, ou que ce film soit particulièrement drôle, mais le ton général de ce métrage est volontairement léger, nonchalant et désinvolte, optant régulièrement pour des moments plus ou moins comiques, au détriment de la moindre tension dramatique ou du moins suspens.

C'est bien là le problème du film : le réalisateur & son équipe ont clairement décidé que les spectateurs s'attendant à ce que Matt Damon survive jusqu'à la fin du film ; par conséquent, pour eux, il était apparemment inutile de laisser le moindre doute quand à cette survie. Matt Damon parvient ainsi à réaliser tout ce qu'il entreprend, sans grande difficulté, le sérieux des accidents qui surviennent étant désamorcé par une petit blagounette, ou par l'illustration musicale.

Bref, c'est presque une promenade de santé à laquelle on a l'impression d'assister, pas vraiment aidée par le rythme casanier du récit (2h20, tout de même), et par la réalisation très classique et posée de Scott.

Pour autant, malgré ces défauts, malgré l'écriture pas très finaude (avec tous ses personnages-fonctions qui débitent de l'exposition et des explications scientifiques à la seule destination du spectateur, façon "l'espace pour les nuls"), malgré l'irruption de Chinois héroïques et généreux clairement là pour augmenter les ventes de billets en Asie, malgré ses ellipses temporelles pas très bien gérées (le physique de Damon "change" au fil du temps, heureusement, mais en ce qui concerne ses coéquipiers et les Terriens, il n'y a pas un cheveu qui pousse !) et malgré un déroulement global très prévisible, le tout se regarde.

Heureusement, d'ailleurs, que la photographie et les effets spéciaux sont convaincants, car c'est le strict minimum dans un film de ce genre.

Reste qu'il est tout de même assez étonnant (et frustrant) qu'avec un tel sujet, on n'ait pas un seul instant le sentiment d'isolation, de solitude, de danger, ou d'éloignement que le premier tiers du dernier Riddick, par exemple, parvenait pourtant à imposer sans effort.

3.5/6

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Synchronicity :

Expert en physique, Jim Beale (Chad McKnight) travaille avec deux collègues (Scott Poythress et AJ Bowen) sur un moyen d'ouvrir un trou de ver permettant de voyager dans le temps. Pour cela, il s'est associé à un industriel, Klaus Meisner (Michael Ironside), qui le fournit en matériaux radioactifs essentiels à ses expériences. Mais bientôt, alors que les expériences de Beale touchent à leur but, et que des événements étranges se multiplient, Meisner annonce qu'il veut faire main basse sur la technologie développée par Beale, à des fins commerciales. Au pied du mur, et embarqué dans une romance improbable avec la mystérieuse Abby (Brianne Davis), Beale n'a plus le choix, et devient le propre cobaye de son expérience...

Un film indépendant de science-fiction, écrit par l'un des réalisateurs de The Signal, et qui s'attaque, comme beaucoup d'autres, au thème du voyage temporel, avec une structure fragmentée qui ne prend sens qu'à mesure que le film avance, et que le spectateur comprend la mécanique du métrage.

Malheureusement, je vais être franc : j'avais déjà perdu tout espoir après 13 minutes de film.

Pas à cause de l'ambiance pseudo-hommage à Blade Runner (filtres bleus et obscurs omniprésents, musique synthétique façon Vangelis), pourtant rapidement fatigante ; pas à cause de la distribution particulièrement quelconque ; pas à cause de la romance générique et peu intéressante ; mais, plus simplement à cause d'un échange entre le méchant industriel et le héros, accompagné de sa belle, qui se lance alors dans une tirade sur Nikola Tesla, recyclant tous les poncifs et les légendes urbaines autour du bonhomme comme autant de faits historiques.

Et, je l'ai déjà mentionné en ces pages, il n'y a précisément rien qui m'agace autant que ces scénaristes qui ont fait deux heures de recherche sur le monde de la physique, sont tombés sur une page sur Tesla, et recyclent ce qu'ils y ont lu sans rien vérifier, en conférant au bonhomme une aura de génie maudit et persécuté qui fait plus de mal que de bien au monde de la science.

Tesla est devenu tellement à la mode grâce au web qu'on le trouve désormais dans beaucoup trop d'oeuvres de fiction (un peu comme la sempiternelle explication du trou de ver pour les nuls, avec un crayon et une feuille de papier), et j'ai largement eu ma dose du mythe Tesla, c'est bon, je n'en peux plus.

Mais refermons cette parenthèse... le film en lui-même, passé cette faute de goût, et tous les problèmes mentionnés plus haut, est assez classique, en soi.

Si l'on a déjà vu/lu de la science-fiction jouant avec les concepts de boucles temporelles, de lignes temporelles parallèles, de paradoxes, etc, on n'aura aucune peine à avoir de l'avance sur le(s) personnage(s)... ce qui est loin d'être une bonne chose, puisque ces derniers sont trop transparents et inintéressants pour compenser, par leur présence/charisme, les faiblesses du scénario.

Autant dire que j'ai eu beaucoup de mal avec ce métrage, et que, même si je n'ai pas vraiment envie d'être méchant avec le film, c'est tout de même très très très faible.

2/6

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Les Pierrafeu & WWE - Stone Age Smackdown ! (The Flintstones & WWE - Stone Age Smackdown !) :

Lorsque Fred Pierrafeu gaspille toutes les économies de sa famille, il décide de mettre sur pied un spectacle de catch avec l'aide d'un collègue, John Cenastone, et de ses amis musclés, Rey Mysteriopal et l'Undertaker. Mais le maléfique CM Punkrock et son sbire Marble Henry ont une autre idée en tête...

Après le crossover Scooby-Doo/WWE, la Warner remet ça, avec une autre franchise Hanna-Barbera, les Pierrafeu. Et si je n'avais pas été particulièrement convaincu par le Scooby, ici... c'est bien pire. En fait, pour faire simple, on se retrouve ici face à un produit fainéant et médiocre, à la publicité mensongère.

Parce que vous voyez ce superbe poster, là, au-dessus ? Avec Daniel Bryan en plein match contre l'Undertaker, encadrés par les Bellas ? Pas de chance, Bryan n'est pas dans le film. Enfin si, dans une scène de 25 secondes. Et il y apparaît ridiculisé et aussitôt évacué du métrage par Cena.

Et toujours sur le poster, vous voyez le grand antagoniste du film, le catcheur le plus présent du métrage et mentionné explicitement dans le résumé, à savoir un certain CM Punk ? Ah, ben non, c'est vrai, il ne faudrait pas lui faire de la publicité maintenant qu'il est en procès avec la compagnie.

(ah, et les Bellas doivent être dans quatre ou cinq scènes, et elles n'ont rien à faire - comme dans la vie réelle, en fait - à part être sexy, et débiter des platitudes sur leur sex-appeal)

Bref.

Faisons abstraction de cette publicité mensongère, et concentrons-nous sur ce dessin-animé de 50 minutes.

Déjà, premier problème, 50 minutes, c'est beaucoup trop long pour ce que ça raconte, à savoir : rien. L'écriture est affreusement plate et mécanique, sans la moindre inspiration (rien que les noms préhistoriques des catcheurs, au secours) ; l'animation est très inégale, avec un character design moderne et simpliste, qui ne convainc pas vraiment ; le doublage est encore plus frustrant, avec un Punk qui cabotine et s'amuse, pendant que d'autres catcheurs et doubleurs sont en pilotage automatique ; et le film réussit le double exploit de ne rien comprendre au monde du catch (le combat final est un match handicap... dans lequel les deux maychants se font dominer par cinq héros !?), tout en prenant ses fans pour des idiots (le mot "catch" n'est jamais prononcé de tout le film, systématiquement remplacé par "divertissement sportif", conformément aux lubies révisionnistes de Vince). Forcément.

Pour résumer : ce n'est pas bien animé, ce n'est pas bien doublé, ce n'est pas bien écrit, et ce n'est pas honnête avec ses spectateurs. Ah, et bien sûr, Cenawinslol.

1/6

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L'Entremetteur (The Matchmaker) :

Désireuse de faire réélire le Sénateur John McGlory (Jay Sanders), son assistante Marcy Tizard (Janeane Garofalo) part pour l'Irlande, à la recherche des origines du politicien. Mais en arrivant dans la bourgade côtière de Ballinagra, elle découvre que c'est "la saison des entremetteurs", durant laquelle célibataires de tous bords se retrouvent au village pour trouver l'âme soeur, et confient leurs services à plusieurs entremetteurs ; prise dans la tourmente de cette tradition, Marcy tente alors d'accomplir sa mission, tout en esquivant les innombrables prétendants qui la trouvent très à leur goût...

Pas mal de clichés sur l'Irlande dans cette comédie romantique en partie scriptée par Graham Linehan (Father Ted), et datant de 1997, une époque à laquelle Janeane Garofalo était encore une tête d'affiche crédible pour des films de ce genre.

À l'époque, Garofalo était à la fois adorable et approchable, avec un immense sourire lumineux particulièrement mémorable... mais les impératifs de l'industrie étant ce qu'ils sont, rapidement, les démons de l'actrice ont pris le dessus : complexes physiques (dans une industrie où il faut être grande, sexy et mince, difficile d'être une petite brune à la bouille ronde qui aime les tatouages), troubles psychologiques (anxiété, phobies, dépression), engagement politique agressif et refus du compromis, caractère rebelle et sarcastique qui n'a fait que se renforcer de plus en plus, alcoolisme... Garofalo a progressivement coupé les ponts avec les studios, fait des choix de carrière regrettables, et a abandonné cette carrière de tête d'affiche pourtant prometteuse pour se consacrer au stand-up et à des seconds rôles jamais pérennes.

Franchement dommage, car non seulement elle est ici très attachante, mais en plus elle apporte au film une attitude et du répondant qui font par ailleurs défaut à ce dernier. Car le reste du métrage est particulièrement routinier dans le genre "comédie romantique en terre étrangère"... pire : il est même assez mal rythmé et peu intéressant, des problèmes qui s'ajoutent à un manque crucial d'alchimie entre Garofalo et l'acteur masculin principal, David O'Hara, qui n'a pas le moindre charme, et souffre d'un personnage particulièrement peu attirant (une sorte d'équivalent au Gerard Butler de certaines rom-coms récentes, mais sans le charisme et la virilité barbue).

Bref, entre cette romance qui ne fonctionne pas, le rythme mollasson, les chansons pop-rock locales et envahissantes, et le récit ultra-balisé, le tout s'avère globalement plat et décevant. Heureusement qu'il y a Garofalo, quelques seconds rôles bien castés, et les paysages irlandais pour éviter un naufrage complet.

2/6

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Happy Valley :

"Happy Valley", c'est le surnom donné à la région qui abrite la ville de State College, où est établie l'Université de Penn State, et son équipe de football américain. À la tête de cette dernière pendant plus de 40 ans, l'iconique Joe Paterno, un emblème d'idéalisme, de pureté et de victoire, et un homme virtuellement sanctifié par toute la ville, tant pour son palmarès que pour son code de conduite. Un homme qui, pendant plus d'une décennie, a fermé les yeux sur les agissements de Jerry Sandusky, l'entraîneur assistant, qui a violé et abusé de tous les enfants qui sont passés sous sa juridiction. Lorsque le scandale éclate, en 2012, c'est toute la ville qui sombre dans le cauchemar, et qui prend partie, faisant souvent passer son amour du football et de son histoire avant le bien-être des siens...

Un documentaire assez glaçant sur une ville où le football est une religion, où Paterno est innocent aux yeux de beaucoup... et quand bien même il serait coupable d'avoir fermé les yeux (et négocié un départ en retraite très confortable mais précipité juste avant que les choses ne deviennent publiques), "il aurait dû être laissé tranquille, en souvenir de sa carrière formidable et mémorable."

WHAT. THE. FUCK.

C'est à peu près tout ce qui m'est venu à l'esprit pendant cette chronique des évènements, qui a la bonne idée de ne pas forcément imposer son point de vue, mais de laisser plutôt les intervenants s'enterrer eux-mêmes.

On découvre ainsi des hordes d'habitants de State College qui descendent dans les rues, cassent et renversent des autos en insultant les médias qui osent dire du mal de leur "Saint" local, des fans qui préfèreraient qu'on oublie tout ça, et qu'on se concentre sur ce qui est important (le football), des supporteurs qui commencent à siffler une minute de silence en début de match pour les victimes de ce scandale, des responsables de l'Université qui ont enterré l'affaire et se plaignent désormais que tout ça a ruiné l'industrie du football local, un père de famille qui, voulant sa photo avec la statue de Paterno, vient menacer physiquement un manifestant pacifique qui se tenait à côté avec une pancarte rappelant les crimes de l'entraîneur...

... bref, tout ça fait assez peur, et pour quelqu'un qui n'a pas la culture du football américain universitaire, c'est assez incompréhensible de voir un tel fanatisme aveugle et abruti, qui préfère reporter le blâme sur les victimes des actes, et sur les médias qui en parlent.

Pas parfait (on aurait aimé un peu plus de recul, et de détails), mais assez effrayant de voir comment le culte de la personnalité et la starification des participants à un sport peuvent amener à de telles extrémités.

4/6

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Halloween approche lentement, et comme tous les ans, c'est l'heure de l'Oktorrorfest sur le blog des Téléphages Anonymes, avec au programme un marathon de cinéma fantastique et d'horreur pendant un peu moins de deux mois, de mi-Septembre à mi-Novembre...

Le Projet Atticus (The Atticus Institute) :

Fondé par le Dr. Henry West (William Mapother) afin d'étudier le monde du paranormal et de la parapsychologie, l'Institut Atticus accueille, au milieu des années 70, un étrange cobaye, Judith Winstead (Rya Kihlstedt) qui possède des dons hors du commun. Bien vite, cependant, il apparaît qu'elle est possédée par un démon qui prend chaque jour plus de pouvoir... et bientôt, c'est le gouvernement qui s'en mêle, pour tenter de prendre le contrôle du démon à des fins militaires.

Un mockumentaire qui marche dans les traces de Lake Mungo, avec images d'archives, interviews face caméra, found footage, etc.

Malheureusement, les points faibles de ce métrage sont les points sur lesquels il s'éloigne de Mungo : là où Mungo esquivait habilement les écueils d'un scénario prévisible en ajoutant des rebondissements bien trouvés, ici, tout est téléphoné. On devine sans peine qui va survivre à la fin du métrage en observant simplement les témoignages face caméra, on devine les effets chocs de certaines scènes quelques instants avant qu'ils ne se produisent, on devine ce vers quoi se dirige le récit, etc...

Autre point de différence avec Mungo : l'époque. En replaçant tout dans les années 70, Atticus demande à ce que l'on croit à sa reconstitution historique : seul problème, les multiples caméras, ainsi que le rendu audio et vidéo beaucoup trop propre et net, affaiblissent considérablement cette reconstitution, qui est pourtant assez réussie de l'autre côté de la caméra.

C'est d'ailleurs ça qui est frustrant : le film réussit assez bien à faire monter la pression dans sa première partie, malgré les quelques écueils mentionnés ci-dessus, mais dès que l'armée s'en mêle, ça commence à s'affaiblir.

La faute à un récit qui freine des quatre fers, qui devient encore plus prévisible, et la faute à un témoin face caméra (l'incarnation âgée de l'agent gouvernemental) qui débite son texte d'une manière assez forcée. Quant à la fin du récit, elle cumule un effet spécial assez naze, avec un sentiment de déjà vu, notamment dans Paranormal Activity.

Pour résumer, un bel effort, notamment des acteurs (l'agent âgé excepté), une approche intéressante du film d'exorcisme, mais malheureusement, trop de scories et de moments prévisibles pour vraiment convaincre sur la durée. Dommage.

2.5/6

Au programme : un film par jour, cinq jours par semaine (tant que j'arriverai à tenir la cadence ^^), et des mini critiques d'une dizaine de lignes, tout au plus.

The Hit Girls 2 (Pitch Perfect 2) :

Trois ans après leur première victoire nationale, le groupe des Bellas connaît un incident humiliant durant une représentation a capella devant le Président des États-Unis ; mis sur le banc de touche, le groupe commence à se désagréger, d'autant que Beca (Anna Kendrick) se désintéresse progressivement de la formation pour une carrière de productrice musicale. Il ne leur reste qu'un seul espoir : remporter les championnats du monde, et se refaire ainsi une réputation en écrasant leurs compétiteurs allemands (Birgitte Hjort Sørensen & Flula Borg)...

Le premier Pitch Perfect était une comédie de filles gentillette, clichée et un peu trop longue, qui a connu un succès planétaire principalement grâce à sa distribution sympathique (Anna Camp et Anna Kendrick en tête), à son énergie, à son côté karaoké décalé, et au Cup Song devenu viral sur le web. Pour être franc, je n'en garde pas forcément un souvenir impérissable... du 3, 3.25/6, à tout casser.

Cette suite ? Bigger, longer, louder, lazier et donc encore moins indispensable. Réalisée sans grande inspiration par Elizabeth Banks, ce second épisode semble constamment être en pilotage automatique, à commencer par Anna Kendrick, qui semble effacée et blasée, à l'instar de son personnage.

Tout le reste est d'ailleurs à l'identique : les personnages restent pour la plupart des archétypes limités à une ou deux vannes récurrentes (l'ajout d'une latina à la troupe, histoire de respecter les quotas, et d'avoir quelqu'un pour faire des blagues sur les latinos et les immigrants clandestins), voire sans la moindre ligne de dialogue (seule exception, Hailee Steinfeld, attachante et dynamique), Rebel Wilson en fait toujours trois tonnes, le script est ultra-balisé et générique (avec une exposition pataude, et une structure très mécanique), le tout manque drastiquement d'énergie et de motivation, c'est décousu, et les clichés, qu'ils soient ethniques ou autres, se succèdent jusqu'à l'épuisement.

Quant aux numéros musicaux, ils sont ici tellement sur-produits et sur-chorégraphiés qu'on père totalement l'intérêt de l'a capella, pour un résultat au mix sonore qui semble clairement sorti d'un studio de post-production et d'auto-tuning, résultat qui n'est pas aidé par des choix de morceaux et de mash-ups peu marquants ou mémorables.

En somme, on a plus l'impression d'assister à des concours de playback chorégraphiés qu'à des affrontements scéniques et crédibles de groupes vocaux... ce qui est clairement contre-productif compte-tenu du sujet du film.

(sans même parler des moments virant à la pure comédie musicale, avec bande sonore qui sort de nulle part)

Restent néanmoins d'innombrables caméos amusants (mention spéciale aux Greenbay Packers, très funs, et à Keegan Michael Key, comme toujours impeccable), des antagonistes mémorables, et le côté karaoké à la Glee qui enchantera sans nul doute les fans du premier.

2.25/6 (en plus, Anna Camp est absente pendant les 70 premières minutes, et disparait un quart d'heure plus tard, donc bon gros bof)

La carte le laissait fortement pressentir : prise de risque zéro sur ce PPV qui n'est disponible que pour les abonnés au Network, et donc qui devrait s'avérer sans le moindre changement de titre, ou enjeu sérieux.

Un PPV assez solide, je dois dire, pour de la WWE. Les enjeux de tous les matches étant nuls et non avenus, les bookers ont laissé les lutteurs faire leur truc, et ça s'est bien passé pour la plupart : la première moitié était très bonne, la seconde nettement plus moyenne, mais dans l'ensemble c'était honorable. Dans deux semaines, Money in the Bank, et des rematches probables.

La seconde saison des Orphelins Baudelaire continue, avec des défauts et des qualités toujours identiques, et un ton étrangement plus chargé en sous-entendus graveleux, principalement dans la bouche du Comte Olaf...

Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events - Saison 2 - The Vile Village (2x05-06) :

Les Baudelaire sont confiés aux habitants d'un village excentrique passionné par les oiseaux, et refusant d'utiliser tout objet mécanique. Mais rapidement, Olaf et ses sbires les retrouvent, Jacques sur leurs talons ; et lorsque ce dernier est assassiné par Olaf, les enfants se retrouvent accusés du meurtre par Olaf, déguisé en Inspecteur, et par Esmé, qui se fait passer pour le nouveau chef de la police locale...

À nouveau, la première chose qui saute aux yeux devant ce double épisode, c'est le changement total d'environnement par rapport aux précédents, et l'excellente direction artistique. Je ne le dirai jamais assez : c'est vraiment là le point fort de la série, réussir à créer un univers à la fois crédible et factice, simultanément réaliste et théâtral : typique de Sonnenfeld, à nouveau à la réalisation.

Le problème, cependant, c'est que cet univers décalé ne facilite pas les choses quand vient le moment d'instaurer des enjeux plus sérieux que la moyenne ; déjà que le format et les fréquentes interruptions de Lemony Snicket ont tendance à étouffer dans l’œuf le moindre semblant de tension ou d'énergie... ça rend les choses difficiles à vraiment prendre au sérieux.

En l'occurrence, la mort subite, hors-champ, de Jacques. Une mort qui arrive après un premier épisode d'autant plus intrigant qu'il abordait frontalement les rapports de Jacques et d'Olaf, leur ancienne amitié, etc, ce qui apportait une dynamique toute autre à la série. Et une mort qui n'a pas grand poids, ni n'est suffisamment marquante vue la folie de tout le reste du programme.

Jacques est donc évacué (Nathan Fillion me manquera), et il faut alors remplir le reste de ces deux épisodes atteignant à peine les 40-43 minutes chacun. Ce qui, Daniel Handler à l'écriture oblige, implique pas mal de remplissage - tout ce qui concerne la demeure volante, le grand final du second épisode, etc - et quelques ficelles un peu voyantes - les feuilles du carnet, et le départ des Quagmire, qui n'auront servi que de MacGuffins, le temps d'une scène et demi.

(heureusement, pas de sous-entendus graveleux, cette fois-ci, ou alors plus discrets)

Le second épisode s'avère ainsi un peu statique, avec des Baudelaire pris au piège dans une cellule, et NPH & Lucy Punch qui font leur grand numéro. Pourquoi pas (et le caméo de Mindy Sterling & compagnie en Anciens du village est sympathique), mais dans l'ensemble, le deuxième épisode ne s'avère pas vraiment à la hauteur du premier, plus intéressant dans ce qu'il sous-entendait du passé d'Olaf... 

(retrouvez aussi sur ce blog la critique de la saison 1, et des épisodes 2x01-02 ; 2x03-04)